JULIUS CAESAR - Centre Dramatique National d`Orleans

JULIUS CAESAR - Centre Dramatique National d`Orleans
JULIUS CAESAR
(Jules César)
de William Shakespeare
Mise en scène Arthur Nauzyciel
Tournée 2011/2012:
02-08 avril 2012
Festival Ibéro-américain de Théâtre de
Bogotá
Tournée 2010/2011:
15-28 novembre 2010
TGP – CDN de Saint-Denis
© Frédéric Nauczyciel
PRODUCTION DELEGUÉE
CENTRE DRAMATIQUE NATIONAL
ORLEANS/LOIRET/CENTRE
Direction Arthur Nauzyciel
Théâtre d’Orléans, Bd Pierre Ségelle,
45000 Orléans
COPRODUCTION
Centre Dramatique National Orléans/
Loiret/Centre
en
partenariat
avec
l’American Repertory Theatre (principal
mécène: Philip and Hilary Burling),
Festival d’Automne à Paris, Maison des
Arts de Créteil, TGP-CDN de Saint-Denis.
Avec le soutien du Fonds Etant Donnés
The French-American Fund for The
Performing Arts, a Program of FACE
Contacts:
Sophie Mercier, administratrice
mercier@cdn-orleans.com
Anne Cuisset, secrétaire générale
cuisset@cdn-orleans.com
Presse:
Nathalie Gasser : +33 (0)6 07 78 06 10
gasser.nathalie.presse@gmail.com
22-26 mars 2011
Théâtre Dijon-Bourgogne
30 mars–1 avril 2011
Théâtre National de Bordeaux en
Aquitaine
6-8 avril 2011
Théâtre de Saint-Quentin-en-Yvelines
Tournée 2009/2010:
Première française: 14-17 octobre 2009
CDN Orleans/Loiret/Centre
21-24 octobre 2009
Festival d’Automne à Paris (MAC Créteil)
28 octobre 2009
Festival Automne en Normandie (Le
Cadran, Evreux)
5-6 novembre 2009
Comédie de Clermont-Ferrand
11-14 novembre 2009
Comédie de Reims
18-19 novembre 2009
CDDB-théâtre de Lorient
Création: 13 février -16 mars 2008
American Repertory Theatre, Loeb Drama
Center (Cambridge, Boston USA)
JULIUS CAESAR
(Jules César)
de William Shakespeare
Mise en scène Arthur Nauzyciel
Décor Riccardo Hernandez
Costumes James Schuette
Lumière Scott Zielinski
Son David Remedios
Chorégraphie Damien Jalet
Dramaturges Gideon Lester et
Njal Mjos
Avec
Sara Kathryn Bakker
Luca Carboni
Gardiner Comfort
Jared Craig
Thomas Derrah
Roy Faudree
Isma’il Ibn Conner
Thomas Kelley
Mark L. Montgomery
Daniel Lê
Daniel Pettrow
Neil Patrick Stewart
James Waterston
Et le trio de Jazz
Marianne Solivan (chant), Eric
Hofbauer (guitare), Blake Newman
(contrebasse)
Spectacle en anglais, surtitré
à partir de la traduction de Louis Lecocq,
Robert Laffont (1995), collections
Bouquins
En tournée
Coiffure Alain Silvani
Régisseurs généraux
Jean-Marc Hennaut et Éric Blévin
Régisseurs plateau Sean Kelso et
Elizabeth Bouchard
Régisseur lumière Christophe Delarue
Régisseur son Florent Dalmas
Surtitrage Anika Vervecken
Après deux pièces de Bernard-Marie
Koltès, BLACK BATTLES WITH
DOGS (COMBAT DE NEGRE ET DE
CHIENS) créé au 7 Stages Theatre
d’Atlanta en 2001, repris à Chicago en
2004, et ROBERTO ZUCCO à Emory
Theatre d’Atlanta en 2004, Arthur
Nauzyciel met en scène ABIGAIL’S
PARTY de Mike Leigh à l’American
Repertory Theatre (A.R.T.) en 2007.
JULIUS CAESAR de Shakespeare,
son quatrième spectacle aux EtatsUnis, a été créé à l’A.R.T. à Boston en
février 2008.
Ce spectacle créé en coproduction
avec le CDN Orléans/Loiret/Centre a
fait l’ouverture de la saison 2009-2010
du CDN (du 14 au 17 octobre). Il a
ensuite été présenté dans le cadre du
Festival d’Automne à Paris à la MAC
de Créteil du 21 au 24 octobre suivi
par une tournée en France (Festival
Automne en Normandie, Comédie de
Clermont-Ferrand, Comédie de Reims
et CDDB-Théâtre de Lorient).
Pour la seconde tournée, il poursuit
sa tournée au TGP de Saint-Denis,
au Théâtre Dijon-Bourgogne, au
Théâtre
National
de
Bordeaux
en Acquitaine et au Théâtre de
Saint-Quentin-en-Yvelines.
En avril 2012, il est présenté en
Colombie dans le cadre du Festival
Ibéro-américain
de
Théâtre
de
Bogotá, l’un des plus importants
festivals d’Amérique latine.
L’HISTOIRE DU PROJET
A propos de l’A.R.T.
Créée en 1599 pour l’ouverture du Globe
Theatre à Londres et écrite juste avant
HAMLET, JULIUS CAESAR est la
première d’une série de grandes tragédies.
Inspiré de Plutarque, Shakespeare l’écrit à
un moment critique et décisif de l’histoire
de l’Angleterre : la révolte d’Essex contre
Elizabeth I.
Comme dans RICHARD II (1595), l’axe en
est la déposition d’un souverain : Jules César
devient une menace pour la République ;
est-il juste, alors de l’assassiner avant que
Rome ne soit totalement assujettie à son
pouvoir absolu ?
JULES CÉSAR, alors qu’elle est rarement
montée en France, est l’une des pièces
les plus connues de Shakespeare aux
Etats-Unis.
Créée pour la première fois à l’American
Repertory Theatre en 2008, (année
d’élection présidentielle, alors que la pièce
se situe dans un moment où la démocratie
vacillerait si la république devenait empire)
cette production fut un événement.
