Beigbeder, Frédéric - Dernier Inventaire Avant Liquidation

Beigbeder, Frédéric - Dernier Inventaire Avant Liquidation
« Les chefs-d'œuvre détestent qu'on les respecte. »
Ils préfèrent vivre, c'est-à-dire être lus, triturés,
contestés, abîmés. Il serait temps de faire mentir la
boutade d'Hemingway : un chef-d'œuvre est un
livre dont tout le monde parle et que personne ne
lit.
EB.
Frédéric Beigbeder a donc lu les cinquante livres
du siècle choisis par les Français. De Nadja d'André
Breton à L'Etranger d'Albert Camus, sans oublier
Nabokov, Saint-Exupéry, Milan Kundera ou
Françoise Sagan, voici un panthéon des grands
textes, comme s'ils venaient de paraître. Où
Beigbeder tranche, persifle, s'enthousiasme, plaisante, s'émeut, et rend leurs couleurs à ces classiques
parfois trop lointains. Avec mauvaise foi. Avec
fougue. Avec drôlerie.
Frédéric Beigbeder est critique littéraire à Voici, ParisPremière, Le Masque et la Plume. Il est aussi romancier.
On lui doit, entre autres, 99 francs (Grasset).
Ce livre vous est proposé par Tàri & Lenwë
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En vous souhaitant une très bonne lecture,
Tàri & Lenwë
To the happy many.
Tous droits de traduction, de reproduction et d'adaptation
réservés pour tous pays
.© Éditions Grasset & Fasquelle, 2001
« Et Marie, son amour, était
désormais comme les pochettes de
disques et les photos jaunies, et ces
styles vintage, et ces sourires
d'hier, et toute la beauté du
monde; du monde de Vincent qui
était mort, et qui doucement s'abîmait, et c'était le propre de
l'homme, de retenir la beauté
fuyante et les paradis perdus. Et
l'Art, aujourd'hui, c'était comme
le reste, c'était bel et bien comme
les ongles d'un mort. Qui poussent
encore — et au-delà de la mort. »
Patrick Eudeline, dernier paragraphe de Ce siècle aura ta peau
(Florent Massot, 1997).
OUVERTURE DE PARAPLUIE
A quoi servent les calendriers, les anniversaires, les changements de millénaire ? A
vieillir, c'est-à-dire faire des bilans, classer,
trier, se souvenir. Les siècles sont bien pratiques pour raconter l'Histoire Littéraire :
il y a le XVIIIe, dit « des Lumières », qui ne
ressemble pas au XIXe dit « Romantique »,
puis « Naturaliste ». Et le XXe siècle, comment faudra-t-il le qualifier ? « Moderne »
ou « Postmoderne » ? « Monstrueux » ou
« Théorique » ? « Dadaïste », « Surréaliste », « Oulipien » ou « Trash » ? « Mortel » ou « Telmor » ?
Depuis 5 ans que je suis critique littéraire (à Elle, Voici, Lire, au Figaro littéraire, au « Masque et la Plume » ou sur
« Paris Première »), je tente, avec mes
maigres moyens — subjectivité d'autodidacte et enthousiasme naïf —, de désacraliser la littérature. Pour moi, rien n'est plus
criminel que de la présenter sous un jour
solennel (c'est-à-dire poussiéreux), car le
livre est, aujourd'hui plus que jamais, en
danger de mort. Il me semble que l'on peut
utiliser l'an 2001 comme un prétexte ;
11
l'occasion de se repencher (sans s'épancher)
sur « les 50 livres du siècle ». Ce nombre,
tout aussi arbitraire que le calendrier, nous
permettra tout de même de passer en revue
les romans importants (français ou étrangers), quelques essais, un conte pour
enfants, ainsi que deux bandes dessinées
ayant marqué le siècle.
Ces 50 œuvres écrites ont été choisies par
les 6 000 Français qui ont renvoyé un bulletin distribué par la FNAC et Le Monde
pendant l'été 1999 : il s'agit donc d'un
choix démocratique et néanmoins subjectif,
puisque ces personnes se sont prononcées à
partir d'une liste de 200 titres présélectionnés par une équipe de libraires et de
critiques. J'ai délibérément choisi de commenter ce tri avec la même injustice qui a
procédé à son établissement.
Si j'avais dû faire le tri moi-même, ma
liste eût été très différente; il est évident
que je n'aurais pas « oublié » Aragon,
Artaud, Aury/Réage, Barjavel, Bataille,
Besson, Bory, Brautigan, Capote, Carver,
Cendrars, Cioran, Cocteau, Colette, Cossery, Dantec, Debord, Desnos, Dick, Drieu
La Rochelle, Echenoz, Ellis, Fante, Frank,
Gary/Ajar, Genêt, Gombrowicz, Grass,
Guibert, Guitry, Hamsun, Houellebecq,
Huguenin, Jaccard, Jauffret, Kerouac,
Kessel, Larbaud, Laurent, Léautaud,
Lowry, Malaparte, Matzneff, McCullers,
Miller, Modiano, Montherlant, Morand,
Musil, Nabe, Nimier, Noguez, Nourissier,
Parker, Pavese, Pessoa, Pilhes, Pirandello,
Prokosch, Radiguet, Roché, Roth, Rushdie, Salinger, San-Antonio, Selby, Sempé,
Simenon, Sollers, Toole, Toulet, Tzara,
Vailland, Vialatte, Weyergans... ce sera le
sujet d'un prochain tome... et les autres,
tant pis, je suis désormais fâché avec eux!
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Parler de littérature à la télévision n'est
pas chose aisée. On se retrouve souvent
avec quelques vieux messieurs pérorant
autour d'une table (et qui n'ont même pas
le droit de fumer ou de boire de l'alcool à
cause de la loi Evin). Ou alors on devient
un jeune chroniqueur arrogant comme moi :
l'insolent de service, le contestataire de
salon. Comment changer cela? A la fin de
l'année 1999, « Les 50 livres du siècle » proposèrent une approche ramassée, dynamique, visuelle, pour évoquer chaque soir,
sur Paris Première, un des chefs-d'œuvre
des 100 dernières années sur un mode personnel, libre, non scolaire. En utilisant des
armes (montage « cut », jeux de typo et de
photo, effets spéciaux en post-production,
gimmicks d'ouverture et de sortie, jingle
« easy-listening ») habituellement mises au
service de la chanson de variété ou du
cinéma, on a voulu montrer que les écrivains pouvaient, eux aussi, avoir droit à
leur Top 50.
Assez de purisme! Quatre lettres seulement le séparent du puritanisme. Même si
l'on sait que la compétition n'existe pas en
Art (« Le beau ne chasse pas le beau. Ni les
loups, ni les chefs-d'œuvre ne se mangent
entre eux », dixit Victor Hugo), rien
n'interdit de s'amuser un peu en classant,
comparant, montant les uns contre les
autres quelques génies qui se firent bien
souvent la guerre de leur vivant. Un critique est un lecteur comme les autres :
lorsqu'il donne son avis, favorable ou défavorable, il n'engage que lui-même, et
encore, une de ses nombreuses facettes
contradictoires.
Tous ces livres que nous avons étudiés à
l'école (c'est-à-dire « de force », sans nonchalance ni désir spontané), n'est-il pas
temps de les approcher comme ce qu'ils
sont : de simples regards vivants sur les
changements et catastrophes qui ont
façonné notre époque ? N'oublions jamais
que derrière chaque page de ces monuments d'un siècle révolu se cache un être
humain qui prend tous les risques. Celui
qui écrit un chef-d'œuvre ne sait pas qu'il
écrit un chef-d'œuvre. Il est aussi seul et
inquiet que n'importe quel autre auteur; il
ignore qu'il figurera dans les manuels et
qu'un jour on décortiquera chacune de ses
phrases — c'est souvent quelqu'un de jeune
et solitaire, qui travaille, qui souffre, qui
14
nous émeut, nous fait rire, bref, nous parle.
Il est temps de réentendre la voix de ces
hommes et femmes comme au premier jour
de leur publication, en la débarrassant,
l'espace d'un instant, des appareils critiques et autres notes en bas de page qui
ont tant contribué à dégoûter leurs lecteurs
adolescents et à les envoyer dans les salles
obscures ou aux concerts de rock. Il est
temps de lire ces livres célèbres comme si
c'était la première fois (ce fut parfois le cas
ici), comme s'ils venaient de paraître, avec
légèreté et inconséquence. L'humour, s'il y
en a dans ce petit recueil, ne serait alors pas
« la politesse du désespoir » mais l'excuse
de l'inculture, une tentative pour surmonter la timidité qu'imposent les grandes
œuvres d'art. Les chefs-d'œuvre détestent
qu'on les respecte ; ils préfèrent vivre, c'està-dire être lus, triturés, contestés, abîmés —
au fond, je suis persuadé que les chefsd'œuvre souffrent d'un complexe de supériorité (il serait temps de faire mentir la
boutade d'Hemingway : « un chef-d'œuvre
est un livre dont tout le monde parle et que
personne ne lit »).
A titre personnel, je vois ce petit opuscule comme une reconnaissance de dette.
Quand tout d'un coup, sur un malentendu,
on se retrouve auteur d'un « best-seller »,
la première chose à faire est de renvoyer
l'ascenseur. J'espère que ce livre donnera
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envie d'en acheter d'autres, et de meilleurs.
La littérature m'apparaît de plus en plus
comme une maladie, un virus étrange qui
vous sépare des autres et vous pousse à
accomplir des choses insensées (comme de
s'enfermer pendant des heures avec du
papier au lieu de faire l'amour avec des
êtres à la peau douce). Il y a là un mystère
que je ne percerai peut-être jamais. Que
cherchons-nous dans les livres? Notre vie
ne nous suffît donc pas ? On ne nous aime
pas assez? Nos parents, nos enfants, nos
amis et ce Dieu dont on nous parle ne sont
pas assez présents dans notre existence?
Que propose la littérature que le reste ne
propose pas ? Je n'en sais rien. C'est pourtant cette fièvre que j'espère inoculer à
ceux qui auront ouvert cette préface par
mégarde, et commis l'erreur de la lire
jusqu'au bout. Car je souhaite de tout mon
cœur qu'il y ait encore des écrivains au
xxIe siècle.
F.B,
Le Top 50
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50.
L'étranger d'Albert Camus.
A la recherche du temps perdu de Marcel Proust.
Le procès de Franz Kafka.
Le petit prince d'Antoine de Saint-Exupéry.
La condition humaine d'André Malraux.
Voyage au bout de la nuit de Louis-Ferdinand Céline.
Les raisins de la colère de John Steinbeck.
Pour qui sonne le glas d'Ernest Hemingway.
Le grand Meaulnes d'Alain-Fournier.
L'écume des jours de Boris Vian.
Le deuxième sexe de Simone de Beauvoir.
En attendant Godot de Samuel Beckett.
L'être et le néant de Jean-Paul Sartre.
Le nom de la rosé d'Umberto Eco.
L'archipel du Goulag d'Alexandre Soljénitsyne.
Paroles de Jacques Prévert.
Alcools de Guillaume Apollinaire.
Le lotus bleu d'Hergé.
Journal d'Anne Frank.
Tristes tropiques de Claude Lévi-Strauss.
Le meilleur des mondes d'Aldous Huxley.
1984 de George Orwell.
Astérix le Gaulois de Goscinny et Uderzo.
La cantatrice chauve d'Eugène Ionesco.
Trois essais sur la théorie sexuelle de Sigmund Freud.
L'œuvre au noir de Marguerite Yourcenar.
Lolita de Vladimir Nabokov.
Ulysse de James Joyce.
Le désert des Tartares de Dino Buzzati.
Les faux-monnayeurs d'André Gide.
Le hussard sur le toit de Jean Giono.
Belle du Seigneur d'Albert Cohen.
Cent ans de solitude de Gabriel Garcia Marquez.
Le bruit et la fureur de William Faulkner.
Thérèse Desqueyroux de François Mauriac.
Zazie dans le métro de Raymond Queneau.
La confusion des sentiments de Stefan Zweig.
Autant en emporte le vent de Margaret Mitchell.
L'amant de lady Chatterley de D.H. Lawrence.
La montagne magique de Thomas Mann.
Bonjour tristesse de Françoise Sagan.
Le silence de la mer de Vercors.
La vie mode d'emploi de Georges Perec.
Le chien des Baskerville d'Arthur Conan Doyle.
Sous le soleil de Satan de Georges Bernanos.
Gatsby le magnifique de Francis Scott Fitzgerald.
La plaisanterie de Milan Kundera.
Le mépris d'Alberto Moravia.
Le meurtre de Roger Ackroyd d'Agatha Christie.
Nadja d'André Breton.
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N° 50
NADJA
d'André Breton (1928, revu et corrigé en 1963)
Esthétique début : en cinquantième position dans notre hit-parade figure la jolie
Nadja d'André Breton (1896-1966).
Le livre de ce fils d'un secrétaire de gendarmerie est très curieux : il contient des
photos de Paris pour éviter les descriptions
(ces « superpositions d'images de catalogue » qui, il faut bien le dire, barbent
un peu tout le monde depuis Balzac) ;
il commence sur la Place des Grands
Hommes, au Panthéon (Patrick Bruel sera
content), puis il y a une rencontre qui bouleverse tout : le 4 octobre 1926, rue Lafayette,
André Breton alpague une passante prénommée Nadja, « créature inspirée et inspirante », laquelle se révélera par la suite une
putain cocaïnomane possédant des dons
extralucides, qui finira à l'asile (rock'n roll,
non?).
Si ce n'est pas réaliste, mais alors c'est
que c'est... SURRÉALISTE? Bingo! Breton, le fondateur — et en même temps le dictateur — du surréalisme, veut supprimer le
« style », tout ce qui enrobe le réel, car la
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réalité le dégoûte (après la boucherie de
14-18, ce « cloaque de sang, de sottise et de
boue »). Il veut laisser libre cours à tout ce
qui passe par sa tête d'homme amoureux : il
appelle cela « l'écriture automatique », mais
attention ! Qui dit « écriture automatique »
ne veut pas dire diarrhée verbale, dégoulinade en roue libre comme la logorrhée
intime en vogue dans les années 1990, mais
au contraire se laisser entraîner dans des
digressions savamment orchestrées par le
docteur Freud. Eh oui, l'homme méprisait
la psychiatrie mais était fasciné par la psychanalyse. N'oublions pas que « Qui suisje ? » est la première phrase du livre. La
preuve que l'écriture automatique n'est pas
si automatisée que ça, c'est qu'André Breton révisera son texte en 1963, soit 35 ans
après l'avoir rêvé pour la première fois. Ce
n'est pas parce qu'on laisse s'envoler sa
prose qu'il ne faut pas la peaufiner.
On peut lire Nadja comme une ballade
autobiographique et un roman d'amour
plus poétique que du Madeleine Chapsal.
Mais en même temps Breton, tel Spiderman,
tisse une toile d'araignée de coïncidences,
comme, à l'âge de huit ans, quand vous récitiez «j'en ai marre-marabout-bout de
ficelle ». Petit à petit, on ressent le côté
vraiment surréaliste des immeubles de
Paris ; Breton arrive à nous faire découvrir
une réalité extra-ordinaire. Les grands
livres, comme l'amour, nous font regarder le
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monde autrement. Lire Nadja, c'est comme
fumer un gros joint, sauf que c'est légal!
Nadja nous rappelle surtout que le débat
actuel entre les partisans de l'autofiction
et ceux de l'imagination est un débat qui
avait déjà cours dans les années 1920...
Alors de deux choses l'une : soit les écrivains
d'aujourd'hui sont en retard, soit Breton
avait 80 ans d'avance. Il avait compris que
la réalité est un endroit qui ne suffit pas aux
écrivains. Mais comment partir du réel pour
aboutir à quelque chose d'irrationnel?
Décrire le monde tel qu'il est évite de désorienter le lecteur, raconter une histoire est
nécessaire mais non suffisant : « Je n'ai dessein de relater, en marge du récit que je vais
entreprendre, que les épisodes les plus marquants de ma vie telle que je peux la concevoir
hors de son plan organique... » Comment
marier la subjectivité avec l'objectivité ? La
littérature n'est toujours pas sortie de cette
question. On pourrait dire de Nadja qu'il est
le seul exemple d'un surréalisme proustien.
Les chefs-d'œuvre sont souvent des quadratures du cercle : leur beauté semble impossible et pourtant ils tiennent debout. Tel est
sans doute le sens de la dernière phrase du
livre : « La beauté sera convulsive ou ne sera
pas. »
D'ailleurs, vous le verrez bien : en refermant Nadja, il n'est pas impossible que
vous soyez pris de convulsions inquiétantes.
N° 49
LE MEURTRE DE ROGER ACKROYD
d'Agatha Christie (1926)
Qu'Agatha Christie (1890-1976) coiffe
André Breton au poteau ne saurait étonner
les fans de la romancière anglaise : comme
le maître du surréalisme, Agatha Christie
décèle la folie cachée, la violence voilée
derrière l'apparence policée de la société
(jolies assonances en « é », n'est-ce pas ?
merci de votre attention). Mrs Christie est
donc, elle aussi, un auteur surréaliste. Par
exemple, pourquoi a-t-elle choisi de confier
ses enquêtes à un détective nain, belge,
prétentieux et doté d'un crâne ovoïde?
Drôle d'idée (qui lui est venue en rencontrant un curieux réfugié de la guerre
de 14).
Le grand problème avec cet inventaire,
c'est qu'il a fallu choisir un seul titre de
chaque auteur. Parmi les 66 romans de
l'écrivain le plus lu au monde après Shakespeare (deux milliards et demi d'exemplaires
vendus), nos 6 000 votants auraient pu
désigner Dix Petits Nègres, Mort sur le Nil
ou Le Crime de l'Orient-Express mais non,
c'eût été trop facile : c'est pourquoi ils ont
retenu Le Meurtre de Roger Ackroyd, qui
est un bijou de malice et une véritable
23
prouesse narrative. (A côté, Mary Higgins
Clark, c'est le Club des Cinq.)
Le gentleman-farmer Roger Ackroyd est
assassiné mais, juste avant sa mort, il s'est
confié à son ami le Docteur Sheppard, qui
nous raconte l'enquête d'Hercule Poirot.
Comme d'habitude, celui-ci soupçonne tous
les personnages à tour de rôle : il s'avère
que beaucoup de gens avaient intérêt à ce
que ce cher Ackroyd casse sa pipe. C'est
dingue le nombre de proches qui ont de
bonnes raisons de vouloir notre mort, si
l'on y réfléchit. (Moi, par exemple, si je suis
assassiné, je suis sûr que les enquêteurs
iront interroger quelques écrivains de ma
connaissance.)
Un truc cependant me chiffonne : pour
expliquer l'originalité du Meurtre de Roger
Ackroyd, je suis obligé de vous raconter la
fin du roman. Alors voici ce que je propose :
je vais compter jusqu'à trois. A trois, ceux
qui ne veulent pas connaître le coup de
théâtre du Meurtre de Roger Ackroyd n'auront qu'à sauter le paragraphe suivant.
Prêts? Un, deux, trois.
époustouflante fait évidemment de ce polar
un livre unique dans l'histoire littéraire
(même si Leo Perutz avait eu auparavant
la même idée dans Le Maître du jugement
dernier). C'est un peu le système repris dans
un film récent : Usual Suspects. Le moment
où celui qui est en train de nous raconter
l'histoire se retrouve confondu par Poirot
provoque des frissons de terreur délicieuse.
Cette trouvaille abracadabrante a même
rendu fous quelques spécialistes qui accusent Agatha Christie de tricherie : ainsi
Pierre Bayard, dans Qui a tué Roger
Ackroyd? (Minuit), a récemment refait l'enquête et, selon lui, Sheppard ne peut pas
être le coupable. Mais alors : qui a fait le
coup ? Personnellement, j'ai une vague
idée. Je pense que le véritable criminel est
Lady Mallowan, alias « la Duchesse de la
Mort » : Dame Agatha Christie.
L'extraordinaire exploit d'Agatha Christie, c'est que le coupable du crime est son
narrateur. Toute l'enquête est racontée par
le meurtrier, qui n'est autre que le Docteur
Sheppard. Cette ingéniosité romanesque
Cette étrange femme devait bien sentir
qu'elle avait exagéré dans ce roman,
puisqu'elle disparut peu après sa parution,
pendant dix jours, entre le 4 et le 14
décembre 1926 : on la crut morte, et la
police finit par la retrouver dans une station thermale, inscrite à l'hôtel sous un
faux nom. (Jean-Edern Hallier reprit, quelques décennies plus tard, l'idée publicitaire
à son compte en se faisant kidnapper
devant la Closerie des Lilas.) Les romanciers ne se sentent pas nets quand ils
24
25
bernent leurs lecteurs. A force d'écrire des
énigmes, Agatha Christie a voulu en devenir une, démontrant une fois de plus
combien la littérature est un jeu dangereux.
N°48 LE MÉPRIS
d'Alberto Moravia (1954)
Il ne s'agit pas d'une méprise : en
numéro 48 on trouve bel et bien Le Mépris
d'Alberto Moravia (1907-1990). Quand on
évoque Le Mépris, on pense tout de suite à
la musique de Georges Delerue et à Brigitte
Bardot Brune (B.B.B.) qui demande : « Et
mes fesses, tu les aimes mes fesses ? » Or
cette tirade ne figure pas du tout dans le
livre, même si Jean-Luc Godard a été relativement fidèle à la trame du roman : un
homme emmène sa femme à Capri dans le
but de sauver leur couple, et l'excursion
produit l'effet inverse. (Hervé Vilard en
a d'ailleurs fait une chanson célèbre :
« Capriii, c'est finiii/Et dire que c'était la
ville de mon premier amouuur ».)
La première phrase est restée dans les
mémoires, plus encore que l'inquiétude de
Brigitte Bardot sur son postérieur rebondi :
« Durant les deux premières années de mon
mariage, mes rapports avec ma femme
furent, je puis aujourd'hui l'affirmer, parfaits. » Cette façon de démarrer par un
constat optimiste dans lequel on sent le
désastre à venir fait écho à l'incipit
d'Aurélien d'Aragon : « La première fois
27
qu'Aurélien vit Bérénice, il la trouva franchement laide. » Moralité : dans les bons
romans, il faut que les couples parfaits se
quittent, et que les gens qui se trouvent
moches tombent amoureux. Sinon, il n'y
aurait rien à raconter.
Riccardo, le narrateur du Mépris, est un
faible, un anti-macho, ce qui est étonnant
pour un Italien : sa femme Emilia veut un
appartement, alors au lieu d'écrire des
pièces de théâtre, il devient scénariste de
cinéma pour rembourser les crédits immobiliers. C'est précisément parce qu'il a cédé
à ses exigences que sa femme le méprise :
elle lui en veut de faire ce qu'elle lui a
demandé! Ou bien parce qu'il semble la
pousser dans les bras d'un producteur vulgaire nommé Battista... Le message de
Moravia est clair : Messieurs, n'obéissez pas
à votre femme si vous voulez qu'elle vous
admire! (Parlait-il de la sienne, Elsa
Morante, autre écrivain célèbre dont il
divorça huit ans plus tard?) Qu'attendent
les Chiennes de Garde pour intervenir ? Le
Mépris est le premier roman qui analyse les
dégâts du féminisme sur la virilité. En réalité, Alberto Moravia n'était pas misogyne
mais préoccupé. Il pressentait les limites de
la lutte pour l'égalité des sexes : il s'agissait
d'obtenir la parité mais non d'inverser les
rôles.
28
Moravia est ainsi l'un des premiers écrivains au monde à décrire l'homme moderne, ce lâche mercantile, dépassé par
la puissance nouvelle de la femme, paumé
dans un monde artificiel, sans autres
idéaux que la belle maison, la belle bagnole, la belle fiche de paie. Nous vivons
dans une civilisation matérialiste qui tue
l'amour : on s'offre des cadeaux au lieu de
s'aimer. Ce piège du confort moderne fut
par la suite décliné sur le mode glacé par
Georges Perec dans son remarquable premier roman : Les Choses (1965). Mais avant
lui, les grands romans moraviens (Les
Indifférents en 1929, L'Amour conjugal en
1949, Le Mépris en 1954, L'Ennui en 1960)
expriment délicatement ce malaise : l'impossibilité du couple dans une société hypocrite qui fait semblant de le célébrer alors
qu'elle met tout en œuvre pour le briser (en
glorifiant l'individu et le désir, en créant la
nouvelle religion du sexe et de l'argent).
Moravia : ancêtre de Houellebecq? Dans
Le Mépris, il enferme Riccardo et Emilia
sur une île enchanteresse et les regarde
s'engluer dans le malentendu avec une
délectation morose : « L'objet de ce récit
est de raconter comment, alors que je
continuais à l'aimer et à ne pas la juger,
Emilia au contraire découvrit ou crut
découvrir certains de mes défauts, me jugea
et, en conséquence, cessa de m'aimer. »
Contrairement à sa femme, moi je l'aime
29
bien ce Riccardo qui nous ressemble, à
nous les hommes occidentaux, victimes et
complices de la société de surconsommation
égoïste. Je conclurai sur un calembour dont
je ne suis pas peu fier : dans le monde
actuel, l'homme de Moravia est mort à vie.
N°47 LA PLAISANTERIE
de Milan Kundera (1967)
Milan Kundera est très content de figurer dans ce classement : la dernière fois que
je l'ai vu au bar du Lutétia, nous avons
sablé la Pilsner pour fêter l'événement.
Il y avait de quoi. Sur les 50 écrivains du
XXe siècle retenus par notre collège de 6 000
Français, il n'y en a que sept qui soient
encore vivants : Umberto Eco, Gabriel
Garcia Marquez, Claude Lévi-Strauss, Françoise Sagan, Alexandre Soljenitsyne, Albert Uderzo et Milan Kundera, donc, ce
produit d'importation tchèque né en 1929,
qui vit à Paris depuis 1975 et s'est fait
naturaliser français en 1981.
La Plaisanterie est son premier roman. A
l'époque où il le publie, en 1967, sous le
régime Novotny, la censure en Tchécoslovaquie se relâche quelque peu. Mais les
plaisanteries les plus courtes étant les meilleures, un an après, quand il est traduit
en France, les chars russes entrent dans
Prague et La Plaisanterie se voit interdite
dans son pays d'origine. Du coup, le roman
est passé dans le monde entier pour un livre
31
de combat, un pamphlet politique, ce qu'il
était, mais pas uniquement.
Il faut relire aujourd'hui La Plaisanterie
pour s'apercevoir qu'elle contient déjà en
germe toute l'œuvre de Kundera : cet art
de mélanger avec virtuosité le roman et la
philosophie, la fiction et les idées, la gravité
et la frivolité. Kundera fait de la politique
avec ses histoires de cul. Certes, le contexte
a vieilli, le rideau de fer est tombé, et
aujourd'hui l'atmosphère de suspicion permanente des pays communistes constitue la
principale plaisanterie du livre. On a du
mal à croire que Ludvik, le héros du
roman, puisse être condamné à travailler
dans les mines pendant six ans à cause
d'une simple carte postale sur laquelle il a
écrit : « L'optimisme est l'opium du peuple,
l'esprit sain pue la connerie ». On a du mal
à comprendre que les mots « intellectuel »
ou « individualiste » aient pu être considérés dans ces pays-là comme des injures, et
l'adultère comme un crime contre le Parti.
