La composition - Photographie et traitement de l`image

La composition - Photographie et traitement de l`image
La composition : "Photographier, c'est écrire avec des photos"
Cadrage et composition
La photographie n'a rien inventé des lois
de composition de l'image. En effet,
c'est la peinture qui a d'abord instauré
les règles de base qu'il est important de
connaître afin de les appliquer.. ou
mieux les contourner.
Plus rapide que le peintre, le photographe n'est pas maître de la disposition
spatiale des différents éléments qui vont
composer son image. Il doit néanmoins
s'en accommoder, en essayant de les
organiser au mieux pour réaliser une
composition graphique acceptable. S'il
existe des centaines de règles de compositions d'image, on peut cependant
n'en citer qu'une fondamentale à toute
construction qui est "la règle des tiers".
Nous la découvrirons plus loin.
grands angles (entre 20 et 35 mm compris); les téléobjectifs ayant en effet tendance à les tasser supprimant ainsi la
perspective. De plus, la profondeur de
champ est beaucoup plus restreinte sur
ce type d'objectif.
A savoir enfin, qu'il est nécessaire d'occuper toutes les parties de l'image. Par
exemple, l'absence de sujet dans le tiers
inférieur droit d'une image ne permet
pas à celle-ci d'être équilibrée. Dans un
cas comme celui-la, il est alors préférable de recadrer sa photo ou d'attendre
que la partie vide se remplisse ou qu'on
la remplisse soi-même (personnage,
objet).
ment est plus grande qu’une photo prise
horizontalement (plus précisément que
les deux extrémités sont plus éloignées
sur la photographie verticale !). Du coup,
l’œil humain accorde moins d’importance aux éléments se situant tout en haut
ou tout en bas de l’image.
On appelle le cadrage vertical, le format
« portrait ». En effet, il convient particulièrement aux prises de vue de portraits
ou de sujets ou d’actions se déroulant
dans la hauteur (escalade par exemple).
1. Les premiers choix à faire
A. Horizontal ou vertical ?
"Photographier, c'est écrire
avec des photos"
Cette règle de base du cadrage ne doit
pas en faire oublier une autre qui est que
"photographier, c'est écrire avec des
photos". En effet, si dans n'importe quel
récit une trame est introduite, développée puis conclue, il en est de même avec
l'image.
Celle-ci doit donc se composer d'un premier plan, puis d'un second et enfin d'un
troisième (évitez d'en introduire plus
dans un premier temps); chacun d'entre
eux devant être mis en relation avec le
précédent. Cette juxtaposition de plans
permet ainsi de donner la notion de
3eme dimension (la profondeur) sur un support-papier
qui n'en comporte que deux
en réalité.
L'organisation des plans est
bien sûr à surveiller car il
n'est pas question ici de
recréer une suite de plans
parallèles aux bords horizontaux de l'image. Donc
évitez par exemple de
prendre des bâtiments ou
une plage directement de
face. Les plans s'organiseront en effet plus harmonieusement les uns aux autres si l'on
crée un angle d'environ 30 à 45 degrés
entre le bord de l'image et le premier
plan.
Contrairement aux idées reçues, ce travail sur les plans est beaucoup plus facile à réaliser lorsque l'on utilise des
C’est la première décision à prendre
lorsque l’on cadre un sujet.
D'une façon générale, une image paraît
mieux équilibrée, plus stable si elle est
placée en largeur car ce cadrage correspond à une vision humaine. En effet nos
yeux balayent l’espace de gauche à droite, d’où cette impression… Il faut noter
également que la prise en main des boîtiers est horizontale.
On appelle le cadrage horizontal, le format « paysage ». Il est vrai qu’il convient
tout à fait à la prise de vue d’une scène
générale (paysage, groupe de personne…) et toutes les actions qui se déroulent sur la largeur (course de voiture par
exemple).
Ici, la scène se déroule dans la hauteur
Le format de votre prise de vue va donc
avoir une réelle incidence sur la signification que vous allez donner à vos photos. Voici un petit résumé :
Carré : On peut faire des photos en
moyen format (ainsi plus besoin de se
poser la question horizontal ou vertical ?) mais ce format est assez monotone
et ne convient qu’à peu de sujets…
Rectangulaire : Le format classique rectangulaire comporte des lignes fortes
qui dynamisent la photo.
Horizontal : un cadrage horizontal donne
une impression de calme, de profondeur
et de distance.
Vertical : un cadrage vertical donne une
impression d'action et de proximité. De
plus, un cadrage vertical est plus chaleureux qu’un cadrage horizontal.
Le cadrage horizontal est conseillé pour les
paysages
L’œil est moins habitué aux compositions verticales car il doit balayer la
photo de haut en bas.
De plus, une impression d’optique nous
fait croire qu’une photo cadrée verticale-
B. Le point de vue
Le photographe choisi une position par
rapport au sujet, cette position est porteuse de sens, on l’appelle le point de
vue. Le photographe indique ainsi son
rapport avec le sujet. Il faut donc choisir
le point de vue le plus adapté pour
retranscrire les sentiments que le sujet
nous a inspiré.