Lié à la prestigieuse Université de
Harvard, l’American Repertory Theatre
est considéré depuis sa création en
1979, comme l’un des théâtres les plus
importants et novateurs du pays.
Fondé par Robert Brustein, il réside depuis
vingt-huit ans au Loeb Drama Center
à l’Université de Harvard. L’actuelle
directrice est Diane Paulus. Elle a succédé
à Robert Woodruff en 2008.
En décembre 2002, l’A.R.T. a reçu un
“Outstanding
Achievement
Award”
(récompense pour le remarquable travail
accompli) de ses pairs et en mai 2003, il
a été désigné comme l’un des trois plus
importants théâtres des Etats-Unis par le
Time magazine. Parmi ceux et celles qui
ont travaillé et participé à la vie de l’A.R.T.,
citons : Peter Sellars, Lee Breuer, Bob
Wilson, Dario Fo, Andrei Serban, David
Mamet, Krystian Lupa, Joseph Chaikin,
Susan Sontag, Milan Kundera, Jan Kott,
Don DeLillo, Frederick Wiseman.
Reconnu pour son engagement en faveur du
théâtre américain contemporain, l’A.R.T.
se consacre également au répertoire. Il
est un lieu de résidence pour les auteurs
dramatiques, les metteurs en scène, les
acteurs. Ses productions tournent dans le
monde entier.
NOTE DE MISE EN SCÈNE
JULES CÉSAR est la première de la série
des grandes tragédies de Shakespeare.
Elle contient en elle, en embryon, toutes
celles qui viendront après.
C’est une pièce politique, où le langage et
la rhétorique tiennent la première place,
où la force du discours peut changer le
cours de l’Histoire, où l’écume des mots
ne fait que révéler, tout en la dissimulant,
leur extraordinaire présence.
Et si le monde de la pièce ressemble
toujours au nôtre (qu’avons-nous inventé
en politique ?), on sent pourtant dans le
texte la volonté d’embrasser le visible et
l’invisible, le réel et le rêve, les morts et les
vivants dans une seule et même unité, une
cosmogonie particulière.
Nous sommes reliés aux Grecs, aux
Romains, à Shakespeare par une longue
chaîne qui, depuis la nuit des temps et
pour encore des siècles, contient, tel un
ruban d’ADN, une mémoire collective des
peurs et des illusions humaines. Comme
l’a écrit Eric Hobsbawm dans L’AGE DES
EXTREMES :
« Le court xxe siècle s’achève dans des
problèmes pour lesquels personne n’a, ni
ne prétend avoir, des solutions. Tandis que
les citoyens de la fin du siècle tâtonnent en
direction du troisième millénaire, à travers
le brouillard planétaire qui les enveloppe,
leur seule certitude est qu’une époque de
l’histoire s’est terminée. Ils ne savent pas
grand-chose d’autre ».
Nous n’en avons pas fini avec la face
obscure du siècle.
À chaque fois que je me confronte à un
texte classique, j’ai le sentiment de devoir
mettre en scène « un souvenir du futur ».
Les classiques sont comme la statue
de la Liberté à la fin de LA PLANETE
DES SINGES. Dans JULES CÉSAR, les
personnages se situent dans un avenir
dans lequel ils seront les spectateurs de
leur propre passé, dans lequel leur geste
sera pour d’autres un objet de spectacle.
Comme un témoignage pour le futur de ce
que nous sommes et ce que nous étions.
Nous sommes à Boston. Le théâtre a été
construit en 1964. La pop culture aux EtatsUnis n’a jamais été aussi hégémonique, le
monde n’a jamais été aussi assourdissant,
les images sont partout et tout n’est
qu’apparence, c’est pour cela que je veux
replacer la pièce dans les années 60, ces
années où l’on voulait croire que Kennedy
était la promesse d’une nouvelle ère, où
la foule est devenue masse, où l’image l’a
emporté sur la parole, où naissaient dans
ce pays, les plus novateurs et importants
courants
artistiques
(architectes
performers, performances, photographies,
collages, reproductions).
Arthur Nauzyciel, octobre 2007
Résonances
Comme HAMLET, cette pièce est une
énigme. Elle ne se conforme pas à la
conception aristotélicienne de la tragédie
en présentant un être noble atteint
d’une faille manifeste, ni au mélodrame
élisabéthain en présentant un scélérat
manifeste. JULES CÉSAR est une œuvre
d’une grande pertinence pour notre époque,
bien qu’elle soit encore plus sombre, parce
qu’elle évoque une société condamnée.
Notre société n’est pas condamnée mais
tellement en danger que la pertinence reste
forte. C’est une société condamnée non pas
par les passions mauvaises d’individus
égoïstes – des passions de ce genre, il y
en a toujours – mais par un manque de
courage intellectuel et spirituel qui la
rendait incapable d’affronter sa situation.
W. H. Auden, LECTURES ON
SHAKESPEARE
MEMOIRES DU FUTUR
Ce n’est pas une coïncidence si le monde de
JULES CÉSAR est entièrement construit
sur la parole. Contrairement à COMME IL
VOUS PLAIRA écrite juste avant, la pièce
contient peu d’actions, de changements
de lieu ou d’effets scéniques, si ce n’est
l’apparition du fantôme de César à Brutus.
A part l’assassinat de César au Capitole
et les suicides du dernier acte, il s’y passe
peu d’événements car tout a lieu hors du
plateau et nous est raconté ou rapporté par
la rumeur. Ceci donne à JULIUS CAESAR
une curieuse subjectivité, si peu de choses
se déroulent sous nos yeux que nous devons
faire confiance à d’autres personnes sur
l’interprétation des événements et nous ne
savons que croire ou qui croire. Les mots, et
non les actions, sont les moteurs de la pièce
et ils sont porteurs d’un extraordinaire
pouvoir de création, de transformation et
de destruction. Les mots peuvent créer
une réalité ou détruire une vie.
Gideon Lester, LA PUISSANCE DE LA
PAROLE
Quelle est votre approche de JULIUS
CAESAR ?
Arthur Nauzyciel : Chaque fois que je mets
en scène une pièce, je m’interroge sur le
contexte dans lequel elle va s’inscrire.
Pourquoi monter la pièce ici ? Maintenant ?
