Quelques aspects de la réécriture

Quelques aspects de la réécriture
Quelques aspects
de la réécriture
NR 2588
Quelques aspects
de la réécriture
Textes réunis par
Magdalena Wandzioch
Wydawnictwo Uniwersytetu Œl¹skiego
Katowice 2008
Redaktor serii: Historia Literatur Obcych
Magdalena Wandzioch
Recenzent
Regina Bochenek-Franczakowa
Publikacja jest dostêpna w wersji internetowej
Œl¹ska Biblioteka Cyfrowa
www.sbc.org.pl
Table des matières
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9
De la mise en prose à la mise en vie. La réécriture en Bourgogne
médiévale . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
11
En guise d’introduction (Magdalena Wandzioch) .
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Maciej Abramowicz
Witold Konstanty Pietrzak
L’inuentio ou réécriture de l’histoire dans les nouvelles exemplaires en France pendant les guerres de religion . . . . . . .
20
Andrzej Rabsztyn
Le roman épistolaire français dans la littérature des Lumières en
Pologne . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
Magdalena Wandzioch
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39
Leçon de réécriture. Ce que disent les dessins zoliens . . . . . .
48
Jules Verne sur les brisées d’Alexandre Dumas
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30
Jolanta Rachwalska von Rejchwald
Anita Staroñ
Le puzzle façon Octave Mirbeau ou de l’utilité des redites . . .
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59
Deux versions du motif de fleurs dans la poésie d’Arthur Rimbaud
68
Krystyna Wojtynek-Musik
Barbara Sosieñ
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75
Lilith, figure mythique au miroir des réécritures (Dieu créa d’abord
Lilith, Marc Chadourne, 1937; Lilith dans l’île, Sylvain Roumette,
1990) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
86
Le mythe de la reine de Saba réécrit: Nerval et Nodier .
Pascale Auraix-Jonchière
6
Table des matières
Tatiana Antolini-Dumas
Réécritures du Déluge dans deux romans de Barjavel . . . .
Lucienne Bozzetto-Ditto
Sartre: Bariona et les évangiles de la Nativité . .
Aleksander Ab³amowicz
Le retour de Télémaque . . . .
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. 106
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. 116
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Denis Labouret
Amphitryon: réécritures du mythe et mythe de la réécriture . . .
Thérèse Mourlevat
En mal de réécriture. Paul Claudel et sa dramaturgie .
Krystyna Modrzejewska
«Harcèlement littéraire» d’Eugène Ionesco .
96
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124
. 134
. . 146
Gra¿yna Starak
La réécriture à travers la scène. La vision artaudienne des Cenci
d’après Shelley et Stendhal . . . . . . . . . . . . . . . . 155
Jeannine Guichardet
Métamorphoses de la reine de Pierrette Fleutiaux : une réécriture des Contes de Perrault . . . . . . . . . . . . . . . .
164
Aleksandra Komandera
Pastiche ou conte original — de quelques problèmes de réécriture
dans Le Petit Chaperon bleu marine de Philippe Dumas et de Boris
Moissard . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
173
Agnès Spiquel
Les Fruits du Congo d’Alexandre Vialatte, ou la réécriture romanesque d’une vieille chanson française . . . . . . . . . . . .
182
Czes³aw Grzesiak
Pratiques de réécriture dans l’œuvre romanesque de Robert
Pinget . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
Jerzy Lis
Annie Ernaux et Philippe Vilain: réécriture croisée .
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190
. 202
Wac³aw Rapak
W ou le souvenir d’enfance de Georges Perec — une ré-écriture ressassante . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
214
Katarzyna Gadomska
Les Frankenstein de Jean-Claude Carrière : entre le roman de
Mary Shelley et le cinéma de James Whale . . . . . . . . . .
Ryszard Siwek
La Légende d’Ulenspiegel ou la réécriture de l’histoire .
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226
234
7
Table des matières
Zuzana Malinovská-Šalamonová
Un voyage au bout de la nuit africain .
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. 243
Magdalena Zdrada-Cok
Ahmed-Zahra — personnage benjellounien dans les sentiers qui
bifurquent . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 251
Jean Bessière
Notes pour recaractériser la réécriture — quelques considérations
théoriques . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 261
Streszczenie
Summary
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. 269
. 270
En guise d’introduction
Depuis la publication dans les années soixante-dix des travaux de Julia
Kristeva qui a inventé le néologisme intertextualité, on observe le processus
de la théorisation critique du fait littéraire de la réécriture.
Si pourtant à l’époque le terme a paru nouveau, le phénomène, lui, ne
l’est point, car l’écriture imitative, s’appuyant invariablement sur l’écart
et la conformité, est une pratique constante de la création littéraire, tout au
plus peut-on parler de ses variétés multiples.
Les textes fondateurs, les récits mythiques et bibliques, ont toujours
été sujets à des réécritures partielles et/ou intégrales. Leurs canevas narratifs et leurs motifs ancrés dans l’imaginaire collectif et, partant, toujours
prêts au réemploi, ont, de tout temps, constitué un objet d’une reproduction
consciente.
Il en est de même des ouvrages à succès, sans cesse repris et réactualisées, qui suscitent tôt ou tard une postérité avouée ou masquée, au point
de donner l’impression d’une série variée sur un même sujet dans laquelle
toutefois le fond demeure décelable pour les lecteurs.
Dans les ouvrages nouveaux on repère souvent les traces d’une inspiration ancienne, même si elle est parfois oblitérée et déniée par leurs auteurs
qui procèdent à des retouches essentielles. Leurs brouillons offrent fréquemment des variantes du texte définitif.
La réécriture, en tant que reprise ou remaniement des mots de l’autre ou
de soi-même, peut prendre des formes différentes: à côté de celles qui sont
considérées comme classiques (plagiat, parodie, pastiche, travestissement),
elle peut consister en la transformation d’un genre littéraire en un autre, en
le passage d’un registre à un autre, en l’inversion des formes littéraires.
10
En guise d’introduction
Les articles qui suivent se proposent de prendre en considération divers
aspects de la réécriture sachant allier l’usage de l’imitation et l’aspiration
à l’originalité.
Magdalena Wandzioch
Maciej Abramowicz
Université Marie Curie-Sk³odowska, Lublin
De la mise en prose à la mise en vie
La réécriture en Bourgogne médiévale
Il n’est point exagéré de considérer toute la littérature médiévale en langue vernaculaire comme synonyme de la réécriture. Ainsi, le phénomène se
manifeste dans un sens littéral, comme la copie des manuscrits, la seule manière accessible de multiplier et divulguer les écrits. Mais, dans l’énorme majorité des cas, les œuvres se déclarent être des traductions du latin. Il s’agit
de la célèbre « mise en roman » qui implique non seulement le transcodage
linguistique, mais aussi l’explicitation du contenu, transformation qui va parfois si loin que le lien entre l’original et la prétendue traduction est difficile
à établir, comme c’est le cas du Roman d’Enéas anonyme, adaptation plus
que libre de Virgile, ou les romans de Rou et de Brut de Wace inspirés de
l’Historia Regum Britaniae de Geoffroi de Monmouth. Vient, enfin, la supercherie généralisée, le fait de faire passer une œuvre pour une traduction/
modification d’un modèle, tandis qu’en réalité il s’agit d’une œuvre originale
composée dès le départ en ancien français. En réalité, ce qui compte, c’est
le geste systématiquement répété de situer l’origine de l’œuvre au-delà d’elle
même et de la légitimer ainsi.
Au fond, il s’agit de la conformité à l’impératif ancré dans la mentalité
de l’époque interdisant à l’homme l’invention, attribut exclusif de Dieu. La
seule liberté dont jouit l’écrivain est celle de reproduire. Sur le plan esthétique, cet impératif se traduit par la conformité de chaque produit artistique
à l’esthétique de l’identité qui consiste à rapprocher toute nouvelle œuvre du
modèle latent préexistant, ce qui implique des ressemblances, parfois poussées très loin, du contenu1. Dans le domaine littéraire, il prend forme des
1
R. G u i e t t e : Questions de littérature. Genève, Drozd, 1972.
12
Maciej Abramowicz
schémas narratifs répétitifs, du nombre réduit de thèmes et motifs véhiculés
par des entités en grande partie figées du discours.
Le répertoire de variétés de réécriture perceptibles dès les débuts de la
littérature française subit un enrichissement significatif à partir du XIIIe
siècle. Le signe important de ce changement est l’avènement d’un procédé
littéraire ayant une brillante carrière devant lui — la mise en prose, c’està-dire la réécriture d’une œuvre en vers accompagnée d’une modification formelle majeure qui est l’adoption de la prose. Avant tout, cette modification
confirme le caractère passéiste de la culture de l’époque, délibérément tournée vers le passé. Mais aussi, il témoigne de la maturité atteinte par cette
culture — le modèle qu’on transforme n’est plus une source antique, aussi
lointaine que vague, mais le produit de la culture récente qui s’articule en
ancien français. Ainsi, la littérature médiévale se présente comme une chaîne
auto-référentielle ininterrompue: les œuvres qui se réclament être une traduction-remaniement de la version latine antérieure deviennent, à leur tour,
point de départ d’une réécriture en prose.
Contrairement à ce que suggère la dénomination réductionniste de «mise
en prose», il ne s’agit pas d’un simple dérimage qui, à lui seul aurait une signification, étant donné la fonctionnalité des formes littéraires au Moyen
Âge. La nouvelle œuvre ainsi désignée accuse des modifications affectant pratiquement tous ses niveaux et témoigne de l’évolution littéraire et culturelle de l’époque. Avant tout, la prose est chargée de connotation de vérité
qui s’oppose au vers, de plus en plus frappé du discrédit comme forme
de récits fictifs : la vogue des mises en prose s’ouvre par le remaniement
du Roman de l’Estoire dou Graal de Robert de Boron contenant l’explicitation du symbolisme christique du Graal. Les vérités fondamentales ne pouvaient pas être débitées en forme propre aux histoires « si vaines et si plaisans » d’amour et de chevalerie. Même si l’appréhension de la notion de
vérité ne s’épuise pas à l’époque dans la conformité du contenu de l’œuvre
à l’extra-texte, il faut comprendre la vérité comme, dans le premier temps
au moins, l’adéquation de ce qu’on asserte à l’histoire2. La prose est liée depuis le début de son apparition à la réalité, en tant que forme de l’écriture
historiographique.
L’expansion de la forme-prose et des «mises en prose» continue tout au
long des XIIIe et XIVe siècles pour atteindre son apogée au XVe siècle lorsqu’elle devient la forme narrative quasi exclusive et la mise en prose — (le)
genre pratiqué avec prédilection. Le phénomène est courant dans toutes les
aires de la culture de langue française et s’articule selon les mêmes paramètres,
même si l’on peut décerner des particularités locales. Mais le domaine culturel qui se distingue des autres, tant du point de vue de la quantité que des
2
T. T o d o r o v : Les morales de l’histoire. Paris, Grasset, 1991.
De la mise en prose à la mise en vie...
13
particularités des mises en prose et du rôle qu’elles jouent dans la vie sociale
et culturelle de l’aristocratie de l’automne du Moyen Âge, est celle de Bourgogne, surtout de la cour des ducs3.
Avant tout, c’est le nombre et la diversité des réécritures bourguignonnes
qui surprennent. Parmi les proses sortant de l’atelier ducal ou de ceux
d’autres grands seigneurs, on trouve des remaniements d’œuvres séparées
qui suivent de près la version originale. Pourtant, ce qui est particulièrement
à l’honneur, ce sont de vastes compilations qui consistent à synthétiser, en
l’espace d’une œuvre, des romans ou chansons de gestes entiers et des réinvestissements des thèmes et motifs légués par la tradition. Ce sont justement
de telles compilations qui constituent le signe distinctif des mises en prose
bourguignonnes et assurent la notoriété de leurs auteurs. Le remaniement
peut englober par exemple plusieurs œuvres appartenant à différents genres.
David Aubert, le plus célèbre « escripvain » bourguignon, livre de grands
cycles épiques en prose tels que L’Histoire de Charles Martel et de ses successeurs ou les Croniques et Conquestes de Charlemaine, amalgame de la chronique de Pseudo-Turpin et de plusieurs chansons de geste, retraçant l’histoire légendaire de l’empereur. Jean Wauquelin, presque tout aussi célèbre que
David Aubert, compile les romans français d’Alexandre dans son Livre des
conquestes et faits d’Alexandre le Grand. Le caractère luxueux et soigné des
manuscrits fournit une preuve supplémentaire de la considération des mises
en prose.