Si le point de vue est rapproché, le photographe exprime une certaine intimité
avec le sujet alors que s’il s’éloigne, on
va ressentir une certaine distance.
On parle surtout de point de vue selon la
position plus ou moins en hauteur par
rapport au sujet. Il y a donc trois possibilités :
• Hauteur d’œil
C’est la position normale, le photographe est à la même hauteur que le
sujet.
• Contre plongée
En contre plongée, le photographe est
plus bas que son sujet, il oriente l’appareil vers le haut.
Un tel cadrage donne une certaine
impression de puissance et de domination du sujet.
Ce point de vue va accentuer les perspectives et réduire les plans horizontaux.
Le sujet est mis en valeur (l’arrière plan a
encore moins d’importance) mais il est,
là aussi, déformé. En effet, les éléments
proche de l’objectif semblent beaucoup
plus importants que leur taille réelle.
Le sujet n'est pas mis en valeur
• Le plan d’ensemble (PE)
Le plan d’ensemble est un cadrage plus
resserré que le plan général. Le sujet
occupe une plus grande partie de l’image, il est devenu indentifiable mais sa
relation avec son environnement reste
toujours prépondérante.
On utilise, là aussi, une petite ouverture.
La contre plongée agrandi le sujet, le déforme
A hauteur d'oeil, le sujet n'est pas déformé
• Plongée
Dans cette position, le photographe se
situe plus haut que le sujet à photographier, il oriente donc l’appareil photo
vers le bas (d’où le terme plongée…).
Un tel cadrage donne une certaine
impression de solitude et de détresse. Le
photographe domine en quelque sorte le
sujet.
Ce point de vue va écraser les perspectives et déformer les éléments. La plongée donne plus d’importance aux lignes
en accentuant les surfaces horizontales.
Il est recommandé de cadrer le sujet
principal assez serré et surtout d’éviter
tous les éléments parasites.
Attention à ne pas se mettre en plongée
lorsque l’on photographie un enfant par
exemple, il est préférable de s’accroupir
pour se mettre à hauteur d’œil.
La plongée rapetisse le sujet, le déforme
Le point de vue varie également selon le
type de focale que l’on va utiliser :
Une focale courte (grand angle) va
amplifier considérablement la profondeur de champ (et les déformations)
alors qu’une focale longue (téléobjectif )
va écraser les perspectives et la profondeur.
C. La taille des plans
La taille des plans est basée sur le
découpage de la silhouette humaine. On
utilise plus souvent cette notion de plan
dans le langage filmique mais il convient
également à la photographie pour identifier les différents types de cadrage.
• Le plan général (PG)
Le plan général consiste à prendre le
sujet dans son environnement général.
Le sujet est donc vu avec un certain recul
puisqu’il est intégré à ce grand espace.
C’est le plan idéal pour insister sur
l’étendue de l’endroit photographié et
sur la forte relation entre le sujet et le
lieu où il se trouve.
Il faut utiliser une petite ouverture pour
obtenir une zone de netteté qui s’étant
du premier à l’arrière plan (grande profondeur de champ).
Le sujet et son environnement sont aussi importants
l'un que l'autre
• Le plan moyen (PM)
Le plan moyen est un cadrage resserré
sur le sujet principal. Il doit apparaître en
entier sur la photo. Dans ce genre de
plan, on s’intéresse beaucoup moins au
décor.
Il faut soit se rapprocher du sujet soit utiliser une longue focale.
Le sujet est plus important que le décor
• Le plan américain (PA)
Le plan américain consiste à cadrer un
personnage à mi-cuisse. Le décor est
secondaire, on va donc isoler le sujet en
réduisant la profondeur de champ (grande ouverture, longue focale).
Il est déconseillé d’utiliser des grands
angles qui déformeraient le sujet.
• Le très gros plan (TGP)
A. Nombre d’or et règle des tiers
Le très gros plan consiste à remplir son
cadre par une petite partie du sujet
(cette partie doit avoir son importance
bien évidemment). On isole donc un
détail (une bague de fiançailles par
exemple) ou une partie du corps humain
(un œil par exemple).
Le photographe va rechercher une forme
pure, une texture intéressante.
Il ne faut pas oublier de se mettre en
mode macro et de bien exposer son
sujet.
Le placement d’un sujet sur une photo
doit obéir à la règle du nombre d’or.
Cette règle d’or a été définie à l’origine
par un architecte romain afin d’établir
une division inégale et dissymétrique
des espaces qui paraîtrait très agréable
et esthétique pour l’œil humain. La règle
dit que le rapport entre la plus petite et
la plus grande partie de l’image doit être
équivalente au rapport entre la plus
grande
partie
et
le
tout.
Mathématiquement parlant, 1.618 représente cette proportion idéale.
C'est le cadrage le plus utilisé dans les Western
américain...
Concrètement, les formats correspondant à la règle du nombre d’or sont par
exemple : 13 x 21 cm, 18 x 30 cm, 24 x 39
cm soit des formats proches des standards de la photographie…
• Le plan rapproché
Il y a deux types de plans rapprochés : le
plan rapproché taille (PRT) et le plan rapproché poitrine (PRP). On ne voit que la
partie supérieure du sujet (coupé à la
taille ou à la poitrine comme le nom l’indique).