En France, JULES CÉSAR n’est presque
jamais montée, et je l’ai donc découverte
lorsque vous me l’avez proposée. Le lien
entre ce texte et les élections de l’année
en cours aux Etats-Unis s’impose de façon
assez évidente, sans qu’il soit pour autant
primordial. Pour moi, les classiques sont
une mémoire du futur. Ce sont des «
time capsules », des capsules de temps
– issues d’un passé lointain, qui nous
accompagnent encore aujourd’hui et pour
les siècles à venir. Elles contiennent une
mémoire collective de comportements
humains – aspirations, attentes, illusions.
Et ces capsules de temps, il est intéressant
de les attraper et de les ouvrir. Elles sont
comme des hologrammes, ou des étoiles
dont la lumière nous parvient bien après
leur mort. En un sens, la pièce est un
mode d’emploi écrit par Shakespeare pour
les générations futures, un « manuel
d’utilisation » politique et sensible.
Entretien avec Arthur Nauzyciel,
par Gideon Lester (directeur
artistique de l’A.R.T. de 2007 à 2009)
Quelles sont ses résonances au xxie
siècle ?
Arthur Nauzyciel : Dire de JULES CÉSAR
que c’est un texte toujours contemporain
me semble un peu ridicule car ayant
été écrit au xvie siècle, il ne peut donc,
littéralement, parler de notre époque. Mais
on pourrait dire que la vision de Shakespeare
sonne toujours juste, et plus encore :
politiquement rien n’a vraiment changé
depuis l’époque sur laquelle il a écrit. Nous
sommes bloqués, comme sur un disque
rayé ; comme si nous en étions toujours à
l’arrivée d’Octave. En termes de politique
ou de démocratie, rien n’a vraiment évolué.
Qu’avons-nous inventé depuis ? Comme
Cassius et Brutus nous croyons encore que
la démocratie est le meilleur des systèmes,
mais elle n’en demeure pas moins un
compromis acceptable et fragile. Combien
de soi-disantes démocraties ne sont-elles
pas en réalité des empires, tout comme
Rome dans la pièce ? Seule a changé notre
expérience de la tragédie. Issus d’un siècle
qui a inventé Auschwitz et Hiroshima,
nous ne pouvons plus la mettre en scène
de la même manière.
Vous faites référence aux années 60,
pourquoi ?
Arthur Nauzyciel : Il ne s’agit pas de
resituer la pièce dans les années 60 c’est
ici et maintenant que le théâtre a lieu
- il ne s’agit donc pas de retourner dans
le passé, pas dans la Rome de César, le
Londres de Shakespeare ou les années 60
en Amérique. Les références aux années
60 sont là pour plusieurs raisons : le lien
évident entre l’assassinat de César et celui
de Kennedy, interprété comme un abandon
de(s) Dieu(x) et leur contexte politique. Je
suis intrigué par la façon dont ces années
représentent tout à la fois le passé et le
futur. C’est une décennie d’invention et
d’innovation, obsédée par l’avenir. On y a
tourné les meilleurs films de science-fiction,
et son esthétique nous inspire encore :
design et mode de l’époque habitent les
magazines d’aujourd’hui. JULES CÉSAR
est une pièce sur l’invention de l’avenir, le
rêve d’un monde nouveau. Les résonances
sont donc fortes.
Pourquoi cet intérêt pour les années
60 ?
Arthur Nauzyciel : C’est l’époque où
l’image a triomphé du verbe. Il y a une
histoire merveilleuse sur le débat entre
Nixon et Kennedy : les gens qui l’ont écouté
à la radio ont voté Nixon, ceux qui l’ont
regardé à la télévision ont voté Kennedy.
JFK est le premier président dont l’image
comptait plus que les paroles. Icônes et
illusions sont tout à coup devenues plus
fortes que les discours. JULES CÉSAR
porte essentiellement sur le langage, la
rhétorique et il me semble intéressant de
créer ce double niveau en utilisant des
signes d’une époque où le langage et la
rhétorique ont échoué. J’ai pensé à ça pour
la distribution : les acteurs principaux ont
une solide expérience de théâtre, mais sont
surtout connus aux Etats-Unis pour leurs
rôles dans des séries télé importantes,
comme THE WIRE ou SIX FEET UNDER.
Parallèlement, la révolution artistique de
l’époque, avec l’arrivée du Pop Art, des
installations, des performances a eu une
grande influence sur la scénographie de
notre JULES CÉSAR avec particulièrement
les images répétées de Warhol et les
installations de The Ant Farm. Le Loeb
Drama Center avec son architecture des
années 60 nous y ramène également.
J’aime quand le décor et l’architecture
d’un bâtiment se rejoignent, quand les
frontières se brouillent.
Le décor comporte d’immenses
photos reproduisant l’auditorium du
théâtre, pourquoi ?
Arthur Nauzyciel : En partie pour
attirer l’attention sur un théâtre qui a
essentiellement la même forme que les
théâtres de la Grèce antique. Si de la
scène, vous regardez les sièges, vous vous
rendez compte que, deux mille ans plus
tard, la configuration est exactement la
même. Rappeler aussi que le théâtre à
son origine était un lieu politique autant
que de divertissement. En cette année
d’élections, les images de ces sièges ne
sont pas sans nous rappeler les lieux des
conventions républicaines ou le Sénat.
J’aimerais également parvenir à créer une
incertitude pour le public. Sommes-nous
sur scène ? Qui sont les spectateurs, qui
sont les acteurs ? Faisons- nous partie
de la représentation ? Quelle est la part
d’illusion ? De réalité ? De quel côté sont
les morts ? Les vivants ?
Dans le cadre du
Festival d’Automne
à Paris 2009
Quel lien justement entre la question
d’illusion et réalité et Jules César ?
Arthur Nauzyciel : La pièce est pleine de
rêves et d’événements surnaturels, de
fantômes, d’hommes qui brûlent et de lions
qui rôdent dans les rues de Rome. Le monde
qu’elle décrit n’est pas à prendre au pied
de la lettre, c’est un paysage imaginaire,
une distorsion de la réalité, et on ne peut
la présenter de façon naturaliste. La
représentation doit être réelle, vraie mais
troublante. Le théâtre nous relie à quelque
chose de l’ordre de l’invisible.
réalisé pour le Festival d’Automne à Paris
par Eve Beauvallet
Arthur Nauzyciel a été invité à
présenter deux mises en scène :
ORDET (La Parole) et JULIUS CAESAR
(Jules César) de Shakespeare créé
à l’American Repertory Theatre de
Boston en février 2008. Ces deux
pièces centrées sur la question de la
parole, forment un diptyque.