Au fond, Kundera est un Kafka malgré lui :
il raconte les mêmes histoires absurdes et
cruelles que son illustre compatriote, sauf
que les siennes sont vraiment arrivées. On
ricane à l'idée que, quelques années plus
tard, le même pays se soit choisi un écrivain, Vaclav Havel, pour Président. Il
est vrai qu'aujourd'hui, la révolution ressemble à une mauvaise plaisanterie ; pensez
32
donc : une utopie humaniste qui envoya
des millions d'êtres humains au bagne.
Peut-être qu'au goulag, les prisonniers
s'attendaient à voir débarquer Marcel
Béliveau leur annonçant qu'ils étaient
filmés à leur insu pour « Surprises sur
Prises » !
Les grands romans ne vieillissent pas,
contrairement aux idées : Ludvik aime
toujours Helena qui est mariée avec Pavel,
tandis que les sous-marins russes se
contentent de rouiller au fond de l'eau
avec, parfois, des matelots dedans, que
personne n'entend crier. La Plaisanterie
raconte la victoire de l'amour et de
l'humour sur l'ennui et le sérieux. A
l'époque, dans les pays de l'Est, plaisanter
était interdit. Désormais, c'est partout
l'inverse sur terre : l'humour est obligatoire; le monde n'est que Plaisanterie permanente. Le livre de Kundera reste
d'actualité puisque la vie est devenue une
vaste fête sans morale ni pardon. Il est à
présent évident que, sans le faire exprès,
dès les années 1960,Kundera était le premier romancier de la Fin de l'Histoire :
« Vous pensez que les destructions peuvent
être belles ? », dit Kotska dès la page 20.
L'horreur qu'il décrivait s'est aujourd'hui
inversée. Dans ses romans récents (La Lenteur notamment), Kundera se lance dans la
dérision de la dérision. Ironie suprême : à
33
l'époque de La Plaisanterie, le rire était
une arme contre le totalitarisme. A
présent, c'est le rire qui est totalitaire. Ce
qui n'empêchera évidemment pas Kundera
de continuer à plaisanter là-dessus.
N°46
G A TSB Y LE MA GNIFIQ UE
de Francis Scott Fitzgerald (1925)
Quand Scott Fitzgerald (1896-1940) publie The Great Gatsby, il n'a que 29 ans et
pourtant il est déjà au sommet de son art.
Il a tout compris à l'Amérique, et la preuve
c'est que celle-ci est à ses pieds. Il a épousé
la plus jolie fille de New York, donc du
monde. Il décide de raconter la vie d'un
pauvre du Middle West qui s'est enrichi en
vendant de l'alcool durant la Prohibition et
donne des fêtes sur Long Island : Jay
Gatsby. Gatsby veut séduire son amour
d'enfance, Daisy, laquelle a épousé un milliardaire de naissance (Tom Buchanan). Il
va sans dire que le fric pourri de Gatsby ne
suffira pas à la ramener, c'est d'ailleurs la
seule chose qui a vraiment vieilli dans le
livre : aujourd'hui, la belle Daisy n'hésiterait pas trois secondes avant de partir avec
le beau parvenu. Quoi de plus sexy qu'un
bootlegger (l'ancêtre du dealer d'American
Beauty) ?
Great Gatsby est une satire de la haute société américaine (certains reprochent
même au livre un antisémitisme larvé) mais
surtout un roman d'amour mélancolique,
rédigé dans ce ton doux-amer, inimitable,
35
que Fitzgerald a mis au point en écrivant
160 nouvelles pour payer des robes à Zelda :
« Dans ses bleus jardins des hommes et des
jeunes femmes passèrent et repassèrent
comme des phalènes parmi les chuchotements, le Champagne et les étoiles. » Il
relève aussi partiellement de l'autobiographie : Gatsby, c'est un peu Fitzgerald
lui-même. Né à Saint Paul (Minnesota), il
n'a jamais réussi à faire vraiment partie des
clubs de milliardaires, il a été snobé par
l'équipe de football de Princeton et ne s'en
est jamais remis; certes on ne l'a pas assassiné comme son héros mais il est mort à
44 ans, alcoolique et inconnu, 8 ans avant
que sa femme ne disparaisse à son tour,
brûlée vive dans l'incendie de son asile de
fous, en 1948.
Les grands romans sont tous prémonitoires : Colette disait que « tout ce qu'on
écrit finit par devenir vrai ». L'Amérique
cupide et égoïste décrite par Fitzgerald n'a
fait qu'empirer depuis puisqu'elle est devenue maîtresse de la planète Terre. Ses rêves
de grandeur finissent en gueules de bois
sordides. Le monde est une « party » de
plaisir qui commence bien et finit mal,
comme la vie (« un processus de démolition »). Il ne faudrait jamais se réveiller.
Fitzgerald est très protestant, voire puritain : chez lui le bonheur se paie comptant,
et le péché est toujours puni. Il a décrit des
36
riches malheureux à New York après avoir
été pauvre et heureux à Paris. Le seul
moyen de critiquer les riches c'est de vivre
comme eux, donc de boire au-dessus de ses
moyens, avant de finir dans la dèche et
l'alcoolisme.
On comprend enfin pourquoi Scott aimait tant saccager le Ritz ivre mort ou précipiter sa voiture dans les étangs : tacher
son smoking est un geste politique, une
façon de désapprouver le monde auquel on
a tant rêvé d'appartenir. Fitzgerald peut
être considéré comme le premier bobo
(bourgeois bohème), mais il avait l'élégance
d'appeler son gauchisme « Génération Perdue » : « On devrait pouvoir comprendre
que les choses sont sans espoir et cependant
être décidé à les changer » (La Fêlure) ;
« Tous les dieux, morts ; toutes les guerres,
faites; tous les espoirs en l'homme, trompés » (This Side of Paradise). Reste sa description des aristocrates new-yorkais, si
lumineuse qu'ils en furent aveuglés, puis
éteints, comme les dinosaures.
Je n'aime pas les gens qui n'aiment pas
Fitzgerald. Ils croient qu'il faut être mal
habillé pour être un vrai rebelle. C'est faux :
si j'arrose ma tête de Champagne, puis renverse mon fauteuil sur le sol à coups de pied
pathétiques, c'est pour crier, avec Scott
Guevara : « Biba la Rébolucion ! »
N° 45
SOUS LE SOLEIL DE SATAN
de Georges Bernanos (1926)
Le numéro 45 est Georges Bernanos
(1888-1948) pour Sous le soleil de Satan et
non pas Sous le soleil exactement qui est une
chanson de Gainsbourg - essayez de suivre
s'il vous plaît.
Je dois avouer qu'avant de commencer
cette chronique je n'avais jamais lu Bernanos. Certes, d'habitude, les journalistes littéraires font semblant de tout connaître;
même sous la torture, ils vous répéteront
toujours que la chair est triste et qu'ils ont
lu tous les livres. Mais moi je me suis
acheté Sous le soleil de Satan aux éditions
Plon et contrairement à mes préjugés (Bernanos le grand pamphlétaire catholique
blablabla au secours), j'ai été frappé par
une œuvre envoûtante et hallucinée, d'une
violence âpre et sacrée. L'Exorciste peut
aller se rhabiller!
Il faut dire que Bernanos a écrit son premier roman bien avant la mort de Dieu : en
1926, on croyait encore en lui ainsi qu'au
Diable, on avait encore peur de l'Enfer —
aujourd'hui on y vit, donc on s'y est habitué. Or Bernanos est un des premiers à
39
comprendre que si le XXe siècle est celui où
Dieu va mourir, c'est aussi celui où Satan
pétera le feu. On a du mal à s'imaginer le
succès triomphal qu'a connu ce livre fiévreux à sa parution. Bernanos, qui était
assureur comme Kafka (mais à Bar-le-Duc,
c'est moins chic qu'à Prague), devint une
star nationale.
Jugez plutôt : il raconte l'histoire de
Mouchette, une petite provinciale du Pasde-Calais, qui tombe enceinte d'un marquis. Comme celui-ci ne veut pas reconnaître son enfant, elle tue le marquis,
puis perd son enfant. Serait-elle possédée
par le démon? Arrive un curé de campagne, l'abbé Donissan, qui rencontre
Satan (déguisé en sympathique marchand
de chevaux car, à l'époque, il n'avait pas
encore adopté le look de Marylin Manson)
et lui propose d'échanger sa damnation à
lui contre le salut de l'âme de Mouchette (je
simplifie, que saint Bernanos me pardonne). Et le tout est transcendé par un
style dense et spirituel dans tous les sens du
terme. Un style... surnaturel, comme le dit
Paul Claudel (autre mystique délirant)
dans une lettre à lui adressée : « Ce qui est
beau, c'est ce sentiment fort du surnaturel,
dans le sens non pas d'extranaturel mais du
naturel à un degré éminent. » Je m'attendais à un pensum en soutane, et tombe sur
un conte mystique, un délire faustien, un
40
suspense religieux; il ne fallait pas confier
ce scénario à Pialat mais à Martin Scorsese!
Et puis comment ne pas admirer la première phrase de ce roman : « Voici l'heure
du soir qu'aima Paul-Jean Toulet, voici
l'horizon qui se défait, plein d'un silence
liquide... » N'est-il pas très moderne et
humble de commencer par citer un
confrère ? Vous imaginez Proust commençant la Recherche par « Longtemps je me
suis couché de bonne heure en lisant
Sainte-Beuve » ? (Il est vrai que c'eût été
beaucoup lui demander.)
Lisez ce roman diabolique et ténébreux,
même s'il est parfois grandiloquent il
s'avère aussi captivant que du Stephen
King mais écrit avec le style d'un Huysmans sous LSD, ou, comme l'a dit finement
Renaud Matignon, d'un « enragé volontaire ». Bernanos abondait d'un enthousiasme méfiant, d'un doute énergique : il
commença par être royaliste, puis antifranquiste, puis résistant sous l'Occupation
et antigaulliste après la guerre. Il refusa
trois fois la Légion d'honneur. Comment ne
pas aduler cet auteur plus NRV que NRF ?
Il voulait sauver son âme mais aussi celle
des autres : quitte à souffrir, autant souffrir
pour quelque chose. « Car ta douleur est
stérile, Satan!...» Il me semble que cette
41
apostrophe résume assez bien l'état
d'angoisse des habitants de la planète
depuis qu'on leur a expliqué que Dieu était
décédé, ainsi que Nietzsche : ils en ont
marre de la douleur stérile.
J'ai honte de parler de Satan aussi brièvement : il va peut-être me foudroyer en
plein milieu de ce livre, alors que j'allais
justement crier « Ta mère suce des queues
en enfer. Ah Ah Ah ! » en tournant ma tête
à 360°...
N° 44 LE CHIEN DES BASKERVILLE
d'Arthur Conan Doyle (1902)
Il semblerait bien que le numéro 44 de ce
Top 50 soit Le Chien des Baskerville de Sir
Arthur Conan Doyle (1859-1930). Déduction élémentaire, en vérité...
Le Chien des Baskerville est le plus
célèbre épisode de la série des enquêtes de
Sherlock Holmes, narrées avec un sens aigu
du complexe d'infériorité par le docteur
Watson. Un docteur Watson dont on se
demande s'il n'a pas une relation homosexuelle et masochiste avec le détective.
Sinon pourquoi supporterait-il d'être rembarré sans arrêt par un cocaïnomane qui
porte la même grotesque casquette en
tweed depuis plus d'un siècle ? En fait, le
docteur Watson ne constitue qu'un double
de l'auteur, puisque Arthur Conan Doyle
était lui-même médecin. Le duo comique
restera dans l'Histoire au même titre que
Dom Juan et Sganarelle, Don Quichotte
et Sancho Pança, Vladimir et Estragon,
Jacques Chirac et Lionel Jospin.
Le plus glaçant dans Le Chien des Baskerville reste son atmosphère : l'Angleterre
brumeuse du Devonshire, un manoir aussi
43
gothique que lugubre, la lande marécageuse, un chien-fantôme qui hurle : « ahou
ahouuu »... Brr... Rien que d'y repenser,
j'en ai des frissons dans le dos. On se situe à
mi-chemin entre le polar et le conte fantastique. « Une odeur de décomposition et
de pourrissement flottait dans l'air; des
miasmes de gaz lourds nous balayaient le
visage; plus d'une fois un faux pas
nous précipita dans le bourbier jusqu'à la
taille. »
Charles Baskerville vient de mourir et
son neveu Henry reçoit des menaces de
mort. Au bout du compte Sherlock Holmes
va démasquer un cousin déshérité et jaloux
qui terrorise la famille avec un gros clebs
caché dans une grotte. Je veux dire un animal plus effrayant que la Bête du Gévaudan travestie en images de synthèse. Le
chien des Baskerville, c'est tout de même
autre chose que le « Pacs des loups » : une
sorte de Jack l'Éventreur canin, carrément.
Il fait penser à ces bestioles de légende : le
Monstre du Loch Ness, le Yéti de l'Himalaya, Jonah Lomu des « All Blacks »...
Après Edgar Allan Poe, Conan Doyle
peut être considéré comme l'inventeur du
roman policier moderne : Sherlock Holmes
est un digne descendant de l'Auguste
Dupin du Double Assassinat dans la rue
Morgue, auquel il ajoute le traitement
44
scientifique des indices (on peut dire
qu'Hercule Poirot et l'inspecteur Columbo
lui doivent tout), mais aussi une dimension
nouvelle : le Suspense. Contrairement à
Agatha Christie, qui commence toujours
ses énigmes après le meurtre, Conan Doyle
ne se contente pas d'un jeu de déductions
logiques à la « Cluedo » : il sait aussi
faire monter la peur, nous terrifier autant
qu'Alfred Hitchcock. En ce sens, on pourrait estimer que Thomas Harris ou Patricia
Cornwell devraient reverser un pourcentage
non négligeable de leurs royalties au Musée
Sherlock Holmes (221B Baker Street, London).
Enfin, pour finir sur une anecdote amusante : l'année dernière, un inspecteur
d'auto-école du Devon a accusé Conan
Doyle d'avoir assassiné son ami Fletcher
Robinson pour lui voler non seulement
l'idée du Chien des Baskerville, mais aussi
sa femme. La réalité dépasserait-elle la fiction? Non : la fiction est plus intéressante
que ces élucubrations auxquelles Scotland
Yard n'a pas donné suite.
N° 43
LA VIE MODE D'EMPLOI
de Georges Perec (1978)
La quarante-troisième place de ce hitparade échoit à Georges Perec (1936-1982)
pour La Vie mode d'emploi, Prix Médicis
1978. Je pense qu'il lui aurait plu de figurer
sur cette liste, lui qui raffolait tant des
inventaires.
Ici je voudrais ouvrir une parenthèse :
c'est très encombrant, le titre d'un livre.
On a beau croire que le titre importe moins
que le contenu, il influence tout de même
notre lecture paresseuse. Quand on pense
qu'A l'ombre des jeunes filles en fleurs a
failli s'intituler « Les colombes poignardées », on en frémit de dégoût. Tandis que
La Vie mode d'emploi s'avère non seulement un titre magnifique, mais surtout un
parfait résumé de ce que doit être un
roman. L'éditeur Olivier Cohen a eu tout à
fait raison de le rappeler (dans un article au
journal Le Monde) : la littérature ne sert à
rien d'autre qu'à nous donner un mode
d'emploi de la vie. Que sont les 50 livres du
siècle, sinon autant de guides pratiques qui
nous apprennent comment vivre ou refuser
le mode de vie imposé par la société ? Fin
de la digression.
47
Perec était un fou de mots croisés et de
jeux d'échecs, comme Nabokov; il faisait
partie de l'Oulipo (« OUvroir de Littérature POtentielle »), une sorte de secte de
matheux pratiquant les jeux de langage
avec plus d'humour que les zombies du
Nouveau Roman, et c'est pourquoi toutes
ses œuvres sont des exercices de style —
d'ailleurs nul hasard si La Vie mode d'emploi est dédiée à Raymond Queneau : l'idée
n'est pas seulement de jouer avec la forme,
de' faire des exploits pour montrer comme
on est balèze, mais de se servir des contraintes comme d'un tremplin pour exprimer sa « racontouze ».
La Vie mode d'emploi n'est pas un
roman, c'est un immeuble. Celui du 11 rue
Simon Crubellier, décrit minutieusement,
étage par étage, chambre après chambre,
habitant par habitant. Perec a mis dix ans
à disséquer cet immeuble en 99 chapitres,
107 histoires différentes et 1 467 personnages. On peut lire ces « romans » (Perec a
sous-titré ainsi son livre) dans tous les sens,
choisir un étage plutôt qu'un autre, suivre
certains de ses locataires plutôt que leur
voisin, Perceval Bartlebooth plutôt que
Gaspard Winckler par exemple, grappiller
telle description ou anecdote : le projet de
Perec, démentiel et mégalo, est de montrer
que tout est passionnant vu au microscope.
Que chaque immeuble de chaque rue de
48
chaque ville contient un univers regorgeant
de milliers d'aventures uniques et pittoresques que personne ne racontera jamais
(sauf lui).
Il arrive parfois que l'idée d'un livre soit
meilleure que le résultat. A partir de la
même démarche, Perec a écrit un autre
bouquin sur la place Saint-Sulpice qui
s'appelait Tentative d'épuisement d'un lieu
parisien. Ce que montre La Vie mode
d'emploi, peut-être par défaut, c'est que
la réalité est inépuisable, qu'aucun romancier n'en viendra jamais à bout, que vouloir
épuiser la réalité c'est surtout risquer
d'épuiser le lecteur. Alors choisissez vousmême : de Perec, je préfère Les Choses
(1965), le meilleur roman sur la civilisation
du désir matériel, ou Je me souviens (sur
une idée de Joe Brainard), car La Vie mode
d'emploi, tout comme Ulysse de Joyce,
reste une œuvre-limite, une expérience, un
fourre-tout, un puzzle, un magma, un
gloubi-boulga, appelez cela comme vous
voudrez : une montagne qui accouche
d'une grenouille ou une souris qui veut se
faire grosse comme un bœuf?
Récemment les éditions Zulma ont
publié le Cahier des charges de « la Vie mode
d'emploi » et l'on s'est aperçu avec terreur
que tous les événements du livre étaient
déterminés à l'avance : avec une rigueur
qui confine au masochisme, Perec s'était
49
autofixé des règles d'écriture absolument
délirantes (par exemple on se déplace dans
l'immeuble comme le cavalier dans une
partie d'échecs, ou bien tel chapitre devait
tenir en six pages, et comporter une liste de
mots préétablie, etc.). Il n'y a aucun doute
sur le fait que Perec soit un virtuose hallucinant et son livre un exploit sans précédent. Mais une prouesse technique ne
donne pas forcément un chef-d'œuvre, et
l'on a toujours du mal à suivre un personnage quand on sait que son auteur refuse
de le laisser aller où il veut.
N°42 LE SILENCE DE LA MER
de Vercors (1942)
Tiens, ça alors, le numéro 42 est un livre
publié en 42, dingue la vie qu'on mène, on
se rend pas compte mais certains trucs nous
dépassent totalement, parfois on se sent
tout petit.
Le Silence de la mer de Vercors (19021991) fut le premier livre édité dans la clandestinité à 350 exemplaires par les Editions
de Minuit, maison centrale de la Résistance
créée par lui et Pierre de Lescure (rien à
voir avec le DG du groupe Vivendi-Universal) en 1941. Jean Vercors, dont le vrai
nom était Jean Bruller, lança ce brûlot
au péril de sa vie. Évidemment, on pourrait penser que Le Silence de la mer a
aujourd'hui davantage une valeur historique et sentimentale que littéraire : il n'en
est rien alors il ne faut pas penser
n'importe quoi.
L'intrigue est très simple : en 1940, un
officier allemand loge chez l'habitant dans
un village de la zone occupée ; chaque soir
il parle en français à ses hôtes qui ne
répondent pas. Par leur silence, les occupés,
un vieil homme et sa nièce, manifestent
51
leur résistance envers le squatteur (un peu
comme Gandhi devant l'occupant britannique). On voit que la métaphore n'était
pas très fine : mais les nazis ne brillant pas
non plus par leur subtilité, il fallait faire
dans l'efficace. Un sympathique homonyme, Yves Beigbeder, a dit une chose
pourtant telle est bien l'histoire que
raconte Le Silence de la mer — comment des
gens civilisés se sont fait la pire guerre de
tous les temps. S'il paraissait aujourd'hui,
le grand roman de la Résistance serait sans
nul doute traité de « révisionniste » par les
apôtres actuels du politiquement correct.
juste sur Le Silence de la mer que je
m'empresse donc de citer ici : « Il s'agissait
de faire, sinon une littérature de combat —
cela viendrait un peu plus tard —, du
moins une littérature de l'affirmation de la
dignité. » Le mutisme de ces Français
symbolise bien cette période terrible de
solitude, cette armée des ombres, ces passemurailles, ces profil-bas qui ne pouvaient
pas dire « non » parce que pour cela, il fallait émigrer en Angleterre ou risquer sa
peau, mais qui ont murmuré non, qui ont
grommelé non, qui ont vécu dans le non.
Peu à peu, l'officier allemand, Werner von
Ebrennac, les respecte, ces muets, finit
presque par les admirer, et à la fin, le vieux
et sa nièce l'admirent aussi, d'une certaine
manière. Bien qu'engagé, nous ne sommes
pas en présence d'un roman manichéen : le
seul moment du livre où la fille parle c'est
pour dire « adieu » au boche quand il
s'en va. Aujourd'hui, si un jeune auteur
publiait l'histoire d'un soldat de la Wehrmacht cultivé et sympa, qui parle avec
des résistants des droits de l'homme et
de Mozart, ce serait un scandale national :
52
La force du Silence de la mer tient aussi à
son écriture très sobre : « Le silence se prolongeait. Il devenait de plus en plus épais,
comme le brouillard du matin. Epais et
immobile. L'immobilité de ma nièce, la
mienne aussi sans doute, alourdissaient ce
silence, le rendaient de plomb. L'officier
lui-même, désorienté, restait immobile,
jusqu'à ce qu'enfin je visse naître un sourire sur ses lèvres. » C'est un roman très
court (presque une nouvelle en vérité, Vercors étant un grand lecteur de Katherine
Mansfield) qui fait froid dans le dos, pèse
lourd, vous noue le ventre et vous fait
physiquement ressentir ce qu'a dû être
l'ambiance délétère et oppressante de l'occupation allemande. Il a même un côté
« Nouveau Roman », si l'on y réfléchit — un
livre entier sans ouvrir la bouche, dans un
style glacé et sec : voilà qui annonçait déjà
ce que deviendraient les Editions de Minuit
après la guerre, avec la bande à Lindon.
N° 41 BONJOUR TRISTESSE
de Françoise Sagan (1954)
Le numéro 41 de notre hit-parade n'est
toujours pas moi mais je suis tout de même
de très bonne humeur car il s'agit d'un de
mes livres préférés : Bonjour tristesse. Je
suis d'accord avec le vote de notre corps
électoral : parfois, la démocratie culturelle
a du bon, surtout quand elle permet de
rafraîchir la mémoire à des critiques endormis et des élites amnésiques.
Bonjour tristesse est le premier roman de
Françoise Sagan mais c'est surtout un des
rares miracles de ce siècle. En 1954, une
jeune fille à papa de 18 ans, à Cajarc dans
le Lot, prend son stylo et écrit dans son
petit cahier : « Sur ce sentiment inconnu dont l'ennui, la douceur m'obsèdent,
j'hésite à apposer le nom, le beau nom
grave de tristesse. C'est un sentiment si
complet, si égoïste que j'en ai presque
honte alors que la tristesse m'a toujours
paru honorable. Je ne la connaissais pas,
elle, mais l'ennui, le regret, plus rarement le
remords. Aujourd'hui, quelque chose se
replie sur moi comme une soie, énervante et
douce, et me sépare des autres. » Toute la
musique, le charme et la mélancolie de
55
Sagan sont déjà contenus dans le premier
paragraphe de son premier livre. Durant le
reste de sa vie, elle n'a fait que décliner la
douceur de la tristesse, l'égoïsme de l'ennui,
la crainte de la solitude. En fait elle
s'appelle Françoise Quoirez mais a pris
comme pseudonyme le nom d'un personnage trouvé dans Albertine disparue, parce
qu'à 18 ans, elle est déjà effrayée par le
temps perdu. Est-ce pour quoi elle est allée
si vite ? Ce n'est pas non plus par hasard
qu'elle a chipé le titre de son roman dans un
poème d'Eluard intitulé La Vie immédiate.
Et que raconte-t-elle ? L'histoire de
Cécile, une gosse de riches malheureuse qui
passe des vacances avec son veuf de père et
sa maîtresse sur la Côte d'Azur. Tout se
déroule à merveille, dans une ambiance frivole et aérienne, jusqu'au jour où le père
décide d'épouser sa maîtresse, Anne, une
femme assez sérieuse et équilibrée qui risque
de casser cette vie nonchalante. Cécile manigance alors tout un complot à la Laclos pour
que ce projet échoue. Elle réussit son coup
mais le vaudeville finit en tragédie, bien sûr
allais-je dire : ainsi la fête ne cache plus le
désespoir, la rigolade ne fera plus oublier
que l'amour est impossible, le bonheur
effrayant, le plaisir vain, et la légèreté
grave... « Mon père était léger, d'une légèreté sans remède. » En 33 jours, la petite
Quoirez a saisi son époque. Rarement dans
56
le siècle aura-t-on eu la certitude aussi instantanée d'un état de grâce absolu : « Je
connaissais peu de choses de l'amour : des
rendez-vous, des baisers et des lassitudes. »
Même si Sagan a bâclé certains de ses
romans suivants, elle est restée éternellement fidèle à Cécile, la narratrice de Bonjour tristesse : elle fut une folle futile et
profonde, une Zelda Fitzgerald française,
qui gagna son manoir normand au casino
de Deauville et failli crever comme Nimier
d'un accident d'Aston Martin, une enfant
gâtée toujours capable de nous battre,
Edouard Baer et moi, au concours de
vodka-tonic du Mathis Bar (2 rue de Ponthieu, Paris 8e), une dame tellement généreuse qu'elle est en train de finir complètement fauchée et malade, saisie par le
fisc, accro à la coke, et abandonnée par sa
cour... Bonjour tristesse fut un scandale,
puis un phénomène de société mais aujourd'hui que le tintamarre est oublié,
qu'en reste-t-il? Un petit roman parfait,
débordant d'une émotion fragile, un livre
comme on en lit très peu dans sa vie, un
chef-d'œuvre mystérieux, impossible à analyser, qui vous fait vous sentir à la fois
moins seul et plus seul. Mauriac a eu raison
de traiter Sagan de « charmant monstre ».
Il faut être un monstre pour avoir l'humilité de se faire toute sa vie passer pour une
fêtarde, quand on est un génie, et, au passage, la seule femme vivante de notre liste.
N° 40
LA MONTAGNE MAGIQUE
de Thomas Mann (1924)
Le numéro 40 n'est toujours pas moi, mais
l'Allemand Thomas Mann (1875-1955), l'auteur de La Mort à Venise à laquelle nos sondés ont préféré La Montagne magique (un
livre pourtant beaucoup plus épais), peutêtre parce que ce livre a valu à son auteur
le Prix Nobel de Littérature 5 ans après sa
publication, en 1929.