On utilise là aussi une grande ouverture.
On montre ici un détail du sujet
Plus intéressant encore, on s’est servi de
ce nombre d’or pour établir des lignes
imaginaires qui découpent l’image en
trois parties horizontales et verticales
égales. Ces lignes sont appelées lignes
de forces.
2. Les règles de composition
"La règle des tiers"
Un cadrage rapproché permet d'isoler le sujet
• Le gros plan (GP)
Le gros plan consiste à cadrer une partie
importante du sujet pour la mettre en
valeur. Le décor est alors inexistant. Il
faut rester vigilant sur les détails car le
moindre défaut sera visible sur la photo.
Il est primordial de bien travailler l’éclairage du sujet.
En principe, nous disposons tous d'un
appareil photographique au format rectangulaire. Dès lors, pour appliquer cette
règle, il suffit de diviser le cadre (ce que
l'on voit) par deux lignes horizontales
situées chacune à un tiers de chaque
extrémité de l'image. De la même façon,
l'opération est aussi à effectuer avec
deux lignes verticales. On se retrouve
ainsi avec neuf rectangles équivalents et
quatre intersections de lignes.
L'idéal est de placer ensuite le sujet à
photographier sur l'une de ces intersections et de faire naître un mouvement
vers l'intersection opposée. Ce mouvement peut aussi bien être suggéré par le
sens du regard d'une personne ou une
ligne du paysage, qu'être effective
comme l'arête d'un bâtiment ou le bras
d'un sujet animé. A l'opposé il faut éviter
de centrer le sujet, ce qui laisserait alors
deux zones (à droite et à gauche) souvent sans réel intérêt pour l'image sauf
si le but est d’insister sur la symétrie.
Toutefois, cette règle souffre d'une
exception notoire : on peut en effet centrer son sujet, en le plaçant au centre du
tiers inférieur de l'image, afin d'insister
aussi sur l'importance de celui-ci.
Il en ressort la règle des tiers, qui doit
être utilisée pour son cadrage. La proportion idéale en photographie est donc
de 1 tiers pour 2 tiers. En effet, si on
cadre son sujet au centre de l’image, la
photo risque d’être plate, sans vie car
cela provoquera une symétrie trop
monotone, pour dynamiser sa photo et
renforcer son esthétisme, il faudra donc
veiller à placer le sujet au tiers de son
viseur.
Il faut éviter de placer deux éléments
importants sur une même ligne de force
car ils auraient tendance à s’affaiblir
mutuellement.
On met en valeur une partie du sujet
Il faut éviter de centrer la photo...
dernier parasiterait le sens de votre
photo.
Mettez plutôt en valeur un élément...
Il faut donc placer les yeux sur un point
fort et laisser de l'espace dans le sens du
regard.
... ou l'autre
B. Lecture d’une image
Pour un portrait, ne visez pas les yeux
mais le cou !
Les intersections de ces 4 lignes font ressortir les points forts de la photo. Il s’agit
en fait des quatre points où l’œil va être
le plus attiré, donc les régions où vous
devez placer les éléments les plus importants de votre photo (par exemple les
yeux d’une personne). Attention, à l’inverse, de ne pas placer un détail qui n’a
pas d’importance sur un point fort car ce
Des tests scientifiques ont démontré que
tous les individus d’une même culture
ont le même cheminement visuel. Donc
lorsque l’on découvre une photo, nous
avons une structure perceptive commune. Il va falloir se servir de cette connaissance du mécanisme du regard pour attirer le spectateur de sa photo vers le
sujet principal, bref le diriger vers le
message important.
L’œil a en fait un champ de vision nette
très étroit, il va donc balayer la surface
d’une image d’un mouvement continu
extrêmement rapide (ce qui donne l’impression de percevoir l’image nette dans
sa totalité). L’œil n’a pas une méthode
d’exploration de l’image unique, il est
attiré par un certain nombre d’éléments.
Bien sur, comme nous l’avons vu précédemment, il est attiré par les points forts
de l’image. Le regard s’attarde aussi sur
les zones compliquées de l’image et se
dirigera plus facilement vers la forme la
plus grande ou la plus proche, il a aussi
tendance à s’orienter vers le centre de
l’image. D’autres caractéristiques de certaines régions d’une photo (la netteté, la
régularité, le premier plan, les couleurs
chaudes…) peuvent également diriger le
regard.
Le balayage de l’œil se fait dans le sens
de l’habitude culturelle, il aura donc tendance à aller de gauche à droite et de
haut en bas. On appelle ce balayage, la
lecture en Z.
Un dernier élément attire l’œil, il s’agit
de l’apparence humaine. Si vous placez
une personne dans un décor, le regard va
forcément se porter en premier sur le
personnage.
Encore plus précisément, c’est le visage
qui attire le plus. De même, dans un visage, c’est le regard qui a le plus d’importance.