Étant donné le caractère fédérateur et homogénéisant de la forme-prose,
et indépendamment des particularités génériques des textes qui constituent
les points de départ des remaniements, les résultats de l’opération sont
toujours les mêmes: les mises en prose tendent vers le même point d’aboutissement — la version remaniée est un ouvrage historique, hyperbiographique, centré sur le personnage masculin — le chevalier idéal, tant sur le
plan de ses qualités militaires que mondaines et religieuses.
La recherche dans le passé des modèles de comportement résulte de la
conformité aux paramètres fondamentaux de la culture médiévale. Mais seul
le retour aux vieux récits ne suffit pas à expliquer l’énorme succès des mises
en prose. Elles remplissent une fonction pragmatique relevant des préoccupations sociales et culturelles du XVe siècle. Pour être efficaces, ces vieilles
histoires ont besoin d’être modifiées et de correspondre à l’horizon d’attente
du public qui n’est plus celui des chansons de geste ou des romans en vers.
Avant tout, comme elles couraient un fort risque de ne pas être comprises
— au XVe siècle l’ancien français n’est plus compréhensible —, il fallait un
aggiornamento linguistique et rhétorique auquel la prose se prête faciG. D o u t r e p o n t : Les mises en prose des épopées et des romans chevaleresques du
XIV au XVe siècle. Genève, Slatkine Reprints, 1969.
3
e
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Maciej Abramowicz
lement. À cela s’ajoute le changement fondamental dans le paradigme de
la communication littéraire. La lecture personnelle, silencieuse et oculaire,
se substitue aux séances de chant ou de récitation publique des œuvres narratives versifiées. D’où la structure qu’empruntent ces réécritures: la division en chapitres et paragraphes, les tables des matières etc.
Les mises en prose adaptent les vieilles histoires aux goûts qui, eux aussi,
ont évolué. Avant tout, il s’agit du renforcement de l’esthétique fondée sur
le vrai : le public bourguignon de la fin du Moyen Âge réclame, sans doute
avec insistance, des histoires vraies ; d’où la mise en place de différents
procédés typiques de l’historiographie — l’emploi de la forme prose connotée
de vérité historique est renforcé par les procédés tels que la datation des
événements, l’identification des personnages comme réels, etc. Mais surtout
les remaniements en question doivent correspondre à la sensiblerie, ce qu’on
voit dans l’hypertrophie des motifs amoureux et leur expression sous forme
de nombreuses tirades de nature rhétorique. La conformité à la sensibilité
contribue à satisfaire des conditions nécessaires pour que le remaniement
puisse remplir sa fonction didactique, le public doit s’identifier, ne serait-ce
que partiellement, à la représentation; d’où l’absence totale de la «couleur
locale» du passé au profit de l’imitation de la réalité du XVe siècle, et, plus
particulièrement, des moments forts des rituels chevaleresques: fêtes spectaculaires, tournois, batailles, etc.
Ainsi, malgré le retour au passé que pratique la littérature bourguignonne,
c’est le présent que visent les auteurs des réécritures. Les mises en prose
correspondent au contexte immédiat, elles servent la propagande de la cour
ducale: les textes sont truffés de détails topographiques régionaux; on exhibe de prétendus liens unissant les commanditaires des œuvres avec leurs
illustres prédécesseurs, dont Charlemagne. L’objectif de l’opération est clair,
il s’agit de justifier, par le biais de la littérature, l’ambition des ducs de revêtir la couronne royale qui leur manquait en tant que reconnaissance symbolique de leur puissance réelle. L’hypertrophie de l’aspect religieux des
œuvres remplit le même rôle — les ducs caressaient le projet du « saint
voyage en Turquie » qui aurait accordé à la maison de Bourgogne la considération particulière parmi les princes chrétiens d’Europe et aurait contribué à l’obtention de la couronne rêvée.
Mais indépendamment des finalités propagandistes, toutes les modifications apportées par les remanieurs convergent vers l’objectif primordial des
mises en proses bourguignonnes — l’apologie de la chevalerie traditionnelle.
C’est elle qui est à l’origine et la clé de voûte de l’interprétation des remaniements de vieux récits. À l’époque, et surtout en Bourgogne qui jouit
d’une prospérité et d’un pacifisme, les guerriers perdent leur vocation et leur
ordre s’abâtardit, ce qu’on voit dans l’adoubement des enfants, la dégradation des distinctions sociales habituelles — le terme d’écuyer devient syno-
De la mise en prose à la mise en vie...
15
nyme de jeune garçon, etc4. La contestation affecte également l’efficacité militaire de la chevalerie traditionnelle pratiquement sans défense face aux fantassins mobiles, aux archers et à l’usage généralisée de l’artillerie. À cette érosion qui ronge la chevalerie de l’intérieur s’ajoute la concurrence venant de
la part des représentants des autres catégories sociales, surtout de la bourgeoisie dont l’influence n’arrête pas de croître. L’aristocratie militaire entreprend sa défense dont la littérature est une arme privilégiée. Les mises
en prose constituent une pièce importante du procédé qui cherche à rehausser les valeurs chevaleresques par référence aux héros du passé médiéval qui
côtoient ceux de la mythologie antique5.
La stricte correspondance entre la représentation des mises en prose et
la réalité du XVe siècle fait que ces interminables récits ne constituent pas
le dernier maillon de la chaîne de réécritures médiévales. Mais cette fois-ci
la représentation glorifiante de la chevalerie quitte le domaine discursif pour
rentrer dans l’espace tridimensionnel de la vie. Et ce ne sont pas les écrivains qui produisent cette transposition de la littérature à la vie, mais le public
lui même. À la fin de l’époque médiévale, la haute société se met à jouer, à
imiter dans la réalité les comportements connus jusqu’ici de la seule littérature. Et c’est cette imitation servile de modèles littéraires qui permet de qualifier ces extravagances d’une forme de réécriture.
Les exemples de telles attitudes sont nombreux et variés. On peut citer
l’imitation de certains gestes : tel chevalier revêt les armes de Lancelot du
Lac; Edward III et Philippe de Valois équipent leurs demeures de tables rondes. Mais il ne s’agit pas seulement d’imitations ponctuelles des comportements littéraires. Certains nobles modélisent leur vie en suivant de près des
prototypes littéraires de chevaliers errants. Les formes de la vie sociale de
l’aristocratie s’inspirent de manière évidente de la littérature et ceci de manière hypertrophiée, le goût du spectacle étant une des caractéristiques les
plus constantes de la civilisation bourguignonne. Les chroniques de l’époque
sont une source inépuisable d’exemples de vraies institutions inspirées de la
littérature. Le 17 février 1454, au palais du Rihour à Lille, Philippe le Bon
offre à la noblesse bourguignonne le banquet le plus retentissant à l’époque,
celui du Vœu du Faisan, organisé le lendemain de la prise de Constantinople par les Turcs. Pendant cette fête exceptionnelle, les convives proclament
leur intention de partir en croisade et ils font vœu de s’abstenir de certains
plaisirs ou facilités de la vie avant d’accomplir un exploit contre l’Infidèle,
pratique connue de la littérature depuis les romans de la fin du XIIe siècle6.
4
C.E. P i c k f o r d: L’évolution du roman arthurien en prose vers la fin du Moyen Age.
Paris, Nizet, 1960.
5
Ce mouvement est également visible dans l’iconographie, surtout dans les tapisseries dont la cour ducale de Bourgogne a réuni une quantité importante.
6
J. H u i z i n g a : Jesieñ œredniowiecza. Warszawa, PIW, 1992.
16
Maciej Abramowicz
L’imitation des modèles littéraires s’épanouit avant tout dans deux domaines, parfois entremêlés de manière inextricable, celui des armes et celui de l’amour. Inspirés par le modèle littéraire de l’amour, des chevaliers
fondent des ordres chevaleresques, dont le plus connu était celui de la Toison
d’Or. L’objectif proclamé de ces clubs élitistes de hauts chevaliers assoiffés
de gloire était la défense des dames opprimées. L’origine littéraire des comportements adoptés ne suscite aucun doute; elle est visible rien que dans la
dénomination « Table Ronde », synonyme du substantif « ordre » ou « religion» qu’on retrouve dans nombreux documents7.
Les chevaliers prennent des attitudes recherchées en présence des
dames, les festivités de mariages princiers s’accompagnent de joutes durant
lesquelles les participants décorent leurs armures de fragments de vêtements
offerts par les dames. Il va sans dire que, à l’instar de nombreux romans
chevaleresques, ce sont elles qui constituent le public privilégié de ces spectacles sportifs et désignent le vainqueur des affrontements. Mais le spectacle
le plus caractéristique et le plus complexe de ce type est le pas d’arme, jeu
qui reproduit une situation fréquente dans la littérature romanesque du
Moyen Âge classique: la défense d’un passage stratégique (d’un pont ou d’un
gué) accompagnée de la délivrance d’une dame retenue prisonnière par une
force magique ou suite à la parole donnée à un adversaire redoutable. Le
défenseur de la dame, dit entrepreneur du pas, couvert d’incognito (tout
comme certains protagonistes de tournois, discrétion qui répète celle de héros
des romans courtois) attend aux délais fixés ceux qui voudraient se mesurer à
lui. Deux exemples sont particulièrement typiques: celui de la Belle Pèlerine,
entrepris en 1449 par Jehan de Saint-Pol et celui de la Fontaine des Pleurs
tenu par le parangon de la chevalerie bourguignonne, Jacques de Lalaing,
tous les premiers jours du mois, à partir du novembre 1449 à la fin d’octobre
de 1450. Ces pratiques sont des citations on ne peut plus fidèles de la
littérature courtoise du XIIIe siècle tant en ce qui concerne les règles établies
du pas que leurs formes figuratives. Il faut noter pourtant une différence de
taille: le champion bourguignon ne défend pas une princesse en chair et en
os, mais une dame imaginaire peinte sur un écu...8.
La dernière étape de la réécriture médiévale, celle qui consiste en une
transposition des thèmes, motifs, voire des histoires littéraires dans la vie,
montre les limites de ce «bovarysme» avant la lettre. Bien entendu, il s’agit
7
À propos de l’Ordre de l’Etoile, le chroniqueur Jean Chapelain écrit : « [...] fut inventée cette Table Ronde, qui n’était autre chose qu’un ordre pareil à celui de la Jarretière [...] » (cité d’après C.E. P i c k f o r d : L’évolution du roman arthurien..., p. 262).
8
M. C o l o m b o - T i m e l l i : Entre littérature et vie : le jeu chevaleresque dans la
Bourgogne de Philippe le Bon. In: Rencontres médiévales en Bourgogne (XIVe—XVe siècles).
No 2. Reims, Presses Universitaires de Reims, 1992.
De la mise en prose à la mise en vie...
17
d’un jeu, mais d’un jeu joué avec le plus grand sérieux9. Les projets politiques inspirés et alimentés par l’imaginaire littéraire n’aboutissent pas: la
grande croisade déclarée au Banquet du Faisan a reculé devant les restrictions imposées par la réalité, malgré les préparatifs coûteux engagés et la conviction ferme des organisateurs qu’elle pourrait se réaliser. Une autre idée,
tout aussi littéraire, celle du duel des princes, solution idéale pour arrêter la
guerre, dont le combat entre Charlemagne l’émir Baligant de la Chanson de
Roland reste le plus illustre exemple, n’a jamais eu lieu malgré les défis
lancés à Humphrey de Gloster par Philippe le Bon qui d’ailleurs s’apprêtait
aussi à faire face au Grand Turc.
Les grands moments chevaleresques n’inspirent pas non plus un enthousiasme inconditionnel et semblent préoccuper uniquement une poignée de
chevaliers bourguignons, tandis que les autres ne manifestent au mieux
qu’une froide indifférence. Le chevalier errant qu’on pouvait rencontrer sur
les routes européennes suscitait plutôt la méfiance que l’admiration —
Jacques de Lalaing a toutes les peines du monde à faire reconnaître ses
qualités une fois sorti des états bourguignons10. Le pas d’arme de la Belle
Pèlerine n’attire que deux rivaux de Jehan de Saint-Pol dont l’un s’est
présenté au-delà du délai fixé et l’autre était âgé, au dire de deux chroniqueurs, de 50 ou 65 ans! Le champion du Pas de la Dame de Pleurs a attendu
de novembre à février l’arrivée du premier adversaire.