L'intrigue de La Montagne magique ressemble un peu à celle de La Mort à Venise
(parue 12 ans auparavant) : dans les deux
cas, ce sont des gens en voyage qui se
retrouvent confrontés à eux-mêmes, face à
face avec la vérité et qui disent adieu au
XIXe siècle. Que c'est beau, j'ai envie de
pleurer car aujourd'hui nous disons adieu
au XXe siècle. Écrit entre 1912 et 1923,
Der Zauberberg est le chef-d'œuvre de la
littérature de Weimar, l'Allemagne d'avantHitler, démocratique et cultivée; a posteriori, on ne peut pas l'ouvrir sans songer
au cataclysme qu'il ne cesse d'annoncer
entre les lignes. Thomas Mann, pour le
monde entier, incarne l'antiHitler.
59
Hans Castorp, un jeune Allemand, rend
visite à son cousin dans un sanatorium de
Davos (DEJA ? Oui, Davos, la fameuse
station de sports d'hiver suisse était déjà
le lieu de rendez-vous des maîtres du
monde; cela fait longtemps que les grands
capitalistes aiment à s'y rassembler). Hans
devait y rester 3 semaines mais finalement
il demeurera là-bas 7 ans, jusqu'à la
guerre de 14. Pourquoi ? Est-il tombé
malade lui aussi? N'a-t-il strictement rien
de mieux à faire ? Aurait-il perdu la boule
par hasard ? Non, simplement ce bourgeois
de Hambourg — donc ce hamburger — qui
se retrouve dans la montagne est frappé
par l'immensité de ses paysages, il fuit la
vie moderne pour redécouvrir un rythme
plus naturel, lit des livres, ouvre les yeux,
refait le monde avec les clients de cette
pension, tombe amoureux d'une des malades (Mme Chauchat), enfin bref, il vit,
quoi, bon sang, vivre, ce geste qu'on a tendance à oublier si vite... « Tiens-toi tranquille et laisse pendre ta tête, puisqu'elle
est si lourde. Le mur est bon, les poutres
sont en bois, une certaine chaleur semble
même s'en dégager, pour autant qu'il
peut, ici, être question de chaleur; une
discrète chaleur naturelle; peut-être
n'est-ce que de l'imagination, peut-être
est-ce subjectif... Ah! tous ces arbres! Oh!
ce vivant climat des hommes vivants!
Quel parfum!... »
60
Il est assez amusant de voir que des
milliers de romans du XXe siècle ont cherché constamment à fuir la civilisation.
Comme si la littérature était le dernier lieu
de résistance contre le progrès technique
et industriel. Il n'y a pas que Thomas
Mann (qui a fui également le nazisme en
1933) : il y a aussi son contemporain Hermann Hesse, il y a Kerouac et tous les
travel-writers — quand c'est réussi cela
donne Au-dessous du volcan de Malcolm
Lowry, quand c'est raté L'Alchimiste de
Paulo Coelho. Thomas Mann a crié, en
1924, La Montagne magique dans la vallée
du temps, et l'écho s'en est répété jusqu'à
nos jours... Jusqu'à La Montagne de l'âme
de notre Chinois national, le Prix Nobel
de Littérature 2000 : Gao Xingjian! (Au
fond, décrocher le Nobel n'est pas très sorcier : il suffit de mettre le mot « Montagne » dans le titre de votre bouquin.)
Roman d'apprentissage mais aussi symphonie wagnérienne, la Montagne de Thomas Mann n'est pas seulement magique,
elle est hypnotique, voire somnifère : un
envoûtement que Stanley Kubrick a très
bien montré dans son film Shining (en
gros, tout écrivain isolé sur une montagne
finit complètement dingue). Milan Kundera dans ses Testaments trahis parle du
« ton souriant et sublimement ennuyeux
de Thomas Mann », et même si ce n'est
61
pas très gentil, il y a là un fond de vérité.
Je rappelle que les deux sœurs de Thomas
Mann, ainsi que deux de ses fils, Klaus et
Michael, se suicidèrent. Et que moi-même
je ne me sens pas très bien.
N° 39 L'AMANT DE LADY CHATTERLEY
de D.H. Lawrence (1928)
Attention : les choses se compliquent.
Il ne faut pas confondre David Herbert
Lawrence, dit «D.H.» (1885-1930), avec
T.E. Lawrence, dit Lawrence d'Arabie, qui
vécut à la même époque (1888-1935), mais
ne figure pas à la 39e place de notre hitparade car il n'a pas écrit L'Amant de Lady
Chatterley.
Il s'agit d'un roman un peu leste qui choqua les gens par sa crudité en 1928 : publié
en Italie, il fut censuré en Angleterre et en
Amérique jusqu'à la fin des années 1950.
Beaucoup de romans de notre liste ont été
censurés à leur sortie, comme si pour faire
partie du hit-parade du siècle il fallait absolument faire scandale : Lolita, Ulysse,
et Lady Chatterley's Lover (aujourd'hui
c'est surtout le nom de « Chatterley » qui
provoque quelques gloussements dans les
pays francophones) (il est vrai que choisir
d'appeler « Chatterley » un personnage de
bourgeoise nymphomane, il fallait oser).
Lady Chatterley n'a pas froid aux yeux,
la coquine. Il faut dire que son mari Clif63
ford est paralysé du bas à la suite d'une
blessure de guerre, ce qui n'est pas le cas du
garde-chasse, Oliver Mellors, un homme
certes moins raffiné mais plus viril. A
l'époque, on négligeait la jouissance féminine. Madame Chatterley revendique donc
le droit à l'orgasme dans le pays le plus
coincé du monde. Connie Chatterley est
l'Emma Bovary d'outre-Manche, mais
aussi l'ancêtre de toutes nos jeunes romancières obsédées par leur corps; elle avait
juste 70 ans d'avance sur Claire Legendre,
Alice Massat ou Lorette Nobécourt.
Lawrence rêve d'une « démocratie du toucher », capable de transcender la lutte des
classes. Ah... Si les riches couchaient plus
souvent avec les pauvres... Le monde serait
plus uni (en outre, les pauvres sont de meilleurs coups, d'où l'intérêt des vacances en
camping). D.H. Lawrence est sans nul
doute le premier initiateur de ce que l'on a
appelé la révolution sexuelle, cette transformation des mœurs qui, comme chacun
sait, a eu lieu entre 1965 (arrivée de la
pilule) et 1982 (débarquement du sida), et
se trouve enterrée depuis.
On aura compris que L'Amant de Lady
Chatterley est avant tout un hymne à la
sexualité amoureuse, à la vérité des sens
plutôt qu'au puritanisme, mais aussi à la
liberté contre la morale, à l'infidélité contre
le mariage, à la nature contre la société, et
au mélange des classes. Déjà, dans une
lettre de 1913, DHL (qui, malgré ses initiales, ne faisait pas porter ses missives par
coursier) déclarait : « Que m'importe la
connaissance? Tout ce que je veux, c'est
répondre à mon sang, directement, sans
intervention futile de l'intellect ou de la
morale ou de toute autre chose ». Quinze
ans plus tard, D.H. Lawrence va plus loin
que son sang : l'arrivée du sexe dans la vie
de Lady Chatterley constitue selon lui une
révolution analogue à la bombe à retardement marxiste. Le plaisir est politique!
D. H. Lawrence a écrit de nombreux
livres beaucoup plus intéressants que cette
œuvre olé-olé, ce « bouquet génital »
(l'expression est d'Henry Miller) qui fut
la dernière œuvre de sa vie (on pense
64
à Femmes amoureuses et au Serpent à
plumes) et pourtant c'est celle-ci que l'histoire littéraire a retenue. Conclusion : la
postérité est une poule de luxe encore
plus infidèle que Lady Chatterley (dont
le modèle, l'Allemande Frida von Richtofen, cocufiait allègrement Lawrence,
avec sa bénédiction). Quant au scandale,
la méthode fonctionne toujours : regardez
American Psycho de Bret Easton Ellis et
Les
Particules
élémentaires
de
Michel
Houellebecq, qui furent lancés par la polémique. Quand le tintamarre s'apaise, il
reste deux romans essentiels de la fin de ce
65
siècle, qui méritaient de figurer sur cette
liste (si le sondage avait lieu dans 20 ans,
nul doute qu'ils y auraient été inscrits
d'emblée).
Bien sûr j'aurais aussi pu vous raconter
mes expériences sexuelles avec les animaux
et certains fruits et légumes mais ce sera
pour une prochaine fois.
N° 38 AUTANT EN EMPORTE LE VENT
de Margaret Mitchell (1936)
Excusez-moi mais quand je pense qu'il
n'y a même pas un Gérard de Villiers dans
ce Top 50 des livres du siècle, ça me déçoit
beaucoup. En plus le numéro 38 est Margaret Mitchell (1900-1949) pour Autant en
emporte le vent, simplement parce que nos
6 000 votants ont vu un vieux film avec
Clark Gable!
Vous me direz, Gone With the Wind, le
pavé original, est préférable au film, et
encore plus au remake de Régine Deforges
(La Bicyclette bleue), même avec Laetitia
Casta dans le rôle (mmm... quoique).
Sachez que cette moue dubitative m'a
rendu célèbre dans tout le quartier de
l'Odéon. Mouiii. (Ici le lecteur devra
m'imaginer levant le sourcil droit pendant
5 secondes.) Après mûre réflexion, comme
j'ai fait Sciences-Po, je vous dirai qu'en ce
qui concerne Autant en emporte le vent, il y
a du pour et du contre.
Le pour : oui, bon, d'accord, il est heureux que figurent quelques best-sellers dans
cette liste. A force d'expériences narratives
et d'innovations formelles, le XXe siècle a eu
67
tendance à oublier que le roman consiste
aussi tout simplement à raconter une histoire, une aventure humaine, un amour
perdu, à inventer des personnages flamboyants comme ceux d'Alexandre Dumas
et à les faire courir dans les prés, galoper à
cheval (ou courir à cheval et galoper dans
les prés), et s'embrasser devant une ville en
flammes comme Scarlett O'Hara et Rhett
Butler. Pour le romanesque, faut que ça
cavale, que ça couche, que ça se quitte, que
ça se retrouve et que ça recouche ! La littérature doit être un film en CinémaScope
projeté à l'intérieur de notre tête. Si
Jacques Laurent était toujours en vie, il
vous aurait expliqué cela mieux que moi,
mais puisqu'il vient de nous quitter, reportez-vous à son Roman du roman (Éditions
Gallimard, 1978).
Le contre : c'est tout de même un livre
très mièvre, aux ficelles usées — la fresque
historique, la guerre qui tue les gens, le
beau mec cynique et la petite dinde amoureuse dont l'amour pur est menacé par la
folie des hommes... Justement, depuis
qu'on a inventé le cinématographe, on se
dit que peut-être ces histoires-là ont fait
leur temps dans le roman moderne. Quand
on n'a que 50 bouquins à retenir pour résumer un siècle aussi agité et révolutionnaire
que le nôtre, je ne suis pas sûr que Gone
With the Wind soit complètement indispen68
sable. C'est un livre du siècle précédent!
Victor Hugo, d'accord, pas Max Gallo ! Par
la faute de Margaret Mitchell, cette
aimable Sudiste, les librairies du monde
entier sont chaque année encombrées de
tonnes de romans à l'eau de rose sur fond
de drames historiques et/ou de couleur
locale. Des pavés où les après-midi sont
« radieux », les garçons « vifs et ombrageux », et où les cils des filles se mettent à
battre « aussi vite que des ailes de papillon ». Avons-nous vraiment patienté tous
ces millénaires pour lire ceci : « Scarlett ne
répondit rien mais son cœur se serra. Si
seulement elle n'était pas veuve! Si seulement elle était encore Scarlett O'Hara ! Elle
porterait sa robe vert pomme garnie de
rubans de velours vert foncé qui sautilleraient sur sa poitrine. » Autant en emporte
ce roman!
Bien sûr j'aurais pu vous raconter aussi
d'autres choses sur Scarlett, mon arrièregrand-père américain l'a bien connue dans
les docks d'Atlanta; dans sa jeunesse on la
surnommait « la Goulue » et je peux vous
garantir qu'elle n'était pas farouche...
N° 37
LA CONFUSION DES SENTIMENTS
de Stefan Zweig (1926)
En 37e position se trouve, très clairement, La Confusion des sentiments de l'écrivain autrichien Stefan Zweig (1881-1942).
Cette longue nouvelle est parue en 1926 :
une très bonne année, 1926. L'année où
Breton rencontre Nadja, celle où Bernanos
croise Satan et où Agatha Christie tue
Roger Ackroyd. Visiblement une des
années les plus créatives du siècle :
dans l'entre-deux-guerres, les gens écrivaient en ignorant que le ciel allait leur
retomber sur la tête. La monarchie des
Habsbourg au début du siècle était un
endroit assez bien fréquenté : Schnitzler,
Hofmannstahl, Kraus, Musil mais aussi
Rilke et Kafka... Plus tard, en 42,
lorsqu'il s'apercevra que la catastrophe
recommence, Stefan Zweig se suicidera au
Brésil avec sa seconde femme.
C'est que ce Zweig est un garçon sensible, un poète viennois, un analyste fin et
délicat du cœur humain influencé par les
travaux de Sigmund Freud, son copain.
Tous ses livres racontent des amours
contrariées, des liaisons compliquées, des
désirs inavoués ou inassouvis : il est le
71
maître de la littérature psychologique. Et
La Confusion des sentiments ne déroge pas à
la règle : cet élève amoureux de son professeur, dans une époque où l'homosexualité
est le pire des tabous, ne peut que courir au
désastre. Roland est incapable de savoir ce
qu'il éprouve vraiment : est-ce de l'admiration, de l'amour, de l'amitié, du désir?
Est-ce son professeur qui le drague, ou bien
est-il un allumeur fou, ou encore un gros
fayot flatté de plaire à son maître ? Dès que
celui-ci le tutoie, il part en courant, et
finira par se taper sa femme pour se changer les idées. C'est cela, la « confusion des
sentiments » : notre cerveau est assez bien
fichu pour pas mal de choses, la mémoire,
la raison, l'imagination; mais il est incapable de nous aider dès lors qu'il est question de passion. Nous sommes alors livrés à
nous-mêmes : quand sait-on que l'on est
amoureux pour de vrai? Est-ce que nous
décidons d'aimer ou est-ce que ça nous
tombe dessus? Peut-on choisir qui l'on
aime ou se contente-t-on de suivre des élans
incontrôlables ? Comment s'y retrouver
dans le brouillard de l'âme humaine ? (Au
fond, le livre aurait très bien pu s'intituler
« Tempête sous un crâne ».)
La Confusion des sentiments, subtile
confession d'une fascination, montre comment la pédagogie peut tourner à la passion. J'aimerais susciter chez vous pareil
72
éveil! Tout élève sensible peut basculer
devant son brillant professeur (comme dans
le film Le Cercle des poètes disparus). L'original, chez Zweig, c'est que le professeur
craque encore plus que l'élève. Très subjectivement, ce n'est toutefois pas ce
livre-ci que j'aurais choisi si l'on m'avait
sonné. On pouvait préférer Amok : dans les
Indes néerlandaises, l'histoire de cette
femme que son médecin refuse d'avorter et
qui en meurt; ou Vingt-Quatre Heures de la
vie d'une femme : en une nuit à MonteCarlo, une femme tombe amoureuse d'un
joueur qui se sert d'elle pour retourner au
casino; ou La Pitié dangereuse : dans un
bal, un type invite à danser une nana paralysée et, pour se faire pardonner cette gaffe,
va lui rendre visite, or celle-ci prend sa pitié
pour de l'amour, et se suicide à la fin. Je
propose pour résumer Stefan Zweig l'équation suivante : Zweig = (Goethe + Freud) x
Proust. J'espère, au moins, ne pas être trop
confus.
N° 36
ZAZIE DANS LE MÉTRO
de Raymond Queneau (1959)
Ah tiens le numéro 36 n'est toujours pas
moi, qu'est-ce que je m'imaginais ? Cémoikialérdinkon !
Le numéro 36 est Raymond Queneau
(1903-1976), l'immense inventeur qui est
allé du Surréalisme à l'Oulipo en passant
par le collège de Pataphysique et les Exercices de style. Tous les endroits où la syntaxe était malmenée, où les mots étaient
triturés au XXe siècle, cet énergumène les a
fréquentés. Il est l'autre violeur du verbe
(après Céline et avant San-Antonio). Il est
surtout l'auteur de Zazie dans le métro qui
commence par un seul mot : « Doukipudonktan ».
Zazie dans le métro peut être considéré
comme une version « ado » du Voyage au
bout de la nuit, puisque l'argot, le français
parlé, l'orthographe bousculée, les calembours et abréviations phonétiques ne sont
pas ses seules armes. La narration réaliste
aussi est remise en cause : comme chez
son ami Boris Vian, les personnages
de Queneau semblent sortis d'un rêve,
accomplissent des besognes absurdes et ne
75
respectent rien, pas même la crédibilité du
récit. Pour faire genre, on pourrait dire que
Queneau est naturaliste dans la forme et
antinaturaliste sur le fond, ce qui peut surprendre de la part d'un membre éminent de
l'Académie Goncourt.
Zazie a douze ans comme Lolita, mais
elle couche moins, même si elle dit tout le
temps « mon cul ! ». Elle débarque en train
à Paris, gare d'Austerlitz, pour passer deux
jours chez son oncle Gabriel, qui est stripteaseuse dans un cabaret « hormosessuel ».
Ils vont faire le tour de la ville mais pas en
métro car celui-ci est en grève. Ils croisent
des personnages tous plus burlesques les
uns que les autres : la serveuse Mado Ptits
Pieds, la veuve Mouaque, le play-boy raté
Pedro-surplus et Fédor Balanovitch le
guide du Paris by night... Plutôt qu'un
roman de formation, c'est le roman d'une
déformation : Zazie apprend la liberté en
visitant une capitale de carton-pâte (la
tour Eiffel, les Invalides, le Sacré-Cœur...).
Il se cache quelque chose de très sérieux
derrière l'apparente frivolité de cette promenade. Zazie regarde le monde adulte et
semble se dire « Ah bon ? ce n'était que
ça ? » Et Gabriel de s'écrier : « La vérité,
comme si quelqu'un au monde savait cexé !
Tout ça c'est du bidon î » A la fin du livre,
quand Zazie rentre chez sa mère, celle-ci
l'interroge :
« — Alors tu t'es bien amusée ?
76
— Comme ça.
— T'as vu le métro ?
— Non.
— Alors, qu'est-ce que t'as fait ?
— J'ai vieilli. »
Ferdinand Bardamu n'est plus très loin,
ni Holden Caulfield, le héros de L'AttrapeCœur de J.D. Salinger (publié 8 ans plus
tôt), qui parlait à peu près le même langage : les « à kimieumieu » de Zazie faisant
écho à ses « et tout » et ses « ou quoi ». On
aurait pu aussi remonter plus loin, jusqu'à
Rabelais, par exemple, mais la petite chérie
aurait pris un coup de vieux alors restons-en là.
Souvent, les grands livres roulent des
mécaniques, on a l'impression qu'ils friment en klaxonnant : « Attention : chefd'œuvre ! », alors qu'à la lecture de Zazie
dans le métro, tout semble facile ; l'humour,
la tendresse, l'irrespect, le je-m'en-foutisme
montrent que parfois un génie doit savoir
cacher son génie pour être un vrai génie. Il
ne s'agit pas de fausse modestie mais de
vraie élégance, car comme dit Queneau :
« c'est en lisant qu'on devient liseron ». Le
principal exploit de ce livre ne serait-il pas
de prouver une fois pour toutes qu'on peut
très bien concilier l'avant-gardisme avec la
rigolade ?
N° 35
THÉRÈSE DESQUEYROUX
de François Mauriac (1927)
Si je vous dis Thérèse Desqueyroux de
François Mauriac (1885-1970), vous allez
vous endormir, ou fermer ce livre, ou
encore en profiter pour vous rendre dans
votre cuisine pour chercher à bouffer, et
pourtant ce sera une réaction un peu facile :
oui, Mauriac, bien que romancier glauque,
médiocre même (selon Nimier et Sartre),
mérite son Prix Nobel de Littérature (reçu
en 1952) et laissez-moi vous expliquer
pourquoi.
Thérèse Desqueyroux (prononcer Desqueillerousse, c'est du gascon) a tenté
d'empoisonner son mari Bernard. Elle est
arrêtée mais son mari la fait libérer pour
sauver l'honneur de la famille. Vous imaginez l'ambiance quand elle revient au domicile conjugal. A la fois victime et bourreau,
disons qu'elle est moyennement la bienvenue. Son mari va la séquestrer pour la
pousser au suicide, mais au dernier moment
la laissera partir.
Évidemment, résumé ainsi, ça fait un
peu dramatique de France 3 scénarisée par
Didier Decoin, mais il faut se replacer dans
79
le contexte : paru en 1927, le 10e roman de
Mauriac est une charge ultra-violente
contre l'étouffante bourgeoisie de province
(qu'il connaît bien puisqu'il est né à Bordeaux longtemps avant l'ouverture des
bars techno sur les quais de la Garonne).
Un milieu empoisonné par son hypocrisie,
avec ses apparences qu'il faut toujours sauver, ses ragots malveillants, ses jalousies
mesquines, ses mariages arrangés, ses générations traumatisées. Mauriac, c'est le Gide
hétéro (en tout cas officiellement) ! Thérèse
Desqueillerousse goûte aux nourritures terrestres; telle une Lady Chatterley parfumée au pin des Landes, une Anna Karénine
sans la toundra, ou une Princesse de Clèves
roturière, elle s'écrie : « Je ne sais pas ce
que j'ai voulu », dans un style très
moderne, clair-obscur, rapide, simple, où
tout est esquissé, suggéré, par petites
touches, sans s'appesantir — bref, du grand
Art.
Une femme a toujours raison de vouloir
être charnelle. On n'a qu'une vie et il faudrait la gâcher avec un sinistre con sous
prétexte qu'il a du fric, que tout le monde
fait pareil et qu'on a été élevée pour fermer
sa gueule ? Non, que diantre ! « Thérèse
Desqueillerousse » est le premier roman
féministe, voilà la vérité : Mauriac-Beauvoir, même combat! Thérèse est totalement destroy, « elle fume comme un
sapeur », s'évade de sa prison, et toutes les
80
femmes du XXe siècle l'ont suivie. Or Thérèse Desqueyroux, c'est lui, Mauriac (il a
lui-même déclaré qu'elle était son « double
féminin », rééditant le coup de Flaubert
avec sa Bovary) : il a toute sa vie critiqué
le monde auquel il appartenait, sans jamais
le fuir autrement que par la littérature.
Mauriac est un dangereux espion, un riche
qui hait les riches, un traître à sa classe qui
erre dans les dîners en ville et à l'Académie
française pour prendre des notes fielleuses
sur ses notables congénères. Il est toujours
sur le fil du rasoir, au risque de finir coupé
en deux. Sa fascination pour le péché est sa
façon à lui de se révolter. Comme tout bon
catholique, il est attiré par l'interdit. Le
vice n'a aucun intérêt sans la culpabilité
(tel est le credo des papistes Sollers et
Ardisson). Mauriac est démodé mais il s'en
moque : il s'ennuierait aujourd'hui, puisque
tout est permis ! Prendrait-il de l'ecstasy
dans des backrooms landais ? Thérèse Desqueyroux porterait-elle une robe de latex et
organiserait-elle des séances sadomasochistes dans une église désaffectée ? Finalement, ce qu'on reproche à Mauriac, c'est
qu'il ne s'est jamais trompé (contre l'épuration, contre la guerre d'Algérie, etc.) ; rien
n'est plus ennuyeux que quelqu'un qui a
toujours raison.
N° 34
LE BRUIT ET LA FUREUR
de William Faulkner (1929)
En 34e position explose Le Bruit et la
Fureur, l'œuvre ample et étrange de l'Américain William Faulkner (1897-1962), Prix
Nobel de Littérature en 1949. L'idée du
roman est en soi déjà très originale : partir
de la célèbre phrase de Shakespeare — « La
vie est une histoire pleine de bruit et de
fureur racontée par un idiot, et ne signifiant
rien » — et s'en servir comme contrainte.
Obéir à l'autre William ! The Sound and the
Fury est donc une histoire pleine de bruit et
de fureur racontée par un idiot castré de
33 ans qui s'appelle Benjy et qui est amoureux de sa sœur cadette (laquelle, du coup,
se prénomme Caddy car, malgré les apparences, ce livre est cohérent). Au début on
n'y comprend pas grand-chose; un long
monologue mélange les personnages et les
époques. Mais ce doit être volontaire
puisque c'est un débile qui parle.
Visiblement, dans l'État du Mississippi,
au sud des États-Unis, tout le monde est
hystérique : les deux autres frères de
Caddy, Quentin et Jason, expriment à leur
tour, dans une langue très différente, leur
jalousie et leur folie; les domestiques noirs
83
parlent en petit-nègre comme dans Autant
en emporte le vent (paru peu après) ; leur
père alcoolique finit par crever; quand les
personnages ne se suicident pas, ils
couchent avec tout le monde. Faulkner
a-t-il voulu appliquer la prescription de
Shakespeare jusqu'au bout, à savoir écrire
une histoire qui « ne signifie rien » ?
Que nenni. N'hésitons pas à l'affirmer
sans ambages : même si Faulkner n'est pas
d'une lecture aisée, il est capable de
prouesses confinant à la sorcellerie. Il nous
envoûte, nous hypnotise, comme ces
tableaux tramés du Pop Art qu'il ne faut
contempler qu'à une certaine distance sous
peine de n'y voir qu'un ensemble de taches.
L'opéra de Faulkner exige du recul, et pour
en jouir il ne faut pas hésiter à sauter les
passages hermétiques pour arriver à une
image saisissante : celle de Quentin, par
exemple, qui brise sa montre pour que le
temps se remette à vivre (métaphore qui
épata tellement Jean-Paul Sartre qu'il en
pondit une étude intitulée « La Temporalité chez Faulkner »). Quand les œuvres
d'art sont difficiles d'accès, on est généralement récompensé de ses efforts : le cerveau
oublie la difficulté mais pas les images.
Bien sûr, ce n'est pas toujours le cas : un
livre peut très bien être à la fois compliqué
et creux.
84
Car tout le monde n'est pas Faulkner.
Comme toujours avec les génies qui ont
inventé leur langue au XXe siècle, le problème vient des crétins suiveurs qu'ils ont
inspirés. Par la faute de Proust, un paquet
d'auteurs français se croient obligés de faire
de longues phrases sur leur maman pour
sembler intelligents; à cause de Joyce,
n'importe quel imposteur se croit poète
quand il est juste illisible ; et si une bonne
partie de la littérature américaine est phagocytée de gros romans du « Sud profond »
(« Deep South ») avec viols, incestes,
meurtres et fermiers alcooliques à tous les
étages, c'est la faute à Faulkner, dont
Nabokov raillait les « chroniques de cultivateurs de maïs ». Pauvre Faulkner : les soirées élégantes en smoking étant déjà prises
par Fitzgerald et les phrases courtes par
Hemingway, il a choisi ce qui restait, entre
deux whiskies et trois scénarios invendus à
Hollywood. Il en vaut la peine : entraînezvous tous les matins à prononcer « Yoknapatawpha » (le nom de son comté imaginaire) ; c'est plus chic que « Pétaouchnok ».