Entretien
Lorsque
L’American
Repertory
Theatre de Boston vous a proposé
de venir créer JULES CÉSAR, vous
aviez déjà entamé le projet d’ORDET
depuis 2005. De quelle façon ces deux
propositions s’inscrivent-elles dans
votre parcours ?
Arthur Nauzyciel : Ce qui m’intéresse au
théâtre, c’est de réinventer chaque fois un
processus de travail en fonction du projet.
Le contexte de création, qu’il soit intime,
politique ou social est pour moi un moteur
puissant. Il participe d’une fiction, comme
s’il devenait le sujet même de la création.
L’American Repertory Theatre de Boston,
où j’avais déjà présenté ABIGAIL’S
PARTY, m’a proposé en 2007 la création
de JULES CÉSAR pour février 2008, au
moment même où le projet d’ORDET était
repoussé pour la seconde fois pour raisons
budgétaires. Le festival d’Avignon m’avait
invité à créer ORDET en 2005, pour la
Cour d’Honneur du Palais des Papes. Je
travaillais à l’époque en compagnie, sans
apport financier, la production avait du mal
à se monter. Pendant plus de 3 ans je n’ai
rien pu faire en France. J’en ai profité pour
mener des aventures parallèles, en créant
par exemple L’IMAGE de Beckett avec le
danseur Damien Jalet et Anne Brochet.
J’ai travaillé avec un chorégraphe, des
plasticiens. J’ai développé des projets à
l’étranger. Puis en 2007, j’ai été nommé
directeur du CDN d’Orléans, et les choses
se sont débloquées. Ces expériences, ce
temps passé entre PLACE DES HEROS à
la Comédie-Française en 2004 et JULES
CÉSAR m’ont rapproché de moi-même,
de pourquoi je faisais du théâtre et de
comment j’avais envie d’en faire. La
culture underground, le disco, le jazz,
le cinéma et la danse m’ont beaucoup
construit, et je me suis reconnecté à ça en
faisant ce spectacle, peut-être aussi parce
que j’étais loin.
JULES CÉSAR est une pièce profondément
désespérée, où les horreurs du monde
sont perçues par un enfant que cela
laisse littéralement sans voix. Je me suis
inconsciemment projeté dans cet enfant,
c’est peut-être pourquoi le spectacle est
nourri de ce qui me faisait vibrer à cet âge
: projeter des films Super 8, bricoler des
marionnettes, regarder les émissions des
Carpentier ou des séries TV. C’est porté
par cette énergie et cette conscience que
j’ai ensuite abordé ORDET en 2008. JULES
CÉSAR en est la matrice. L’expérience
de ces deux spectacles se cristallise
finalement dans ma dernière création, LE
MUSEE DE LA MER, qui est un tournant
pour moi.
JULES CÉSAR, comme ORDET, sont
deux pièces centrées sur la question
de la parole – une thématique théâtrale
par excellence. Peut-on alors lire ces
deux créations en diptyque ?
Arthur Nauzyciel : Issues de contextes
culturels et géographiques différents, il
est troublant d’observer à quel point ces
deux créations se répondent. Comme les
deux faces, l’une claire l’autre obscure,
d’un même miroir. Les mondes de JULES
CÉSAR et d’ORDET sont en effet fondés
sur la parole. Ils interrogent le pouvoir de
transformation et de création des mots.
Il est question de la manipulation par le
discours pour JULES CÉSAR et de la force
réparatrice du verbe pour ORDET. Ce sont
les mots, et non les actions qui sont moteurs.
Ils peuvent créer une réalité ou détruire, ou
ramener à la vie. J’ai réalisé, après coup,
que les deux pièces traitaient à la fois de la
parole, mais aussi de celui qui ne la possède
pas : l’enfant. Cette figure, dont la fonction
est singulière dans ces deux spectacles, est
aussi liée au motif du double, de l’onirisme,
de l’inversion de monde – thèmes qui
fondent mon travail depuis des années.
JULES CÉSAR chemine dans un monde
de morts, de spectres, de fantômes. C’est
également la particularité d’ORDET mais
le texte de Kaj Munk pourrait en être le
versant vital : les personnages quittent un
monde de survivants pour celui des vivants.
C’est dans la mort que la cérémonie finale
de JULES CÉSAR accueille Brutus, mais
ORDET se termine sur ces mots : « la vie,
la vie ».
Chacun des décors est une image
dédoublée, tendue en fond de scène : une
photographie de la salle vide pour JULES
CÉSAR, une autre d’un paysage islandais
pour ORDET. Sans parler du travail
quasi communautaire que j’instaure en
restant longtemps à la table à étudier le
texte, l’emploi de la chorégraphie ou de
la musique live que l’on retrouve dans les
deux spectacles. Ce sont, je pense, mes
projets les plus intimes, dans la mesure
où j’ai affirmé avec eux, non pas un
style, mais un processus de travail très
personnel.
JULES CÉSAR interroge les liens entre
rhétorique et politique. Le projet vous
fut commandé à un moment charnière
de la politique américaine, celui des
primaires entre Barack Obama et
Hillary Clinton. De quelle façon avezvous envisagé ce parallèle ?
Arthur Nauzyciel : Le lien entre ce texte
et les élections en cours aux États-Unis
s’imposait évidemment. La pièce traite
d’une République en danger, et les EtatsUnis sortaient de huit années de présidence
Bush. Il était cependant trop réducteur de
ne traiter que du désastre de ce mandat
présidentiel, ce à quoi s’attendaient
néanmoins les producteurs. Il me fallait
trouver un angle plus large, métaphysique.