Parfois cette «réécriture existentielle», l’imitation des modèles littéraires
et la fidélité à l’idéologie chevaleresque traditionnelle qu’ils véhiculent,
s’avèrent néfastes. La haute idée du combat chevaleresque en vigueur dans
les romans l’emporte parfois sur la stratégie la plus élémentaire. Les défaites retentissantes de la chevalerie française massacrée par l’infanterie et les
archers anglais lors de la Guerre de Cent Ans en constituent la meilleure
preuve. Le vœu de ne pas reculer devant l’ennemi, lieu commun des chansons de geste, coûte, à y croire Froissart, la vie à 90 chevaliers. Il est hautement significatif que Jacques de Lalaing, champion incontestable de nombreuses joutes, a péri lors de la vraie guerre contre les Gantois révoltés, tué
par un boulet de canon...
Mais il arrive que même les participants à ces jeux soient conscients du
ridicule de leur attitude héroïque et sachent garder de saines distances. Tel
le cas des ordres chevaleresques et des vœux prononcés, souvent perçus
comme extravagants, peu de ceux qui les prononcent les prennent au sérieux.
Jheannet de Rebreviettes, un des participants du Banquet du Faisan, déclare
J. H u i z i n g a : Homo ludens. Warszawa, Czytelnik, 1985.
J. R y c h n e r : La littérature et les mœurs chevaleresques à la cour de Bourgogne.
Neuchatel 1950.
9
10
2 Quelques...
18
Maciej Abramowicz
que s’il n’obtient pas les faveurs de la dame de son cœur avant son départ
en Orient, de retour il épousera la première demoiselle rencontrée, à condition toutefois qu’elle ait vingt mille écus de dot ou plus11. Il en va de même
pour l’incognito des jouteurs et entrepreneurs des pas d’armes, leur identité
ne fait point mystère à personne.
Cependant, dans l’énorme majorité des cas ce sont les intérêts, parfois
cyniques, qui prennent le dessus sur la fidélité aux idéaux. La facilité scandaleuse avec laquelle les grands renonçaient aux principes chevaleresques en
constitue une preuve incontestable. Pendant la bataille de Saint Richier, Philippe le Bon fait revêtir son armure par un chevalier de sa suite sous prétexte qu’il voulait accomplir des exploits mémorables en tant que simple chevalier. La confrontation de la littérature avec sa « mise en vie» met à nu ce
que J. Rychner appelle la «mentalité prodigieusement vaine qui motive des
exploits parfaitement inutiles»12.
L’évolution des relations entre la réécriture médiévale, surtout des
mises en prose, et l’histoire confirme l’existence de deux ordres distincts:
celui de la littérature et celui de la vie. Les tentatives entreprises de passer
de l’un à l’autre montent en épingle leur incompatibilité foncière. Le vœu
de Vivien de la chanson d’Aliscans de ne pas reculer d’une longueur de lance
devant l’ennemi et sa mort héroïque suite à la fidélité à la parole donnée
manifestent la grandeur et suscitent de l’admiration du public assistant à la
performance épique. L’aventure du roi d’Angleterre Henri V qui a dépassé
la localité dans laquelle on lui avait préparé son quartier et qui devait passer la nuit au bord du chemin à cause du même vœu ne peut inspirer que
le rire.
Il convient de s’interroger sur l’origine de cette incompatibilité fondamentale entre le monde des romans et les chansons de geste et la réalité. Le passage de l’un à l’autre transforme la mise en vie des œuvres littéraires en leur caricature. Comme il en était question, la littérature médiévale est tournée vers le passé lointain et imprécis. Un tel cadre temporel
mythifié communique sa nature aux personnages qui deviennent des incarnations des valeurs que la diégèse immuable ne remet jamais en cause.
Mais, suite à l’efficacité pragmatique des œuvres due à la vraisemblance,
la représentation devient un leurre pour la chevalerie bourguignonne
frustrée.
Or, le présent dans lequel se meuvent les vrais guerriers est changeant,
ambigu, polyvalent, bigarré et soumis à l’incessante évolution. Le fonctionnement du représentant de la noblesse dans cette réalité, construite selon
11
12
J. H u i z i n g a : Jesieñ œredniowiecza..., p. 119.
J. R y c h n e r : La littérature..., p. 19.
De la mise en prose à la mise en vie...
19
plusieurs paramètres, parfois contradictoires, interdit l’adoption de la pose
immobile, hiératique, propre aux héros des narrations médiévales. Mais l’erreur des chevaliers bourguignons convaincus d’une possibilité de reconstituer
l’âge d’or qui n’avait jamais existé n’est point improductive. Leurs attitudes
excessives récupérées par... la littérature. Ce sont elles qui ont frayé le chemin au Chevalier à la Triste Figure.
2*
Witold Konstanty Pietrzak
Université de £ódŸ
L’inuentio ou réécriture de l’histoire
dans les nouvelles exemplaires en France
pendant les guerres de religion
Selon le critère du dénouement de l’action et la tonalité du récit, l’histoire
tragique apparaît en France très tôt, dès le Moyen Âge, et se trouve
représentée aussi dans quelques recueils de nouvelles du XVIe, voire du XVe
siècle1. Or la dénomination elle-même, «histoire tragique», s’implante dans
la langue et la littérature françaises assez tardivement, en 1559, avec le
titre du livre de Pierre Boaistuau2. Elle sera généralisée par le continuateur
de Boaistuau, François de Belleforest dont les recueils de nouvelles atteindront une popularité semblable à celle des romans chevaleresques. Désormais, les écrivains auront souvent recours à la formule «histoire tragique»,
et ce dans des genres diversifiés comme l’épopée, l’historiographie ou le martyrologe3.
1
Pour se limiter au genre narratif bref, on peut citer certains lais de Marie de France
ou le beau conte courtois du XIII e siècle, La Châtelaine de Vergy. Au XVe siècle, il y a
quelques récits de ce genre dans les Cent nouvelles nouvelles bourguignonnes. Pour le XVIe
siècle il suffit de citer le chef d’œuvre de Marguerite de Navarre, l’Heptaméron. Si l’on
fait abstraction du critère de la tonalité du récit pour ne garder que celui du dénouement,
on pourra encore trouver des histoires tragiques dans le Violier des histoires romaines
ou le Grand Parangon des nouvelles de Nicolas de Troyes.
2
P. B o a i s t u a u : Histoires tragiques. Paris, Sertenas, 1559 ; édition critique
R.A. C a r r. Paris, Honoré Champion, 1979.
3
Pour l’épopée on gardera l’exemple le plus célèbre, celui des Tragiques d’Agrippa d’Aubigné. Quant aux autres genres, l’expression apparaît entre autres dans la Cosmographie universelle de Belleforest et dans l’Histoire des martyrs de Jean Crespin.
L’inuentio ou réécriture de l’histoire...
21
L’histoire tragique, modèle par excellence de la nouvelle exemplaire, est
un descendant bigarré du récit facétieux. Or, loin d’être un phénomène marginal, elle intéresse beaucoup la critique littéraire et l’histoire des idées. La
raison de cet intérêt vient du succès commercial que ce genre a connu en
France à l’époque des guerres de religion. Récemment les commentateurs
ont admis qu’il faut voir dans cette réussite l’effet d’une certaine «politique
des genres», dirigée de concert par les libraires et les écrivains 4. Sans contester cette perspective critique, je pense que la facilité avec laquelle l’expression « histoire tragique» s’est assimilée aux habitudes de langue témoigne
d’un changement plus profond qui s’est opéré, au début, dans l’esprit des conteurs et qui a en particulier affecté la nature du sujet, ou argument narratif. Dans la présente communication je voudrais donc réfléchir aux facteurs
qui ont causé ce changement.
L’histoire tragique et l’art de l’éloquence
Les critiques ont déjà souligné quelques liens entre l’histoire tragique et
l’art de l’éloquence5. Usage de topoï rhétoriques et d’exemples illustratifs,
recours à des procédés ekphrastiques et à la fonction émotive, tous ces
éléments ont été bien aperçus. On n’a toutefois pas suffisamment insisté sur
deux autres affinités entre le récit bref et la rhétorique.
Au début du De Inuentione le jeune Cicéron présente en termes généraux
l’objet de son traité et, conformément à une tradition que déjà il connaît bien,
il en fait un éloge. Dans un développement où l’èthos de l’orateur, soucieux
du bien des concitoyens et de celui de la République, occupe une place importante, Cicéron qualifie la rhétorique de grave (grauis) et agréable (suauis)6, couple d’adjectifs qui sans cesse reviendra chez lui pour désigner cet
art. La gravité résulte de l’objet de la rhétorique. On y soulève en effet des
questions générales (questiones infinitae) qui intéressent le gouvernement
de l’État et des questions particulières (questiones finitae) qui concernent les
litiges entre les individus, les unes et les autres impliquant la justice et
l’urbanité. Ainsi, par la nature des problèmes qu’elle aborde, la rhétorique
M. S i m o n i n : François de Belleforest et l’« histoire tragique » en France au XVIe
siècle. [Thèse d’État]. Créteil, 1985 ; Th. P e c h : Conter le crime. Droit et littérature sous
la Contre-Réforme : Les histoires tragiques (1559—1644). Paris, Honoré Champion, 2000.
5
Aux deux monographies signalées dans la note précédente on peut ajouter mon
étude, Le Tragique dans les nouvelles exemplaires en France au XVI e siècle. £ódŸ, Wydawnictwo Uniwersytetu £ódzkiego, 2006.
6
Cicéron : De Inu., I, 3.
4
22
Witold Konstanty Pietrzak
se trouve-t-elle intimement liée à la politique dont on sait combien elle était
prisée par Cicéron. D’autre part, les agréments de la rhétorique renvoient
à la composition du discours oratoire et à son style; en l’occurrence, puisque
l’ennui de l’auditoire est le plus grand ennemi de la persuasion, le principe
fondamental exige que, dans le choix des arguments, on recherche la variété7.
En ce qui concerne les auteurs d’histoires tragiques du XVIe siècle, les
deux qualificatifs cicéroniens semblent tout aussi importants. Ces histoires
seront certes belles, agréables à lire, plaisantes à l’esprit; la variété présidera
à la sélection des thèmes de nouvelles, dans lesquels on verra des arguments
persuasifs de nature narrative. Or, dira-t-on, cette préoccupation esthétique
était déjà commune à la nouvelle facétieuse des périodes précédentes. Cela
est vrai. Mais les écrivains de l’époque envisagée rattachent la beauté des
récits à un projet moral qui auparavant était inconnu. Ils reprennent à ce
titre un poncif de la nouvelle comique, ils veulent instruire et enseigner 8.
Cependant, au lieu de simplement répéter des formules conventionnelles
dénuées de signification réelle, ils optent pour le sérieux dont l’authenticité
s’inscrit dans leur èthos de conteurs. Si les mots qu’ils emploient restent souvent les mêmes qu’autrefois, leur teneur change de fond en comble. Cette
altérité de l’intention est visible non seulement dans le choix de sujets, nos
humanistes s’empressant de nous dire la beauté morale des choses représentées
que sont les malheurs humains. Elle se manifeste aussi, et surtout, dans les
formules paratextuelles amplifiées à loisir, le ton soutenu de la narration et
le commentaire auctorial, discret ou prolixe selon les cas. C’est là que nous
retrouvons la gravité du discours revendiquée par Cicéron.
L’autre emprunt du récit bref à la rhétorique que je voudrais mettre en
relief touche la nature de l’inuentio. Pour les rhéteurs anciens, cette partie
de l’art oratoire consiste à rechercher les sujets dans la vie, la mémoire ou dans
les lieux. C’est ce que signifie le terme même d’inuentio: action de découvrir,
de trouver9. Ainsi définie, la rhétorique est une discipline soumise aux
7
«Par ailleurs il faudra varier avec grand soin le discours. En effet, dans tous les
domaines, l’uniformité engendre la satiété. Nous obtiendrons de la variété, si nous
n’abordons pas les argumentations toujours de la même manière. Etc.» (Cicéron : De Inu.,
trad. et éd. G. A c h a r d. Paris, Les Belles Lettres, 2002, I, 76, p. 118). La variété doit
également caractériser la narration en tant que partie du discours ; ainsi, la narration
centrée sur le personnage « doit avoir beaucoup d’agrément, grâce à la variété des événements ; à la diversité des sentiments : sérieux, douceur, espoir, crainte, désir, dissimulation, hésitation, compassion ; aux changements de fortune : malheurs inattendus, joies
soudaines, heureux dénouement » (ibidem, I, 27, pp. 83—84).
8
K. K a s p r z y k: Nicolas de Troyes et le genre narratif en France au XVIe siècle. Warszawa—Paris, PWN—Klincksieck, 1963.