N° 33
CENT ANS DE SOLITUDE
de Gabriel Garcia Marquez (1967)
Sous prétexte que ce n'est pas moi qui
suis numéro 33, et que c'est Cent Ans de
solitude de Gabriel Garcia Marquez (né en
1928), d'aucuns pensent que c'est moi qui
suis fou de solitude et confit dans
l'aigreur... ce qui est, bien sûr, rigoureusement exact.
Cien anos de soledad a déboulé de Colom-
bie en 1967 tel un tremblement de terre. On
peut dire qu'il y a un avant et un après ce
livre dans l'histoire littéraire de ce siècle :
depuis, on a pris goût aux romans latinoépiques (et pique et colégram), hauts en
couleur, aux personnages délirants, aux
rebondissements extravagants et tropicaux. Par ailleurs, il est curieux de constater que les grands romans de notre siècle
reposent souvent sur une envie de condenser l'univers : une journée d'un alcoolique à
Dublin, la vie d'un immeuble parisien, ou
ici, cent ans dans un village colombien imaginaire, isolé du reste du monde, nommé
Macondo.
Garcia Marquez choisit de nous relater
l'histoire de la dynastie des Buendia, de
87
José Arcadio qui a fondé le village jusqu'à
son petit-fils à queue de cochon — Marie
Darrieussecq n'a rien inventé — en passant
par le Colonel Aureliano, dictateur fantoche qui évoque le Général Alcazar dans
Tintin chez les Picaros. Macondo connaîtra
toute la grandeur et décadence du XXe
siècle : au départ c'est un petit bourg sympathique avec ses légendes (par exemple, le
curé flotte dans les airs dès qu'il boit du
chocolat) ; mais avec l'arrivée de l'ère
moderne, la magie devient plus industrielle,
ce sont les aimants qui attirent le fer, les
longues-vues qui réduisent les distances, les
photos qui arrêtent le temps, et toutes ces
inventions aussi bizarres que la pierre
philosophale des alchimistes : les routes,
le travail, l'éducation, l'administration, la
télévision, choses, certes utiles, mais qui
nous éloignent de nous-mêmes.
Il y aura la guerre, l'arrivée des exploiteurs américains, et tout sera lavé par un
déluge de pluie qui durera 4 ans. Cent ans
de solitude est une épopée tragi-comique,
immense et dérisoire, qui a souvent été
comparée à Don Quichotte, mais qui ressemble plus à la Bible, avec sa Genèse, son
Exode, son Déluge et son Apocalypse ; oui,
voilà une Bible latino, une Bible salsa, une
« Buena Vista Social Bible », rédigée dans
un style lyrique et ébouriffant. D'ailleurs,
je vais vous le prouver tout de suite : écoutez cela.
88
« Il avait échappé à tout ce que l'humanité avait subi de catastrophes et de fléaux.
Il survécut à la pellagre en Perse, au scorbut dans l'archipel de la Sonde, à la lèpre
en Alexandrie, au béribéri au Japon, à la
peste bubonique à Madagascar, au tremblement de terre de Sicile et au naufrage d'une
fourmilière humaine dans le détroit de
Magellan. »
Vous le voyez bien, que ça décoiffe.
Angelo Rinaldi exagère quand il dit que ce
livre aurait dû s'intituler « Cent Ans de
Platitude », même s'il est toujours rigolo
d'énerver Jean Daniel. Le Sergent Garcia
Marquez est toujours vivant, il a eu le Prix
Nobel de Littérature en 1982, et beaucoup
d'écrivains baroques lui doivent tout : José
Saramago, Gunter Grass ou Salman Rushdie, les deux premiers nobélisés, le dernier
nobélisable. Moralité : écrivez des romans
amples et touffus, vous aurez plus de
chances d'avoir le Nobel qu'en paraphrasant Marguerite Duras.
N° 32
BELLE DU SEIGNEUR
d'Albert Cohen (1968)
« Descendu de cheval, il allait le long des
noisetiers et des églantiers, suivi des deux
chevaux que le valet d'écurie tenait par les
rênes, allait dans les craquements du silence,
torse nu sous le soleil de midi, allait et souriait, étrange et princier, sûr d'une victoire » : oui, il serait numéro 32 sur la liste
des 50 livres du siècle, et moi, tel Adrien
Deume, je serais juste pathétique.
Belle du Seigneur d'Albert Cohen (18951981) est un Objet Littéraire Non Identifié
quand il paraît en 68, en pleine pseudorévolution de jeunes bourgeois honteux de
l'être. Albert Cohen est un diplomate
retraité à Genève dans sa robe de chambre,
il a 73 ans, c'est son troisième roman après
Solal et Mangeclous. Comment cet ami
d'enfance de Marcel Pagnol a-t-il pu pondre
une histoire d'amour aussi incroyable,
jeune, virevoltante, passionnée et en même
temps noire, cruelle, pessimiste, impossible ?
Dans les années 30, Solal est un beau Juif
de Céphalonie, haut fonctionnaire à la
Société des Nations, qui tombe amoureux
d'une femme mariée, Ariane, et la drague
91
pendant 350 pages, jusqu'à ce qu'elle quitte
Adrien Deume, son piètre mari, qui se
flingue. Le couple enfin libre s'aimera non
pas 3 ans (allusion à un chef-d'œuvre
méconnu) mais trois chapitres, jusqu'à la
mort : l'amour en huis-clos, le « sublime à
jet continu » conduisent à l'ennui ou à
l'autodestruction. Cette histoire, des milliers de romans l'ont déjà racontée : Tristan
et Iseult, Roméo et Juliette, Paul et Virginie, Daniel Ducruet et Fily Houteman, alors
pourquoi Ariane et Solal nous touchent-ils
autant ?
réservoir inépuisable : chaque lecture vous
ouvre de nouvelles dimensions. On peut le
voir comme un pamphlet contre la persécution nazie, un traité de séduction pour
vieux play-boys à la Restif de la Bretonne,
une critique du couple moderne et de la
jalousie proustienne, la plus violente satire
de la bureaucratie depuis Courteline, un
éloge de l'amour vrai par opposition à la
passion bidon, une caricature de la bourgeoise désœuvrée et narcissique (Ariane,
personnage à la fois attendrissant et ridicule)...
Je crois que c'est dû à la force d'une écriture complètement libre, à la fois très
cynique et très romantique (Cohen l'appelait sa « prolifération glorieusement cancéreuse »). Il faut savoir qu'Albert Cohen n'a
pas écrit ce livre mais l'a dicté pendant
14 ans à haute voix à sa secrétaire puis à sa
femme, Bella, ce qui explique certaines longueurs (les monologues d'Ariane dans sa
baignoire, par exemple) mais surtout ce
lyrisme incantatoire. La phrase de Cohen, sa
manière d'apostropher le lecteur, de critiquer ses propres personnages, de se mettre
lui-même en scène, est très contemporaine :
il rappelle Boris Vian et annonce Jean Echenoz. Et puis il y a son humour juif, à la fois
humble et orgueilleux, ridiculisant ses frères
et magnifiant leur souffrance. Comme tous
les grands livres, Belle du Seigneur est un
A mon prétentieux avis, Belle du Seigneur
ne devrait pas être à la 32e place mais dans
les cinq premiers de cette liste. Certes, c'est
un livre imparfait mais peu importe, tout ce
qui est beau est imparfait, regardez-moi,
par exemple.
92
Je vous aime, Albert Cohen, splendide
vieillard qui n'avait pas besoin de Viagra
pour être encore vigoureux. Belle du Seigneur n'est pas un livre, c'est une drogue, un
testament, un cadeau du ciel, un chemin de
croix, un passage de témoin, un livre qu'on
caresse, qu'on chérit, qu'on offre à ses amis
et qui vous rend meilleur, vous ouvre les
yeux, vous transforme en vous faisant rire,
pleurer, aimer, et attendre la mort, debout,
fier et seul et valeureux et bon sang quand
donc vais-je interrompre mes pitoyables
babouineries ?
N° 31
LE HUSSARD SUR LE TOIT
de Jean Giono (1951)
Avant d'être un film de l'oncle de Guillaume Rappeneau, Le Hussard sur le toit
fut d'abord un roman de Jean Giono, le
Faulkner français (enfin, un gars du Sud,
quoi). Notre collège de 6 000 électeurs a
semble-t-il été fortement influencé par les
livres qui ont été adaptés à l'écran. Pourquoi croyez-vous que Le Mépris, Sous le
Soleil de Satan, Autant en emporte le vent ou
Le Nom de la rose apparaissent dans ce Top
50 du siècle ? Parce que les gens les ont vus
au cinéma, ce qui est moins fatigant que de
les lire.
Or un vrai chef-d'œuvre de la littérature
ne doit pas être adaptable à l'écran, il est
fait pour rester écrit : personne n'a jamais
réussi à tourner le Voyage au bout de la nuit,
Ulysse ou Belle du Seigneur. Mais enfin je
m'égare, ce ne sont pas mes oignons, revenons au Hussard sur le toit, son roman le
plus stendhalien.
Et d'abord, que fiche ce hussard sur un
toit ? Eh bien, il fuit une épidémie de choléra en 1838, à Manosque, ville natale de
95
Giono. Il s'appelle Angelo Pardi (à ne pas
confondre avec Branduardi qui n'est pas
hussard mais barde sarde). Angelo est un
Italien qui traverse la Provence jonchée de
cadavres bleus en frictionnant les malades
pour leur sauver la vie, une sorte de
Fabrice del Dongo qui se prendrait pour le
docteur Ross dans Urgences. Il tombe
amoureux de Juliette Binoche, pardon, de
Pauline de Théus, et ensemble ils bravent
tous les dangers, mais voici qu'elle tombe
malade, et Angelo la soigne, c'est-à-dire la
frictionne, la frotte, sur les pieds, les
jambes, les cuisses, il remonte, le ventre,
hum hum, très chaud, et elle le tutoie alors
que lui la vouvoie, mais il la ramène chez
son mari, car il est homme d'honneur (il ne
serait pas un peu « hormosessuel », comme
dirait Queneau?).
Nous sommes donc entraînés dans un
road-book écolo (et parfois démago) aux
rebondissements nombreux, avec de la
générosité en veux-tu en voilà, des personnages vaillants et bons, le tout assaisonné
de terreur, de violence, de courage, de paysages presque aussi majestueux que dans le
magazine Côté Sud. Conclusion : même
quand c'était un livre, Le Hussard sur le toit
était déjà un film. Je préfère le pascalien
Un Roi sans divertissement.
Evidemment, si l'on creuse un peu,
Giono a surtout voulu créer un vrai héros
96
de roman, comme on n'en fait plus. Son
pacifisme prônant le retour à la terre lui a
valu d'être emprisonné à la Libération en
tant qu'inspirateur du vichysme. Quelle
idée aussi d'accepter d'être publié dans un
journal qui s'appelle La Gerbe ! Après
guerre, il invente donc un homme parfait,
qui passe au travers de toutes les catastrophes avec un sang-froid exemplaire l'homme qu'il n'a pas été ? Ce faisant, il est
un peu l'ancêtre des « hussards » (Nimier,
Déon, Haedens lui rendront d'ailleurs de
vibrants hommages). Il prône une littérature non pas de droite mais de droiture,
tout en réhabilitant le picaresque à la
Dumas, et ses aventuriers à tête haute.
Et puis comment ne pas craquer devant
cette belle histoire d'amour non consommé
(comme, drôle de coïncidence microbienne,
dans L'Amour au temps du choléra de Garcia Marquez). Les plus belles passions sont
celles qui n'ont pas lieu : si Pauline avait
finalement largué son mari pour s'installer
dans un F3 de la banlieue de Turin en
compagnie du bel Angelo, serions-nous en
train d'en parler? Bien sûr que non, et le
film eût été intitulé « Affreux, sales et
méchants ».
N° 30 LES FAUX-MONNAYEURS
d'André Gide (1925)
Je tiens personnellement à ce que le
numéro trente soit André Gide, Prix Nobel
de Littérature en 1950, même si « la nature
a horreur du Gide » (dixit Henri Béraud).
André Gide est né à Paris 6e (19, rue de
Médicis) en 1869 et mort à Paris 7e (1 bis,
rue Vaneau) en 1951 — il a donc mis une vie
entière pour bouger d'un arrondissement. Il
souffre d'une réputation de trop « grantécrivain » (comme dit Dominique Noguez),
c'est-à-dire de vieux scrogneugneu, tout ça
parce qu'il a fondé La Nouvelle Revue française en 1908, qu'André Rouveyre l'a surnommé « le contemporain capital » et
Arthur Cravan « le cabotin ». Il y a toujours eu en France des auteurs comme ça,
sortes de gourous intelligents et néanmoins
bourgeois. C'est ce qui fait la grandeur de
notre pays. Mais Gide n'était pas si coincé
que ça, comme le montrent Les FauxMonnayeurs, son seul et unique roman.
Gide est un riche huguenot qui s'encanaille.
Selon ses propres termes : « Je ne suis
qu'un petit garçon qui s'amuse doublé d'un
pasteur protestant qui s'ennuie » (Journal). Dans sa jeunesse, ce dandy était
99
même très sulfureux : en réalité, la vie de
Gide a consisté à passer du soufre à la souffrance, et des sens au sens.
Les Faux-Monnayeurs est un livre polyphonique, kaléidoscopique, géométrique, à
multiples facettes (cochez la métaphore de
votre choix). Il y a 35 personnages (collégiens, étudiants, écrivains, filles, garçons,
surtout garçons) qui s'entrecroisent dans
Paris et cherchent tous la même chose :
échapper à leur destin tout tracé qui ressemble à de la fausse monnaie. Ils ne disent
pas « Familles je vous hais » parce que
Gide l'a déjà dit dans Les Nourritures terrestres en 1897, mais enfin ils le pensent très
fort. Pourtant le gros roman de Gide a
aujourd'hui vieilli, ne choque plus personne
et la jeunesse ne se réveille pas pour le
dévorer la nuit en 2001.
Eh bien, comme souvent, la jeunesse
a tort, car Les Faux-Monnayeurs sont
un hymne à la liberté. Liberté dans la
forme, liberté dans le fond. A sa mort,
Sartre (dans Les Temps modernes) et Camus
(dans Combat) tombèrent enfin d'accord
(et Dieu sait que c'était difficile) pour
reconnaître que Gide était l'écrivain le
plus libre du siècle. Pourquoi? Parce
qu'il savait reconnaître ses erreurs (en revenant d'URSS par exemple) et explorer ses
contradictions (comme le tourisme sexuel).
100
Et quelle fraîcheur encore aujourd'hui! Les
Faux-Monnayeurs sont le cri de sincérité
d'une bande d'adolescents dans une époque
de mensonge confortable. 43 ans avant Mai
68, le vieux scrogneugneu était un vrai
révolté, un immoraliste hédoniste, qui osa
dire qu'il aimait les mecs à une époque où
Proust restait dans son placard.
Ce qui est très actuel aussi, c'est qu'un
des personnages des Faux-Monnayeurs,
Edouard, écrit un roman intitulé les FauxMonnayeurs (de même que dans Paludes
Gide écrit : « J'écris Paludes »). Eh outre
Gide a publié un an après le Journal des
« Faux-Monnayeurs » qui en est, en quelque sorte, le « making of ». Tout le monde
fait aujourd'hui des « romans dans le
roman » mais — rendons à André ce qui est
à André — c'est Gide qui a inventé la mise
en abyme en littérature (après Pirandello
au théâtre, qui lui-même s'inspirait de la
double action chez Shakespeare). Quand
Annie Ernaux publie les brouillons de Passion simple, elle n'innove pas tant que cela.
Lucidement, elle l'intitule Se perdre.
Enfin, surtout, Les Faux-Monnayeurs
vous rendent plus fin, donc plus compliqué.
Qu'est-ce que la littérature, sinon une élégante manière de couper les cheveux en
quatre? Par moments, Gide qui a refusé
quelques années plus tôt Du côté de chez
101
Swann, semble pasticher Proust : « Entre
aimer Laura et m'imaginer que je l'aime —
entre m'imaginer que je l'aime moins, et
l'aimer moins, quel dieu verrait la différence? Dans le domaine des sentiments,
le réel ne se distingue pas de l'imaginaire.
Et, s'il suffît d'imaginer qu'on aime, pour
aimer, ainsi suffit-il de se dire qu'on imagine aimer, quand on aime, pour aussitôt
aimer un peu moins, et même pour se détacher un peu de ce qu'on aime... » Lire ce
genre de prose, c'est comme faire un stage
de développement accéléré du cerveau. La
preuve ? Regardez-moi. Ça se voit pas ?
Bon d'accord, peut-être pas à l'œil nu, mais
à l'intérieur je suis le Yoda.
Lire Gide tu dois et ainsi plus profond tu
deviendras.
N° 29 LE DÉSERT DES TARTARES
de Dino Buzzati (1940)
Vous voulez savoir qui est le numéro 29 ?
Attendez... Il ne faut pas être pressé... On a
tout notre temps... Soyez un peu patient...
L'attente est tout le sujet du Désert des
Tartares, fable fantastique de l'Italien Dino
Buzzati (1906-1972). Beaucoup de livres
du siècle torturent notre impatience : Le
Rivage des Syrtes de Julien Gracq, écrit
10 ans plus tard, tout comme En attendant
Godot de Beckett ou, plus récemment et
dans un genre très différent, L'Amour au
temps du choléra de Garcia Marquez. Au
fond, tout bon livre doit provoquer
l'attente, au moins celle du lecteur : pour
qu'il ait envie de tourner les pages, il faut
une tension, et quelle plus forte tension que
de le faire poireauter ? Lire c'est espérer la
page suivante : on n'aime jamais mieux un
bouquin que quand il a su vous faire lambiner (on appelle cela le « suspense » ou le
« moteur narratif » selon qu'on est Alfred
Hitchcock ou élève de Normale Sup).
Dans le fort Bastiani qui domine le
désert (on ne sait ni très bien où, ni très
bien quand, mais pour avoir l'air cultivé
103
nous dirons que le contexte est borgésien),
les soldats scrutent indéfiniment l'horizon
à la recherche de n'importe quel événement qui pourrait justifier leur existence.
N'importe quoi plutôt que l'ennui! La
métaphore est claire : dans notre siècle
riche en catastrophes, les gens ont beaucoup espéré un monde meilleur, et ils ont
obtenu l'inverse. Alors, comme le lieutenant Drogo, ils sont devenus avides de malheur : il n'y a pas une si grande différence
entre craindre un drame et le souhaiter.
Tout le mystère du Désert des Tartares
réside dans cette ambivalence. Il ne se
passe rien mais la vie s'écoule tout de
même. Le lieutenant Drogo deviendra capitaine mais il aura gâché 35 ans de sa vie
dans ce fort inutile et le jour où l'attaque
aura réellement lieu, il ne la verra même
pas. Ce n'est pas pour rien que Buzzati fut
surnommé par certains critiques « le Kafka
du soleil » (surnom qui, au passage, irait
aussi comme un gant à Albert Camus).
Récemment une jeune femme de 29 ans,
Anna Gavalda, a publié un espiègle recueil
de nouvelles intitulé Je voudrais que
quelqu'un m'attende quelque part. Le lieute-
nant Drogo cherche le contraire : il voudrait attendre quelqu'un quelque part.
Nous sommes tous comme l'une et l'autre.
Quand nous sommes amoureux, nous
attendons que le téléphone sonne. Quand
104
nous sommes malades, nous attendons
la guérison. Quand nous sommes très
malades, nous attendons la mort. Vivre,
c'est attendre qu'il nous arrive quelque
chose : on croit tout contrôler mais en fait,
comme dit Vialatte, « l'homme est un animal à chapeau mou qui attend l'autobus 27
au coin de la rue de la Glacière ». C'est
tout. Et en plus il va peut-être se mettre à
pleuvoir. L'homme est un animal angoissé
qui, pourtant, ne peut s'empêcher d'espérer
qu'il fera beau. Buzzati a transformé la
métaphysique : s'il n'y a plus d'au-delà,
alors à quoi sert la vie ? A n'attendre rien,
mais à l'attendre quand même. L'art
devient alors comme une longue patience.
« Il n'y a personne qui regarde, personne ne
vous dira bravo » et, cependant, tout être
humain est un héros qui se fait sans cesse
poser des lapins par l'existence.
N° 28
ULYSSE
de James Joyce (1922)
Ulysse de James Joyce (1882-1941) a
amplement mérité sa place dans ce hitparade, ne serait-ce qu'au poids. Romanphare de l'œuvre d'un Irlandais alcoolique
presque aveugle, émigré au Fouquet's dans
les années 1920 et publié à Paris le jour de
ses 40 ans, Ulysse est surtout, comme dit
Olivier Rolin, une « encyclopédie de tous
les genres », qui a provoqué en littérature
la même révolution que le Cubisme en peinture. D'ailleurs, on peut se demander,
sur les 6 000 personnes qui ont renvoyé
leur bulletin pour établir ce classement,
combien ont vraiment lu les 858 pages
d'Ulysse jusqu'au bout...
Moi, j'ai de la chance, j'ai toute une
équipe de nègres qui lisent pour moi :
Patrick Poivre d'Arvor, Claire Chazal et
Philippe Labro, non je plaisante, en fait je
suis seul comme un chien.
Résumer Ulysse prendrait trois heures et
nous n'avons que trois pages. Disons que le
roman raconte, sous forme de collage, les
pérégrinations d'un Dublinois nommé Leopold Bloom à travers sa ville-théâtre en
107
compagnie d'un copain, Stephen Dedalus,
pendant une seule journée, celle du jeudi
16 juin 1904. Le titre doit nous mettre sur
la voie : si Joyce l'a appelé Ulysse, c'est
qu'il voit ce livre comme un pastiche de
l'Odyssée d'Homère. En fait d'odyssée, on
pourrait plutôt parler d'une tournée générale qui démarre au petit déjeuner et finit
au bordel, comme toutes les virées réussies.
Le roman s'achève sur le monologue intérieur de Molly Bloom sans ponctuation
mais avec rédemption : « et comme il m'a
embrassée sous le mur mauresque je me
suis dit après tout aussi bien lui qu'un
autre et alors je lui ai demandé avec les
yeux de demander encore oui et alors il m'a
demandé si je voulais dire oui ma fleur de
la montagne et d'abord je lui ai mis mes
bras autour de lui oui et je l'ai attiré sur
moi pour qu'il sente mes seins tout parfumés oui et son cœur battait comme un fou
et oui j'ai dit oui je veux bien Oui ».
puis m'empêcher de penser à quelque
galopin d'école primaire, plein d'esprit et
de dons, mais tellement sûr de lui, tellement égoïste qu'il perd toute mesure,
devient extravagant, poseur, braillard et si
mal élevé qu'il consterne les gens bien disposés à son égard et ennuie sans plus ceux
qui ne le sont pas. » C'est précisément
cette attaque qui m'a donné envie d'aimer
Joyce, car j'estime qu'un des premiers
devoirs de l'écrivain est d'être extravagant,
poseur, braillard et mal élevé. Certes, il
faut se battre pour lire Joyce, c'est un
auteur qui se mérite, mais en même temps
qui ne s'oublie jamais. Question : avez-vous
lu beaucoup de romans que vous n'oublierez JAMAIS? Non, hein? Donc les livres
comme Ulysse sont très rares et très précieux. On n'a pas l'impression de lire Ulysse
mais de l'écrire dans sa propre tête autant
que l'auteur dans la sienne; Joyce a créé
une nouvelle race de lecteurs : les lecteurs
actifs. (Gallimard devrait peut-être vendre
ses romans à moitié prix!)
Lire Ulysse équivaut aux douze travaux
d'Hercule réunis. Ce livre est compliqué,
interminable, crevant, génial, baroque, fou,
chiant et sublime. L'année de sa publication, Virginia Woolf, dans son Journal d'un
écrivain, ne manque pas de sévérité envers
Joyce : « J'ai fini Ulysse et je pense que
c'est un ratage. Du génie, certes, mais de la
moins belle eau. Le livre est diffus et bourbeux; prétentieux et vulgaire (...) Je ne
Ulysse est sans doute un des romans que
j'ai le plus détestés et pourtant c'est aussi
l'un de ceux auxquels je pense le plus
souvent. Quand je l'ai refermé avec soulagement, je savais que je ne serais plus
jamais le même. Mon conseil serait si possible de le lire ivre mort, là-bas, à Dublin,
de même qu'Au-dessous du volcan de Mal-
108
109
colm Lowry doit se lire bourré au Mexique.
Emmenez Ulysse en Irlande pour vérifier
que les mouettes chantent bien « groa
gonna gankury gake » au-dessus de votre
tête, je vous fiche mon billet que ce sera
nettement mieux que le Guide du routard.
Si j'avais encore du temps, je vous parlerais aussi du pub irlandais en bas de chez
moi mais à la place je préfère y aller tout de
suite.
N° 27 LOLITA
de Vladimir Nabokov (1955)
Lolita doit d'abord être lu comme un
roman d'amour passionné. Un quadragénaire nommé Humbert Humbert rencontre
une fille de 12 ans : Dolores Haze ; il épouse
sa mère pour pouvoir se taper sa fille;
découvrant le pot aux roses, la mère meurt
opportunément et Humbert emmène sa
belle-fille en voiture visiter l'Amérique.
Lolita finit par le quitter mais il la poursuit
et, quand il la retrouve, elle a 17 ans, est
enceinte jusqu'aux dents et son pouvoir de
séduction s'est envolé avec sa jeunesse :
Humbert Humbert est déçu déçu. Il y a eu
un gros scandale à la publication du livre —
édité à Paris par Olympia Press car les éditeurs américains l'avaient tous refusé. Vladimir Nabokov (1899-1977) avait alors 56
ans et il devint mondialement célèbre du
jour au lendemain. Y a-t-il encore scandale
à la relecture? OUI, et bien plus qu'à sa
parution. Il est fort probable qu'un tel
manuscrit ne trouverait pas d'éditeur en
2001. Nous allons tout de suite en avoir le
cœur net (si vous êtes scandalisés, vous
n'avez qu'à tourner la page) : « Après toute
une vie de pédophilie, je n'étais pas tout à
fait sans expérience : n'avais-je pas possédé
111
virtuellement mille et une nymphettes dans
des jardins publics? Ne m'étais-je pas
maintes fois faufilé dans des couloirs
d'autobus étouffants et grouillants, pour
m'incruster, avec une bestialité circonspecte, entre des grappes d'écolières suspendues aux poignées de cuir? »
CENSURÉ), on l'appelle une lolita, avec
un « L » minuscule.
La passion pour la femme-enfant continue de choquer mais c'est surtout Gabriel
Matzneff, et récemment Daniel Cohn-Bendit, qui trinquent pour l'affaire Dutroux,
tandis que « Moi, Lolita » d'Alizée caracole
en tête des ventes de disques, que les galeries branchées exposent les photos de Larry
Clark et que le monde entier pleure les
petites filles de Balthus. Il semble que
notre société souffre de schizophrénie
puisque la publicité déshabille les mineures
pour vendre des produits, tout en refusant
de reconnaître l'existence d'une sexualité
infantile (pourtant démontrée par Freud et
Dolto). Je rappelle que c'est Lolita qui
drague Humbert Humbert, elle est plus que
consentante, c'est une fieffée allumeuse,
une petite (MOT CENSURÉ). A quoi
reconnaît-on un personnage réussi ? Quand
son nom propre devient un nom commun.
C'est le cas de la « Lolita » de Nabokov.