JULES CÉSAR traite du déclin d’un monde,
contient une mémoire collective des peurs
et des illusions humaines. C’est en quelque
sorte un manuel politique et sensible, qui
nous relie aux Romains et à Shakespeare
comme un long ruban ADN. L’œuvre
est d’une grande pertinence pour notre
époque, parce qu’elle évoque une société
condamnée. Non que la nôtre le soit, mais
elle est en danger. Qu’avons-nous inventé
en termes de politique et de démocratie
depuis la période traitée par Shakespeare
dans la pièce ? Comme Cassius et Brutus,
nous croyons encore que la démocratie
est le meilleur des systèmes, mais elle
n’en demeure pas moins un compromis
acceptable et fragile.
Quels sont les éléments qui vous ont
convaincu de proposer des références
à l’Amérique des années 60 en général,
et à Kennedy, en particulier ?
Arthur Nauzyciel : Le parallèle émane du
contexte d’inscription de la création. Je
voulais rester proche de la sensation que
j’ai souvent en voyageant aux États-Unis,
à savoir que cette société s’est bâtie sur
la fiction. Et pas l’inverse. Ce phénomène
est prégnant avec, par exemple, la série
TV 24 HEURES CHRONO qui a, je le crois,
préparé la population américaine à l’image
d’un président noir. Boston, où l’American
Repertory Theatre est implanté, est la ville
de Kennedy. Il fut le premier président
dont l’image fut plus importante que la
parole. L’assassinat de Kennedy a créé
une désillusion nationale probablement
similaire à celle que déclencherait la
disparition de Barack Obama, que l’on
peut, lui, envisager comme le premier
président de l’ère multimedia. César,
Kennedy, ou Obama ont en commun d’être
des surfaces de projection collective, des
figures qui portent étrangement en elles
le rêve d’un monde nouveau. Ensuite,
l’A.R.T. fut construit en 1964, à une époque
d’effervescence artistique intense, dont les
formes ont par la suite influencé le monde
entier. Son architecture date des années
1960 mais la configuration de l’espace
scène/salle reproduit le dispositif semicirculaire antique, où se rencontraient
dans un même espace, la chose politique
et le théâtre. J’ai élaboré la scénographie
à partir de cette spécificité. Il y a un autre
élément du contexte qui a fortement
influencé la création, qui concerne cette
fois l’histoire même de L’ART et son
devenir imminent. Issu de Yale et lié à
Harvard, l’ART fut un lieu fondateur du
théâtre moderne, dont la programmation
s’était jusqu’alors maintenue hors des
critères de rentabilité. C’est un des
seuls théâtres américains à avoir invité
des metteurs en scène étrangers et à
avoir soutenu le travail de Peter Sellars
ou de Bob Wilson. Robert Woodruff en
assurait la direction artistique jusqu’à
ce qu’il se fasse remercier pour délit de «
programmation élitiste ». Le spectacle porte
en lui cette histoire récente qui témoigne
d’une perte de foi en l’art et d’une époque
contemporaine abreuvée uniquement aux
pop-cultures. JULES CÉSAR, écrite juste
avant HAMLET, fut la pièce choisie par
Shakespeare pour l’inauguration du Globe
en 1599. Curieusement, c’est celle qui
clôturera un pan de l’histoire de l’A.R.T.
Alors que JULES CÉSAR est considéré
aux
Etats-Unis
comme
pierre
angulaire de l’œuvre de Shakespeare,
la pièce est quasi inconnue en France.
De quelle façon expliquez-vous
cette divergence de popularité ? Les
interprétations du texte sont-elles
différentes dans les deux pays ?
Arthur Nauzyciel : Comme beaucoup,
je ne connaissais pas la pièce, mais je
connaissais le film. JULES CÉSAR fait
partie du parcours scolaire de tout jeune
garçon américain (pour les filles, c’est
ROMEO ET JULIETTE). La pièce les
fascine parce qu’ils l’envisagent comme
une pièce de batailles, de guerre. Les
Américains font des personnages de JULES
CÉSAR des super héros ; pourtant le texte
indique bien qu’ils sont comme des héros
sans quête, comme les KAGEMUSHA
d’Akira Kurosawa, ces samouraïs qui ont
perdu le sens de leurs actions. La réception
de la pièce fut donc partagée et polémique
aux Etats-Unis. Il y a d’autres raisons :
mon travail est très précis sur le texte et
donc soucieux de la versification, or les
américains ne la respectent pas. Il est
centré sur la langue qui, à elle seule, fait
exister le monde de JULES CÉSAR. La
pièce repose jusqu’au cinquième acte sur
des hors champs systématiques : toutes
les actions nous sont rapportées par le
discours. Toujours, il est question de gens
qui viennent « dire » leurs rêves ou leurs
prémonitions. C’est l’interprétation que
les personnages font du discours qui influe
sur le cours du Monde. Les actes de JULES
CÉSAR s’achèvent aussi souvent sur
Brutus qui dit à Lucius : « rendors-toi », « tu
as rêvé », comme si Lucius était le rêveur
ou le témoin de l’histoire. Alors que tout
tient à la rhétorique, on perd vite le sens
du réel dans cette pièce, comme si on était
à l’envers du Monde. Peut-être Brutus estil déjà mort sans le savoir, comme Bruce
Willis dans LE SIXIEME SENS.
Vous évoquez souvent l’idée que
le théâtre est un lieu où les vivants
convoquent les morts…
Arthur Nauzyciel : Marie Darrieussecq
m’a fait remarquer qu’il y avait un mort
ou son fantôme au centre de tous mes
spectacles ! Les personnages hantent les
vivants, ils sont porteurs d’une mémoire
collective. Raconter une histoire, c’est
lutter contre l’oubli. Le théâtre m’intéresse
lorsque les frontières entredeux mondes
habituellement
distincts
(acteurs/
spectateurs, réel/fiction, morts/vivants)
se fondent. À partir du moment où, au
théâtre, les morts se relèvent, c’est
comme si l’expérience de la représentation
était une façon de conjurer la mort, une
célébration du vivant. Le plateau est un
lieu de passage et non l’endroit central
de mon travail. J’aime les hors champs,
les histoires souterraines. Un spectacle
n’est pas l’illustration d’un thème, mais la
matérialisation d’un enjeu intime.
Dans cette perspective, pour vous
qui êtes attaché à l’idée de mémoire
collective, de quelle façon envisagezvous les textes classiques ?