9
D’ailleurs, l’inuentio est une traduction littérale du terme technique grec, eýñåóéò ;
celui-ci va donner en français moderne « heuristique » qui suggère bien mieux que l’équivalent du mot latin, « invention », l’essence de cette partie de la rhétorique.
L’inuentio ou réécriture de l’histoire...
23
besoins des affaires publiques et privées qui, elles, fournissent la substance
à traiter. De cette manière, se trouvent bannies de son champ les fictions
poétiques, produits de l’imagination créatrice. Mais la rhétorique est en même
temps très de proche de l’historiographie, chargée elle aussi de recueillir les
choses vraies. Cicéron a laissé à ce propos quelques remarques éparses, parfois contradictoires, qui n’en ont pas moins instauré une tradition. Décrite
en termes quasiment enthousiastes, l’histoire se présente chez lui comme
une matière que seule la rhétorique peut immortaliser10. Si Quintilien absorbe
grosso modo la leçon cicéronienne et par son autorité contribue à perpétuer
l’idée de la proximité de l’éloquence et de l’histoire11, d’autres théoriciens, tels
Denys d’Halicarnasse12 ou, plus tard, Lucien de Samosate13, n’hésitent pas
à esquisser une véritable rhétorique de l’histoire. Bref, l’absolue fidélité aux
événements devient pour longtemps le principe de l’unité entre ces deux
disciplines.
On peut observer une attitude toute pareille chez les auteurs de nouvelles
exemplaires. Déjà, les protestations de véracité qui envahissent l’espace textuel de l’Heptaméron prouvent que, selon Marguerite de Navarre, quelles
que soient les sources réelles qu’elle exploite, c’est à la vie qu’un conteur doit
demander les sujets de ses récits; et il est à présumer que, dans son cas, les
entraînements de l’imagination sont freinés aussi par son humilité de
chrétienne, consciente qu’il ne convient pas à une fidèle de rivaliser avec
10
«L’histoire enfin, témoin des siècles, flambeau de la vérité, âme du souvenir, école
de la vie, interprète du passé, quelle voix, sinon celle de l’orateur, peut la rendre immortelle » (Cicéron : De orat., II, 36, p. 34). Cf. ibidem, II, 51—64. Mais dans l’Orator
(XX, 66) Cicéron fait bien une distinction nette entre le style de l’historien, équilibré,
et celui de l’orateur, tumultueux.
11
S’il insiste à maintes reprises sur l’utilité de l’histoire pour le rhéteur — parce
qu’elle confère à l’homme une autorité certaine, parce qu’elle lui offre une source
d’exemples pleins d’érudition, etc. — Quintilien compare cette discipline à la poésie, en
différenciant ainsi l’histoire dont le but est de raconter, et la rhétorique qui sert à prouver (Inst. Orat., X, 1, 31).
12
La réception à la Renaissance de Denys d’Halicarnasse rhéteur et théoricien de
l’historiographie est encore mal connue. On sait que quelques parties de ses œuvres critiques furent publiées en 1554 à Paris chez Charles Estienne (H. E s t i e n n e : Conformité du langage françois avec le grec. Éd. et introduction L. F e u g è r e. Paris, Jules de
Lalain, 1853, p. LIX), alors qu’en 1556 chez Robert Estienne, est publié un curieux volume Dionysii Halicarnassei nonnulla opuscula. Ce petit ouvrage contient entre autres
la première traduction latine (faite par l’humaniste polonais Stanis³aw I³owski) de
l’Epître à G. Pompeius, intitulée Dionysii Halicarnassei excellentissimorum historicorum
comparatio. Quelle était au XVIe siècle la diffusion de ce livre, édité par un imprimeur
célèbre ? Y avait-il d’autres traductions de traités de Denys à cette époque ? — ce sont
là des questions qui méritent une recherche à part.
13
Sur la conception de l’histoire chez ce rhéteur, voir W.K. P i e t r z a k : Théorie de
l’historia, source de la nouvelle française du XVIe siècle . « Renaissance, Humanisme,
Réforme » 2005, n° 61, décembre, pp. 41—42.
24
Witold Konstanty Pietrzak
Dieu dans l’œuvre de la Création, quand bien même il ne s’agirait que de
la création de mondes imaginaires. Les écrivains de la génération qui succède
à la reine sont encore plus explicites sur le point qui nous intéresse ici. Ils
emploient les termes rhétoriques «invention» et «inventer» pour désigner
le fait de rechercher les sujets de leurs récits14. À ce témoignage lexical
s’ajoutent quelques phénomènes beaucoup plus révélateurs: la substitution,
dans les titres de recueils, du mot «histoire » aux termes génériques utilisés
naguère par les auteurs de facéties (conte, nouvelle, devis, etc.)15 ; puis, l’insistance, aussi obsédante que chez la sœur de François Ier, sur la véracité des
arguments narratifs; enfin, l’affirmation maintes fois réitérée que l’Histoire
est la source principale des sujets16.
Intentions sérieuses, matières graves, histoires délectables, ce sont donc
là des éléments de théorie littéraire qu’au premier abord on serait tenté de
prendre pour stéréotypés en les rattachant à la poétique du discours exemplaire religieux, mais qui sont en réalité plus redevables à la rhétorique. Plusieurs preuves viennent à l’appui de cette hypothèse.
L’influence du poème tragique
La Renaissance est la période au cours de laquelle les humanistes français
découvrent le poème tragique de l’Antiquité. Cette découverte se fait progressivement. D’abord, les propos théoriques d’Ælie Donat et de Diomède qui,
au Moyen Âge, accompagnaient les éditions de Térence et qu’on imprime toujours au XVIe siècle, montrent en grandes lignes les différences entre la
tragédie et la comédie. Puis, viennent les textes dramatiques, souvent uti14
François de Belleforest écrit à propos des Italiens et des Espagnols : « [...] je leur
accorde franchement [...] qu’en l’invention ils nous ont jadis devancez de quelque chose.
Mais il faut imputer ce vice à la rudesse des siecles passez : veu que le chemin se deffriche si bien entre nous, que je m’atten, qu’en inventant, et disposant les matieres, et
les paroles, nous ne cederons [...] ny aux presens, ny aux passez » (Continuation des histoires tragiques. Paris, Gilles Robinot, 1559, Epître, f° iii v° ; je souligne) ; en évoquant
les adaptations françaises de Bandello, Jacques Y v e r entend favoriser la Muse nationale ; « nous ne sommes point, dit-il, plus stériles en belles inventions, que les étrangers »
(Le Printemps. Éd. P.-L. J a c o b. Paris, Desrez, 1841 ; Genève, Slatkine Reprints, 1970,
« Au favorable et bienveillant lecteur », p. 520 ; je souligne).
15
À part le recueil de Boaistuau cité ci-dessus, note 2, on peut rappeler ceux de Bénigne Poissenot, Nouvelles histoires tragiques et de Vérité Habanc, Nouvelles histoires tant
tragiques que comiques, à quoi s’ajoutent tous les tomes de récits de Belleforest.
16
Les critiques n’ont pas manqué de le souligner ; voir à ce propos une synthèse dans
W.K. P i e t r z a k : Le Tragique dans les nouvelles exemplaires..., pp. 50—62.
L’inuentio ou réécriture de l’histoire...
25
lisés par les auteurs de spectacles didactiques représentés dans les collèges:
ce sont tantôt des tragédies religieuses néolatines, tantôt des traductions en
latin de tragiques grecs. Au début des années 1540, Jacques Peletier du Mans
traduit, ou plutôt adapte en français l’Epître aux Pisons d’Horace et Du Bellay, dans une consigne terriblement abstraite, invite les futurs dramaturges
à imiter les anciens. La deuxième moitié du siècle verra donc la naissance de
la tragédie régulière et de nombreuses imitations de Sénèque, mais aussi la
publication de La Poétique de Jules-César Scaliger, accueillant la doctrine
esthétique d’Aristote, et le fameux Art de la tragédie de Jean de La Taille.
Ce rapide aperçu historique littéraire permet de rappeler que, en temps
des guerres religieuses en France, l’idée de la tragédie s’implanta petit à petit
dans la conscience des humanistes. Les auteurs de nouvelles exemplaires
voient une chance pour eux dans cette expansion du savoir sur le poème tragique. Car le genre bref qu’ils pratiquent se nomme bien histoires tragiques et, puisque les anciens ne l’avaient pas codifié, lui refusant ainsi la
dignité d’un genre noble, l’opportunité se présente de changer cette situation
défavorable. C’est ainsi que s’ouvre un autre chapitre de parasitisme de la
nouvelle, à savoir les emprunts à la tragédie, promettant quelques lettres de
noblesse17.
Parmi ces emprunts, il y en a un qui mérite aujourd’hui notre attention:
c’est le statut de l’argument tragique qui touche, encore une fois, le problème
de l’invention rhétorique. Les Latins considéraient que le sujet de la tragédie
devrait être fabuleux, c’est-à-dire inventé et fantastique ; ils l’opposaient
à celui de la comédie — vraisemblable, et à celui de l’histoire — vrai. Cette
conviction qui remonte à Cicéron est toujours présente chez certains théoriciens du théâtre au XVIe siècle. Mais l’on peut relever à la même époque une
autre idée à ce propos, contradictoire avec la précédente: que le sujet de la
tragédie devrait être, sinon vrai, du moins vraisemblable. Les humanistes qui
formulent cet impératif s’inspirent d’Aristote. Le Stagirite conseillait en effet d’emprunter le sujet tragique à l’Histoire mais, voulant que ce sujet fût
connu des spectateurs, il pensait à l’Histoire fabuleuse, à l’Histoire mythologique; voilà qui explique l’interprétation, signalée plus haut, qu’en ont fait
les Latins. Pendant les guerres de religion l’insistance sur la véracité du sujet
de la tragédie acquiert un sens politique et polémique; dans le cas de drames
bibliques, elle revêt en plus une signification religieuse.
Les auteurs de nouvelles exemplaires vont saluer ces coïncidences avec
acquiescement. La rhétorique les poussait dans les bras de l’Histoire, la
tragédie ne fait rien d’autre que cela. Le travail de réécriture de récits dont
ils respectent la lettre historique leur permet en même de faire ressortir une
17
Les critiques insistent sur ce désir d’anoblissement que l’on peut observer avant
tout chez Belleforest. Voir par exemple Th. P e c h : Conter le crime..., pp. 69—70.
26
Witold Konstanty Pietrzak
vérité morale, savoir la persistance du péché, la corruption de l’âme, la crise
de l’individu en proie à une fortune capricieuse. Et à cette vérité humaine
ils vont en superposer une autre, une vérité métaphysique. Projeté dans une
temporalité que marque l’éternel retour, où les événements du passé constituent autant de miroirs de faits présents en dévoilant ainsi leur caractère
cyclique, l’homme déchu de la Renaissance s’attend à tout instant au terrible
châtiment de Dieu, d’un Dieu juste et sévère, vengeur intransigeant des
crimes perpétrés par la race d’Adam. Parfois, ce châtiment tarde à venir, car
il peut frapper, par exemple, le fils d’un père damné ; mais il arrive aussi
qu’il ne vient pas du tout, et alors la crainte, infernale en soi, débouche sur
la folie et le désespoir, car la conscience de savoir qu’on existe dans un monde
sans Dieu est encore plus insupportable que la punition elle-même18.
L’effet du soi-disant nationalisme
Marguerite de Navarre prétend vouloir composer un Décaméron français.
Elle refuse de rivaliser avec Boccace sur le plan de l’élocution, mais en même
temps elle éprouve le besoin d’offrir au public un ouvrage en langue maternelle. Un peu plus tôt, dans les années 1530, on assiste à une floraison de
recueils de nouvelles plutôt modestes qui semblent répondre aux attentes
d’un public moins exigeant; pour la plupart, ce sont des traductions ou adaptations d’auteurs italiens19. Par conséquent, quand Du Bellay publie son
manifeste littéraire, en 1549, le désir d’illustration de la langue française et
de lecture de monuments tant soit peu illustres, est déjà dans l’air. Avec pour
fond un anti-italianisme suspect par endroits20, la deuxième moitié du siècle
apporte un renforcement de cette double tendance. Bien sûr, on peut l’observer aussi dans nos histoires tragiques. Leurs auteurs soulèvent deux
aspects du phénomène : d’un côté, ils entendent proposer à la jeunesse de
France des pièces d’éloquence toutes faites, ce qui ne m’intéresse pas dans
cette communication21 ; d’un autre côté, ils sont obligés de résoudre le
Voir W.K. P i e t r z a k : Le Tragique dans les nouvelles exemplaires..., pp. 167—172.