Si on prend l’exemple des célèbres publicités Aubade, on comprend pourquoi le
photographe ne cadre pas le visage du
modèle, c’est le produit qui doit être mis
en avant or la présence d’un visage
détournerait le regard…
Enfin, le balayage horizontal explique
pourquoi une photographie avec des
dominantes horizontales sera reposante
pour l’œil (évoque le calme, la profondeur et permet d'élargir l'image) alors
que des dominantes verticales seront
fatigantes (évoquent la rigidité et permettent d'allonger l'image) et des dominantes obliques seront plutôt agréables
et briseront la monotonie !
L'oeil se fatigue plus en lecture verticale
C. Les lignes directrices
Une fois que l’on a compris le fonctionnement de l’œil et le balayage qu’il exécute, on en déduit comment attirer l’œil
vers l’endroit qui nous intéresse. Pour
cela, on va contrôler les lignes directrices d’une image. Les lignes directrices
sont définies par la direction des différents éléments de la photo.
On peut enfin obtenir un rythme pyramidal si les lignes directrices encadrent le
sujet dans un triangle.
Le rectangle vertical exprime la puissance, la force et la solidarité. Il peut aussi
servir à dramatiser une composition.
B. L'équilibre de la composition
On obtient un rythme pyramidal
Attention, les lignes directrices ne doivent pas amener vers des endroits sans
sujet ou vers l’extérieur de l’image mais
doivent, au contraire, guider l’œil vers le
sujet principal.
ici, une multitude de lignes directrices nous emmè nent au centre de l'image
Les lignes directrices vont donc déterminer le caractère de l’image et en particulier le rythme.
On va obtenir une photo avec un rythme
statique si les lignes directrices dominantes sont horizontales ou verticales.
Le rectangle horizontal évoque une
atmosphère paisible, le repos mais il
peut également donner l’impression de
lourdeur et de froideur.
Composer une photo va donc consister à
ordonner les différents éléments et les
hiérarchiser. On va ensuite se servir des
lignes de forces et des points forts pour
placer les bons éléments aux bons
endroits et accentuer les lignes directrices pour qu’elles amènent vers le sujet
principal de notre photo.
La composition d’une photo doit également prendre en compte le poids visuel
de chaque élément, c'est-à-dire son
contexte, sa forme et son contraste afin
d’équilibrer son image.
Equilibre des masses
L’impact d’une grosse masse est très
important et va monopoliser l’attention
au détriment des masses plus petites. La
première chose à faire pour équilibrer
une image est de compenser les masses
entre elles.
Il faut donc prendre en compte plusieurs
paramètres :
- leurs dimensions
- le placement des masses les unes par
rapport aux autres
- les distances qui les séparent
3. Les éléments à prendre
en compte
A. Les formes
On obtient un rythme statique
Si les lignes directrices dominantes sont
obliques (parallèles ou non), on obtient
un rythme dynamique. Briser les lignes
obliques entraîne une sensation de rupture, une instabilité.
Il faut placer correctement les formes
élémentaires dans une image. Ce placement va donner un certain impact à la
photographie. Pour qu’une forme ressorte, il faut qu’elle se détache du fond de
l’image. Voilà quelques formes élémentaires et l’impression qu’elles donnent :
Le carré est symétrique et donc donne
une impression de calme et de stabilité.
Il vaut mieux l’accompagner d’autres
formes sinon la photo risque d’être trop
plate.
Le triangle ascendant est une forme harmonieuse qui donne une impression de
calme et d’équilibre (une base solide).
C’est aussi une forme de spiritualité (elle
pointe vers le ciel).
On obtient un rythme dynamique
Le triangle descendant accélère le mouvement du regard et donne une certaine
impression d’insécurité.
Le cercle symbolise l’infini, la douceur,
l’harmonie, il donne donc l’impression
d’un équilibre parfait
Il faut savoir que pour un meilleur équilibre, on va
placer la plus grande masse vers le bas afin d’asseoir la photo.
Equilibre des tons
Un équilibre des tons s’obtient si un élément de petite taille a autant d’impact
qu’un élément de plus grande taille. En
fait, l’environnement autour de la plus
grande masse doit s’approcher de sa
tonalité, ainsi la masse est estompée,
elle a moins d’importance.
Equilibre des teintes
De la même façon, il faut que l’élément
de petite taille apporte autant d’impact
qu’un élément plus grand. Pour obtenir
cet équilibre, la teinte de la plus petite
masse doit être très forte et marquante.
C. Dernières recommandations
- Sur une image horizontale, un objet
placé à gauche domine au vu du sens de
lecture d’une image. Mais la gauche et la
droite trouvent également une autre
signification. La gauche va représenter le
passé et la droite le futur. C’est pour cela
que beaucoup de photos dont le sujet
principal est un personnage vont placer
l’individu à gauche avec son regard portant vers la droite (il regarde vers le futur
en quelque sorte). Ce placement est
donc porteur de sens. Prenons l’exemple
d’une scène : un grand père raconte une
histoire à son petit fils. Si vous souhaitez
faire passer ce message, pour que la
photo soit facilement compréhensible, il
est donc recommandé de placer le grand
père vers la droite et l’enfant vers la
gauche, le sens de leur regard exprimera
à lui seul la différence de génération (le
grand père regardera à gauche donc vers
le passé, alors que l’enfant regardera
vers l’avenir…).