Arthur Nauzyciel : Dans JULES CÉSAR,
les personnages se projettent dans un
avenir dans lequel leur geste sera pour
d’autres un objet de spectacle, dans lequel
ils seront les spectateurs de leur propre
passé. À chaque fois que je me confronte
à un texte classique, j’ai le sentiment de
devoir mettre en scène « un souvenir du
futur ». Comme un témoignage pour le
futur de ce que nous sommes et ce que
nous étions. Les classiques sont comme la
statue de la Liberté à la fin de LA PLANETE
DES SINGES. Ils nous survivront. Nous
ne faisons que passer. Ce sont des « time
capsules » issues d’un passé lointain, qui
nous accompagnent encore aujourd’hui et
pour les siècles à venir. J’aime l’image de
ces étoiles dont la lumière nous parvient
bien après leur mort, ou encore celle
du mégalithe de 2001 L’ODYSSEE DE
L’ESPACE de Stanley Kubrick : un objet
énigmatique qui traverse les temps,
véhiculant ainsi les rêves d’une humanité
passée ou future.
Selon vous, ORDET n’est pas, à
proprement parler, une pièce sur la
religion. Pouvez-vous repréciser la
spécificité de votre approche de la
question ainsi que la nécessite de
l’aborder aujourd’hui sur scène ?
Arthur Nauzyciel : ORDET n’est pas
un drame paysan naturaliste mais un
acte poétique à part entière, qui s’inscrit
dans une culture nordique empreinte de
surnaturel. ORDET relate un événement
irrationnel qui advient dans un monde
rationnel et familier. La question centrale :
« croire ? » est passionnante, car elle ne
nous interroge pas uniquement dans
notre rapport à Dieu, mais sur le doute,
sur le désir ou la nécessité de croire. Ce
qui m’intéresse, c’est la quête intime de
l’Homme qui cherche à donner un sens
à la finitude de sa vie et à la perte. Il ne
s’agit pas d’illustrer un débat théologique.
Le sujet d’ORDET me paraît d’autant
plus pertinent que nous nous trouvons
aujourd’hui face à un paradoxe dangereux
: la religion n’a jamais été aussi présente
dans notre société et elle n’a jamais été
aussi taboue. On amalgame « laïcité » et «
athéisme », ou « religieux » et « intégriste ».
On confond la spiritualité et le dogme.
L’aspiration spirituelle, qui fonde notre
condition d’homme, est niée car la question
effraie. Nous nous trouvons donc au cœur
d’une interrogation contemporaine, qui
laisse en fait une place énorme à ceux
qui doutent ou ne croient pas. C’est pour
cette raison que j’ai finalement préféré,
à Avignon, le Cloître des Carmes à la
Cour d’Honneur du Palais des Papes qui
m’était initialement proposée. Le rapport
horizontal entre plateau et salle au Cloître
des Carmes faisait des personnages
d’ORDET des personnes, alors que la
Cour d’Honneur, dans sa contre-plongée
vertigineuse, les aurait soumis au divin.
Dans quelle mesure peut-on lire
ORDET comme un manifeste théâtral ?
Arthur Nauzyciel : La question qui soustend la pièce me bouleverse : après les
tragédies qui ont traversé le xxe siècle, en
quoi peut-on croire aujourd’hui ? Comment
vivre ? D’où nous vient cette force ? Je suis
très ému par le potentiel de l’art à aider à
supporter les souffrances du monde, à saisir
cette douleur archaïque, cette déchirure
métaphysique liée à la perte de l’autre. Kaj
Munk, comme Carl Dreyer qui a adapté la
pièce au cinéma en 1955, ont tous deux
perdu leur mère enfants. Tous deux furent
confrontés à l’absence d’une résurrection
qu’on leur avait promise, et ont réparé la
douleur par le geste artistique. Je me sens
proche de la démarche de ces artistes qui
ont retrouvé dans l’acte de création quelque
chose que le réel leur avait ôté. L’Art vient
réparer le réel. ORDET, comme le théâtre,
sans doute, c’est la confiance dans la
parole. En cela, ORDET est un manifeste.
Arthur Nauzyciel
Mise en scène
Après des études d’arts plastiques et de
cinéma, il entre en 1987 à l’école du Théâtre
national de Chaillot dirigée par Antoine
Vitez. D’abord acteur, il crée ses premières
mises en scène au CDDB–Théâtre de
Lorient, LE MALADE IMAGINAIRE
OU LE SILENCE DE MOLIÈRE d’après
Molière et Giovanni Macchia (1999) et
OH LES BEAUX JOURS (2003), présenté
à l’Odéon-Théâtre de l’Europe et Buenos
Aires.
Suivront, en France : PLACE DES HÉROS
qui marque l’entrée de Thomas Bernhard
à la Comédie-Française (2004); ORDET
(LA PAROLE) de Kaj Munk au Festival
d’Avignon (2008) et au théâtre du RondPoint dans le cadre du Festival d’Automne
à Paris; JAN KARSKI (MON NOM EST
UNE FICTION) d’après le roman de
Yannick Haenel au Festival d’Avignon
(2011); FAIM d’après le roman de Knut
Hamsun, avec Xavier Gallais, au théâtre
de la Madeleine (2011); LA MOUETTE de
Tchekhov (2012) dans la Cour d’honneur
du Palais des papes au Festival d’Avignon.
KADDISH d’Allen Ginsberg (2013),
lecture/mise en espace créée au Musée
d’Art et d’Histoire du Judaïsme puis reprise
pour l’édition 2013 du Festival d’Avignon.
Il travaille régulièrement aux États-Unis,
et crée à Atlanta deux pièces de B-M
Koltès : BLACK BATTLES WITH DOGS
(2001) présenté en France, à Chicago,
Athènes et au Festival d’Avignon (2006)
puis ROBERTO ZUCCO (2004), et à Boston,
pour l’American Repertory Theater,
ABIGAIL’S PARTY de Mike Leigh (2007)
et JULIUS CAESAR de Shakespeare
(2008), en tournée depuis sa création:
Festival d’Automne à Paris, Festival Ibéroaméricain à Bogota.