Dans le livre elle s'appelle Dolorès mais
désormais, quand on croise une sacrée
bimbo adolescente, une petite baby doll
avec des tétons dardés, une (AUTRE MOT
Mais Lolita n'est pas seulement le portrait d'une nymphette dominatrice. C'est
aussi une critique de l'Amérique des années
1950, avec ses autoroutes, ses drugstores,
ses stations-service, ses motels impersonnels décrits, comme dit Sollers dans La
Guerre du goût, avec un « lyrisme ironique ». Humbert Humbert est un Suisse,
émigré comme Nabokov, qui ne regarde
pas seulement Lolita jouer au tennis, mais
aussi le décor qui entoure sa souffrance.
Quant à Lolita, elle incarne la petite Américaine moyenne, complètement matérialiste et creuse. Leur amour symbolise la
rencontre de l'Ancien et du Nouveau
Monde : le choc de deux générations est
surtout celui de deux continents, puisque
Lolita est le roman d'un Russe qui écrit en
anglais. Comme Joseph Conrad avant lui
(et Kundera et Bianciotti après), Nabokov
choisit d'abandonner son idiome natal pour
renaître en littérature, ce qui explique
peut-être la grande précision de son style,
son souci constant du mot parfait et la poésie de ses images. On travaille plus quand
on écrit dans une langue étrangère. Tout
écrivain devrait, une fois dans sa vie,
s'essayer dans une autre langue pour éliminer les facilités de langage et perdre ses
habitudes. Puisqu'il faut inventer sa propre
112
113
langue, autant ne pas répéter celle que l'on
a apprise à l'école.
Nabokov aimait les papillons, mais son
plus célèbre roman raconte la vie d'une
chrysalide jamais sortie de son cocon.
Lolita n'était d'ailleurs pas sa première tentatrice. Dans un roman de jeunesse intitulé
La Chambre obscure (1933), le narrateur
Bruno Kretchmar abandonnait femme et
enfant pour une nymphette prénommée
Magda... Dans L'Invitation au supplice,
une fillette de 12 ans, Emmie, éprouve un
attrait érotique pour un homme qui a deux
fois son âge... Comme tous les génies, Vladimir Nabokov écrivait-il toujours le même
livre ? Il fut en tout cas, toute sa vie,
obsédé par l'enfance (la sienne surtout, et
parfois celle des autres).
Si l'on m'avait accordé plus de pages,
j'aurais pu écrire plein d'autres choses
scandaleuses qui auraient justifié la saisie
immédiate de ce livre par la brigade des
mœurs. Comme, par exemple (PARAGRAPHE CENSURÉ).
N° 26 L'ŒUVRE AU NOIR
de Marguerite Yourcenar (1968)
Le numéro 26 n'est toujours pas moi
mais Marguerite Yourcenar (1903-1987)
pour L'Œuvre au noir, roman paru en 1968
comme Belle du Seigneur (et tout aussi peu
concerné par les événements de cette
année-là). On est content pour Marguerite
de Crayencour, dite Yourcenar, qu'elle ait
remporté le combat des deux Marguerites,
puisque la Duras ne figure pas dans ce Top
50. Cela prouve qu'il vaut mieux entrer à
l'Académie française qu'avoir le Prix Goncourt. J'espère que vous suivez.
Tous les romans de Yourcenar sont
complètement inactuels et L'Œuvre au
noir, qu'elle considérait comme son livre le
plus important, ne déroge pas à la règle.
Elle y raconte la vie d'un médecin de la
Renaissance : Zénon, une sorte d'alchimiste
sans Paulo Coelho ou de hussard sans le
toit. Cet aventurier d'une époque perdue
voyage à travers l'Europe, soignant les
riches et les pauvres. Le problème, c'est
qu'il fait aussi de la philo, ce qui lui attirera de gros ennuis, puisqu'on le prend
pour l'Antéchrist (en fait il est bien pire :
un anarchiste pas mondain). Poursuivi
115
jusqu'à Bruges, sa ville natale, il se laissera
mollement condamner à mort, comme
Meursault à la fin de L'Etranger, ou comme
Giordano Bruno à la fin de sa vie. Zut, j'ai
raconté la fin du bouquin.
Tant pis, lisez-le quand même : l'histoire
n'est pas le plus important. Au contraire,
dégagés de l'intrigue, vous profiterez encore
mieux de la grande érudition de Yourcenar,
de son style classique, voire ascétique (on a
parfois vraiment l'impression de lire un
roman du XVIe siècle, même le vocabulaire
est d'époque, exemple : « Grand merci !
J'entends conquérir à moins de frais de
meilleures pitances ! » qui vous a un côté
Les Visiteurs, en moins marrant). Le fielleux Marc Lambron s'est d'ailleurs moqué
de sa « syntaxe de pasteur », qualifiant
Yourcenar de « plus grand romancier Scandinave de langue française ».
Mais à quoi sert la littérature sinon à
cela : faire parler les morts ? Sur les 50 écrivains de cette liste, il y a aujourd'hui
44 cadavres. Certes, nous sommes tous de
futurs macchabées mais la force de Yourcenar est d'être un cadavre qui fait parler
d'autres cadavres : elle ressuscite les habitants bizarres d'un siècle lointain, leur
donne la parole. La grande littérature doit
toujours être une nuit des morts-vivants.
116
L'Œuvre au noir s'avère un livre beaucoup moins sinistre que prévu; pas seulement un truc de zombies, mais surtout une
machine à voyager dans le temps. Par la
suite, Tournier a boxé dans la même catégorie, en plus ésotérique. Plutôt que de
décrire le réel de son époque, il n'est pas
inutile de se plonger dans des mondes disparus, de raconter des légendes qui traversent les âges, d'explorer des questions
intemporelles qui nous concerneront pour
les siècles des siècles, amen. Certes, la poussière s'accumule sur les pages du passé,
mais en peu de mots elle peut se muer en
poudre d'escampette.
Qui sait, peut-être qu'en 2845, un taré
écrira un roman sur le XXe siècle. Peut-être
alors parlera-t-il de cette fille surdouée, qui
parlait le grec à l'âge de 12 ans, écrivit à
18 ans un livre sur Pindare, se fixa aux
Etats-Unis en 1958, traduisit Henry James
et sauva de l'oubli Hadrien, un empereur
du IIe siècle, en faisant comme Flaubert
avec Salammbô : s'installer « dans l'intimité d'un autre temps ».
N° 25
TROIS ESSAIS SUR LA THÉORIE
SEXUELLE
de Sigmund Freud (1905)
Le numéro 25 de cette liste est mon
père... Oh pardon! C'est Sigmund Freud
(1856-1939) avec ses Trois Essais sur la
théorie sexuelle. Curieux lapsus... Je me
demande ce que mon inconscient a bien pu
vouloir me dire par là...
La révolution freudienne mérite évidemment sa place dans ce hit-parade des
50 livres du siècle, et les Drei Abhandlun~
gen zur Sexualtheorie semblent un choix
idéal. Au tout début du siècle, le docteur
Sigmund y définit les bases de la psychanalyse : 1) La sexualité humaine est aberrante; 2) La pulsion sexuelle se manifeste
avant la puberté et l'enfant est un pervers
polymorphe; 3) Le sexe n'entretient que
des rapports occasionnels avec la procréation. Ces affirmations, aujourd'hui anodines et acceptées de tous (sauf, peut-être,
de Christine Boutin), ont fait scandale
à l'époque. On cessa de saluer Freud dans
les rues de Vienne ainsi que dans tout
l'empire austro-hongrois. C'est tout juste
s'il ne fut pas lapidé, ce sympathique bourgeois barbu cocaïnomane, âgé alors de
119
49 ans. (Plus tard, les nazis brûlèrent ses
livres pour éviter d'effectuer leur propre
analyse...)
Après s'être intéressé aux rêves en 1900,
Freud se passionne pour les perversions
sexuelles et plus particulièrement les pulsions. C'était diablement excitant mais pas
nouveau (le manuel de Krafft-Ebing date
de 1886). La véritable révolution du livre se
produit quand il creuse les causes de ces
pulsions. D'où vient notre libido? Freud
affirme qu'elle se forge durant notre petite
enfance, que nos névroses datent du stade
anal, oral, phallique, ainsi que du complexe
d'Œdipe : grosso modo, tout dépend de la
façon dont on a désiré sa mère ou son père
avant la puberté.
notre inconscient. Vous me direz que
« Connais-toi toi-même », Socrate l'avait
dit avant Freud. Et je vous répondrai
« OK mais laissez-moi terminer ». Il est
clair que l'homme n'est pas plus équilibré
aujourd'hui qu'il y a un siècle. La psychanalyse aurait-elle échoué ? Sur le plan
scientifique, on peut en discuter ; quand on
voit Gérard Miller à la télé, il est légitime
de se poser la question ; mais à mon avis sa
vraie victoire est littéraire.
Le mécréant Nabokov définissait la psychanalyse comme « l'application quotidienne de vieux mythes grecs sur les parties
génitales ». C'était négliger que les Trois
Essais sur la théorie sexuelle ont influencé
Ces découvertes, encore discutées aujourd'hui, ont créé un bouleversement total
non seulement au XXe siècle, mais dans
l'histoire de l'humanité. Après Copernic,
qui nous a appris que nous n'étions pas au
centre de l'univers, et Darwin, qui nous a
dit que nous descendions du singe, Freud
nous dit que nous ne sommes même pas
maîtres de notre volonté et, partant, de
notre sexualité. C'est ce qu'il appellera la
« troisième vexation » et qui le conduira,
lors de son arrivée à New York, à affirmer :
« Je leur apporte la peste. » Pour vivre
heureux, nous devons apprendre à explorer
toute la littérature du siècle. Si l'on y réfléchit, sans Freud il n'y a bien sûr pas de
Surréalisme, pas de Zweig ou Schnitzler,
mais aussi pas de Proust — qui n'avait
même pas eu besoin de lire Sigmund pour
être freudien —, pas de Gide, pas de Thomas
Mann, à vrai dire sans Freud, il n'y aurait
pas grand monde sur notre liste. Sans sa
peste, on aurait également été privés des
livres de Philip Roth et des films de Woody
Allen. Alors, rien que pour Roth et Allen, il
faut remercier Freud d'avoir humilié l'être
humain en le traitant d'obsédé sexuel
infantile. Il faut bien se rendre compte que
chaque fois que vous traitez votre fiancée
d'« hystérique », votre meilleur pote de
120
121
« mythomane », votre employeur de « paranoïaque » ou votre père d'« homosexuel
refoulé », vous rendez hommage à Freud.
Sans lui, vous les traiteriez de «folle»,
« menteur », « persécuté » et « euh... papa,
enlève cette robe s'il te plaît ».
N° 24 LA CANTATRICE CHAUVE
d'Eugène Ionesco (1950)
En 24e position chante La Cantatrice
chauve d'Eugène Ionesco (de son vrai nom
Eugène Ionescu, 1912-1994), une « antipièce » qui fut créée le 11 mai 1950 au
théâtre des Noctambules — comment voudriez-vous que cela me déplaise ? — et
publiée dans trois numéros des Cahiers du
Collège de Pataphysique en 1952. Monsieur
et Madame Smith vivent à Londres, normal puisqu'ils sont anglais. L'horloge sonne
n'importe quand et eux disent n'importe
quoi, tout comme leurs invités : Monsieur
et Madame Martin. Et la Cantatrice
Chauve ? Elle n'existe pas. A moins que ce
ne soit Mary, la bonne, ou le capitaine des
pompiers, voire l'un des innombrables
Bobby Watson...
Vous trouvez cela absurde ? C'est voulu.
« Absurde » est un des maîtres mots de
l'après-guerre : c'est Camus qui a commencé
à l'employer par désespoir mais très vite, le
théâtre l'a rejoint. En attendant Godot et
La Cantatrice chauve sont les deux chefsd'œuvre du théâtre de l'absurde. Mais La
Cantatrice est nettement plus rigolote.
123
On pourrait dire qu'il s'agit d'une critique de la bourgeoisie sclérosée, ou du
mode de vie moderne, ou du théâtre de
boulevard, ou de la méthode Assimil, ou de
l'incommunicabilité contemporaine, mais
ce serait ennuyeux. Or La Cantatrice chauve
est tout sauf ennuyeuse : nous sommes en
présence d'un énorme et magnifique foutage de gueule, dans la droite ligne d'Ubu
roi d'Alfred Jarry. Et il ne faudrait pas
insulter La Cantatrice chauve en coupant sa
calvitie en quatre.
Eugène Ionesco est d'origine roumaine,
comme le comte Dracula ; c'est pourquoi il
suce le sang du théâtre contemporain.
Ionesco est un révolutionnaire qui fait couler le sang des mots. La Cantatrice chauve
est sa première pièce et aussi la plus drôle,
la plus originale, la plus puissamment nouvelle. Son humour loufoque le situe très en
avance sur son temps : les Monty Python,
les Nuls, les Deschiens font tous du Ionesco
sans le savoir. En outre, comme Magritte
quand il peint une pipe en écrivant « Ceci
n'est pas une pipe », Ionesco peut aussi être
considéré comme l'inventeur du décalage si
cher aux publicitaires des années 1990. Le
truc est simple mais fonctionne toujours
50 ans après : ne pas dire la même chose
que ce qu'on montre, ne pas montrer la
même chose que ce qu'on dit.
124
Élu à l'Académie française en 1970,
Ionesco était quelqu'un de très triste
comme tous les grands humoristes : il ne
plaisantait pas face à la vanité de notre
condition. Son enfance fut solitaire, ses
parents divorcèrent quand il avait 5 ans.
L'homme est provisoire, il meurt et tout ça
pour quoi faire? Pas de réponse. Ionesco
est métaphysique, donc mystique (ses
écrits autobiographiques en attestent :
Notes et contre-notes en 1962, Journal en
miettes en 1967, Présent passé Passé présent
en 1968, La Quête intermittente en 1988). Il
a écrit des spectacles pour passer le bref
laps de temps qui lui était accordé par
Dieu. Somme toute, cette agitation s'avère
aussi ridicule que, pour prendre un exemple
au hasard, d'offrir un peigne à une cantatrice dénuée de cheveux.
N° 23 ASTÉRIX LE GAULOIS
de Goscinny et Uderzo (1959)
Le numéro 23 n'est toujours pas moi
mais Astérix le Gaulois : c'est normal, il est
dopé à la potion magique!
L'histoire de la naissance d'Astérix m'a
toujours fasciné. En 1959, René Goscinny
(1926-1977), scénariste inconnu de retour
des Etats-Unis, et Albert Uderzo (né en
1927), illustrateur obscur dans une agence
parisienne (International Press), se réunissent dans le HLM d'Uderzo, à Bobigny.
Ils cherchent une idée de bande dessinée
pour le premier numéro d'une nouvelle
revue nommée Pilote. Au départ ils pensaient adapter le Roman de Renart, mais
quelqu'un d'autre l'ayant déjà fait, ils
hésitent. Ils se grattent la tête, ce qui est
toujours signe d'une intense réflexion chez
l'être humain. Ils partent sur une aventure préhistorique (qu'ils auraient peutêtre appelée « Jurassix Park » mais on ne
le saura jamais). Et puis, tout d'un coup,
après quelques pastis, c'est l'illumination :
et si l'on racontait ce qu'était la France
sous les Romains ? Uderzo commence à
dessiner le Gaulois le plus célèbre : Vercingétorix. Goscinny rebondit : déformant
127
des mots usuels, il crée Astérix, Obélix,
Idéfix, Panoramix, Assuraneetourix, Abraracourcix, Agecanonix (quelques années
plus tard il s'illustrera avec sa trouvaille
la plus sublime : Ocatarinetabellatchixtchix...). Pour les Romains, il suffira de
trouver des noms se terminant en « us »
comme dans une version latine : Processus,
Hotelterminus, Belinconnus, Prospectus...
Et Goscinny de rédiger le célèbre prologue
de cette nouvelle Guerre des Gaules :
« Nous sommes en 50 avant Jésus-Christ.
Toute la Gaule est occupée par les
Romains... Toute? Non! Un village peuplé
d'irréductibles Gaulois résiste encore et
toujours à l'envahisseur... » (En réalité, la
Gaule et les Gaulois sont une invention du
xixe siècle : les récentes découvertes archéologiques montrent qu'au Ier siècle avant
J.-C, le territoire actuel de la France était
peuplé de dizaines de tribus celtes aux cheveux courts, sans barbe ni moustache!)
Sa grande trouvaille est évidemment la
potion magique qui permet aux Gaulois de
vaincre les Romains à mains nues. Grâce à
cet ancêtre de l'EPO, les faibles peuvent
gagner contre les forts, les Gaulois paresseux qui ne pensent qu'à bouffer des sangliers rôtis peuvent rosser des envahisseurs
supérieurement organisés. On en vient à se
demander ce qui serait arrivé si l'on avait
eu la potion magique en 1940... Car le
128
talent de Goscinny et d'Uderzo consiste
précisément à créer une bédé qui se lit à
plusieurs niveaux : les enfants s'attardent
sur les bastons et les gags visuels, tandis
que les parents rigolent aux jeux de mots,
anachronismes, allusions à la géopolitique.
Astérix s'envole comme une fusée à plusieurs étages.
Mais ce n'est pas là le plus beau dans
cette aventure. Le 29 octobre 1959, le premier épisode du feuilleton Astérix le Gaulois
passe dans Pilote. L'accueil est plus que
mitigé. Les gens disent à Goscinny que tout
le monde s'en fout des Gaulois, et à Uderzo
qu'il dessine de trop gros nez. Lorsque le
premier album sort en 1961, il ne se vend
qu'à 6 000 exemplaires. Le second, La
Serpe d'or, ne fait pas beaucoup mieux :
20 000 exemplaires. De bons amis leur
conseillent d'arrêter : « ça ne marchera
jamais, disent-ils, c'est trop vieillot » (effectivement puisque ça a deux mille ans).
Mais les deux auteurs tiennent bon. Et
aujourd'hui la saga des Astérix représente
300 millions d'albums vendus dans 107
langues et dépasse Faulkner, Nabokov et
Autant en emporte le vent dans notre Top
50. Depuis cette année, René Goscinny a
même sa rue dans le XIII e à Paris, tout
près de la Bibliothèque Nationale de
France !
129
Cela veut dire quoi? Que vous qui lisez
ceci, si vous avez une idée dont vous êtes
fier et qui vous fait marrer, eh bien n'écoutez jamais les avis de vos soi-disant amis;
au contraire, soyez tenace, têtu, borné,
confiant, et travaillez. Tous les écrivains de
cette liste ont dû s'acharner pour être
publiés. C'est cela, aussi, le message d'Astérix : la potion magique est en chacun de
nous ! (Par Toutatis ! Je m'exprime comme
Bernard Tapix!)
N° 22 1984
de George Orwell (1948)
Bonjour chez vous, je vous vois, je vous
regarde, j'espionne vos moindres mouvements... Et que vois-je ? Je vois distinctement que le numéro 22 est 1984, le dernier
livre de la vie de l'Anglais George Orwell
(1903-1950).
Aujourd'hui nous sommes en 2001. Donc
1984, c'était il y a 17 ans. Et le roman 1984
est sorti en 1948 (pour choisir son titre,
Orwell s'est contenté d'inverser les deux
derniers chiffres de l'année de publication).
Orwell s'est-il trompé comme New York
1997, Cosmos 1999 ou 2001 l'Odyssée de
l'espace qui n'ont pas eu lieu aux dates
prévues ? Ou bien vivons-nous dans le
monde qu'il décrit : un monde totalitaire
dont tous les habitants sont surveillés par
un Télécran? Une société où le passé est
constamment réécrit, où la langue est
modifiée pour en faire une novlangue, où
les cerveaux sont lavés, où la vie sexuelle
est réglementée, où l'on opprime les
citoyens sous couvert d'amour, de paix et
de tolérance ? Où tout est organisé pour
nous empêcher de penser?
131
La réponse est : bien sûr que oui, nous y
sommes. Big Brother existe : à LevalloisPerret il y a des caméras qui filment les
passants dans les rues ; l'institut Médiamétrie est en train de mettre au point une
caméra infrarouge pour enregistrer les réactions des téléspectateurs à leur domicile ; les
web-cams sur le net retransmettent au
monde entier la vie privée des gens; nous
sommes fichés, traçables, photographiables
par les cartes de crédit, les téléphones portables, les satellites d'espionnage et de guidage. La langue est réduite à un volapük
d'un minimum de mots (quant au français,
n'en parlons pas : il disparaîtra dans les
décennies à venir). La publicité manipule
nos désirs. Les révisionnistes effacent des
millions de morts. Il existe même un jeu
télévisé hollandais (distribué dans le monde
entier) qui s'intitule « Big Brother », et
permet de surveiller 24 heures sur 24 la vie
de dix candidats reclus dans un appartement truffé de caméras.
Non, comme l'a bien vu François Brune
dans son essai Sous le soleil de Big Brother
occidental dans les 50 années à venir. Et
Stan Barets, un des grands spécialistes de
la science-fiction en France, a raison de se
demander : « A ce point-là, est-ce encore de
la fiction ou déjà du pamphlet ? »
1984 d'Orwell se lit toujours avec terreur
et avidité. Ce ne sont pas seulement ses
dons de voyance qui nous saisissent, mais
aussi sa vision de l'avenir, qui a énormément influencé tous les arts, en particulier
le cinéma et la littérature cyberpunk.
Avant Orwell, le futur était lisse, chatoyant, fluorescent, c'était Flash Gordon,
les Martiens, les soucoupes volantes. Après
Orwell, le futur ne sera plus jamais le
même : un monde carcéral, angoissant,
sombre, Brazil, Blade Runner... Orwell a
créé cette esthétique : le futur comme un
immense goulag dont son héros, Winston
Smith, ne parviendra jamais à s'échapper.
Heureusement pour lui, Orwell est mort en
1950, deux ans après la publication de son
livre, c'est-à-dire trop tôt pour voir à quel
point il avait raison d'être pessimiste. 1984
s'achève d'ailleurs sur cette phrase : « IL
AIMAIT BIG BROTHER.» Winston
Smith vient d'être rééduqué, il est comme
nous tous intoxiqué et soumis. Le système
est victorieux quand il parvient à nous
faire aimer notre prison.
(L'Harmattan), George Orwell ne s'est pas
trompé : son roman prémonitoire a eu beau
être influencé par les totalitarismes de son
époque, nazisme et stalinisme, et par Le
Meilleur des mondes d'Huxley (un British
comme lui), il n'en décrivait pas moins très
scrupuleusement l'évolution du monde
Mais dites donc, il y en a un qui ne me lit
pas attentivement, là, toi, oui, toi, avec
132
133
tes doigts dans le nez, si tu crois que je ne
t'ai pas vu. Baisse les yeux, je t'ordonne de
baisser les yeux : Grand Frère te regarde.
Fais attention ou je t'envoie ma Police
Beigbédérienne !
N° 21 LE MEILLEUR DES MONDES
d'Aldous Huxley (1932)
Si je ne suis pas numéro 21, c'est tout
simplement parce que je ne suis pas assez
beau. Si j'avais été cloné sur Filip Nikolic
des « 2Be3 » il est évident que les gens
auraient voté pour moi...
Le numéro 21 des 50 livres du siècle est
Le Meilleur des mondes, le plus célèbre
roman de l'écrivain britannique Aldous
Huxley (1894-1963). Le plus incroyable
dans ce livre est sûrement sa date de publication : en 1932, Huxley a déjà tout prévu
— le clonage, les bébés-éprouvette, le totalitarisme, la mondialisation matérialiste, le
nouveau fascisme d'un bonheur artificiel et
obligatoire, la soft-idéologie.
Le Meilleur des mondes critique les utopies comme 1984 16 ans plus tard; comme
le roman d'Orwell, c'est une dystopie, c'està-dire une utopie négative, mais à cette différence près qu'il s'agit surtout d'un roman
sur la biologie. Huxley avait-il abusé de la
mescaline quand il a écrit sa préface de
1946 ? Toujours est-il qu'il lit dans l'avenir
lorsqu'il y écrit que : « La révolution véritablement révolutionnaire se réalisera, non
135
pas dans le monde extérieur, mais dans
l'âme et la chair des êtres humains. »
Aujourd'hui, avec les manipulations génétiques, le clonage d'une brebis et d'une
vache, la fécondation in vitro et le séquençage du génome humain, nous savons que
l'ère de la post-humanité approche. En
1998, Michel Houellebecq rendait d'ailleurs
longuement hommage, dans son roman Les
Particules élémentaires, à Aldous Huxley en
reconnaissant qu'il est le premier romancier
à avoir anticipé le bouleversement des biotechnologies.
Comme 1984, Le Meilleur des mondes se
passe dans un Londres futuriste. Le livre
commence par la visite guidée d'un
« Centre d'incubation » où l'on produit des
bébés en flacons. L'Etat Mondial fabrique
les humains de façon industrielle, selon des
critères de sélection eugénistes (le sperme
des beaux va avec les ovules des belles, les
moches avec les moches) avant de les
conditionner par l'hypnose pendant leur
sommeil pour l'emploi qui leur a été assigné. Sur terre, il n'y a plus ni familles, ni
races, ni pays. La liberté sexuelle est totale
(mais Shakespeare est interdit), tout le
monde nique tout le monde ou alors prend
du « soma », une drogue gratuite très
euphorisante. Quel monde merveilleux :
une permanente partouze de junkies! Eh
bien non, pas si merveilleux que ça. Dans
136
Candide de Voltaire, quand Pangloss répète
que « tout va pour le mieux dans le meilleur des mondes possibles », n'oublions pas
qu'il est borgne et ne voit donc qu'une moitié de la réalité.
Le pouvoir a intérêt à ce que les citoyens
jouissent le plus possible pour ne pas
penser. Le héros du roman s'appelle Bernard Marx (oui, comme l'autre barbu) et il
a eu du bol : à la suite d'une erreur de
manipulation en laboratoire, il dispose
d'une conscience et peut même tomber
amoureux de Lenina (oui, comme l'autre
bouc). On le suit dans sa tentative de
révolte avec John, un Sauvage, qui, lui, a
été élevé dans une réserve primitive, au
Nouveau-Mexique, à l'écart du Brave New
World. Sans dévoiler la fin, je crois qu'on
devine aisément que la rébellion tournera
court...
Roman d'anticipation prophétique, reposant sur une connaissance scientifique et
politique très réaliste, Le Meilleur des
Mondes n'a pas pris une ride, au contraire.
Parmi les 50 livres du siècle, c'est probablement celui dont la lecture est la plus urgente
aujourd'hui. Aldous Huxley avait-il raison
d'avoir si peur? Vous le saurez en vivant
dans les prochaines années...
N° 20
TRISTES TROPIQUES
de Claude Lévi-Strauss (1955)
Notre numéro 20, Claude Lévi-Strauss,
n'a rien à voir avec l'inventeur du jean 501
même si leurs deux productions ont pour
point commun d'être délocalisées dans le
tiers monde.
En 1955, Claude Lévi-Strauss est un ethnologue inconnu du grand public, né à
Bruxelles en 1908, qui décide, avec Tristes
Tropiques, de rédiger son autobiographie
intellectuelle, afin de raconter un parcours
qui l'a mené de la philosophie à l'ethnologie
en passant, non par la Lorraine avec ses
sabots, mais par le Brésil avec ses Indiens.
Par provocation, le livre débute par une
phrase restée célèbre : « Je hais les voyages
et les explorateurs », avant de mettre
500 pages à démontrer exactement l'inverse.