- Sur une image verticale, un objet placé
en haut aura plus d’impact. Mais le haut
et le bas ont là aussi, une autre signification. Le bas d’une image représente la
matérialité alors que le haut va plutôt
rappeler la spiritualité.
- Veillez à laisser une zone neutre dans
votre cadre. En effet, il vaut mieux laisser
une zone vide (sans détails importants)
tout autour de la photo. Cela va donner
une sorte de marge (il est recommandé
de laisser environ 1/10ème de la largeur
et de la hauteur).
- Pensez également que ce qui se trouve
hors du cadre (le hors champ) est aussi
important que ce qui se trouve effectivement sur la photo. Il va falloir jouer avec
cette notion afin de placer plusieurs
indices qui vont permettre de recréer
mentalement cet espace hors de la
photo. Dans certains cas, le fait de ne
pas montrer un élément va le rendre
encore plus fort car il va laisser libre
cours à l’imagination du spectateur.
Pour terminer, n’oubliez jamais que
votre photo doit raconter quelque chose,
elle doit faire passer un message, une
émotion. Il est donc conseillé de ne montrer qu’un seul sujet principal.
Toutes les règles que vous venez de lire
ne doivent servir qu’à vous aider à
retranscrire vos sentiments, en mettant
du sens dans votre composition et en
comprenant comment l’inconscient de
chacun va interpréter votre photo.
Qu’est-ce qu’une bonne
photo ?
Personne ne peut, d'emblée, donner de
réponse à une telle question, la sensibilité de chacun et la relation avec le sujet
étant autant d’éléments qui jouent un
rôle important. Mais, il nous arrive d’être
attirés par les photos des autres sans
bien savoir pourquoi, même si aucune
relation ne vous lie avec le sujet. Cette
attraction particulière peut néanmoins
s’expliquer par la composition de la
photo.
Voici quelques principes de base de la
composition d’image. Ils vous permettront de vous concentrer, lors d’une prise
de vue, sur le sujet principal afin de le
mettre en valeur. Ces principes de base
sont : la mise en scène simple du ou des
sujets, l’utilisation de la lumière existante (naturelle ou artificielle) et l’introduction du symbole.
Simplicité
L’erreur la plus fréquente du photographe amateur est de vouloir regrouper
sur sa photo le maximum d’éléments. Ce
n’est pas une bonne idée car le résultat
est décevant et ne se regarde pas avec le
même plaisir que la scène initiale. Cet
échec s’explique par le contexte qui
nous entoure. Lorsque nous prenons une
photo, tous nos sens sont en éveil. nous
ne voyons pas notre environnement simplement avec nos yeux, mais nous le percevons également avec nos autres sens
auxquels se mêle l'humeur du moment.
Aujourd’hui, vous êtes dans une ambiance totalement différente qui vous
conduit à une toute autre interprétation
de cette photo. Il existe une autre raison
pour expliquer cette déception. En effet,
nos yeux perçoivent le monde sur un
grand écran dont les bords et les coins
n’existent pas vraiment et se perdent
aux confins de notre champ de vision
alors qu’un appareil délimite cruellement un rectangle aux bords et aux coins
bien précis.
vouloir tout rassembler sur une seule
photo, prenez le temps de vous interroger sur ce qui mérite réellement d’être
photographié dans la scène que vous
avez sous les yeux. Dès que vous avez
identifié le sujet principal, vérifiez la
scène à l'aide du viseur ou de l’écran LCD
de l’appareil.
Mettez en valeur votre sujet principal en
essayant différentes perspectives, puis
en réglant les paramètres de votre appareil (temps d’exposition, ouverture, focale, etc. .). La technique que nous venons
de décrire et qui est centrée sur l’importance du sujet principal, explique toute
la différence existant entre une simple
photo et une excellente photo. N’oubliez
pas, le mieux est l’ennemi du bien.
Utilisation de la lumière
Sans la lumière, la photographie n’aurait
jamais existée. Les implications de ce
principe très simple sont très étendues
et ne doivent en aucun cas être sousestimées. Nous voyons le monde qui
nous entoure en 3 dimensions : hauteur,
largeur et profondeur. Contrairement à
nous, l’appareil ne possède qu’un oeil,
l’objectif ; une photo, lorsque nous la
regardons, n’est qu’une surface rectangulaire et plate…en deux dimensions.
Tout cela pour dire (sans trop entrer dans
les détails), que la photographie réduit
une scène en trois dimensions en une
scène à deux dimensions (hauteur-largeur).
C’est dans ce contexte réducteur que la
lumière (l’emplacement de la source de
lumière) entre en jeu. Qui dit lumière, dit
ombres, et ce sont ces ombres, émises
par les objets photographiés, qui transmettent au cerveau les informations
nécessaires pour reconstituer la profondeur manquante à la photo 2D.