G.-A. P é r o u s e : Nouvelles françaises du XVIe siècle. Images de la vie du temps.
Genève, Droz, 1977, pp. 69—81 et 100—105.
20
Sur l’anti-italianisme qui traverse la France du XVIe siècle, voir L. S o z z i : La
polémique anti-italienne en France au XVIe siècle. In : Atti della Accademia delle Scienze
di Torino. Vol. 106, fasc. 1, 1972, pp. 99—190 ; sur les soupçons qu’éveille le « nationalisme » de Belleforest, voir M. S i m o n i n : François de Belleforest..., Vol. 1, pp. 322—324.
21
On peut juste signaler que c’était là une ambition de Belleforest. Mais Jacques
Y v e r remarque avec un brin d’ironie « ceux qui n’en peuvent orner leur langue, en ornent
à tout le moins leurs mains par contenance » (Le Printemps..., p. 520).
18
19
L’inuentio ou réécriture de l’histoire...
27
problème des sources potentielles de leurs récits. Il faut d’abord dire que le
climat politique et moral a bien changé au pays des Gaulois. Il va de soi que,
quand des compatriotes meurent près de chez soi, dans les rues et dans les
églises, en sacrifiant leur vie à la foi, il ne convient pas d’écrire des facéties
pour faire rire. On se tourne donc spontanément vers des sujets graves, les
seuls dont la tonalité réponde à l’ambiance du moment. La question se pose
alors de savoir où trouver ce genre de sujets. La version, toujours conseillée
par les théoriciens22, demeure une démarche favorite de quelques écrivains,
surtout quand ils savent qu’on peut la traiter avec souplesse, en évitant l’absolue fidélité à la lettre du modèle; c’est de cette manière précisément que
Boaistuau pratique la traduction des Novelle de Bandello. Certains, comme
Jacques Yver ou Vérité Habanc, vont forger des fictions. D’autres, tels Belleforest ou Poissenot, qui ne s’accommodent pas de cette solution, choisissent
une autre voie. Le premier, pendant des années, adapte patiemment les
récits de Bandello. Mais la fontaine tragique finit par tarir, et alors le genre
bref aurait pu se rappeler son antécédent facétieux. Il était naturel, autrefois, de chercher autour de soi d’amusants petits faits divers pour en faire
des nouvelles à rire23. Théoriquement, on pouvait aussi demander à la vie
quotidienne de l’époque bien des cas déplorables dont on pût faire une nouvelle tragique. Cependant, paradoxalement, rien de tel, ou peu s’en faut. Sur
les presque cent trente récits brefs de Belleforest, il n’y en a même pas dix
qui se déroulent au théâtre de la France contemporaine, les autres étant tirés
de livres plus ou moins anciens. Les proportions sont un peu différentes chez
Poissenot: sur les six histoires du recueil, trois se sont passées assez récemment dans l’entourage de l’auteur, mais les autres sont encore des adaptations
de sources écrites24.
22
En dépit de l’avis, nécessairement partial, de Du Bellay dans le chapitre V de La
Deffence et illustration (« Que les Traductions ne sont suffisantes pour donner perfection
à la Langue Françoyse »), qui au reste critique les tentatives du traducteur dans le domaine de l’élocution, mais admet qu’on puisse traduire l’« invention » des Grecs et Latins, les humanistes de la Renaissance sont en général favorables à la traduction. Voir
par exemple : « Et vraiment celui et son œuvre méritent grande louange, qui a pu proprement et naïvement exprimer en son langage, ce qu’un autre avait mieux écrit au
sien ». Th. S é b i l l e t : Art poétique français. In : Traités de poétique et de rhétorique de
la Renaissance. Éd. F. G o y e t : Paris, Larousse, coll. « Le Livre de Poche », 1990, p. 140.
Voir aussi l’opinion semblable de J. P e l e t i e r : Art poétique. In : Traités de poétique...,
pp. 243—246.
23
Le cas de Philippe de Vigneulles semble très caractéristique de cette attitude. Il
écrivait, en effet une chronique de sa ville natale, Metz ; et, dans cette chronique, il parlait d’événements tristes et joyeux. En rédigeant à la même période un recueil de récits
brefs, les Cent nouvelles nouvelles, il décida à plusieurs reprises d’y adapter la matière
de ses chroniques. Chose curieuse, son choix s’arrêta toujours aux anecdotes facétieuses.
24
Poissenot prétend avoir entendu raconter les histoires n° IV et V; le dernier récit
du recueil, mélange de souvenirs personnels et d’on-dit, est consacré à George Pellete-
28
Witold Konstanty Pietrzak
En essayant de défendre Belleforest contre ceux qui lui reprochent
d’avoir négligé la «matière nationale», Poissenot affirme que, si seulement
il l’eût voulu, son devancier eût pu composer une infinité de «beaux faits Tragiques qui de son temps ont esté veus en divers endroits de nostre France»25 ;
il eût pu, mais son choix fut autre. Ce prétendu «choix» peut s’expliquer par
une certaine gêne que Belleforest éprouve devant la possibilité de mettre à
profit les malheurs de ses confrères, comme si tel projet était moralement
malséant. Par ailleurs, on sait combien le Commingeois fut attaché, sa vie
durant, à l’écriture d’ouvrages historiques sérieux 26 qui en même temps
pouvaient aisément alimenter sa veine de nouvelliste. Dans la deuxième
moitié du XVIe siècle, la réécriture de l’histoire, ou plutôt des histoires, s’est
ainsi parfaitement bien intégrée à la conception du genre narratif bref.
*
*
*
Les malheurs du temps des guerres religieuses, faut-il les placer aussi
parmi les facteurs qui ont modifié la mentalité des écrivains à la Renaissance? La période des troubles civils laisse en effet, dans l’expérience des individus, une plaie profonde. L’insécurité, les crises économiques, les drames
personnels, tout cela fait que l’on appréhende la vie en termes d’une histoire
tragique. Plus que jamais, on éprouve maintenant le besoin de réfléchir à
l’actualité politique et sociale et de la situer dans le flux des événements
humains advenus depuis des siècles. Cela conduit forcément à repenser l’Histoire, et ce n’est pas un hasard si l’Histoire comme discipline scientifique fait
d’énormes progrès précisément dans la deuxième moitié du XVIe siècle27.
Quoi qu’il en soit, la réécriture de l’histoire devient à cette époque une manière propre au genre narratif bref, et ce, au moins pour trois raisons qui
viennent d’être explicitées dans la présente communication: absorption des
idées sur la nature de l’inuentio classique, emprunt à la théorie renaissante
de la tragédie et pratique littéraire de deux écrivains. S’il est vrai que la production de François de Rosset, quelques dizaines d’années plus tard, rompt
ret, maître à penser de l’auteur. Or les proportions seraient plus désavantageuses si l’on
prenait en compte les histoires de L’Esté, toutes les neuf adaptées des sources antiques
ou médiévales.
25
B. P o i s s e n o t : Nouvelles histoires tragiques. Éd. J.-Cl. A r n o u l d, R.A. C a r r.
Genève, Droz, 1996, « Prologue de l’Auteur », p. 53.
26
Qu’il suffise de rappeler ici quelques titres : L’Histoire des neuf roys Charles de
France (1568), L’Histoire universelle du monde (1570), Les Chroniques et annales de
France (1572), La Cosmographie universelle (1575).
27
Voir Cl.-G. D u b o i s : La Conception de l’Histoire en France au XVIe siècle (1560—
1610). Paris, Nizet, 1977 ; Ph. D e s a n : Penser l’histoire à la Renaissance. Caen, Paradigme, 1993.
L’inuentio ou réécriture de l’histoire...
29
en grande partie avec cette manière afin de chercher l’inspiration dans les
faits divers, il convient de supposer en même temps que l’intérêt pour l’Histoire mise à la disposition d’un vaste public, telle que l’ont conçue Belleforest et Poissenot, est un prélude à la vogue d’un autre phénomène qu’on
pourrait appeler l’« historiographie galante». Mais ce sera déjà le siècle des
Mézeray, des Varillas et des Saint-Réal.
Andrzej Rabsztyn
Université de Silésie, Katowice
Le roman épistolaire français
dans la littérature des Lumières en Pologne
Bien que la place du roman français dans la vie littéraire des Lumières
en Pologne ait déjà donné matière à de nombreux débats et études, la richesse d’un thème aussi profond que la «réécriture» nous invite aujourd’hui
à réviser le dialogue qui s’établit à l’époque, entre ces deux cultures littéraires distinctes et géographiquement distantes.
«Imitation»: telle était l’étiquette collée aux écrits romanesques de Krajewski, Kropiñski ou Bernartowicz — auteurs s’inspirant de textes étrangers,
notamment français, dans la langue polonaise. Néanmoins l’étude des rapports intertextuels ne se borne pas à un simple constat d’«imitation»: elle
demande à être poussée plus loin.
Notre interrogation sur le rapport entre les romans polonais et français
commence par l’œuvre la plus paradoxale, à savoir Pani Podczaszyna (Madame l’Echanson) de l’abbé Micha³ Dymitr Krajewski, qui date de 1786 et
constitue, selon l’auteur, le deuxième tome de son roman Wojciech Zdarzyñski. K. Wojciechowski a certainement raison d’écrire que Pani Podczaszyna
est le premier roman polonais qui se soit inspiré du modèle français. L’auteur polonais imite incontestablement Rousseau au niveau thématique et
structurel en divisant son roman en deux parties: «érotique», où l’amour se
confond avec le désespoir, et « didactique », où il y a des exemples dignes
d’être suivis. L’abbé Krajewski emprunte à Rousseau la trame et les principaux traits de caractère de l’héroïne. Cette dernière doit épouser l’homme
choisi par sa mère (dans La Nouvelle Héloïse par le père), et non celui qu’elle
aime. Après le mariage, elle l’aime toujours, mais elle jure de rester fidèle
à son mari. Dans son roman, Krajewski reprend les modèles « d’économie
Le roman épistolaire français...
31
ménagère» de Julie, quelques-unes de ses opinions concernant l’éducation
des enfants. Bien que le roman soit fondé sur une histoire analogue, l’épilogue est différent: devenue veuve, l’héroïne meurt, tiraillée par le dilemme
entre l’amour et le sentiment du devoir à l’égard de ses enfants. Juste avant
sa mort elle demande à son amant d’épouser sa fille1.
Paradoxalement, à la thèse de la « première imitation » de la Nouvelle
Héloïse en Pologne, se juxtapose la thèse d’une «Anti-Héloïse», d’après Szyjkowski. C’est une «Héloïse» polonaise, telle que l’époque des Lumières en
Pologne était alors capable de lancer. En effet, par fragments seulement, c’est
un roman sentimental, sans aucune ambivalence amoureuse où les éléments
discursifs et moraux l’emportent sur la trame romanesque. En ce qui concerne la forme du roman, la voix du narrateur homodiégétique, Wojciech Zdarzyñski — le frère de l’héroïne, se substitue aux lettres des amants et des
amis2. Cette forme nous semble le point essentiel différenciant le roman polonais du roman français quoique la «réécriture» admette la transformation
des genres, d’autant plus qu’il s’agit d’un changement subtil de roman épistolaire en histoire d’une vie.
La question qui se pose est de savoir s’il est légitime d’opposer à la thèse
de l’« imitation » la thèse de la « teinture » — notion empruntée à Henri
Coulet qui nous paraît moins radicale que la thèse d’«Anti-Héloïse». Le travail de Krajewski illustre en partie celui d’un «teinturier» qui, selon Coulet,
« transpose dans un autre style, parfois dans un autre genre, l’œuvre d’un
autre parce qu’elle est mal écrite, maladroite, ou démodée, ou datant d’une
époque ancienne dont la langue n’est plus facilement lisible»3. Même si le
succès de la Nouvelle Héloïse fut énorme et que la barrière linguistique n’existait pas chez les lecteurs polonais, il est à noter que Krajewski s’efforça de
rédiger une œuvre meilleure. Ses propos permettent de défendre cette thèse
quelque audacieuse et douteuse qu’elle paraisse. En affirmant répondre à la
demande des Lumières, le romancier polonais a désiré créer une héroïne
capable de ne pas céder à la passion.
J’ai entrepris, écrit le frère de l’héroïne, de décrire la vie entière de Madame l’Echanson, car en n’y voyant ni la faiblesse de Julie, ni la détresse
de Clarisse, mais les vertus réunies de ces deux dernières, le projet de commencer le récit par son enfance ne me semble pas mauvais4.
1
Voir K. W o j c i e c h o w s k i : Pierwsze naœladownictwo „Nowej Heloizy” w romansie polskim. Kraków, Drukarnia Uniwersytetu Jagielloñskiego, 1908.