Pourquoi ce récit scientifique a-t-il tant
marqué les esprits à la fin des années 1950
(et ensuite) ? Parce qu'il fournit de l'exotisme intelligent; Lévi-Strauss, 92 ans, qui
siège aujourd'hui à l'Académie française et
au Collège de France, était à l'époque une
sorte d'Indiana Jones structuraliste. Avant
Lévi-Strauss, l'homme blanc se contentait
139
d'exterminer les Indiens sans réfléchir.
Certes, il y avait eu le Persan de Montesquieu, venu nous dire la vérité sur nos turpitudes, mais il n'était qu'une fiction : un
véritable sans-papiers critiquant la France
se serait fait raccompagner à la frontière
manu militari. D'ailleurs, de nos jours, les
Persans sont trop occupés à lancer des fatwas sur Salman Rushdie pour s'intéresser à
nos dérèglements sociétaux.
Tristes Tropiques est l'un des premiers
essais à la fois tropicaux et savants qui
s'intéresse à d'autres modes de vie que le
nôtre. A sa suite, Carlos Castaneda, aux
États-Unis, fera des expériences hallucinogènes avec les Indiens du Mexique. Les
Indiens sont toujours à la mode : ainsi
J.M.G. Le Clézio n'en est toujours pas
revenu de voir tous ces gens qui vivent tout
nus — comme ils ont raison!
Or que dit Lévi-Strauss? Que les tropiques sont tristes car ils sont décimés, que
ces tribus vont crever à cause des épidémies
que nous leur avons apportées, que les
Caduveo, les Bororo, les Nambikwara et les
Tupi-Kawahib proposent des modes de vie
plus naturels, plus vrais, plus beaux que
nos embouteillages du vendredi soir au tunnel de Saint-Cloud. Il y a chez Lévi-Strauss
un respect de la différence, un anticolonialisme viscéral : il dénie à l'homme blanc
140
occidental sa prétention à vouloir imposer
ses valeurs et sa soi-disant civilisation supérieure. Il existe un danger dans cette lutte
(justifiée) contre la hiérarchie sociétale
entre les êtres humains — même si, avec nos
bombes atomiques et nos génocides, nous
sommes bien plus sauvages que des Indiens
inoffensifs en pagne. Le danger est que
cette théorie « rousseauiste » entraîne une
remise en cause des droits de l'homme : s'il
faut respecter toutes les différences, alors
on accepte l'excision, la lapidation des
femmes non voilées, les châtiments corporels et le cannibalisme par simple souci de
ne pas imposer notre culture. Involontairement, Claude Lévi-Strauss se fait l'apôtre
de la non-ingérence. Dans un monde qui
rétrécit, il prêche contre l'uniformisation,
mais, ce faisant, milite aussi contre l'idée
d'un humanisme planétaire. Pour simplifier, nous dirons qu'il choisit plutôt le camp
de Nietzsche que celui de Kouchner.
N° 19
JOURNAL
d'Anne Frank (1947)
J'ai bien de la chance de ne pas être le
numéro 19 parce que c'est Anne Frank,
pour le Journal qu'elle a tenu du 12 juin
1942 au 1er août 1944, avant d'être arrêtée
puis déportée au camp de concentration de
Bergen-Belsen, où elle est morte à l'âge de
15 ans.
Il y a sûrement des livres plus importants que le Journal d'Anne Frank pour
évoquer l'Holocauste : Si c'est un homme de
Primo Levi (n° 57 des 100 livres du siècle
dans le classement original du Monde), le
texte du film Shoah de Claude Lanzmann,
les témoignages de David Rousset, Jorge
Semprun et Robert Antelme, mais aucun
n'atteint la charge émotionnelle de ce petit
carnet intime tenu par une adolescente
cachée au 263 Prinsengracht à Amsterdam
sous l'occupation allemande. J'y suis allé,
moi, fïgurez-vous, au 263 Prinsengracht, où
la cachette d'Anne Frank est devenue un
musée. On a du mal à croire qu'il y a un
demi-siècle, la petite Anne et sa famille ont
tenu 25 mois de planque dans un deuxpièces avec obligation de parler tout bas et
de marcher sur la pointe des pieds, malgré
143
les engueulades, la promiscuité, les vêtements trop petits (c'est qu'on grandit vite à
cet âge-là), la peur constante d'être découverts - alors qu'ils ne furent pas découverts
mais dénoncés.
Toute la force de ce document est là :
Anne Frank est une adolescente comme les
autres, qui écrit à une amie imaginaire prénommée Kitty, pour épancher ses désirs
(un début d'idylle avec son voisin Peter
Van Pels), ses rêves de gloire hollywoodienne, ses agacements envers sa mère et sa
sœur Margot. Son père Otto, qui fît publier
le manuscrit, en expurgea même certains
passages concernant son amour pour une
autre femme que la sienne. Dans son imperfection et sa quotidienneté, ce texte donne
un visage et une voix aux morts. Anne
Frank est un peu le « soldat inconnu »
du génocide juif : elle parle au nom des
5 999 999 autres assassinés. Comme l'a écrit
Primo Levi lui-même : « A elle seule, Anne
Frank nous émeut plus que les innombrables victimes qui ont souffert comme
elle, mais dont l'image est restée dans
l'ombre. Il faut peut-être que les choses en
soient ainsi : si nous devions et si nous
étions capables de partager les souffrances
de chacun, nous ne pourrions pas vivre. »
D'ailleurs Primo Levi ne croyait pas si bien
dire : lui non plus n'a pas pu vivre,
puisqu'il s'est suicidé en avril 1987.
144
A un moment, dans son journal intime,
Anne Frank fait des projets. « Pense
comme ce serait intéressant si je publiais
un roman sur l'Annexe ; rien qu'au titre, les
gens iraient s'imaginer qu'il s'agit d'un
roman policier. Non, mais sérieusement,
environ dix ans après la guerre, cela fera
sûrement un drôle d'effet aux gens si nous
leur racontons comment nous, juifs, nous
avons vécu, nous nous sommes nourris et
nous avons discuté ici. (...) Tu sais que mon
vœu le plus cher est de devenir journaliste
et plus tard un écrivain connu », écrit-elle»
Malheureusement, ce vœu fut exaucé à
titre posthume.
N° 18 LE LOTUS BLEU
d'Hergé (1936)
Sapristi! Que dis-je : Tonnerre de Brest!
Je ne suis pas numéro 18! Tout ça parce
qu'un bougre de bachi-bouzouk, un boitsans-soif, un olibrius bruxellois, un marin
d'eau douce a décidé de s'emparer de ma
place !
« Tintin » ! quel nom ridicule, en plus ! Un
soi-disant reporter international qu'on ne
voit jamais écrire ses articles, inventé par un
ancien boy-scout nommé Georges Rémi
(1907-1983), dit RG, comme dans « Renseignements Généraux » ! Drôle d'idée pour
un pseudonyme, surtout quand on a des opinions politiques peu recommandables : colonialistes et parfois même racistes dans
Tintin au Congo... sans évoquer un comportement douteux pendant la Seconde Guerre
mondiale belge (collaboration à un journal
dirigé par des Allemands).
Hergé n'en demeure pas moins l'inventeur de la bédé européenne grâce à sa ligne
claire, son sens de l'intrigue avec suspense
en bas de page (les planches uniques paraissant au rythme hebdomadaire, il fallait
tenir les jeunes lecteurs en haleine d'une
147
semaine sur l'autre) et ses personnages
aussi burlesques que récurrents : le capitaine Haddock, le professeur Tournesol, la
Castafiore, les détectives Dupond et
Dupont et bien sûr Tintin et Milou. Il dessine, modernise, adapte et vulgarise (au
sens noble du terme) le roman-feuilleton à
la Rocambole. D'ailleurs le dernier de ses
23 albums s'intitulera Tintin et les Picaros
en hommage à ces aventuriers espagnols du
XVIe siècle qui ont donné leur nom au
roman picaresque.
Le Lotus bleu a été choisi pour représenter Tintin dans ce hit-parade pour deux raisons : d'abord parce qu'il fallait bien
choisir un épisode de ses aventures ; ensuite
parce qu'il s'agit de la première aventure
de Tintin pour laquelle Hergé s'est véritablement documenté. Publié en 1936 en
noir et blanc, Le Lotus bleu sera remanié et
colorisé en 1946. C'est la suite des Cigares
du Pharaon, qui mettait déjà aux prises
Tintin avec une bande de trafiquants de
drogue. Cette fois, ces sacripants se manifestent en pleine guerre sino-japonaise. Tintin se rend même à Shanghaï dans une
fumerie d'opium qui s'appelle le Lotus bleu.
C'était tout de même trash pour l'époque :
comme si aujourd'hui on sortait une bédé
pour enfants qui se passait dans un club
échangiste ! Tintin sauve la vie de Tchang,
un jeune garçon qu'il voit se noyer lors
148
d'une crue du Yang Tsé Kiang (fleuve cher
aux personnages d'Antoine Blondin dans
Un Singe en hiver). Ensemble ils affrontent
le redoutable Rastapopoulos, un lointain
ancêtre de Pablo Escobar. A la fin,
lorsqu'ils se séparent, Tintin verse une des
seules larmes de sa carrière, ce qui a
entraîné de nombreuses gloses sur sa possible homosexualité avec ce jeune Chinois :
hypothèse aussi stupide que de le supposer
zoophile avec Milou, même si Hergé a effectivement rencontré un Chinois nommé
Tchang Tchong-jen qui lui a donné de précieux conseils pour son récit.
De Gaulle a dit un jour : « Mon seul rival
international c'est Tintin. » Il a péché par
mégalomanie car aujourd'hui un album de
Tintin se vend toutes les deux secondes et
demi dans le monde. A notre connaissance
les Mémoires d'espoir du Général n'atteignent pas le millionième de cette gloire.
Si j'avais eu plus de place, j'aurais pu
m'étaler sur le whisky du capitaine Haddock, nommé Loch Lomond, du nom d'un
lac écossais où je me suis baigné ivre mort il
y a quelques années... A suivre!
N° 17
ALCOOLS
de Guillaume Apollinaire (1913)
Le numéro 17 n'est toujours pas moi
mais cela m'est égal : je vais noyer mon
chagrin dans les alcools. Ceci est une fine
transition pour évoquer Alcools, le recueil
de poésies de Guillaume Apollinaire (18801918) : un des plus beaux livres de poèmes
jamais écrits en français, tous siècles
confondus.
Pourquoi Alcools avec un « s » ? Parce
que Wilhelm Apollinaris Kostrovitzky, dit
Guillaume Apollinaire (« Kostro » pour les
intimes), était non seulement polonais
(donc alcoolique) mais aussi cubiste : il
voulait décrire le monde sous toutes ses
facettes, sous tous les angles. Pour lui
comme pour Picasso (ou Perec plus tard),
tout prend un « s » à la fin. La beauté doit
nécessairement être plurielle, comme, par
exemple, de nos jours, la gauche de gouvernement.
Il y a tout dans ce livre : de l'amour
impossible, de la mort inéluctable, de
l'ivresse indispensable, des innovations formelles (aucune ponctuation, des vers isolés,
des rimes aléatoires, certaines libertés dans
151
la métrique), des classiques immédiats
comme Le Pont Mirabeau, l'Allemagne, où
Apollinaire séjourna en 1901, et il y a surtout des phrases immortelles que tout le
monde sait par cœur sans toujours savoir
qu'elles sont de lui : « Mon verre s'est brisé
comme un éclat de rire », « Le mai le
joli mai en barque sur le Rhin », « Je ne
veux jamais l'oublier », « Et ma vie pour
tes yeux lentement s'empoisonne », « Et
n'oublie pas que je t'attends », « Comme la
vie est lente/et comme l'espérance est violente »...
Je voudrais m'attarder sur cette dernière
rime — non pas pour faire comme ces profs
de français qui vous dégoûtent de la poésie
à force de la disséquer — merde ! un poème
n'est pas une grenouille en travaux pratiques de sciences nat' — simplement pour
attirer votre attention sur ces sonorités :
« comme la vie est lente et comme l'espérance est violente ». Il me semble que tout
le mystère de la poésie est condensé dans
cette idée tordue : rapprocher deux sons
qui se ressemblent alors qu'ils signifient
pourtant l'inverse. De même, dans le vers :
« Les jours s'en vont je demeure » entendon distinctement « je meurs ». Choc cataclysmique, lenteur de la vie contre violence
du désir, vie contre mort, et le tout rédigé
pour se taper Marie Laurencin, la même
que dans « L'Eté indien » de Joe Dassin !
Voilà, ça sert à ça la poésie!
152
« Écoutez mes chants d'universelle ivrognerie », nous dit Apollinaire, oui, entendons-le, ce poivrot tzigane, à 87 années de
distance, sa poésie reste un alcool de mots,
une beuverie du langage, une orgie du
vocabulaire, une partouze sémantique.
« Enivrez-vous », disait son idole Baudelaire, lisez Alcools sur sa tombe au PèreLachaise avec une aspirine à portée de
main! Ce chef-d'œuvre a donné la gueule
de bois à tous les poètes du XXe siècle,
notamment les surréalistes, qui lui doivent
tout, pas seulement d'avoir inventé ce mot
(« sur-réalisme », écrivit-il dans le programme de Parade, ballet de Cocteau,
Picasso et Satie, en 1917). Apollinaire
conduit Rimbaud vers Aragon : à la fois
ancien et moderne, il avance contre le
temps qui s'enfuit. On ne sait s'il existe un
« progrès » en Art, mais en tout cas Apollinaire semble avoir nettement fait progresser le Schmilblick. En revenant de la
Grande Guerre, il pourra « mourir en souriant » : mission accomplie.
Connaissez-vous le secret de la vie éternelle ?
« Rien n'est mort que ce qui n'existe pas
encore
Près du passé luisant demain est incolore »
Il suffit d'écrire ceci et on est plus
immortel que toute l'Académie française
153
réunie au grand complet en costume ridicule.
Un jour, si j'ai le temps, j'écrirai un
recueil de poèmes qui s'intitulera « Cocktails » (soleil cou coupé).
N° 16 PAROLES
de Jacques Prévert (1946)
Jacques Prévert (1900-1977) n'aurait pas
dû intituler son premier recueil de poèmes
Paroles puisque chacun sait que les paroles
s'envolent, alors que les écrits restent. Or,
bien que très populaire (ce recueil s'est
vendu à un million d'exemplaires à sa sortie), Prévert est décrié, méprisé par la critique, voire insulté par ses confrères.
Michel Houellebecq, poète lui aussi, ne
dit-il pas dans ses Interventions que « Prévert est un con » ?
On pourrait certes lui rétorquer que tout
ce qui est exagéré est insignifiant, mais à sa
relecture, il est indéniable que Prévert
déçoit, surtout quand on vient d'être transporté juste avant par les Alcools d'Apollinaire. Le mégot aux lèvres, Prévert
renverse de la cendre sur ses poèmes, qui
ressemble à la poussière d'un grenier.
Paroles s'avère finalement un titre honnête car ce recueil ne réunit pas vraiment
des poésies mais plutôt des textes de chansons, que Joseph Kosma aurait pu mettre
en musique. Prévert était surtout un grand
dialoguiste de cinéma (Quai des brumes.
155
Les Enfants du paradis, Le jour se lève for-
ment une sorte de trilogie des faubourgs) et
cette gouaille déteint sur sa poésie qui est
simplette, démago, répétitive, nunuche,
pleine de calembours à la Bobby Lapointe
et de naïvetés involontaires à la Christian
Bobin : la guerre c'est pas bien, l'amour
c'est mieux, les riches c'est méchant, la
mort c'est triste, les oiseaux c'est joli, les
fleurs ça sent bon... Sans insulter sa
mémoire, on peut voir Jacques Prévert
comme une sorte d'anar anticlérical à la
Brassens plus que comme un nouveau Paul
Verlaine. Même sévèrement murgé, on imagine mal ce dernier écrire un aussi faible
quatrain :
« Notre Père qui êtes aux cieux
— Restez-y.
Et nous, nous resterons sur la terre
Qui est quelquefois si jolie. »
Certes, il pourra sembler injuste que
notre inventaire dénigre un auteur qui les
aimait tant (les inventaires). Prévert n'est
pas un con mais plutôt une sorte de Bernard Buffet de la poésie — un type que le
public adore parce qu'il est facile d'accès
mais que la critique déteste pour la même
(mauvaise) raison. Force est de constater
qu'il a davantage influencé Michel Audiard
qu'Henri Michaux. Un poète « populaire »
ne peut pas être « culte » ; le succès rend le
snobisme impossible ; croyez bien qu'il m'en
156
coûte beaucoup d'écrire cela. Pour sa
défense, on reconnaîtra que Prévert eut
l'élégance de composer une poésie simple :
dans le siècle qui a rendu la poésie hermétique et expérimentale (et coupée de tout
public), son principal crime fut probablement d'être compris.
N° 15 L'ARCHIPEL DU GOULAG
d'Alexandre Soljenitsyne (1973)
Le numéro 15, le numéro 15, mais bon
sang arrêtons de mettre des numéros aux
artistes, surtout pour parler d'un dissident
qui fut condamné au Goulag pour avoir
justement refusé d'être un numéro !
En plus, Alexandre Soljenitsyne, né en
1918 donc âgé de 82 ans, se fiche sûrement
de savoir qu'il est classé n° 15 dans notre
Top 50 pour sa fresque épique de l'univers
concentrationnaire soviétique : L'Archipel
du Goulag, publiée à Paris en décembre
1973 et en Russie seulement 17 ans plus
tard, en 1990.
Je voudrais être très clair : ce reportage en
direct de l'enfer est un des livres les plus
insoutenables que j'aie jamais lus de ma vie,
et pourtant Dieu sait si j'en ai lu, des livres
insoutenables, des 120 journées de Sodome
à American Psycho. D'habitude j'adore
l'insoutenable, quand il est fictif. Malheureusement tout ce que raconte Soljenitsyne est vrai : les tortures physiques et
mentales, les travaux forcés, les punitions, la
faim, le froid sibérien (où les crachats après,
159
gèlent avant d'atteindre le sol par moins
cinquante), les fosses communes, les tentatives de révolte réprimées avec une implacable violence, les manipulations, les
humiliations qui voulaient réduire l'homme
à l'état d'animal, et y parvinrent parfois,
mais pas toujours : L'Archipel du Goulag
est là pour en témoigner. Et tous ces gens
étaient innocents : des « agneaux », écrit
Soljenitsyne, qui fut déporté pendant 8 ans
pour avoir simplement critiqué Staline sans
le nommer dans une lettre à un ami!
Comme dans La Plaisanterie de Kundera!
Ce monument aux morts n'a pas été élevé
seul par Soljenitsyne mais grâce à l'assistance et au soutien de 227 autres suppliciés
du totalitarisme communiste, au péril de
leur vie (ne disposant pas de papier, ils
apprirent par cœur le livre) ; et il parle au
nom des millions d'autres martyrs de ce
qu'il appelle « l'industrie pénitentiaire ».
tel d'Artagnan). On pourrait conclure en
disant que, même s'il est idiot de vouloir
comparer les deux hécatombes, le génocide
nazi avait au moins l'avantage d'être clairement fondé sur la haine raciste, alors que
celui des communistes était plus hypocrite
puisqu'il prétendait répandre le bonheur
sur terre. Je suis surpris par ailleurs de ne
pas voir figurer Si c'est un homme de Primo
Levi dans ce classement démocratique,
livre tout aussi indispensable (même si le
Journal d'Anne Frank est heureusement là
pour représenter la Shoah).
D'autres déportés avaient publié des
récits terrifiants avant Soljenitsyne : Les
Récits de la Kolyma de Varlam Chalamov,
Le Vertige de Evguenia Ginzburg, mais
c'est Soljenitsyne qui révéla vraiment au
monde comment l'utopie socialiste avait
tourné au cauchemar, ce qui valut à ce
nouveau Tolstoï le Prix Nobel de Littérature en 1970, qu'il accepta malgré la censure, avant d'être expulsé d'URSS en
février 1974 (il n'y revint que 20 ans après,
Cette série de 50 livres est, au fond, à
l'image de notre siècle : elle contient quelques œuvres jolies et légères, comme Gatsby
ou Bonjour tristesse, mais aussi beaucoup de
livres bouleversants qui montrent à quel
point nos 100 dernières années ont battu
tous les records en matière de monstruosité,
de barbarie, de racisme et de tyrannie. Que
faire de tout cela ? En lisant L'Archipel du
Goulag on se sent écrasé et impuissant, et
simultanément on se dit que toutes ces horreurs doivent bien servir à quelque chose —
à ce que plus jamais on n'en arrive là. La
leçon que ma génération doit en tirer fait
froid dans le dos : et si l'absolue cruauté du
siècle précédent nous était tout simplement... utile? Fallait-il en passer par là?
L'absurdité de ces tortures deviendrait
alors une nécessité et Soljenitsyne, le Dante
moderne... un utopiste?
160
161
De toute façon, toute personne qui ne
sera pas d'accord avec ce que je viens de
dire sera immédiatement arrêtée, enfermée
dans un cercueil rempli de punaises, puis
plongée pendant 8 heures dans un bain
d'eau glacée devant un haut-parleur diffusant en boucle « La Danse des canards ».
Car tel est mon bon vouloir.
N° 14 LE NOM DE LA ROSE
d'Umberto Eco (1981)
Le numéro 14 de ce hit-parade des génies
littéraires du siècle est Umberto Eco pour
son premier roman : Le Nom de la rose,
publié en 1981. Né à Alessandria (Piémont)
en 1932, Umberto Eco avait alors 49 ans, il
en a aujourd'hui 68. Il exerce la digne fonction de professeur de sémiotique à l'université de Bologne et même si l'on pourrait
critiquer ce classement obscènement surévalué (probablement dû à l'excellente
adaptation cinématographique de son roman par Jean-Jacques Annaud), il faut
admettre que Le Nom de la rose reste à la
relecture un roman adroitement concocté.
Pourquoi? Tout simplement parce que
son idée est assez tordue : écrire un polar
médiéval, un thriller monastique, qui se
déroule « en l'an de grâce et de disgrâce
1327 ». Un ex-inquisiteur nommé Guillaume de Baskerville (hommage à Conan
Doyle le Barbare), flanqué de son secrétaire
Adso de Melk (narrateur de cette histoire),
va enquêter sur des meurtres mystérieux
qui cassent l'ambiance bénédictine d'une
abbaye située entre Provence et Ligurie.
Tout le roman se déroule en 7 jours,
163
avec un assassinat par jour, sur fond d'érudition latine et de bibliothèques mystiques.
C'est Sherlock Holmes aux vêpres, Peau
d'Ane chez les moines, Philip Marlowe en
robe de bure : un roman admirablement
construit, pastiche de vieux manuscrits
latins, formellement d'une grande créativité, rédigé dans une langue imprégnée du
savoir encyclopédique d'Eco sur le Moyen
Age (et de ses lectures borgésiennes) :
« Ainsi, en connaissant jour après jour
mon maître, et en passant nos longues
heures de marche en de très longues
conversations dont, le cas échéant, je parlerai au fur et à mesure, nous parvînmes
au pied du mont où se dressait l'abbaye.
Et il est temps, comme jadis nous le fîmes,
que mon récit s'approche d'elle : puisse ma
main ne point trembler au moment où je
m'apprête à dire tout ce qui ensuite
arriva. »
Pour pinailler, et sans doute par jalousie
face à ses seize millions d'exemplaires vendus de par le monde, on pourrait dire que
l'idée du manuscrit découvert par hasard
n'était pas indispensable, car assez usitée,
du Manuscrit trouvé à Saragosse de Jan
Potocki jusqu'à la récente cassette vidéo du
Projet Blair Witch : c'est un peu une vieille
ficelle. Venant d'un auteur aussi roublard,
cette banalité surprend.
164
On pourrait aussi dire qu'Eco n'est
jamais parvenu tout à fait à retrouver la
grâce de ce premier roman. (Il paraît qu'il
vient de s'y essayer avec Baudolino, l'histoire d'un gamin des rues du XIIe siècle, qui
fait un malheur en Italie : nous verrons
bien.) Il y a des œuvres comme ça, qui sont
des miracles uniques, des exploits impossibles à rééditer. Je pense en particulier au
Parfum de Süskind, d'ailleurs lui aussi un
polar historique. Moralité : tout polar en
costumes d'époque épuise irrémédiablement son auteur, surtout s'il se prénomme
Umberto ou Patrick. Serais-je de mauvaise
foi? Oui. C'est mon métier.
N° 13 L'ÊTRE ET LE NÉANT
de Jean-Paul Sartre (1943)
Numéro 13? On va enfin savoir si ce
chiffre porte bonheur ou malheur. Voyons
voir qui occupe cette place... Ah, Sartre.
Donc le 13 porte malheur.
Jean-Paul Sartre (1905-1980) occupe la
treizième place de ce hit avec son tube L'Être
et le Néant sorti en 1943. Ce classement
démocratique n'est pas exempt de bizarreries, car personnellement de Sartre j'aurais
retenu Les Mots (son autobiographie) ou La
Nausée (Antoine Roquentin est un personnage postmoderne avant l'heure). Je ne suis
pas convaincu que les votants aient tous
compris voire lu L'Être et le Néant, sous-titré
Essai d'ontologie phénoménologique, car il
s'agit d'un traité philosophique d'une écriture très ardue, dans lequel Sartre fonde
l'existentialisme en s'inspirant de Husserl,
Heidegger, Kierkegaard et Jaspers. Grosso
modo, dans L'Être et le Néant, on peut dire
que Sartre fait à Heidegger ce que je lui fais
ici : un reader's digest (mais le sien est plus
long). Inutile de préciser qu'on se tape rarement sur les cuisses en déchiffrant des
phrases du genre : « Ce Moi-objet est Moi
que je suis dans la mesure même où il
167
m'échappe et je le refuserais au contraire
comme mien s'il pouvait coïncider avec moimême en pure ipséité. » Niveau éclate, il est
certain que l'on repassera. On peut préférer
aisément : « Tout existant naît sans raison,
se prolonge par faiblesse et meurt par rencontre » (écrit 5 ans plus tôt dans La
Nausée).
Figurez-vous que l'existentialisme n'a
pas seulement consisté à s'habiller en noir et
se soûler au Tabou avec Juliette Gréco et
Boris Vian, rues Saint Benoît et Dauphine,
dans les années d'après-guerre. Il s'agit
tout de même d'une idée beaucoup plus
sérieuse : « L'existence précède l'essence. »
Vous croyez que vous êtes quelqu'un mais
en fait, ce quelqu'un vous l'êtes devenu ; au
départ, vous vous contentiez d'exister, c'est
tout. Bon, ce n'est peut-être pas un scoop
(« il découvre que c'est en forgeant qu'on
devient forgeron », dira Blondin) mais tout
de même : Descartes disait « je pense donc je
suis », Sartre modifie un peu la proposition
— pour lui, je fais donc je suis. Chacun de nos
actes nous éloigne du néant et en même
temps nous enferme dans notre être; nous
sommes « condamnés à être libres ». Nous
jouons tous un rôle : un garçon de café joue
à être un garçon de café, et moi je fais semblant d'avoir compris L'Être et le Néant.
(Mon grand-oncle, Marc Beigbeder, a tout
de même préfacé L'Existentialisme est un
168
humanisme, donc je devrais tout de même
savoir de quoi il retourne.)