Comparée à la lumière frontale, la photo d'une forêt
semble plus vivante avec une lumière latérale
Se concentrer sur les éléments importants de
l'image
Pour obtenir de meilleurs résultats lors
de vos prises de vue, vous devrez tenir
compte de ces limites précises. Avant de
De nombreuses photos sont prises avec
un soleil éclairant de front, derrière le
photographe, ce qui a pour conséquence
de ne développer que très peu d’ombres
et d’aboutir à des photos plates et sans
intérêt. Pour éviter ce phénomène, n'hésitez pas à bouger latéralement, afin de
laisser les rayons du soleil éclairer le
sujet principal sur le côté. Les ombres
ainsi obtenues donneront davantage de
profondeur à la photo qui sera désormais beaucoup plus intéressante.
Symbolisme
Lorsque nous regardons une photo, tranquillement assis au salon, le seul de nos
sens que nous mobilisons est la vue. A
présent, imaginons la scène suivante :
vous êtes dans votre lieu de vacances
favori, au bord de la mer, face à un paysage grandiose et entouré de sons et
d’odeurs que vous souhaiteriez désespérément capter avec votre appareil.
Nous savons bien sûr que cela est irréalisable.
Lorsque vous contemplez des photos de vagues,
entendez-vous le rugissement de la mer ?
Pour rester dans notre exemple, il est
toutefois possible de donner une touche
dynamique à votre photo en vous
concentrant sur un ou plusieurs éléments du bord de mer, telle qu'une
vague qui se brise. Nous sommes
capables, ensuite, d'imaginer le bruit et
l’écume qui l’accompagnent, et même le
goût salé de l’eau de mer.
Il existe différentes manières de traduire
ces sensations en langage visuel, notamment en accentuant les couleurs ou les
formes, en réduisant le champ visuel et
en se concentrant sur un détail. Vous
découvrirez, en suivant cet atelier, comment insuffler du symbolisme à vos
images.
L’apprentissage des principes de la composition d’image ne s’acquière pas en un
jour. En revanche, vous constaterez qu’à
force de pratique, vos photos vont progressivement s’améliorer, grâce, en
grande partie, à cette nouvelle approche
critique de la scène à photographier.
Toutefois, soyez patient. Parfois, vous
n’aimerez pas vos photos.
C’est normal, cela fait partie du processus d’apprentissage et ne doit pas vous
décourager. N’abandonnez pas et sous
serez surpris de constater, qu’avec le
temps, vos photos vont rapidement correspondre à vos souhaits. Si vous les
examinez avec un regard critique, vous
saurez rapidement trouver les réglages
et les astuces qui conviennent le mieux à
une bonne composition. C’est grâce à
des expériences de ce type que vous
pourrez, sans aucun doute, améliorer la
qualité de vos prochaines prises de vue
et utiliser, au fur et à mesure, l’ensemble
des fonctions de votre appareil pour en
obtenir le maximum.
Multiplier les prises de vue
Comparé à la photographie traditionnelle qui utilise des films relativement onéreux, vous découvrirez que le coût des
images numériques est négligeable,
voire nul. Vous n'êtes pas satisfait d'une
prise de vue ? Rien de plus simple, supprimez-la et, sans rien débourser, recommencez. Bien sûr, par manque d'habitude, vous éprouverez une certaine réticence à supprimer une photo.
Si vous avez un doute, sauvegardez-la
avec la série de photos que vous avez
sélectionnée, puis transférez l'ensemble
sur le disque dur de votre PC ou gravezla sur un cédérom. Vous serez heureux
de l’utiliser pour un collage après l’avoir
découpée ou tout simplement pour illustrer votre journal de voyage. Pour faciliter et accélérer la recherche de vos photos, nous vous recommandons de les
référencer, dès le lendemain, en leur
donnant des noms clairs et sans ambiguïté,
Jeanne01_Paris_2003,
par
exemple.
Contrôle instantané de la photo
L’autre grand avantage de la photographie numérique est de visualiser immédiatement vos photos sur l’écran de l’appareil ou sur un ordinateur. La plupart
des appareils actuels sont dotés de cette
fonction qui rend possible les comparaisons d'un même sujet sous des perspectives différentes. La fonction zoom en
mode lecture de l’appareil permet aussi
l’analyse et le contrôle précis de certaines zones de la photo. Le résultat
n’est pas satisfaisant ? Recommencez
une nouvelle prise de vue !
Données techniques de l’image
A votre retour, vérifiez les données techniques enregistrées simultanément à
l’image (EXIF Tags), à l’aide du logiciel
fourni ou d’un programme de retouche
(Photoshop par ex.). Cette fonction vous
permet de prendre connaissance des
paramètres techniques utilisés lors de la
prise de vue, comme la focale, l’ouverture, la vitesse d’obturation et bien
d’autres. A partir de ces informations,
vous pourrez réutiliser les réglages qui
vous paraissent satisfaisants et éliminer
les autres. C’est une des raisons de
conserver quelque temps les photos sur
lesquelles vous aviez émis des doutes
qualitatifs.