2
Voir Z. S i n k o : Powieœæ zachodnioeuropejska w kulturze literackiej polskiego oœwiecenia. Wroc³aw—Warszawa—Kraków, Ossolineum, PAN, 1968, p. 187.
3
H. C o u l e t : Teintures et amplificateurs. In : Réécritures 1700—1820. Eds.
M. C o o k, M.-E. P l a g n o l - D i é v a l. Bern, Peter Lang AG, European Academic Publishers, 2002, p. 13.
4
M.D. K r a j e w s k i : Pani Podczaszyna. Warszawa 1786, pp. 1—2.
32
Andrzej Rabsztyn
L’auteur polonais prétend, en récrivant, avoir essayé d’améliorer
l’œuvre de Rousseau. Il a décidé d’éliminer notamment la faiblesse de Julie,
un des défauts qui faisaient de l’original une œuvre qui ne répondait pas à
la demande des Lumières en Pologne, trop longue et peu utile aux lecteurs
censés profiter de ses leçons morales. En effet, la Nouvelle Héloïse, lue dans
le texte, a laissé un profond impact dans la conscience des Polonais et a suscité des opinions contradictoires. Comme l’écrit Zofia Sinko:
«En ce qui concerne les opinions officielles, bien des gens considéraient
ce roman comme nuisible parce que le rôle et l’importance de la passion
amoureuse dans la vie de l’homme y étaient par trop exposés, que sa morale
s’écartaient de la convention et que les convictions religieuses de Julie,
présentées dans les dernières parties du livre y étaient nettement non orthodoxes»5.
La méfiance de l’abbé Krajewski à l’égard du roman de Rousseau se
manifeste également dans son roman précité Wojciech Zdarzyñski, par «des
allusions renfermant une bonne dose de critique et d’ironie envers l’Héloïse,
lecture des dames et des adolescents exaltés qui vivent les “ardeurs de
l’amour” copiées sur les sentiments de Saint-Preux»6.
À la lumière des précisions ci-dessus, il nous semble légitime de croire
que l’auteur polonais considérait la Nouvelle Héloïse comme une œuvre
digne d’être réécrite, mais légèrement impie, voilà pourquoi il a décidé de la
« colorer», de la «teindre». Krajewski était conscient du collationnement de
son roman avec La Nouvelle Héloïse et des risques qu’une telle comparaison
peut lui procurer. Il s’attendait aussi à ce que la lecture de son roman jette
désormais une lumière différente sur le roman de Rousseau parmi les lecteurs polonais. C’est pourquoi, en résumant à l’essentiel La Nouvelle Héloïse,
il a orienté l’attention des lecteurs vers ce qui constitue l’atout de Madame
Podczaszyna et en même temps le point faible de Julie, à savoir la question
de la résistance à la passion. Pour y parvenir, Krajewski a également renoncé
à la forme épistolaire du roman. Son choix a été sans doute dicté par une logique de composition, car, comme nous l’avons déjà mentionné, Pani Podczaszyna est le second tome de Wojciech Zdarzyñski où le héros éponyme
présente l’histoire de sa vie. Sachant que la lettre permet au scripteur de
donner libre cours à son émotion et que son écriture déclenche une effervescence de sens, il a dépourvu l’héroïne éponyme de la possibilité de s’exprimer librement, il a refusé la voix à son amant ; en revanche, il a chargé le
5
Z. S i n k o : Le roman occidental dans la conscience littéraire de la Pologne des Lumières. In : La Littérature des Lumières en France et en Pologne. Esthétique. Terminologie. Échanges. „Acta Universitatis Wratislaviensis” n° 339. Warszawa—Wroc³aw, PWN,
1976, p. 220.
6
Ibidem.
Le roman épistolaire français...
33
frère de l’héroïne, un homme reconnu comme honnête, de raconter l’histoire de la vie de sa sœur. De cette manière, la forme de l’œuvre est conforme à sa signification. Or, le titre du roman proposé par Krajewski insistant sur l’état civil de son héroïne témoigne des intentions de l’auteur. En
renonçant à l’emploi du prénom de l’héroïne dans le titre et en lui réservant
uniquement le titre de son mari, l’auteur insiste sur une étape particulière
de la vie de son héroïne: la vie conjugale. Le titre implique une femme qui
déjà a achevé son développement, qui montre de la réflexion, de la sagesse
et lui attribue une certaine dignité.
Zofia Sinko précise que si le roman polonais de la fin du XVIIIe siècle avait
adopté notamment l’aspect du discours moralisant et éducatif de l’œuvre de
Rousseau, La Nouvelle Héloïse, elle, est devenue pour les romanciers polonais au début du XIXe siècle, un modèle de composition (lettres) et de style.
«À l’égal des Souffrances du jeune Werther, écrit-elle, l’histoire de Julie et de
Saint-Preux a formé dans la littérature polonaise des modèles d’amour passionné»7.
Les romans de Kropiñski et de Bernartowicz, ultérieurs de quelques dizaines d’années par rapport à Pani Podczaszyna de Krajewski, se rapprochent donc de La Nouvelle Héloïse non seulement par des liens thématiques mais aussi par des liens génériques : il s’agit dans les deux cas de
romans épistolaires. La liste des thèmes communs aux deux auteurs polonais
et Rousseau remplirait aisément une table des matières. La comparaison des
titres suffit d’emblée à mettre en relief le jeu d’intertextualité. Si nous envisageons l’équivalence des titres des deux romans étudiés: Julie, ou la Nouvelle Héloïse de Rousseau et Julia i Adolf de Kropiñski, nous découvrons
de suite que les deux personnages féminins des romans en question portent
le même prénom8. L’idée d’indiquer un parallèle entre les destinées des
deux héroïnes paraît très nette. La suite des titres nous montre aussi le
modèle proposé par Rousseau: Julie, ou la Nouvelle Héloïse. Lettres de deux
amans habitans d’une petite ville au pied des Alpes qu’on lit à travers le
titre polonais: Julie et Adolphe ou l’amour extraordinaire de deux amants au
Ibidem, p. 222.
Maria Jasiñska remarque que par l’inspiration de La Nouvelle Héloïse, Julie, en
tant que personnage principal du roman sentimental, intervient à plusieurs reprises :
la Julie du roman de Kropiñski, la Julie du Comte Ostroróg (Hrabia Ostroróg) et des
Tristes mémoires de Casimir malheureux de Przemycki. Jasiñska souligne que l’amour
sentimental du jeune Doœwiadczyñski est adressé à Julianne, aussi des adversaires
postérieurs du sentimentalisme, comme Skarbek dans Chwila Weso³oœci (Un instant de
gaîté) ou Kraszewski dans Cztery wesela (Quatre mariages), baptisent les héroïnes,
quoiqu’elles soient tout à fait opposées, du même prénom (M. J a s i ñ s k a : Narrator
w powieœci przedromantycznej (1776—1831). Warszawa, PIW, 1965, p. 171).
7
8
3 Quelques...
34
Andrzej Rabsztyn
bord du Dniestr. Les deux prénoms coordonnés dans le titre de Kropiñski
placent au centre de l’intérêt des lecteurs un couple dont les relations, tout
comme dans le titre de Rousseau, sont précisées par la suite : amants. Kropiñski renonce à employer un référent formel dans le titre et propose à la
place l’amour extraordinaire, un opérateur événementiel, pour reprendre la
terminologie de Léo H. Hoek9. En revanche, en précisant le lieu d’action,
«le bord du Dniestr», l’auteur polonais se sert d’un opérateur spatial. Il faut
remarquer que l’auteur polonais était, comme son «frère aîné» français, très
adepte de la vie à la campagne, en accord avec la nature. Dans les titres de
leurs romans, Kropiñski et Bernartowicz ne font pas référence à la montagne; en revanche, au fil de l’action le thème des montagnes polonaises est
considéré comme un paysage favorable à l’ambiance d’un malheur intense.
À travers l’image de la beauté sauvage des pics et des montagnes, d’un rocher nu, qui impliquent des états émotionnels, les auteurs rivalisent d’originalité. Les images du pays natal que connotent ces titres par l’évocation de
deux fleuves, Dniestr et Vistule, visent, nous semble-t-il, à sensibiliser les
lecteurs polonais, à éveiller ou maintenir un sentiment national à l’époque
où leur pays était partagé.
Les deux romans épistolaires polonais, écrits dans les années vingt du
XIXe siècle, mais appartenant au contexte littéraire européen des Lumières,
s’affrontent dès leur publication à propos du droit de priorité10. Si le titre du
roman de Kropiñski ressemble par sa structure à celui de Rousseau, c’est
néanmoins le roman de Bernartowicz, Nierozs¹dne œluby. Listy dwojga kochanków na brzegach Wis³y mieszkaj¹cych (Les vœux déraisonnables.
Lettres de deux amants habitant les bords de la Vistule) [1820], qui s’inscrit
à proprement parler dans la tradition du genre. Le langage employé par Bernartowicz dans le titre rappelle celui de Rousseau et des autres romanciers,
suivant la tendance de l’époque. Le référent formel «Lettres» est suivi de la
mention d’un opérateur actantiel et géographique. La formule employée par
Bernartowicz: «recueillies par F.B.», élimine la personne de l’auteur; le rôle
autoritaire du narrateur est voilé, bien que les initiales l’indiquent implicitement. Quant à l’auteur de Julie et Adolphe, il renonce dans le titre déjà
à la fiction d’authenticité. D’un côté, la structure du titre choisi par Kropiñski
ressemble à celle du XVIIIe siècle en France, et de l’autre elle intègre de nouvelles formes.
L.H. H o e k : La Marque du titre : dispositifs sémiotiques d’une pratique textuelle.
Paris, Monton éditeur, 1980, p. 118.
10
Kropiñski a accusé Bernartowicz de plagiat, ce qui n’était pas légitime, même s’il
affirmait dans l’Avertissement que le manuscrit de Julie et Adolphe était passé par les
mains de l’auteur du récit intitulé Vœux déraisonnables (voir L. K r o p i ñ s k i : Autor
do Czytelnika. W: Polski romans sentymentalny. Oprac. A. W i t k o w s k a. Wroc³aw, Biblioteka Narodowa, 1971, p. 4).
9
Le roman épistolaire français...
35
Les métadiscours des préfaces d’Adolphe et Julie et des Vœux déraisonnables, présentent deux tendances différentes. L’auteur du premier, Kropiñski, assume son travail, l’auteur du second, Bernartowicz, navigue entre le
caractère authentique et dénégatif du métadiscours.
En ce qui concerne la préface de Kropiñski, elle se distingue à beaucoup
d’égards du métadiscours des romans français du XVIIIe siècle. Le roman
possède trois discours: l’Avertissement, l’Introduction et l’Épilogue. La première intervention de Kropiñski, dans l’Avertissement, permet de qualifier
ce paratexte d’auctorial assomptif et original pour reprendre la terminologie
de Genette. L’auteur s’identifie à son œuvre, avoue avoir écrit le texte qu’il
qualifie de roman en 1810. Ensuite, il justifie la publication en présentant
son objectif et les sentiments qui l’ont dirigé:
J’ai écrit ce roman en 1810, et ceci pour des raisons multiples comme,
entre autres, celle disant que les dames de l’époque trouvaient notre
langue incapable de rendre des sentiments tendres d’un amour délicat,
ce pour quoi la langue française, notamment dans la Nouvelle Héloïse,
semble avoir été créée [ ].
En présentant mon travail au public, je n’ai qu’un seul objectif, un seul
désir, que les Polonaises, ayant goûté au langage originaire, le protègent
contre une influence imposante de la langue étrangère qui forge des mœurs
étrangères, des expressions, des goûts et en définitive la conversion de la
nation [ ]11.
L’objectif de Kropiñski était de répondre à une opinion commune du
beau sexe pour qui la langue polonaise n’était pas en mesure de rendre des
sentiments tendres d’un amour délicat pour laquelle la langue française,
notamment celle de la Nouvelle Héloïse, semble avoir été créée. Par cette
œuvre, l’auteur tient également à instruire les autres en mettant en lumière
les possibilités de la langue polonaise et à mettre celle-ci en valeur. La
référence directe à la langue française et à une œuvre concrète dont la
langue excelle dans l’expression des sentiments est un grand défi. L’auteur
polonais veut rivaliser avec son maître, Rousseau, et veut éveiller dans la
société polonaise un sentiment national. L’enjeu n’est pas facile, car à l’époque
la «haute» société polonaise adopte la langue française comme sienne, elle
cherche des modèles dans les mœurs françaises. Cet objectif suprême que
se propose d’atteindre Kropiñski traduit le rejet de la prétention à l’authenticité du recueil. Dans ce paratexte, l’auteur n’explique pas non plus la
provenance des lettres. En revanche, il donne au lecteur le droit de juger la
composition et le style de son œuvre. Il précise pourtant que c’est le cœur et
non pas la raison qui doit juger les écrits du cœur. Il y a également un accent
11
3*
Ibidem, p. 3.