L'Être et le Néant pose Sartre comme philosophe, alors qu'il est bien plus crédible
comme écrivain. Après ce livre, on sera
obligé de le prendre au sérieux jusqu'à la fin
de ce que Bernard-Henri Lévy baptise, avec
la générosité qui le caractérise, Le Siècle de
Sartre. Personnellement, je citerai tout de
même cette phrase d'un humoriste : « Comment voulez-vous croire un intellectuel qui
a un œil qui regarde à gauche et l'autre qui
regarde à droite? » Et j'ajouterai : surtout
s'il est debout sur un tonneau, les yeux
grands fermés sur le stalinisme (n'a-t-il pas
dit que « tout anticommuniste est un
chien», ce qui donne envie d'aboyer?).
Tout cela ne l'a pas empêché de se voir
décerner le Prix Nobel de Littérature en
1964, et de le refuser, ce qui fournit à Bernard Frank l'occasion d'un bon mot : « Je
ne trouve pas que ce soit la modestie qui
l'étouffé, pas plus qu'elle ne me paraît
étouffer un certain général de brigade à titre
provisoire, s'il nous faisait savoir qu'il ne
tenait pas à être maréchal de France » (allusion à de Gaulle et Pétain). Sur notre lancée,
on pourrait aller jusqu'à se demander si
L'Être et le Néant n'est pas plutôt un roman
autobiographique sur le couple SartreBeauvoir. A tour de rôle, y en avait-il un qui
faisait l'Etre, et l'autre le Néant ?
N° 12
EN ATTENDANT GODOT
de Samuel Beckett (1953)
Bon sang mais c'est bien sûr! Je le
savais! J'aurais dû écrire une pièce de
théâtre avec deux SDF qui attendent un
copain qui ne viendra pas ! C'était pourtant
pas sorcier. Si je ne suis pas numéro 12,
c'est vraiment de ma faute.
Samuel Beckett, sublime Irlandais né à
Dublin en 1906, installé à Paris (comme
Joyce) de 1936 à sa mort en 1989, lui, l'a
écrite, cette pièce de théâtre, en français et
en 1953, avant d'avoir le Nobel en 1969 (il
y a overdose de Nobels sur cette liste). La
pièce s'intitule En attendant Godot, et si
vous n'en avez jamais entendu parler, c'est
que vous êtes sourd, aveugle, ou totalement inculte. Deux clodos, Vladimir et
Estragon, dits Gogo et Didi, s'y font poser
un lapin par un certain Godot. Beckett
aime bien les SDF : Molloy, le héros de son
roman paru en 1951, ne roulait déjà pas sur
l'or. Vladimir et Estragon croisent un
couple de sados-masos, dont le maître
Pozzo tient en laisse son esclave Lucky. Ils
discutent sous un arbre et on se demande
quand ils vont enfin s'y pendre. Mais
contrairement au Désert des Tartares, où les
171
Tartares finissent tout de même par arriver
à la fin, ici point de Godot. Il faut donc
meubler l'attente avec de la conversation;
par moments, En attendant Godot fait songer à ces salles d'attente de dentiste où les
patients se sentent obligés de parler entre
eux pour oublier qu'on va les torturer; à
d'autres moments, on se croirait dans un
ascenseur en panne dans un immeuble de
la Défense. Quant à Godot, ce n'est pas
God : Beckett l'a écrit. « Si avec Godot
j'avais voulu désigner Dieu, je l'aurais
appelé Dieu, pas Godot. » Comme ça les
choses sont claires : Godot, c'est la mort,
voyons, diront ses spectateurs d'un air
pénétré. Car En attendant Godot est une
pièce dont chaque spectateur est le coauteur (même si Beckett garde tous les
droits pour lui).
Nettement moins comique que La Cantatrice chauve de Ionesco (créée trois ans
avant), cet intermède est tout de même
plus amusant que du Brecht. Godot reste la
pièce la plus accessible de Beckett et LE
joyau (traduit en 50 langues) du théâtre
absurde d'après-guerre. Il était une fois un
temps où les auteurs dramatiques se sont
aperçus que nous mourions pour rien, que
la vie n'avait aucun sens et qu'il était drôlement fatigant d'inventer un fil conducteur et des personnages réalistes. Mais il y a
un humour efficace chez Beckett, même
172
s'il le perdit par la suite : «— Qu'est-ce
que je dois dire ? — Dis je suis content. — Je
suis content. — Moi aussi. — Nous sommes
contents. — Qu'est-ce qu'on fait maintenant
qu'on est contents ? » Jean Anouilh a dit
du théâtre de Beckett : « Voilà les Pensées
de Pascal jouées par les Fratellini. » Je
n'arrive toujours pas à savoir si c'est
aimable ou perfide.
En tout cas, En attendant Godot pose un
problème qui nous concerne toujours en
l'an 2001 et nous concernera pendant au
moins toutes les années 00 : puisque tout
va pour le mieux dans le meilleur des
mondes possibles (selon Pangloss et Alain
Minc), puisqu'il n'y a plus de guerre,
puisque tout le monde il est beau, tout le
monde il est gentil, que la croissance
revient, que le pognon coule à flots et que
l'Histoire est finie, demeure tout de même
une seule interrogation qui fiche tout par
terre : « Qu'est-ce qu'on fait maintenant
qu'on est contents ? »
N° 11
LE DEUXIÈME SEXE
de Simone de Beauvoir (1949)
Pour être classé 11e du XXe siècle, il fallait
être une femme comme Simone de Beauvoir
(1908-1986), l'auteur du Deuxième Sexe. Car
le XXe siècle est celui de la lutte des classes
mais aussi de la lutte des sexes. Pendant
des millions d'années, les hommes ont
opprimé les femmes, et voici qu'aujourd'hui Jean-Paul Sartre (13e) est battu
par sa propre femme dans cet inventaire
littéraire. Telle est la magie du féminisme,
sans doute la plus importante révolution
du siècle, une libération dont les conséquences commencent seulement de se faire
sentir : invention du Viagra, du PACS, du
gode-ceinture, des Chiennes de Garde, du
Fight Club, de la pilule du lendemain, du
préservatif féminin...
Qu'y a-t-il de si bouleversifiant dans Le
Deuxième Sexe? Un peu la même théorie
que dans L'Être et le Néant (en plus lisible) :
la femme croit qu'elle doit être jolie et
douce et passive, alors que ces qualités sont
le fruit d'un lavage de cerveau de la société.
Là aussi, l'existence précède l'essence : si à
sa naissance on ne lui inculquait pas qu'elle
était le « deuxième sexe » ou le « sexe
175
faible » ou le « beau sexe », la femme serait
un homme comme les autres, puisque :
« On ne naît pas femme, on le devient. » La
Beauvoir s'appuie sur son éducation bourgeoise de jeune fille rangée mais aussi sur la
littérature, et en particulier sur des auteurs
qui figurent dans notre inventaire, comme
André Breton et D.H. Lawrence, pour
montrer que la femme est toujours définie
par l'homme, comme SON épouse, SA
pute, SA mère. Or ce qui est embêtant, ce
n'est pas d'être une madone ou une maîtresse ou une servante, c'est d'être SA quelque chose, SON objet, SON machin. Le
Deuxième Sexe est un titre ironique pour un
pamphlet qui veut non pas féminiser les
mots comme il en est question aujourd'hui,
ni même réclamer la parité à l'Assemblée
nationale, mais simplement obtenir la suppression de l'adjectif possessif.
Prix Goncourt en 1954 pour Les Mandarins, une satire du marigot intello parigot,
Simone de Beauvoir restera surtout pour
cet essai fondateur du mouvement féministe mondial, qui se conclut sur une belle
citation de Laforgue : « 0 jeunes filles,
quand serez-vous nos frères, nos frères
intimes sans arrière-pensée d'exploitation ? » Dans sa vie privée, Sartre et elle
surent admirablement appliquer cette
pensée : sans se marier ni se reproduire,
ils ne se quittèrent jamais alors qu'ils se
176
racontaient leurs tromperies, que Simone
fut bisexuelle, puis tomba amoureuse de
Nelson Algren, puis porta un turban, puis
se transforma en castor (et par conséquent
Sartre en zoophile). Bref, deux mandarins
prouvèrent que l'on pouvait s'aimer entre
sexes différents, en toute liberté, avec
échangisme et indépendance.
Personnellement, je le dis tout net : je
pense que le féminisme est la seule utopie
réussie du XXe siècle. Je suis bien content
que ma fiancée travaille : comme ça je ne
l'ai pas toute la journée sur le dos et, en
plus, elle ramène du fric à la maison.
N° 10
L'ÉCUME DES JOURS
de Boris Vian (1947)
Le number ten est un conte de fées
innocent et triste : L'Écume des jours, merveilleuse histoire d'amour que Boris Vian
(1920-1959) a écrite en 2 mois, à 27 ans, et
qu'il résumait ainsi : « Un homme aime une
femme, elle tombe malade, elle meurt. »
(Love Story d'Erich Segal est donc un plagiat éhonté!)
L'imagination... Ah, l'imagination. On la
croyait morte, celle-là. Finie, dépassée,
assassinée par le réalisme et le naturalisme,
l'autobiographie et le roman engagé. La
poésie tendre et fantastique des amours de
Colin et Chloé apporte un cinglant démenti
aux ennemis de l'invention. Non, l'imaginaire n'est pas contradictoire avec l'émotion, ou l'humour, ou la satire. On peut
parfaitement être absurde et révolté,
comme l'a montré Albert Camus. Et Vian,
bien que centralien et existentialiste, était
un ami de Queneau, il connaissait donc
le surréalisme et la pataphysique, qui
imprègnent sa romance délicate et loufoque. Vian s'y moque de Jean-Sol Partre
(l'auteur de La Lettre et le Néon), condamne
le travail, l'argent et le mariage, montre
179
que tout est impossible (le bonheur, la
santé, l'amour, la vie) et en même temps
comment des nénuphars poussent dans les
femmes et des appartements rétrécissent. Il
y a un point commun entre J.D. Salinger,
l'auteur de L'Attrape-Cœurs, et Boris Vian,
l'auteur de L'Arrache-Cœur (en plus de ces
titres qui se ressemblent beaucoup) : tous
deux refusent le monde adulte, même si le
premier vit toujours alors que le second est
mort à 39 ans il y a 40 ans. Impossible de
résumer L'Écume des jours : c'est un roman
trop fragile, trop cristallin, trop magique
pour être expliqué par un type assis dans
un fauteuil devant son iMac.
Il me faudrait un pianocktail, ce mythique instrument qui mélange les alcools
en même temps que les notes (sans doute
inspiré à Vian par l'orgue à parfums de Des
Esseintes). Après avoir bu des litres de
liqueurs mélangées, je pourrais aller à la
patinoire avec des jolies filles qui riraient et
alors je serais dans l'ambiance, je me mettrais à jouer de la trompette pour fêter la
10e place de Boris Vian, et une petite souris
grise à moustaches noires viendrait commenter en direct la victoire de Jean-Sol
Partre sur le vrai Jean-Paul Sartre, qui
n'est que 13e chez nous : car ce classement
est la preuve que les fêtards inconséquents
sont plus grands que les philosophes intelligents. Nous célébrons ici un zazou aussi
180
désespéré que dégingandé, un immense
artiste qui ne fut pas pris au sérieux de son
vivant et qui triomphe car ses livres ne
servent qu'à s'amuser, à fuir la mort, avant
de se faire exploser le cœur trop jeune dans
une salle de cinéma où l'on projette votre
œuvre sur trop grand écran. L'histoire ne
dit pas si l'autopsie y trouva un nénuphar
géant...
Il existe sûrement des gens qui n'aiment
pas L'Écume des jours, qui trouvent ce livre
nunuche ou puéril, et je voudrais ici même
dire, solennellement, à ces gens que je les
plains, parce qu'ils n'ont pas compris ce qui
est le plus important en littérature. Vous
voulez savoir ce que c'est ? Le charme.
Si j'avais eu plus de place, je vous aurais
parlé d'Holden Caulfield, qui mériterait
amplement de figurer lui aussi dans ce Top
50 avec ses conneries à la David Copperfield, mais j'ai pas envie de raconter ça et
tout.
N° 9
LE GRAND MEA ULNES
d'Alain-Fournier (1913)
Le Grand Meaulnes se prénomme Augustin. Il débarque dans la vie du narrateur,
un jeune homme coincé dans un petit village de Sologne, et devient son camarade
de classe. Lors d'une fugue, le Grand
Meaulnes tombe amoureux d'une jeune fille
éthérée et immatérielle qu'il a croisée sur
une barque, après un mariage raté dans un
beau château flou (il y a les châteaux forts
et les châteaux flous). Il va passer sa vie à
la chercher, puis quand il l'aura retrouvée,
à la perdre pour pouvoir la rechercher — et
là je pose la question qui me brûle les
lèvres : dites donc, est-ce que Scott Fitzgerald avait lu Le Grand Meaulnes d'Henri
dit Alain-Fournier (1886-1914), avant
d'écrire Gatsby ? Ecrivez-moi si vous avez la
réponse car les similitudes m'intriguent :
ce sont deux narrateurs extérieurs qui
racontent l'amour impossible d'un tiers, et
en plus dans des soirées mondaines. Quant
à Fermina Marquez de Valéry Larbaud,
c'est carrément du recopié mais là on le
savait.
Rappelons à toutes fins utiles l'étymologie du mot « désir » : il vient de « de » (pré183
fixe privatif) et du latin siderere (astre). Le
désir vient donc d'une étoile perdue, il
évoque un météore après lequel on court
sans jamais le rattraper. Tel est le message
du Grand Meaulnes. Ce n'est pas un livre,
c'est un rêve. D'ailleurs en 1910 AlainFournier l'écrit dans une lettre à Jacques
Rivière : « Je cherche l'amour. »
Il y a eu l'amour courtois, la passion
romantique, la cristallisation stendhalienne; Alain-Fournier invente le coup de
foudre unilatéral. Dès que l'amour est réciproque, il devient chiant : aimer c'est beau,
être aimé devient pénible à la longue. Je ne
sais plus qui a dit que dans un couple, il y
en a toujours un qui souffre et un qui
s'ennuie. Il a oublié de préciser que celui
qui souffre ne s'ennuie pas, alors que celui
qui s'ennuie souffre tout de même. Et que,
par conséquent, il vaut TOUJOURS mieux
être celui qui souffre que celui qui s'ennuie.
Etre celui qui « cherche l'amour ».
« Cependant, les deux femmes passaient
près de lui et Meaulnes, immobile, regarda
la jeune fille. Souvent, plus tard, lorsqu'il s'endormait après avoir désespérément essayé de se rappeler le beau visage
effacé, il voyait en rêve passer des rangées
de jeunes femmes qui ressemblaient à
celle-ci. L'une avait un chapeau comme elle
et l'autre son air un peu penché ; l'autre son
184
regard si pur; l'autre encore sa taille fine,
et l'autre avait aussi ses yeux bleus; mais
aucune de ces femmes n'était jamais la
grande jeune fille. »
Ce qui reste aujourd'hui le plus touchant
et inégalé dans l'unique roman d'AlainFournier, c'est sa timidité adolescente,
d'autant plus intacte que le lieutenant
Fournier est mort à 28 ans, lors d'une
attaque dans le bois de Saint-Rémy aux
Éparges, le 22 septembre 1914. Et savezvous pourquoi il est mort? Pour ne pas
vieillir. Les merveilleux romans ados
exigent que leur auteur ne vieillisse pas :
Boris Vian est mort à 39 ans, Raymond
Radiguet à 20 ans, René Crevel à 35, JeanRené Huguenin à 26. Alain-Fournier a bien
fait de mourir tôt puisqu'il n'aimait pas la
réalité — celle-là, plus on vieillit, plus on a
tendance à l'accepter.
N°8
POUR QUI SONNE LE GLAS
d'Ernest Hemingway (1940)
Pour qui sonne le glas? Il sonne pour
moi, qui ne suis pas numéro 8.
Il était temps qu'arrive sur cette liste
Ernest Hemingway (1898-1961), Prix Nobel
de Littérature en 1954, l'auteur de Pour
qui sonne le glas en 1940. For Whom the Bell
Tolls est LE grand roman de la guerre
d'Espagne avec L'Espoir de Malraux (paru
3 ans auparavant). C'est le plus épais
roman d'Hemingway, le plus ambitieux et
celui qui s'est le mieux vendu (un million
d'exemplaires en 1 an), mais aussi celui où
il met le mieux en pratique sa Théorie de
l'iceberg, selon laquelle ce qui figure dans
ses livres n'est que la partie émergée d'un
iceberg immense. Cela veut dire que Pour
qui sonne le glas aurait pu être dix fois plus
long s'il avait étalé sur la page toutes ses
munitions! Ouf, on l'a échappé belle, car
personnellement, comme Dorothy Parker,
ce que je préfère chez Hemingway sont ses
nouvelles brèves et incisives où il réalise
vraiment son rêve : écrire comme Cézanne
peint (voilà qui fera plaisir à France Gall).
187
Pour qui sonne le glas nous plonge donc
en pleine guerre civile espagnole, du côté
des partisans républicains; les dialogues
fusent, on prépare une attaque, Robert
Jordan doit faire sauter un pont, il tombe
amoureux de Maria; le roman se déroule
sur 70 heures durant lesquelles Robert
comprend petit à petit qu'il va mourir
pour pas grand-chose; mais, pas chien, il
l'accepte. Le fameux style télégraphique
d'Hemingway (logique, en temps de guerre)
devient vers la fin plus lyrique qu'à l'accoutumée : il y a même quelques adjectifs,
dites donc! Hemingway n'hésite pas à
montrer un massacre de franquistes par
des communistes sans pour autant nuire à
la cause antifasciste. Comme quoi il est
important, quand on veut défendre les
gentils contre les méchants, de ne pas faire
des gentils trop gentils, ni des méchants
trop méchants. Blessé en Italie pendant la
guerre de 1914, Hemingway en a fait
L'Adieu aux Armes 10 ans plus tôt
— comme cela ne lui a pas trop mal réussi,
il nous refait le coup avec son expérience
de correspondant de guerre en Espagne
dans le même camp que George Orwell.
Il faisait du Nouveau Journalisme bien
avant que Tom Wolfe s'en prétende
l'inventeur !
« Papa » Hemingway serait certainement ravi de voir qu'il dépasse Joyce, Fitz188
gerald et Faulkner dans ce Top 50 : il est
un des rares auteurs à envisager la littérature comme une compétition. Il la comparait souvent à un match de boxe dans
lequel il voulait envoyer Maupassant au
tapis et tenir quelques rounds face à Tolstoï. En revanche, il sera sûrement très
fâché de découvrir qui est 7e de ce classement... Pauvre Ernest! Etre battu par
Proust, d'accord, mais par Steinbeck... Il y
a de quoi se flinguer! Oups, pardon, j'ai
gaffé puisque c'est ce que vous avez fait,
Ernest, comme votre père.
Pour conclure, je voudrais citer ce qu'a
écrit sainte Dorothy Parker, dans le New
Yorker : « Ford Madox Ford a dit de cet
auteur "Hemingway écrit comme un
ange". Je conteste (rien de tel que la
contestation pour soigner un mal de tête
matinal). Hemingway écrit comme un être
humain. »
N° 7
LES RAISINS DE LA COLÈRE
de John Steinbeck (1939)
Les Raisins de la colère ne méritent pas
qu'on en pique une. Ce vaste pensum de
John Steinbeck (1902-1968) décrit la terrible crise des années 1930 qui mit sur la
paille les pauvres agriculteurs du Midwest
américain, lesquels y étaient déjà (sur la
paille). Cela donna un beau film de John
Ford avec Henry Fonda déguisé en paysan
révolté. A l'époque, les Américains, comme
aujourd'hui, s'en foutaient des pauvres
tant qu'ils n'étaient pas blancs : Steinbeck
eut le mérite de leur montrer qu'on pouvait
être blanc de peau et miséreux de portefeuille, ce qui écorna quelque peu « the
American Dream ». La Seconde Guerre
mondiale arriva ensuite juste à temps pour
faire diversion, comme les bombardements
sur l'Irak au moment de l'affaire Lewinsky.
La famille Joad est contrainte d'abandonner l'Oklahoma pour tenter de trouver
du boulot en Californie : en Hudson SuperSix sur la route 66, elle traverse des Etats
hostiles, les grands-parents meurent, les
enfants pleurent de faim, et tout ça pour
finir dans un camp tenu par des exploiteurs
191
qui les tabassent et en assassinent même
un. Tu parles d'une « Frontière » î
Si vous récoltez Les Raisins de la colère,
et que vous les laissez fermenter, ils
donnent un vin charpenté mais pas un nectar des plus subtils. Les romans engagés
vieillissent mal, comme le beaujolais nouveau qu'il vaut mieux boire l'année de sa
production parce qu'il est encore pire après.
Dans son bien nommé Journal inutile, la
seule notation intéressante de Paul Morand
est : « Les idées font vieillir les livres
comme les passions font vieillir les corps. »
J'irais même jusqu'à dire — sans risque
d'être contredit puisque je suis seul dans le
froid et la désolation de ce travail hostile —
que Grapes of Wrath est le Germinal du
XXe siècle, ce qui n'est pas obligatoirement
une injure. Si on prenait Les Misérables
d'Hugo et qu'on en faisait un western ? On
verrait bien une adaptation réalisée par
Josée Dayan avec Gérard Depardieu dans
le rôle principal. Ce serait bien mais est-ce
que ce serait beau ? Pas sûr : de même que
le mieux est l'ennemi du bien, on sait
depuis André Gide que le bien est l'ennemi
du beau (« on ne fait pas de bonne littérature avec de bons sentiments »).
Pour faire efficace, Steinbeck nous en
met plein la vue et en rajoute dans le mélodrame naturaliste : bien qu'il les dépasse
tous les deux dans notre Top 50 et qu'il ait
192
récolté comme eux le Prix Nobel de Littérature en 1962 (véritable épidémie dans cet
inventaire), ses dialogues argotiques ne
sont pas d'Hemingway, ses descriptions
sociales ne sont pas de Faulkner ; en fait, le
principal reproche qu'on peut faire à Steinbeck n'est pas de sentir le pâté mais le
pathos. S'il vous en faut absolument une
dose, lisez plutôt Des souris et des hommes
qui a l'avantage d'être plus court.
Si on avait eu plus de place, je vous
aurais parlé de mes origines agricoles. Oui,
ma famille avait autrefois quelques vassaux qui cultivaient nos terres, tandis que
nos intendants leur prélevaient la dîme et
que mes trisaïeuls droitdecuissaient leurs
filles. Dérapé ? Comment ça j'ai dérapé ?
N°6
VOYAGE AU BOUT DE LA NUIT
de Louis-Ferdinand Céline (1932)
Le numéro 6 était le nom du héros de la
série Le Prisonnier. Vous vous souvenez ?
Celui qui hurlait : « Je ne suis pas un
numéro, je suis un homme libre ! » Ce dossard va donc très bien à Louis-Ferdinand
Céline.
Le Voyage au bout de la nuit de LouisFerdinand Céline (1894-1961) est le roman
le plus révolutionnaire du siècle, et la
preuve en est qu'il n'a pas eu le Prix Goncourt en 1932. En l'apportant à Denoël,
Céline lui avait pourtant prédit : « C'est le
Goncourt dans un fauteuil et du pain pour
un siècle entier de littérature. » Il se trompait sur le début de sa phrase, et sur la fin
aussi car tout le monde sait que Céline
n'était pas boulanger mais médecin.
Certains livres sont inexplicables : ils
paraissent sortis de nulle part et pourtant,
quand on les lit, on se demande comment le
monde a fait pour vivre sans eux. Le
Voyage est de cette famille peu nombreuse :
son évidence bouleverse la vie de tous ses
lecteurs. Sa langue brute transforme à
jamais votre façon de parler, d'écrire, de
195
lire et de vivre. « La musique seule est un
message direct au système nerveux. Le
reste blabla. » Personne n'en sort indemne.
J'envie ceux d'entre vous qui n'ont pas
encore lu cette fresque furieuse de vermine
et charogne : ils vont se faire dépuceler
mentalement. Vous savez ce que je veux
dire : au début ce n'est pas toujours
agréable ; par la suite on y prend goût.
Héros en fuite, Ferdinand Bardamu,
descendant d'Ulysse et ancêtre de la Beat
Generation, traverse la guerre de 14, le
Congo, New York, Detroit, Paris, Toulouse, devient médecin en banlieue parisienne, puis chef d'une clinique psychiatrique. D'une certaine façon, on pourrait
dire que le Voyage au bout de la nuit est le
premier roman de la mondialisation. Avec
50 ans d'avance, Céline décrit le rétrécissement de la planète, son uniformisation.
Partout son anti-héros ne rencontre que
des hommes morts ou sur le point de crever, comme Robinson à la fête des Batignolles. Partout une société qui ne sert qu'à
tuer ou à rendre fou. Céline rédige le roman
picaresque le plus sombre de l'Histoire : à
côté, Don Quichotte est une promenade de
santé. L'exploit de Céline c'est qu'en écrivant à l'encre noire sur fond noir on arrive
quand même à le lire. « J'ai écrit pour les
rendre illisibles », a-t-il dit plus tard. Les
milliers de copieurs qui l'ont suivi, souvent
196
de grand talent (Sartre, Camus, Henry Miller, Marcel Aymé, Antoine Blondin, Alphonse Boudard, San-Antonio, Charles Bukowski...) n'ont jamais réussi ne serait-ce qu'à approcher la clarté de sa
noirceur, l'amoralité de son apocalypse,
l'hystérie de son cauchemar, le dégoût de
son épopée.
Comment le docteur Destouches, médecin de 38 ans officiant à Clichy, qui a pris
pour pseudonyme le prénom de sa grandmère, a-t-il pu engendrer pareille « symphonie littéraire émotive » avant d'écrire,
5 ans plus tard, Bagatelles pour un massacre
(sinistre pamphlet dans lequel il aurait
mieux fait de rajouter des points de suspension) ? En cherchant bien, on trouve malheureusement une cohérence : Bardamu,
l'anarchiste, cherchait un coupable et
Céline, l'antisémite, trouvera un bouc émissaire. Il s'est bien sûr ignoblement fourvoyé sur la cause de la misère humaine.
Pourtant le constat du Voyage au bout de la
nuit reste d'actualité : nous essayons de
survivre sur une petite planète sans Dieu
qui fabrique de la pauvreté, des guerres et
des usines. « Une immense, universelle
moquerie » (page 22). Et personne ne sait
« le pourquoi qu'on est là » (page 255).
Roger Nimier a dit une chose très jolie
sur Céline : « Le Diable et le bon Dieu se
197
disputent très fort à son sujet. » Il me
semble que cette engueulade n'est pas près
de s'achever. Et maintenant éteignez la
lumière, je veux errer dans la nuit... j'ai
tout mon temps pour traverser l'obscure
désolation... « et la ville entière, et le ciel et
la campagne et nous, tout qu'il emmenait,
la Seine aussi, tout, qu'on en parle plus ».
(Il n'y a pas que Luchini qui sache lire!)
N°5
LA CONDITION HUMAINE
d'André Malraux (1933)
Mesdames-Messieurs, voici venir le moment que vous attendiez tous : le Top 5 du
XXe siècle ! En 5e position vient André
Malraux (1901-1976) avec sa Condition
humaine : Goncourt 1933, Panthéon 1996.