Composition de l’image et mise
en scène
Ce chapitre est consacré à la composition de l’image. Celle-ci est due au positionnement du sujet principal dans le
viseur pour un cadrage judicieux. Il est
d’ailleurs possible que vous ayez déjà
appliqué ces règles de manière intuitive,
sans en connaître les principes.
Lorsque vous placez le sujet en plein
milieu du cadre, vous le mettez effectivement en valeur. Ce type de composition
est généralement harmonieux et équilibré même s’il n’offre aucune surprise à
l’observateur. En fait, la scène photographiée semble statique, monotone et peu
originale.
L'installation du sujet au centre semble
vite d'une grande banalité. Déplacez la
souris sur l'image pour réaliser une composition plus originale.
Le simple fait de placer le sujet principal
sur une ligne horizontale ou verticale, un
peu plus éloignée du centre du viseur
aura pour effet de le mettre en valeur de
façon plus originale. Vous serez surpris
des résultats. Un sujet principal excentré
attire le regard de l’observateur et le
guide ensuite vers l’ensemble de la
photo. Il faut essayer de conserver ce
regard dans le sens de lecture de l’image. Une bonne image doit diriger le
regard de l’observateur sur le sujet prin-
cipal, l’y retenir, prouvant ainsi de son
intérêt. En plaçant le sujet en plein
centre, vous annihilez rapidement tout
intérêt.
Néanmoins, il n’existe aucune règle sur
l’emplacement idéal du sujet principal,
mais certaines compositions sont plus
attirantes que d’autres pour l’observateur et sont davantage utilisées.
Certaines règles de composition, s’appliquant en peinture, peuvent également
être reprises en photographie. Imaginez
une grille divisant en trois parties égales
la largeur et la hauteur d’un tableau ou
d’une photo. Ces lignes imaginaires peuvent servir de repère pour disposer les
différents éléments à l’intérieur du
cadre. Les points d’intersection de ces
lignes (aussi appelés points de force)
sont des éléments de référence pour placer le sujet principal. Le quadrillage par
tiers de la largeur et de la hauteur de la
photo peut étonner de prime abord
lorsque le sujet est placée sur un point
de force, et repoussé vers le bord du
cadre.
Si vous estimez qu’une telle composition
manque d’équilibre, n’hésitez pas à placer un autre élément sur un point de
force diagonalement opposé pour rétablir cet équilibre. Il n’est pas nécessaire
que l’objet et le sujet principal soient de
la même taille, forme ou couleur. L’idée
est de rendre la photo captivante en
obligeant le regard de l’observateur à se
porter du sujet vers l’objet et vice-versa.
Une autre règle de composition, assez
similaire, est celle du nombre d’or (également appelée règle du nombre idéal).
Ce rapport de proportion, existant
depuis des siècles, a permis aux artistes
de tous temps et de toutes cultures de
déterminer les dimensions architecturales et artistiques de base. Nous
devons la découverte du nombre d’or
aux artistes de la Grèce Antique et de la
Renaissance qui l’utilisaient aussi bien
pour calculer les superficies, les distances et les espaces nécessaires à la
construction des colonnes et des bâtiments.
En photographie, les résultats obtenus
par la méthode du quadrillage et celle du
nombre d’or sont très proches. Ainsi,
quelle que soit la méthode employée, le
positionnement du sujet sur les points
de force aura le même impact visuel.
1. Les appareils numériques proposent très souvent
un rapport d'aspect de 4:3.
Contrairement à ce que l’on pourrait croire, le calcul du nombre d’or n’est pas si
compliqué:
2. La même image, avec des proportions calculées
avec le nombre d'or.
La détermination du nombre d'or : ce dernier a été,
pendant des siècles, une règle en peinture et en
architecture.
Partant du carré de la figure ci-dessus,
tracez une ligne allant de la moitié d’un
de ses côtés à l’angle opposé. Cette
ligne rayée représente à la fois le plus
long côté du triangle rectangle situé à
l’intérieur de ce carré mais également le
rayon de l’arc de cercle que l’on peut tracer à l’intérieur du rectangle attenant
(voir figure). La proportion de la ligne A à
B correspond à la proportion de la ligne
C à A.
Par conséquent le Nombre d’Or, nombre
égal à = 1,618 (environ) et correspond à
une proportion considérée comme particulièrement esthétique.
D’après cette règle, une surface quelconque doit être divisée en parties
représentant les 3/8 et les 5/8 de la totalité de la dimension considérée.
Mathématiquement, on multiplie la
dimension en question par 0,625 pour
obtenir cette division.
Nous obtenons ainsi un partage dissymétrique qui se révèle infiniment plus
dynamique et donc beaucoup plus fort
qu’un partage symétrique plus conventionnel.
Il est parfois possible d’améliorer numériquement le cadrage d’une image en la
coupant grâce aux outils proposés par la
plupart des logiciels d’imagerie, ou
mécaniquement après l’impression.
Inévitablement, cela modifie les rapports
de l’image.
Lorsque vous visez ou que vous visualisez la photo à l’écran, conservez suffisamment d’espace pour d’éventuelles
modifications.