36
Andrzej Rabsztyn
personnel à la fin du métadiscours où Kropiñski dément avoir jamais cherché
des idées chez les autres et fait une allusion à l’auteur des Vœux déraisonnables en insinuant un plagiat.
L’identification de Kropiñski avec son roman revient dans les discours
initial et final du roman. Les deux, le prologue et l’épilogue, se situent à la
frontière du texte et du paratexte. L’intervention d’un narrateur « omniscient» dans le prologue relatant l’histoire de la famille de Julie, situe l’action
dans le temps et l’espace. Le narrateur connaît en effet l’histoire entière des
deux amants ainsi que le sens moral du recueil. Les lettres, qu’il annonce à
la fin du prologue, devraient donc relater cette histoire close. Ainsi, une fois
de plus, l’auteur renonce à la fiction d’authenticité, à la spontanéité du processus sentimental qui n’est maîtrisé par personne, et à des surprises. L’épilogue du roman, qui ne revêt plus la forme épistolaire, manifeste aussi l’intervention du narrateur qui aurait dû s’inspirer de Werther.
En ce qui concerne le métadiscours de Bernartowicz, il est aisé de distinguer des emprunts à la tradition du XVIIIe siècle. Tout d’abord, le rôle autoritaire du narrateur est très réduit dès le titre du roman. Sa structure est
également différente de celle du roman de Kropiñski. Le roman s’ouvre par
un « Avertissement » dont nous avons déjà lu la première phrase dans le
métadiscours de Rousseau ou de Crébillon fils:
Que ces lettres soient vraies, ou factices, il ne m’intéresse pas de savoir pour quoi le Lecteur les prendra, mais qu’elles le réjouissent ou l’ennuient, j’avoue que cela m’importe beaucoup, c’est pourquoi, j’ai entrepris
de dire quelques mots au début. — D’abord, j’ai l’honneur d’avertir que
je les ai recueillies pour moi-même. — Les aimables amis donnent parfois
des soucis. Quiconque veut les juger par leur style, trouvera matière à me
faire des reproches, or, je me permets de préciser que lorsque l’homme
s’exprime dans un état de bonheur ou de malheur, il oublie les règles de
la grammaire, encore plus celles du langage soigné. D’ailleurs, qu’on me
critique ! Mais si celle dont le souvenir a dirigé ma plume trouve dans ce
recueil au moins une image du passé, si elle y trouve du plaisir et de la
joie, je serai alors trop heureux de l’avoir publié12.
Le début de ce discours est en effet dénégatif: l’auteur ne se préoccupe
guère de savoir si le lecteur trouvera les lettres authentiques ou fictives. En
revanche, il tient à l’intérêt de ce recueil de lettres, il semble que la lecture
lui ait procuré un grand plaisir, c’est pourquoi, il précise qu’il les avait rassemblées pour lui-même. Ce langage rappelle celui de Rousseau qui se demandait dans la préface, en parlant de son livre : « À qui plaira-t-il donc ?
12
F. B e r n a r t o w i c z : Nierozs¹dne œluby. W: Polski romans sentymentalny...,
p. 131.
Le roman épistolaire français...
37
Peut-être à moi-seul...». Aussi Bernartowicz répond-il à l’avance aux critiques
de la part des «Aimables amis» qu’une telle œuvre pourrait susciter. Cependant, la critique littéraire à laquelle étaient soumis les écrits des auteurs polonais au début du XIXe siècle n’était pas de la même importance qu’en
France. Évidemment, les pionniers polonais de ce genre, Kropiñski et Bernartowicz, n’étaient pas en mesure de prévoir l’accueil de leurs œuvres dans
la société qui se plaisait à lire les romans étrangers en version originale.
Le succès fut pourtant immense. Les témoignages de l’époque relatent les
images de lecture collective du roman de Kropiñski qui provoquent les
larmes, même chez les hommes. Bernartowicz plaide pour le style des lettres, les fautes de grammaire ou le langage peu soigné — tout comme les
« éditeurs» français au XVIIIe siècle — il s’agit des moyens courants de la
topique d’un manuscrit authentique. Cette illusion est pourtant détruite
dans la dernière phrase du métadiscours: Bernartowicz avoue avoir écrit le
livre en souvenir d’une dame dont l’identité est minutieusement cryptée.
C’est une inconséquence de la part de l’«éditeur», un paradoxe qui, de plus,
est placé dans le même paratexte. Si l’on en croit le témoignage de Wójcicki, l’effet était décevant pour les lecteurs aptes à croire à l’existence des
personnages du roman13.
La signification des romans de Kropiñski et de Bernartowicz concorde
aussi avec leur forme épistolaire qu’ils empruntent volontiers à la tradition
des Lumières en France. Il s’agit dans les deux cas que les héros puissent
parler le langage du cœur. Les romanciers remplissent ainsi un vide dans
le domaine de « la connaissance du cœur humain » dans la littérature des
Lumières en Pologne. L’expression linguistique de la passion, sous forme de
lettres, permet aux protagonistes de rendre leur amour vrai et réel. Cependant la passion dans ces deux romans ne se réalise que par la mort des
amants et elle acquiert ainsi une dimension mystique. C’est «un amour extraordinaire » comme le précise l’un des titres de romans. De leur vie, les
amants ne connaissent le paroxysme de la passion que dans les chagrins de
l’amour.
Pour conclure il nous faut dire qu’à travers ces trois romans polonais,
différents aspects de réécriture se manifestent : d’un côté, les romanciers
polonais prétendent améliorer l’œuvre originale ou du moins être aussi
dignes d’intérêt qu’elle, tout en restant objectivement inférieurs; de l’autre,
ils sont guidés par des objectifs plus élevés. Toutes les initiatives et tentatives de réécriture du roman épistolaire français dans la littérature des Lumières en Pologne dont il est question ici, mais aussi celles qui ne constituent pas l’objet de notre analyse tiennent à la morale, se proposent de plai13
Voir T. N e k a d a [K.W. W ó j c i c k i] : Mój pamiêtnik literacki. „Dziennik Warszawski” 1853, n° 315, p. 3.
38
Andrzej Rabsztyn
der en faveur de la langue et la culture nationale, témoignant des élans patriotiques.
Les romanciers polonais affirment à leur façon que le texte sur lequel ils
s’appuient a eu du succès. Ils manifestent une relation entre leurs propres
textes et le roman de Rousseau, mais en même temps ils cherchent à ce que
leurs romans soient lus comme des œuvres qui se justifient d’elles-mêmes en
acceptant le risque que le lecteur en perde le plaisir spécifique d’une lecture
intertextuelle.
Magdalena Wandzioch
Université de Silésie, Katowice
Jules Verne sur les brisées d’Alexandre Dumas
Au seuil du roman de Jules Verne, intitulé Mathias Sandorf, le lecteur
trouve une dédicace qui vaut la peine d’être citée in extenso tant elle est significative et déterminante pour l’ouvrage en question:
À Alexandre Dumas
Je vous dédie ce livre en le dédiant aussi à la mémoire du conteur de
génie que fut Alexandre Dumas, votre père. Dans cet ouvrage, j’ai essayé
de faire de Mathias Sandorf le Monte-Cristo des VOYAGES EXTRAORDINAIRES. Je vous prie d’en accepter la dédicace comme un témoignage de
ma profonde amitié1.
Suit bien sûr la réponse d’Alexandre Dumas fils qui parle de la parenté
littéraire de deux écrivains et qui, à son tour, assure Jules Verne de l’enchantement certain qu’aurait procuré à son père l’ouvrage du dédicateur.
Il serait difficile, nous semble-t-il, de trouver une meilleure illustration
du phénomène de l’intertextualité que cette mise en évidence de la réécriture. La transposition du texte dumasien correspond parfaitement à la notion de pratique hypertextuelle forgée par G. Genette et signifiant une transposition d’un texte antérieur. Dans cette optique Mathias Sandorf est un hypertexte qui s’inscrit dans le régime sérieux et reste en relation de transposition avec Le Comte de Monte-Cristo, le texte premier, voire l’hypotexte2.
Si l’admiration vouée à Alexandre Dumas et à son roman permet à
Verne imitateur d’y trouver une source d’inspiration, un modèle à suivre et un
J. Ve r n e : Mathias Sandorf. T. 1. Paris, Librairie Hachette, 1967, cinquième page
non numérotée.
2
Cf. G. G e n e t t e : Les Palimpsestes. Paris, Éditions du Seuil, 1982, pp. 14 et 37.
1
40
Magdalena Wandzioch
aliment nécessaire à sa création littéraire, le contexte d’hommage explicite
exige également l’acceptation des normes et des limites imposées par le chefd’œuvre de la littérature populaire qu’est Le Comte de Monte-Cristo et la reconnaissance de la répétitivité et de la redondance de son propre ouvrage.
Jules Verne compte d’une manière évidente sur le plaisir tiré de la répétition d’une histoire bien connue, attirante et aimée du lectorat en dépit de
ses défauts évidents dont parle U. Eco: «Le Comte de Monte-Cristo est sans
doute l’un des romans les plus passionnants qui aient jamais été écrits, et
c’est aussi l’un des romans les plus mal écrits de tous les temps et de toutes
les littératures»3.
Toujours est-il qu’une déclaration ostentatoire de l’emprunt est indubitablement une entreprise hardie de la part de Jules Verne. Essayer d’imiter un roman qui une quarantaine d’années plus tôt a remporté un succès
rarement égalé avec ses 139 feuilletons et de rivaliser avec son célèbre
prédécesseur qui comptait parmi les romanciers le plus lus de l’époque paraît assez risqué.
C’est pourquoi il est tout à fait loisible de traiter cette glorification du
grand maître et cet aveu patent de l’écriture imitative à la fois comme une
preuve d’ambition exorbitante et d’une volonté déterminée de vanter les
mérites de son propre livre. N’oublions pas que la dédicace du roman
vernien, censé être une réécriture intégrale du Comte de Monte-Cristo, vise
non seulement le dédicataire officiel, mais également le lecteur potentiel.
Comme le dit G. Genette « la dédicace d’une œuvre relève toujours de la
démonstration, de l’ostentation, de l’exhibition: elle affiche une relation, intellectuelle ou privée, réelle ou symbolique, et cette affiche est toujours au
service de l’œuvre, comme argument de valorisation ou thème de commentaire»4.
Bien que dans la littérature populaire la répétition soit un phénomène
bien connu, l’attitude vernienne qu’on pourrait qualifier avec T. Samoyault
de comportement intertextuel euphorique5 n’est pas fréquente chez les auteurs reconnus dont la gloire a été déjà assurée par le caractère particulier
de leur œuvre. Et tel est le cas de Jules Verne considéré comme auteur de
romans « scientifiques » préparant l’avènement de la science-fiction. Il ne
faut pas oublier non plus que c’est surtout au XIXe siècle que les écrivains
se revendiquent de l’esthétique de l’originalité.
Au moment de la publication de Mathias Sandorf, en 1885, l’audace de
Jules Verne se manifeste également dans l’adaptation, à 40 ans d’écart, du
3
p. 74.
4
5
U. E c o : De Superman au Surhomme. Paris, Éditions Grasset et Fasquelle, 1993,
G. G e n e t t e : Seuils. Paris, Éditions du Seuil, 1987, p. 138.
Cf. T. S a m o y a u l t : L’intertextualité. Paris, Éditions Nathan, 2001, p. 117.
Jules Verne sur les brisées d’Alexandre Dumas
41
même propos à un public différent. Ne craignant pas l’usure thématique, il
approprie le roman dumasien aux besoins de la série des Voyages extraordinaires éditée par Jules Hetzel entre 1867 et 1910 et s’inscrivant dans un
projet plus vaste de Bibliothèque d’éducation et de récréation.
Cette appartenance du roman en question à une collection est repérable d’autant plus facilement qu’elle est indiquée par un péritexte éditorial,
les illustrations de Benett. C’est une marque, parmi d’autres, de l’inclusion
du roman vernien dans la paralittérature, ce qui explique ce ressassement
dont parle M. Nathan6 et qu’on peut observer dans Mathias Sandorf. Quoique le roman populaire cherche à instruire ou à distraire, nous avons l’impression que l’imitation du Comte de Monte-Cristo, un roman de la vengeance
différée7 s’insère difficilement dans le contexte de production littéraire visant l’éducation et mettant l’intrigue au service du message didactique.