À l’étranger, il crée des spectacles
repris ensuite en France ou dans des
festivals
internationaux :
L’IMAGE
(2006) de Beckett à Dublin, avec Damien
Jalet et Anne Brochet, puis Lou Doillon
et Julie Moulier, performance présentée à
Reykjavik, New York, Paris, en Chine et
au Japon. Au Théâtre National d’Islande,
LE MUSÉE DE LA MER de Marie
Darrieussecq (2009). Pour l’École des
Maîtres, en Italie, A DOLL’S HOUSE (UNE
MAISON DE POUPÉE) d’Ibsen avec de
jeunes acteurs européens (2009). À Oslo,
il recrée ABIGAIL’S PARTY au Théâtre
National de Norvège (2012), spectacle
repris au CDN Orléans/Loiret/Centre en
novembre 2013. Il travaille également pour
la danse et l’opéra: il met en scène RED
WATERS (2011), opéra de Lady & Bird
(Keren Ann Zeidel et Bardi Johannsson)
et participe à la création de PLAY du
chorégraphe Sidi Larbi Cherkaoui et de la
danseuse Shantala Shivalingappa (2011).
Dans le cadre de ses projets, il travaille
régulièrement avec d’autres artistes:
Christian Fennesz, Miroslaw Balka,
Damien Jalet, Sjon, Erna Omarsdottir,
Winter Family, Valérie Mréjen, Étienne
Daho.
Il est lauréat de la Villa Médicis Hors les
Murs.
JAN KARSKI (MON NOM EST UNE
FICTION) a reçu le prix Georges-Lerminier
décerné par le Syndicat de la critique
(distinction récompensant le meilleur
spectacle théâtral de l’année créé en
province).
Depuis le 1er juin 2007, il dirige le
CDN Orléans/Loiret/Centre.
COLLABORATEURS
ARTISTIQUES
Riccardo Hernandez
Scénographe
Pour Arthur Nauzyciel, il a créé les décors
de: JULIUS CAESAR, JAN KARSKI (MON
NOM EST UNE FICTION), RED WATERS,
ABIGAIL’S PARTY, LA MOUETTE.
Né à Cuba, il a grandi à Buenos Aires et
étudié à la Yale School of Drama aux
États-Unis. Il travaille régulièrement à
Broadway, où il a remporté de nombreux
prix pour plusieurs de ses productions: THE
PEOPLE IN THE PICTURE (au légendaire
Studio 54), CAROLINE OR CHANGE,
PARADE (nominé au Tony Awards et
Drama Desk), TOPDOG/UNDERDOG, et
dernièrement PORGY AND BESS (Tony
Awards 2012). Pour l’opéra il a créé entre
autres les décors de APPOMATTOX de
Philip Glass en 2007, de LOST HIGHWAY
mis en scène par Diane Paulus, d’après le
film de David Lynch, présenté au Young
Vic à Londres en 2008, et ceux de IL
POSTINO, composé par Daniel Catàn et
mis en scène par Ron Daniels, créé au Los
Angeles Opera et présenté au ChâteletThéâtre musical de Paris en 2011.
Les productions auxquelles il a participé
ont été jouées dans les principaux
théâtres de New York et des États-Unis :
New York Shakespeare Festival/Public
Theater, Lincoln Center, BAM, Goodman
Theatre, Kennedy Center, Mark Taper
Forum... Au théâtre, il a travaillé avec les
metteurs en scène George C. Wolfe, Brian
Kulik, Mary Zimmerman, Ron Daniels,
Liz Diamond, Peter du Bois et notamment
Robert Woodruff, Ethan Coen, John
Turturro. Plus récemment, il a réalisé
la scénographie MARIE ANTOINETTE
de David Adjmi, mise en scène Rebecca
Taichman à l’automne 2012 à l’ART
(American Repertory Theater).
Scott Zielinski
Créateur Lumière
Pour Arthur Nauzyciel, il a créé les
lumières de: JULIUS CAESAR, LE MUSÉE
DE LA MER, JAN KARSKI (MON NOM
EST UNE FICTION), RED WATERS,
ABIGAIL’S PARTY, LA MOUETTE.
Scott Zielinski vit à New York. Éclairagiste
pour le théâtre, la danse et l’opéra, il a
travaillé sur des projets créés partout
dans le monde, avec des metteurs en scène
américains ou étrangers, notamment
Richard Foreman, Robert Wilson, Tony
Kushner, Hal Hartley, Krystian Lupa.
À New York, il travaille régulièrement à
Broadway, pour la production de TOPDOG/
UNDERDOG de Suzan-Lori Parks, et pour
le Lincoln Center et The Public Theatre.
Il crée également les lumières pour des
productions dans de nombreuses autres
villes nord-américaines, avec de nombreux
metteurs en scène et chorégraphes comme
Neil Bartlett, Chase Brock, Chen ShiZheng, Karin Coonrod, Ron Daniels, David
Esbjornson, Daniel Fish, Sir Peter Hall,
Tina Landau, Jonathan Moscone, Diane
Paulus, Lisa Peterson, James Robinson,
Anna Deveare Smith, Twyla Tharp, George
C. Wolfe, Mary Zimmerman.
Dernièrement, il a créé les éclairages de
MISS FORTUNE de Judith Weir à l’Opéra
Royal de Londres. Scott Zielinski a obtenu
un Master en « Theatre Design » à la Yale
University School of Drama.
Damien Jalet
Chorégraphe
Chorégraphe, il travaille avec Arthur
Nauzyciel
depuis
2006.
Ils
ont
créé L’IMAGE (2006), il a réalisé les
chorégraphies de JULIUS CAESAR
(2008), d’ORDET (LA PAROLE) (2008)
et du MUSÉE DE LA MER (2009) dans
lequel il interprète également le rôle de
Bella. En 2011, il a collaboré à la création
de JAN KARSKI (MON NOM EST UNE
FICTION) au Festival d’Avignon et réalisé
la chorégraphie de RED WATERS, un
opéra de Lady & Bird (Keren Ann Zeidel
et Bardi Johannsson) créé par Arthur
Nauzyciel en 2011 à l’Opéra de Rouen.
Damien Jalet démarre sa carrière de danseur
en 1998 avec Wim Vandekeybus dans LE
JOUR DU PARADIS ET DE L’ENFER.