Nous sommes à Shanghaï, en 1927.
Période d'insurrection en Chine. Un jeune
tueur poignarde un type qui dormait paisiblement : on dirait la scène de la douche
de Psychose mais en remplaçant le rideau
de douche par une moustiquaire. Tchang
Kaï-chek prend le pouvoir. Très vite, le
communisme aborde ses premières contradictions : on a fait tout cela pour défendre
l'homme, mais pour que ça marche il faut
torturer des hommes. Ce dilemme est
incarné par quelques personnages centraux :
Kyo Gisors le chef révolutionnaire humaniste ; Tchen, le terroriste solitaire ; Katow,
le Jean Moulin russe ; Hemmelrich, le lâche
belge qui finira héros ; Ferrai, le capitaliste
cynique; Clappique, le joueur mythomane.
En gros, Tchang Kaï-chek va retourner sa
veste et notre bande de cocos se faire
zigouiller par des Chinois soutenus par des
199
impérialistes français. Cela vous semble
compliqué? Normal : ça l'est.
Ces humains se débattent au sein de leur
humanité : à la fois généreux et monstrueux, magnifiques et ridicules, puissants
et impuissants, ils s'agitent vainement
comme des fourmis pour tenter d'exister, de
donner un sens à leur vie et à la mort de
leurs camarades. La Condition humaine est
un roman d'aventures mais surtout un
roman engagé, le roman de l'idéalisme déçu,
donc un roman terriblement XXe siècle. La
révolution chinoise que Malraux appelait de
ses vœux finira par triompher et Malraux la
verra tourner au bain de sang totalitaire.
Cela confirma ce qu'il pensait de la tragique
humaine condition. Citons la fin du livre :
« Chacun souffre parce qu'il pense. Tout au
fond, l'esprit ne pense l'homme que dans
l'éternel, et la conscience de la vie ne peut
être qu'angoisse. Il ne faut pas penser la vie
avec l'esprit mais avec l'opium. » Une solution vers laquelle il se tournera plus tard
pour oublier son romantisme.
Le style des romans d'André Malraux
s'est quelque peu fané : ils ont ce côté grandiloquent des voix off d'actualités Gaumont
d'avant-guerre, ainsi que cette absence
totale d'ironie qui caractérise les discours
du ministre des Affaires Culturelles du
général de Gaulle. En lisant « Tout homme
200
rêve d'être dieu », on a parfois l'impression
d'entendre « Entre ici Jean Mouliiiin ».
Mais les scènes d'action sont très cinématographiques et l'énergie romanesque reste
indémodable. Trois ans après La Condition
humaine, Malraux s'engageait dans la
guerre d'Espagne, puis, quelque temps plus
tard, dans la Résistance en France : c'est
pour lui ressembler que, de nos jours, certains intellectuels crapahutent en treillis
sous les bombes dans tous les endroits
chauds de la planète. Pourtant les choses se
passaient dans l'ordre inverse : « C'est l'Art
qui a fixé mes rendez-vous avec l'Histoire », disait Malraux. Ce chat retombait
toujours sur ses pattes...
Aujourd'hui les révolutionnaires ont
changé de camp en Chine : à présent, Tchen
est un étudiant qui arrête les chars place
Tien An Men avant d'être envoyé au « laogai » (goulags chinois). Ce qui est rassurant, c'est qu'il y aura toujours une
révolution à faire. La condition humaine a
beau être tragique, elle ne sera jamais
ennuyeuse. (A la réflexion, il n'y a rien de
rassurant là-dedans.)
Si j'avais eu plus de temps, j'aurais pu
vous raconter mes exploits pendant les
grèves de 1995 : à un moment, je suis même
allé jusqu'à crier « zut à la société ».
N°4
LE PETIT PRINCE
d'Antoine de Saint-Exupéry (1943)
S'il vous plaît, dessine-moi un chefd'œuvre. S'il vous plaît, dis-moi qui est
numéro 4 du « Dernier Inventaire ».
Le Petit Prince d'Antoine de SaintExupéry (1900-1944) est le seul conte de
fées du XXe siècle. Au xviie, on a eu les
contes de Perrault; au XVIIIe, les contes de
Grimm ; au xixe, les contes d'Andersen. Au
XXe siècle, on a Le Petit Prince, un livre
écrit par un aviateur français exilé aux
États-Unis entre 1941 et 1943, qui fut
d'abord publié là-bas avant de paraître en
France en 1945, un an après la mort de son
auteur. Depuis sa parution, ce petit livre
illustré est un phénomène d'édition qui se
vend chaque année à des millions d'exemplaires dans le monde entier.
Pourquoi? Parce que, sans le faire
exprès, Antoine de Saint-Exupéry a créé
des personnages immédiatement mythiques : ce petit prince tombé de sa planète
B 612 qui réclame un dessin de mouton à
un aviateur égaré dans le désert; cet
allumeur de réverbères qui dit tout le
203
temps bonjour et bonsoir; ce renard philosophe qui veut qu'on l'apprivoise... et qui
fait comprendre au petit Prince qu'il est
« responsable de sa rose ».
Ce conte aurait pu s'intituler « A la
recherche de l'enfance perdue ». SaintExupéry y fait sans cesse référence aux
« grandes personnes » sérieuses et raisonnables, parce qu'en réalité, son livre ne
s'adresse pas aux enfants mais à ceux qui
croient qu'ils ont cessé d'en être. C'est un
pamphlet contre l'âge adulte et les gens
rationnels, rédigé avec une poésie tendre,
une sagesse simple (Harry Potter, rentre
chez ta mère!) et une feinte naïveté qui
cache en réalité un humour décalé et une
mélancolie bouleversante.
On pourrait dire que Saint-Exupéry est
un Malraux humble et Le Petit Prince une
sorte de E.T. blondinet, ou une Alice de
Lewis Carroll au masculin (avec la même
fascination trouble pour les paradis de
l'enfance). Comme beaucoup de grands
écrivains précités, Saint-Ex refusait de
vieillir et d'ailleurs Le Petit Prince fut prémonitoire. Quelques mois après sa publication, l'aristocrate insista, à 44 ans, pour
partir en mission de reconnaissance audessus de la Méditerranée et disparut,
comme son petit personnage. On ne retrouva l'épave de son Lockheed P 38 Lightning
204
de type J modifié en F5B qu'il y a quelques
mois. Quand on relit la fin du conte :
« Soyez gentils, ne me laissez pas tellement
triste : écrivez-moi vite qu'il est revenu... »,
on s'aperçoit que Le Petit Prince est un
bouleversant testament.
N° 3
LE PROCÈS
de Franz Kafka (1925)
Non mais attendez, je ne suis pas n° 3?
Ecoutez, il faut vérifier sur vos registres,
laissez-moi tout vous expliquer, il s'agit
sûrement d'un malentendu, vous allez rire,
je pense qu'il y a erreur sur la personne. Je
suis forcément sur la liste, sinon c'est grotesque, ridicule comme situation... enfin,
c'est kafkaïen!
Le mot est lâché. Le Procès, chef-d'œuvre
posthume de Franz Kafka (1883-1924) publié contre son avis et grâce à son ami,
Max Brod, et traduit chez nous par
l'indispensable Alexandre Vialatte —, a
été élu par vous troisième des 50 livres
du siècle. Pourquoi? Entre autres parce
que le nom de son auteur est devenu un
adjectif. « Kafkaïen » est aujourd'hui synonyme d'angoisse bureaucratique, d'absurdité tchèque, d'expressionnisme en noir et
blanc (même si l'avantage de la littérature
par rapport au cinéma, c'est que tous les
livres sont en noir sur fond blanc).
Joseph K., un employé de banque taciturne et célibataire qui n'a rien demandé à
personne, est arrêté par des fonctionnaires
207
en uniforme. On lui signifie qu'il sera jugé
bientôt. Or il n'a rien fait ! Mais qu'importe :
toute la ville est déjà au courant. On le laisse
en liberté surveillée. Il devient totalement
parano. Kafka a-t-il voulu stigmatiser le
totalitarisme ? Pas du tout. Der Prozess n'est
pas un pamphlet politique mais une parabole métaphysique : ce procès s'avère celui
de tous les humains, le vôtre, le mien, entraînés que nous sommes dans une société qui
nous dépasse.
Mais quel crime avons-nous commis pour
mériter ça? Quand nous naissons, nous
sommes déjà coupable du péché originel. On
nous condamne à aller à l'école et là-bas on
nous juge, nous donne des mauvaises notes,
nous apprend la discipline. Ensuite on nous
envoie à l'armée, puis nous oblige à travailler comme un bagnard toute notre vie ; au
fond, l'existence n'est qu'un long procès
dont le tribunal nous a, bien sûr, condamné
à mort depuis le début.
Dans un ouvrage récent, Pierre Dumayet
écrit joliment que « chez Kafka, l'humiliation est un paysage ». Il y a certes chez
Kafka un pessimisme qui sert de décor glacé
et grisâtre, mais aussi un humour, une ironie
salvatrice : n'oublions pas qu'il lisait ses
manuscrits à ses amis en hurlant de rire;
pour lui toutes ces histoires glauquissimes
(Le Procès, mais aussi Le Château et La
208
Métamorphose) sont surtout de grosses farces
et, incidemment, une manière de Nouveau
Roman avec un demi-siècle d'avance (12
chapitres d'une langue sèche et fragmentaire, on dirait du Nathalie Sarraute, non ?).
Le Procès est aussi un fantasme prophétique comme beaucoup de chefs-d'œuvre de
notre liste. Le roman est publié en 1925,
mais Kafka l'a écrit dix ans avant, en 1914,
c'est-à-dire avant la révolution russe, avant
la Première Guerre mondiale, avant le
nazisme et le stalinisme : le monde qui est
décrit dans le livre n'existe pas encore, et
cependant il l'a vu. Kafka serait-il le Nostradamus du XXe siècle ? Pas du tout, c'est le
XXe siècle qui lui a obéi. On peut même avancer une hypothèse que je n'hésiterai pas à
qualifier de kafkaïenne : et si la guerre
froide, les dénonciations, la surveillance, les
dictateurs fantoches, et les déportations
arbitraires, Soljenitsyne et Orwell, si tout
cela était simplement né dans la tête d'un
petit employé d'assurances praguois ? Et si
des millions d'hommes n'étaient absurdement morts que pour donner raison aux cauchemars blêmes, aux labyrinthes brumeux
de Franz Kafka?
J'en frissonne de terreur. Car je sais que,
moi aussi, un jour, on instruira mon procès.
Le procès de la critique, le procès de cet
inventaire... Pardonnez-moi! Pitié! je sollicite l'indulgence de la cour!
N° 2
A LA RECHERCHE D U TEMPS PERDU
de Marcel Proust (1913-1927)
Certes, l'immense Marcel Proust (18711922) n'est que second des 50 livres du siècle
mais savez-vous pourquoi? Parce qu'il est
premier des 1 000 livres du millénaire, alors
au niveau du petit XXe siècle, il se considère
un peu hors concours.
Tout a été dit et écrit et glosé, parfois à
l'excès, sur son chef-d'œuvre et vous voudriez que je vous résume ce monstre de
3 000 pages en quelques lignes ? Aujourd'hui ce n'est pas Proust, c'est moi qui suis
à la recherche du temps perdu! D'ailleurs
ce titre en dit long : la Recherche du temps
perdu a failli s'intituler « Les Intermittences
du cœur », « Les Colombes poignardées »,
« Les Stalactites du passé », mais c'est finalement le titre choisi qui résume le mieux
notre siècle. Au fond, le XXe siècle est celui
qui a accéléré le temps, celui où tout est
devenu instantané, et sans le savoir, comme
tous les génies, Proust a eu l'intuition juste.
Le devoir de tout écrivain aujourd'hui
consiste à nous aider à rechercher le temps
que notre siècle a détruit, puisque « les vrais
paradis sont les paradis qu'on a perdus ».
Proust a bâti son château de cartes de
211
7 tomes simplement pour nous dire une
chose : la littérature sert à retrouver le
temps.... de lire!
Alors bien sûr je pourrais vous résumer
son roman, à la fois impressionniste et
cubiste, autobiographique et imaginaire, en
sélectionnant quelques angles : oui, c'est un
roman de l'amour rendu fou par la jalousie,
celle de Swann envers Odette, celle du Narrateur envers Albertine ; bien entendu, c'est
l'histoire de Marcel, un arriviste mondain
qui veut se faire inviter chez la Princesse de
Guermantes mais comme il n'y arrive pas, il
devient écrivain misanthrope; certes, c'est
le coming-out d'un homosexuel honteux qui
décrit les décadents de son époque, le baron
de Charlus et son ami Jupien, pour se
dédouaner d'en être comme eux ; ok, c'est le
tableau d'un milieu aristocratique frelaté
avant et pendant la grande guerre de 14-18 ;
sans doute, s'agit-il aussi de l'aventure d'un
jeune homme qui raconte comment il est
devenu écrivain en trébuchant sur les pavés
plutôt qu'en les jetant sur des CRS...
Mais ce serait fuir le véritable centre du
livre qui est le temps retrouvé. Cela peut
être plein de choses, le temps retrouvé : la
nostalgie de son enfance, quand on bouffe
une madeleine ; la mort, quand on revoit des
snobs qui ont vieilli; l'usure de la passion
amoureuse, ou comment transformer la
douleur en ennui ; la mémoire involontaire,
212
véritable machine à explorer le temps, que
l'on peut vaincre par l'écriture, en entendant une sonate de Vinteuil ou un clocher de
Martinville : « Le souvenir d'une certaine
image n'est que le regret d'un certain instant ; et les maisons, les routes, les avenues
sont fugitives, hélas, comme les années. »
N'hésitons pas à le dire : Proust écrit
souvent des phrases très longues et beaucoup de gens ont du mal à y entrer. Il ne
faut pas culpabiliser : c'est un rythme à
prendre. Personnellement, j'ai surmonté
cette difficulté en me disant la chose suivante : ces phrases interminablement perfectionnées épousent les mouvements du
cerveau humain. Comment reprocher à
Proust d'écrire de longues phrases alors que
dans votre tête vous en faites de beaucoup
plus longues (et nettement moins intéressantes, pardonnez-moi de vous le dire) ?
Proust ne voulait pas mourir alors il s'est
enfermé, vivant la nuit, dormant le jour, tel
un vampire, suçant le sang du faubourg
Saint-Germain, et s'est tué à la tâche de
1906 à sa mort en 1922 et il a gagné : il est
éternel, puisque « La vraie vie, la vie enfin
découverte et éclaircie, la seule vie par
conséquent réellement vécue, c'est la littérature ». Refusé par Gide chez Gallimard, Du
côté de chez Swann est paru en 1913 chez
Grasset à compte d'auteur ; le tome suivant,
A l'ombre des jeunes filles en fleurs, obtint le
213
Prix Goncourt en 1919 chez Gallimard;
Proust verra ensuite la sortie du Côté de
Guermantes (1921) et de Sodome et Gomorrhe
(1922) mais les trois derniers tomes, La Prisonnière, Albertine disparue et Le Temps
retrouvé, furent publiés à titre posthume, et
malaxés par son frère Robert en 1923, 1925
et 1927.
Et en 1927, le siècle est terminé. Il y aura
Céline, 5 ans plus tard, il y aura les 48 autres
livres qui figurent dans notre hit-parade,
ainsi que tous ceux qui en sont absents mais
en gros les jeux sont faits. Plus personne ne
pourra JAMAIS écrire comme avant. Plus
personne ne pourra jamais VIVRE comme
avant. Désormais, chaque fois qu'une
image, une sensation, un bruit, une odeur,
vous rappelleront autre chose, je ne sais pas
moi — peut-être même que là, en ce moment
précis, en me lisant, vous pensez à une émotion, à un souvenir, à un prof de français qui
vous a gonflé avec Proust en classe de première —, chaque fois que ce genre de flashback vous saisira, ce sera du Temps Retrouvé. Ce sera du Proust. Ce sera plus beau que
tous les DVD et plus prenant que toutes les
Playstation. Savez-vous pourquoi ? Parce
que Proust nous apprend que le temps
n'existe pas. Que nous avons tous les âges de
notre vie, jusqu'à notre mort. Et qu'il ne
tient qu'à nous de choisir la minute que
nous préférons.
N° 1
L'ÉTRANGER
d'Albert Camus (1942)
Le n° 1 de ce classement des 50 livres du
siècle, choisis par le vote de 6 000 Français,
n'est pas moi mais je m'en fous, même pas
vexé, je serai dans le « Premier Inventaire » du xxie siècle, non ? Non plus ? ?
Il faut souligner que notre grand vainqueur rassurera les paresseux : un roman
très court (123 pages en gros caractères).
Pas besoin de se fatiguer : on peut donc
écrire un chef-d'œuvre sans noircir des milliers de pages comme Proust. Chef-d'œuvre
que nous pouvons lire en une demi-heure
montre en main. Autre bonne nouvelle : le
n° 1 de notre liste est un premier roman. Il
s'agit donc d'un premier roman premier.
Enfin, mauvaise nouvelle pour les xénophobes : le roman préféré des Français
s'intitule L'Étranger.
Il nous narre l'histoire de Meursault, un
type décalé qui se fout de tout : sa mère
meurt — il s'en fiche; il tue un Arabe sur
une plage algérienne — ça lui est égal ; on le
condamne à mort — il ne se défend même
pas. La célèbre première phrase du livre le
montre bien : « Aujourd'hui maman est
215
morte. Ou peut-être hier, je ne sais pas. »
Le gars ne sait même pas quel jour sa mère
est morte! On ne se rend pas toujours
compte d'une chose : tous les losers magnifiques, les meurtriers paumés, les anti-héros
désabusés de la littérature contemporaine
sont des héritiers de Meursault. Ce sont des
Sisyphe heureux, des révoltés pas dupes,
des nihilistes optimistes, des naïfs blasés :
bref, des paradoxes ambulants qui continuent de respirer malgré l'inutilité de tout.
voire l'aimer. Ou bien il faut se suicider
tout de suite, puisque tel est le seul « problème philosophique vraiment sérieux ».
Même la mort de Camus sera absurde.
Bien que tuberculeux, ce play-boy, sosie
d'Humphrey Bogart, fut assassiné à 47 ans
par un platane en bordure de la Nationale 6, entre Villeblevin et Villeneuvela-Guyard, avec la complicité de Michel
Gallimard et d'une Facel Vega décapotable.
C'est que, pour Albert Camus (19131960), la vie est absurde. Pourquoi tout
ça ? A quoi bon ? Pourquoi cette chronique
inutile ? N'avez-vous rien de mieux à faire
que de lire ce livre? Tout est vanité en ce
bas monde (Camus, c'est l'Ecclésiaste chez
les pieds-noirs). Cette lucidité taciturne n'a
pas empêché Camus d'accepter le Prix
Nobel de Littérature en 1957 (à 44 ans, ce
qui faisait de lui le plus jeune lauréat après
Kipling). Pourquoi? Parce qu'il a résumé
son existentialisme en une devise simple :
« La vie est d'autant mieux vécue qu'elle
n'a pas de sens. » Rien ne rime à rien — et
alors ? Et si c'était justement cela, « le
bonheur inévitable » ? Contrairement au
refus snob de Sartre, 7 ans plus tard, qui
confère de l'importance à la récompense,
Albert Camus accepte le Nobel précisément
parce qu'il s'en moque. On peut se foutre
de l'univers, et l'accepter tout de même,
La seule chose qui n'est pas absurde,
c'est le style que Camus a inventé :
des phrases courtes (« sujet, verbe, complément, point », écrivit Malraux dans sa
note de lecture à l'éditeur), une écriture
sèche, neutre, au passé composé, qui a fortement influencé tous les auteurs de la
seconde moitié du siècle, Nouveau Roman
inclus. Ce qui n'interdit pas les images
fortes — par exemple, pour décrire les
larmes et la sueur sur le visage de Perez :
« Elles s'étalaient, se rejoignaient et formaient un vernis d'eau sur ce visage
détruit. » Même si on l'a un peu trop étudié à l'école, il faut relire L'Étranger,
dont le désespoir ensoleillé, reste, comme
dit la publicité pour la Suze, « souvent
imité, jamais égalé ». L'humanisme gentil
d'Albert Camus peut parfois lasser, mais
pas son écriture tranchante.
216
217
Au moment de conclure ce dernier inventaire avant liquidation, alors que la fin du
monde approche tranquillement et que
l'homme organise sa propre disparition en
souriant, n'y a-t-il pas une légère ironie à
voir Camus s'emparer de la première place
(donc la dernière du compte à rebours), lui
qui nous a expliqué que le secret du bonheur consistait à s'accommoder de toutes
les catastrophes?
« AUX GRANDS CRITIQUES
LA BIBLIOGRAPHIE RECONNAISSANTE... »
Lecture pour tous de Dominique Aury (Gallimard).
Le Science-Fictionnaire de Stan Barets (Denoël).
Sur la planète des sentiments de François Bott (Le
Cherche-Midi).
Mon histoire de la littérature française contemporaine de
Jacques Brenner (Grasset).
Les Écrivains du XXe siècle d'André Brincourt (Retz).
En soixantaine de Bernard Frank (Julliard).
Le Dictionnaire de littérature française contemporaine
de Jérôme Garcin (François Bourin).
Une histoire de la littérature française de Kléber Haedens (Grasset).
Dictionnaire des auteurs de Laffont-Bompiani (« Bouquins » Laffont).
Nouveau Dictionnaire des œuvres de Laffont-Bompiani
(« Bouquins » Laffont).
Carnet de bal de Marc Lambron (Gallimard).
Tu écriras sur le bonheur de Linda Le (PUF).
Vies écrites de Javier Marias (Rivages).
La Liberté de blâmer de Renaud Matignon (Bartillat).
Mon plaisir... en littérature de Paul Morand (Gallimard).
Journées de lecture de Roger Nimier (Gallimard).
Feuilletons littéraires de Pascal Pia (Fayard).
Service de presse d'Angelo Rinaldi (Pion).
Les Années roman d'Olivier Rouy (Flammarion).
La Guerre du goût de Philippe Sollers (Gallimard).
219
MERCI À :
Alexandra Golovanoff
(productrice de l'émission LES 50 LIVRES DU
SIÈCLE)
TABLE
Jean-Baptiste Jouis (directeur des programmes, à
l'époque, de Paris Première)
François-Henri Pinault (et la FNAC)
Xavier Pujade-Lorraine (le réalisateur)
ET AUSSI À :
Manuel Carcassonne, Jean-Paul Enthoven et Olivier Nora (premiers lecteurs de cette version réécrite et augmentée)
Ouverture de parapluie
11
Le Top 50
17
N° 50 - NADJA d'André Breton (1928, réécrit en 1963)
19
N° 49 - LE MEURTRE DE ROGER ACKROYD d ' A g a t h a
Christie (1926)
N° 48 - LE MÉPRIS d'Alberto Moravia (1954)
N°47 - LA PLAISANTERIE de Milan Kundera (1967). .
N° 46 - GATSBY LE MAGNIFIQUE de Francis Scott Fitzgerald (1925)
N° 45 - SOUS LE SOLEIL DE SATAN de Georges Bernanos
(1926)
23
27
31
35
39
N ° 4 4 - LE CHIEN DES BASKERVILLE d'Arthur Conan
Doyle (1902)
43
N° 43 - LA VIE MODE D'EMPLOI de Georges Perec
(1978)
N°42 - LE SILENCE DE LA MER de Vercors (1942)....
N° 41 - BONJOUR TRISTESSE de Françoise Sagan (1954)
N ° 4 0 - LA MONTAGNE MAGIQUE de Thomas Mann
(1924)
N° 39 - L'AMANT
DE
LADY
CHATTERLEY
de
47
51
55
59
D.H.
Lawrence (1928)
63
N ° 3 8 - AUTANT EN EMPORTE LE VENT de Margaret
Mitchell (1936)
67
N° 37 - LA CONFUSION DES SENTIMENTS de Stefan
Zweig (1926)
71
N° 36 - ZAZIE DANS LE MÉTRO de Raymond Queneau
(1959)
N° 35 - THÉRÈSE DESQUEYROUX de François Mauriac
(1927)
N° 34 - LE BRUIT ET LA FUREUR de William Faulkner
(1929)
221
75
79
83
N ° 3 3 - CENT ANS DE SOLITUDE de Gabriel Garcia Marquez (1967)
87
91
N ° 3 2 - BELLE DU SEIGNEUR d'Albert Cohen (1968) . .
N ° 3 1 - LE HUSSARD SUR LE TOIT de Jean Giono (1951) 95
N ° 3 0 - LES FAUX-MONNAYEURS d'André Gide (1925). 99
N ° 2 9 - LE DÉSERT DES TARTARES de Dino Buzzati
(1940)
000
N ° 2 8 - ULYSSE de James Joyce (1922)
107
N ° 2 7 - LOLITA de Vladimir Nabokov (1955)
111
N ° 2 6 - L'ŒUVRE AU NOIR de Marguerite Yourcenar
(1968)
115
N ° 2 5 - TROIS ESSAIS SUR LA THÉORIE SEXUELLE de Sigmund Freud (1905)
119
N ° 2 4 - LA CANTATRICE CHAUVE d'Eugène Ionesco
(1950)
123
N ° 2 3 - ASTÉRIX LE GAULOIS de Goscinny et Uderzo
(1959)
127
N ° 2 2 - 1984 de George Orwell (1948)
131
N ° 2 1 - LE MEILLEUR DES MONDES d'Aldous Huxley
(1932)
135
N ° 2 0 - TRISTES TROPIQUES de Claude Lévi-Strauss
(1955)
139
143
N ° 1 9 - JOURNAL d'Anne Frank (1947)
147
N ° 1 8 - LE LOTUS BLEU d'Hergé (1936)
N ° 1 7 - ALCOOLS de Guillaume Apollinaire (1913) . . . 150
155
N ° 1 6 - PAROLES de Jacques Prévert (1946)
N ° 1 5 - L'ARCHIPEL DU GOULAG d'Alexandre Soljenitsyne (1973)
159
N ° 1 4 - LE NOM DE LA ROSE d'Umberto Eco (1981) . . 163
N ° 1 3 - L'ÊTRE ET LE NÉANT de Jean-Paul Sartre
(1943)
167
EN ATTENDANT GODOT De Samuel Beckett
N°12
(1953).
171
N ° l l - LE DEUXIEME SEXE de Simone de Beauvoir
(1949)
175
N ° 1 0 - L'ÉCUME DES JOURS de Boris Vian (1947).... 179
N°9LE GRAND MEAULNES d'Alain-Fournier (1913) 183
POUR QUI SONNE LE GLAS d'Ernest Hemingway
N°8(1940)
187
LES RAISINS DE LA COLÈRE de John Steinbeck
N°7(1939)
191
222
N°6N°5N°4N°3N°2 N°l-
VOYAGE AU BOUT DE LA NUIT de Louis-
Ferdinand Céline (1932)
LA CONDITION HUMAINE d'André Malraux
(1933)
LE PETIT PRINCE d'Antoine de Saint-Exupéry
(1943)
LE PROCÈS de Franz Kafka (1925)
195
199
203
207
A LA RECHERCHE DU TEMPS PERDU de Marcel
Proust (1913-1927)
L'ÉTRANGER d'Albert Camus (1942)
« Aux grands critiques la bibliographie
reconnaissante »
211
215
219
Was this manual useful for you? yes no
Thank you for your participation!

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