Utilisez les fonctions de votre
appareil
Avec les certains appareils numériques,
vous pouvez faire apparaître un quadrillage ou dans le viseur ou à l’écran.
Cette fonction est particulièrement utile
pour aligner horizontalement ou verticalement les sujets. Elle est également une
aide précieuse pour les photographes
souhaitant appliquer la règle du nombre
d’or. N’hésitez pas à vous servir d’un trépied pour obtenir des photos parfaitement alignées et équilibrées même si le
sujet est en mouvement.
Autre point important : choisissez le
meilleur emplacement possible pour
composer la scène à photographier puis
effectuer la prise de vue. Essayez différents endroits et contrôlez le résultat au
viseur ou sur l’écran.
Déplacements avantageux
Vous découvrirez rapidement que de
simples déplacements font toute la différence entre une photo parfaitement
équilibrée ou non. L’angle sous lequel
vous photographiez votre sujet peut
également modifier considérablement
l’impact visuel de vos photos.
Contrairement aux appareils argentiques, le principal avantage des appareils numériques est d’offrir la possibilité
de photographier sous différents angles
et de visualiser instantanément vos
images, sur l’écran de l’appareil ou sur
votre ordinateur. Cette possibilité intégrée à la plupart des appareils numériques permet de comparer les photos
d’un même sujet, sous différentes perspectives, de les critiquer, de les choisir et
de les refaire si elles ne sont pas satisfaisantes. Demandez l’avis d’autres personnes, en général, vous constaterez
qu’elles sont immédiatement attirées
par les photos réalisées en appliquant la
règle du nombre d’or.
1. Observez l'orientation des principaux éléments de
cette image. La position des yeux de l'enfant ne tient
pas compte du nombre d'or.
Conseil de photographes
Détails
• Ne pas choisir un appareil trop compliqué (mais évolutif )
• Faites la mise au point sur les yeux, et
OUVREZ au maximum le diaphragme
• Réduire le champ
- Par une approche du sujet
- En utilisant un téléobjectif
- En choisissant un bon diaphragme
Eclairage
• Varier les points de vue (ex.: Plongée,
contre-plongée, cadrage différents.,
obj différents..)
• Multiplier les clichés des sujets
• Patience, attendre une attitude naturelle du sujet ou une bonne lumière.
• Guider le regard et suivre les regards
Conclusion
Les conseils développés pour effectuer
la composition d’une image ne constituent pas des règles à appliquer de
manière stricte. Jusqu’au milieu du
19ème siècle, avant que la photographie
ne soit inventée, la plupart des artistes
utilisaient le nombre d’or pour composer
leurs tableaux. Et les premiers photographes firent de même. Cette règle
donne le standard des « bonnes » photos. Comme toute règle, gardez à l’esprit
qu’elle ne suffit pas systématiquement à
améliorer l’impact visuel d’une image, et
que certaines d’entre elles peuvent avoir
le même impact en étant composées instinctivement.
En revanche, vous vous apercevrez rapidement qu’en expérimentant la règle du
nombre d’or, votre vision du monde
changera et son application, liée à votre
sensibilité, élargira votre horizon photographique vers d’autres dimensions.
• Soignez au maximum la coiffure, le
maquillage, les détails et évitez la
vulgarité.
• Lire le mode d’emploi
• Préparer ses réglages.
2. Cette image a été composée conformément aux
règles du nombre d'or.
• Utilisez la priorité ouverture en pleine
ouverture.
• Utiliser la matière
Jouer avec le grain de la pellicule,
ainsi que ses capacités de sur et
sous-exposition.
• Bien utiliser son environnement:
Cadre, plante, 1er plan, arrière plan
Sport/Vitesse
• Suivre le sujet en mouvement " Filé "
(Voiture, Vélo,...), choisir un temps
longs 1/30, 1/15, 1 s et utiliser un
pieds.
• Saisir le bon moment (Sport...)
• Il faut pour cela bien connaître le
sujet
• Intérêt des coulisses, avant ou après
l’action des photos intéressantes
peuvent être réalisées.
Conseils pour réussir un bon
portrait
• Laissez la technique de côté, laissez
simplement parler votre sensibilité,
vos envies, vos passions.
• Exploitez au maximum des décors
naturels.
• Exploitez les moyennes focales ou un
zoom les englobant 50, 85, 105, 125
mm ou 35/105, 70/210 mm.
• Utilisez la lumière naturelle au maximum, évitez le zénith du soleil
• Favorisez la lumière latérale ou les
contre-jours, en hauteur
• La lumière venant du sol crée un effet
fantomatique
• La lumière du haut, aplatit les reliefs
(Ex.: le soleil à 12H).
• Pour déboucher les ombres utilisez
un réflecteur (Voir plaque polystyrène, aluminium, mur blanc...)
ou placez une trame ou un diffuseur
sur votre source de lumière (Calque,
toile,...).
• Attention les lumières ont des températures : évitez les néons au maximum.
• Utilisez des filtres pour compenser,
les températures de lumière ou pour
favoriser les rendus de couleur.
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