En 2000, il entame une collaboration
assidue avec Sidi Larbi Cherkaoui en tant
qu’artiste associé au sein de la compagnie
des Ballets C de la B. et Eastman. Ils créent
ensemble RIEN DE RIEN, FOI, TEMPUS
FUGIT, MYTH et TEZUKA. En 2002, avec
Sidi Larbi Cherkaoui, Luc Dunberry et
Juan Cruz Diaz de Garaio Esnaola, il signe
la chorégraphie de D’AVANT pour la
Schaubühne am Lehniner Platz. Il collabore
régulièrement avec Erna Ómarsdottir
pour OFÆTT (UNBORN), THE
UNCLEAR AGE, TRANSAQUANIA ainsi
que BLACK MARROW pour le Melbourne
Arts Festival avec la compagnie de
danse australienne Chunky Move. Il a
créé sa pièce THREE SPELLS avec la
danseuse Alexandra Gilbert et le musicien
Christian Fennesz en 2008. En 2010, il a
chorégraphié la pièce BABEL avec Sidi
Larbi Cherkaoui et Antony Gormley,
spectacle récompensé par deux Laurence
Olivier Awards et d’un prix Benois de la
danse (meilleure chorégraphie). Il signe
aussi la chorégraphie de plusieurs vidéos
musicales des réalisateurs Arni & Kinski
et Christopher Doyle pour les artistes
Editors, Florence and the machine ainsi
que Olöf Arnalds et Björk. Pour la saison
de danse 2012/2013 de l’Opéra de Paris,
il crée en mai 2013 un nouveau BOLÉRO
avec Sidi Larbi Cherkaoui et la plasticienne
Marina Abramovic.
DISTRIBUTION
James Waterston – Brutus
Fils du célèbre acteur américain Sam
Waterston, il commence tôt le théâtre.
Il s’est produit dans les principaux
théâtres américains. Durant trois saisons
il a été directeur musical du GREYLOCK
PROJECT au sein du Williamstown Theatre
Festival. A New York, il se produit dans
L’IMPORTANCE D’ETRE CONSTANT
(sous la direction de Peter Hall), COMME
IL VOUS PLAIRA dans le cadre du New
York Shakespeare Festival. Il joue au
cinéma dans LE CERCLE DES POETES
DISPARUS, LITTLE SWEETHEART,
OSCAR, THE DEBUTANTES.
Pour la télévision, il joue dans LIVE FROM
BAGHDAD, 13 BOURBON STREET et
tient l’un des rôles principaux de la série
SIX FEET UNDER.
Mark L. Montgomery – Cassius
Sur Broadway, il s’est produit dans
MAMMA MIA! (Bill Austin) et MACBETH
et en 2008 dans THE SEAGULL mis en
scène par Christopher Hampton avec
Kristin Scott Thomas. Il participe à de
nombreux projets donnés dans le cadre du
festival Shakespeare in the Park à New
York. Membre du Chicago Shakespeare
Theatre, il fait partie de ROSE RAGE
(Prix Joseph Jefferson de la meilleure
production, repris au Duke Theatre à New
York) et interprète COMME IL VOUS
PLAIRA, LE ROI LEAR, ANTOINE ET
CLEOPATRE, HENRI IV, BEAUCOUP DE
BRUIT POUR RIEN, LA COMEDIE DES
ERREURS… Pour la télévision, il joue
dans LAW & ORDER, GUIDING LIGHT.
Daniel Pettrow – Mark Antony
Acteur associé au sein de la compagnie
new-yorkaise The Wooster Group, il joue
dans HAMLET. Il fut cofondateur et
codirecteur des Studios Ballroom (19962003) à Atlanta, un lieu alternatif et
novateur dédié aux arts visuels et aux arts
vivants. Il est aujourd’hui artiste associé
à la Compagnie Bluemouth Inc, collectif
d’artistes interdisciplinaire.
Il a joué dans plus de 60 productions aux
Etats-Unis et à l’étranger.
Il collabore régulièrement avec Arthur
Nauzyciel et a joué dans BLACK
BATTLES WITH DOGS puis ROBERTO
ZUCCO. Il a travaillé avec le metteur
en scène allemand Walter Asmus (EN
ATTENDANT GODOT).
Il est également acteur pour le cinéma
(THE CULT OF SINCERITY, THE LAST
ADAM, PSYCHOPATIA SEXUALIS) et la
télévision.
Thomas Derrah – Julius Caesar
Thomas Derrah a étudié l’art dramatique
à Yale. Il est membre fondateur de
l’A.R.T. pour lequel il a participé à 114
productions. Il a participé à de nombreux
projets à Broadway, à l’ACT Theatre
de San Francisco, au Berkeley Rep, au
Doolittle Theatre à Los Angeles, au
Goodman Theatre de Chicago. Thomas
Derrah a joué sous la direction de Andrei
Serban, Lee Breuer, Robert Brustein,
Krystian Lupa, et Robert Wilson. Il s’est
produit dans le monde entier (Amsterdam,
Avignon, Belgrade, Edimbourg, Londres,
Madrid, Moscou, Paris, Tokyo…). Il
tourne régulièrement pour la télévision.
Au cinéma il a travaillé sous la direction
de Clint Eastwood (MYSTIC RIVER) et de
Julie Taymor (FOOLS FIRE).
Sara Kathryn Bakker – Portia/
Calpurnia
Elle étudie le théâtre et les “Women
studies” à Yale. A New York, elle se
produit aussi bien sur les scènes du Off
Broadway (Roundabout Theatre, New York
Classical Theater) et que sur les scènes
expérimentales du Fringe Festival et du
Drama League New Directors/New Works,
dans des productions remarquées comme
AS FAR AS WE KNOW (sur la guerre en
Irak). Elle est membre fondateur du Rude
Mechanicals Theatre.
Elle apparaît dans de nombreuses
productions présentées dans le cadre
du
Utah
Shakespearean
Festival,
Contemporary American Theatre Festival,
Pioneer Theater, Williamstown Theatre
Festival,
Pennsylvania
Shakespeare
Festival.
A la télévision et au cinéma, elle joue dans
LAW & ORDER, CONVICTION, GHOST
STORIES et dans le film indépendant END
OF THE SPEAR.
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