Malgré la reproduction inlassable des mêmes thèmes, des mêmes situations et des mêmes personnages types, le lecteur le moins attentif constate
quelques modifications, plutôt désavantageuses, introduites par Jules Verne,
dont la première se voit déjà dans les intitulés respectifs. Si les deux titres,
thématiques et littéraux, pour employer la terminologie de G. Genette8, remplissent une fonction descriptive, il semble que seulement le titre du roman
d’Alexandre Dumas ajoute à celle-ci la fonction séductive et de nos jours encore la fonction d’identification.
Alexandre Dumas, inspiré par la découverte de l’île de Monte-Cristo près
de l’Italie lors de sa croisière sur la Méditerranée en 1842, a conçu l’idée de
la faire figurer dans son futur ouvrage. L’intitulé du roman est conçu comme
une promesse d’une lecture fascinante et démontre une stratégie de captation du lecteur : un titre de noblesse, suivi d’une particule et d’un patronyme italien, indique de prime abord l’état civil du protagoniste. Peu importe
que le titre aristocratique ne concerne que le dernier avatar du héros. Cet
anthroponyme, qui est un nom topographique par excellence, a un sens symbolique évident — il évoque la figure christique de la souffrance en octroyant d’emblée un statut privilégié au personnage principal.
Quant au titre vernien, Mathias Sandorf, il a été inventé par l’éditeur
J. Hetzel qui a trouvé la proposition de l’écrivain La Méditerranée peu romantique. La question s’impose si l’intitulé définitif l’est davantage. Le nom
6
M. N a t h a n : Le Ressassement ou que peut le roman populaire. In : Richesses du
roman populaire. Actes du colloque international de Pont-à-Mousson, octobre 1983. Édité
par R. G u i s e, H.-J. N e u s c h ä f e r. Publication du Centre de Recherches sur le Roman
Populaire de l’Université de Nancy II et du Romanistisches Institut de l’Université de
Sarebruck.
7
Cf. J.-C. Va r e i l l e : Le Roman populaire français (1789—1914). Limoges, PULIM/
Nuit Blanche Éditeur, 1994, p. 48.
8
Cf. G. G e n e t t e : Seuils..., pp. 85—88.
42
Magdalena Wandzioch
propre, à consonance hongroise, indique l’appartenance ethnique du protagoniste et, conformément au principe de la série des Voyages extraordinaires, promet un déplacement dans une contrée insolite. Il n’en est rien car
cette fois-ci Jules Verne situe l’action de son roman sur la côte de la Méditerranée, dans un cadre donc qui n’a rien d’extraordinaire pour le lecteur.
Comme le dit J.-Y. Tadié « ce romancier est plus heureux dans ses descriptions lorsqu’il n’a pas vu»9. Qui plus est, le voyage qui, exceptionnellement,
n’est pas l’essor de l’action et, partant, ne la structure pas, joue dans le roman un rôle tout à fait secondaire.
Quelques mentions sur l’empire austro-hongrois n’assurent pas une dose
suffisante de l’insolite, ce qui est une dérogation au contrat de lecture. De
surcroît, des descriptions à fonction mathésique trop évidente imposent un
certain ennui.
Toutefois la fascination exercée par un mythe héroïque étant vers la fin du
XIXe siècle toujours actuelle, Verne décide de réécrire Le Comte de MonteCristo, roman à succès, selon une recette inusable, proposée par Dumas et
devenue depuis canonique. Les éléments en sont les suivants: méfait initial,
disparition de la victime, processus initiatique de quinze à vingt ans, réapparition — renaissance du Justicier sous une autre apparence10. Le roman
dumasien est donc un vrai palimpseste lisible à travers le texte superposé de
Verne.
Tenant surtout au pouvoir éducatif de son roman, Verne se contente de
produire des variations sur le schéma narratif de son devancier qui, selon
U. Eco, a remporté le succès grâce à la présentation de trois situations
archétypes: «d’abord, l’innocence trahie. Ensuite, l’acquisition, par un coup
de chance de la victime persécutée, d’une fortune immense qui la place audessus du commun des mortels. Enfin, la stratégie d’une vengeance où périssent des personnages que le roman s’est désespérément ingénié à rendre
haïssables au-delà de l’imaginable»11.
Cependant pour éviter la répétition mécanique de certains situations et
procédés, Jules Verne introduit quelques variants, quelques écarts et quelques
modifications que les lecteurs peuvent guetter et goûter à la fois. Cette deuxième activité semble tout de même plus douteuse.
Dans les deux cas c’est la vengeance qui est l’axe organisateur de l’action, par ailleurs extrêmement complexe et décentrée malgré l’importance
accordée au personnage principal. Le héros d’Alexandre Dumas, Edmond
Dantès, faussement accusé par ses rivaux dont l’un est jaloux de sa carrière
professionnelle (l’armateur lui propose le poste de capitaine), l’autre de son
J.-Y. T a d i é : Le roman d’aventures. Paris, PUF, 1982, p. 106.
J.-C. Va r e i l l e : Le Roman populaire..., pp. 49—50.
11
U. E c o : De Superman..., p. 81.
9
10
Jules Verne sur les brisées d’Alexandre Dumas
43
bonheur (il est fiancé à une belle jeune fille qui partage son amour) et le
troisième envieux sans raison bien déterminée, est condamné à être enfermé
dans un cachot du château d’If à perpétuité. Quand après quatorze ans
passées en prison, le héros solitaire parvient à s’évader, il poursuit sa double
tâche de Justicier et Vengeur à la fois.
En procédant par mutation du contenu, Jules Verne veut faire mieux.
Dès le début du roman, le comte Mathias Sandorf (notons le même statut
social que celui de son prototype) est un redresseur de torts, chargé d’une
grave mission à accomplir. Grand patriote, il ne peut pas accepter la domination des Habsbourg et veut soulever les Hongrois contre leurs oppresseurs.
C’est ainsi que l’Histoire fournit un motif valorisant, la cause de la patrie
étant toujours plus noble et plus pathétique que la revanche personnelle. Avec
ses deux amis dévoués, Sandorf organise un complot mais la veille de l’insurrection ils sont arrêtés, traduits en conseil de guerre et condamnés à mort.
Comme son prototype, l’aristocrate hongrois est aussi victime d’une trahison.
Lui-même et ses compagnons d’infortune sont dénoncés, par intérêt pécuniaire, par un banquier véreux (Verne reprend un cliché du roman populaire où les banquiers sont toujours malhonnêtes) et par un aventurier sans
scrupules, tous les deux d’origine étrangère donc suspecte.
Quant à la nationalité du héros, la position idéologique du narrateur est
bien claire: en parlant de la nature franche et généreuse de son personnage, il précise:
On a remarqué qu’il existe de grandes analogies entre le caractère
français et le caractère magyar. Le comte Sandorf en était la preuve vivante12.
Comme dans le roman populaire le système des personnages secondaires
dépend du héros, dans le roman vernien les adjuvants, c’est-à-dire des caractères positifs possèdent des qualités françaises. Ainsi par exemple un pêcheur italien, Andrea Ferrato, qui aide le comte Sandorf, «était très français
d’idées et de coeur bien qu’il fût d’origine italienne»13.
Ce n’est pas seulement la nationalité qui différencie les deux personnages romanesques. Le héros de Jules Verne, issu de la vieille noblesse magyare est un homme immensément riche, comme le précise l’écrivain luimême, et bienfaiteur de ses sujets citadins et campagnards. Son patrimoine
nobiliaire lui est consubstantiel. C’est pourquoi il a pu s’adonner aux études
physiques et médicales. Il serait vraiment difficile d’imaginer un protagoniste
vernien qui ne soit pas un savant.
12
13
J. Ve r n e : Mathias Sandorf..., T. 1, p. 29.
Ibidem, p. 151.
44
Magdalena Wandzioch
Son prototype, Edmond Dantès, au début du roman est un simple marin qui doit gagner sa vie. Ce n’est que plus tard, après son évasion de la
prison, qu’il entre en possession d’une prodigieuse fortune grâce au trésor
qui lui a été légué par l’abbé Faria, son père spirituel rencontré providentiellement dans le souterrain du château d’If. C’est cette opulence inespérée
qui lui permet de s’élever dans l’échelle sociale et devenir comte de MonteCristo.
Se souvenant de cette façon élégante de résoudre le vulgaire problème
d’argent, Verne multiplie encore les biens de son personnage, devenu médecin célèbre, en le faisant légataire d’une fabuleuse fortune d’un de ses patients reconnaissants. Si une telle acquisition, due en quelque sorte aux
succès professionnels, assure mieux la crédibilité narrative, la manière de
s’enrichir proposée par Dumas, improbable et tout à fait romanesque, séduit
beaucoup plus les lecteurs.
Les deux protagonistes, victimes d’une trahison, apprennent les noms de
ceux qui ont été à l’origine de leurs malheurs dans la prison, Edmond Dantès
grâce à la perspicacité de l’abbé Faria et le comte hongrois grâce au
phénomène acoustique. Bien que Mathias Sandorf soit un des rares romans
de Jules Verne où il n’est pas question de l’anticipation scientifique, l’auteur
ne veut pas renoncer aux éléments savants annexes mais constants et par
là même à l’instruction des lecteurs. Ainsi ont-ils par exemple droit non seulement à la science à caractère géographique mais également à un exposé de
cryptographie.
Si dans l’hypotexte qu’est le roman dumasien le captif moisit dans la prison pendant 14 ans, ce qui lui est en fin de compte profitable parce qu’il en
sort cultivé, polyglotte, transfiguré en vrai aristocrate et doté en plus du don
de nyctalopie, dans l’hypertexte de Verne, le prisonnier s’évade quelques
jours après son arrestation.
La claustration équivaut à la mort mais chez Dumas ce sont seulement
les adversaires de Dantès qui sont persuadés de sa disparition définitive.
Rien d’étonnant donc qu’un roman où le lecteur, étant toujours dans le secret, suit de près le calvaire du héros dans le château d’If, ses tourments physiques et psychiques, sa fuite spectaculaire dans des circonstances dramatiques ne laisse pas indifférent. Il observe toutes les situations périlleuses du
protagoniste et quoique persuadé que celui-ci s’en tirera triomphalement, il
frissonne pour lui durant plusieurs pages qui décrivent son évasion presque
miraculeuse.
Quoique Jules Verne utilise les mêmes ingrédients, la lecture identificatoire ne semble pas possible. Imitant son prédécesseur, chez qui le protagoniste est jeté dans la mer dans un sac-linceul, l’auteur de Mathias Sandorf,
fait son héros se jeter aussi à l’eau et termine la première partie du roman
Jules Verne sur les brisées d’Alexandre Dumas
45
par une suggestion que le comte magyar a pour tombeau les flots de l’Adriatique.
Suit une ellipse narrative, pure et simple, de 15 ans, préjudiciable à la
réaction émotionnelle de participation aux faits rapportés car l’écart qui sépare
le passé du présent de la narration est trop grand. Qui plus est, le lecteur
peut songer que les épisodes occultés ont été sans importance pour le développement de l’action. Verne manque de la sorte le but édifiant de son récit
car il passe sous silence la période où son protagoniste se valorise par son
métier de médecin, en d’autres termes, par l’activité professionnelle,
phénomène assez inhabituel dans le roman populaire.
Le lecteur apprend le sort du comte Sandorf lorsque celui-ci métamorphosé en docteur Antekirtt, célèbre sur les côtes d’Afrique du Nord et en
Orient, raconte ses péripéties au fils de son compagnon d’infortune. Dans
ce récit, fait à posteriori et dans des circonstances rassurantes, le péril se dilue complètement et laisse le lecteur indifférent.
Le mécanisme de répétition constante se fait remarquer aussi dans la
manière de présenter la mission que les deux protagonistes ont à accomplir.
Si le Comte de Monte-Cristo, après avoir récompensé les méritants, emploie sa fortune avant tout à l’accomplissement de sa vengeance personnelle,
le comte Sandorf agit de la même manière. Il poursuit les malfaiteurs pour
venger ses deux compagnons morts pour la libération du pays. Cependant
lui-même, il semble être traître à sa cause car après sa réapparition, sous une
autre identité, celle du docteur Antekirtt, il ne songe plus à s’engager dans
la lutte pour l’indépendance de sa patrie. C’est ainsi que l’Histoire se dégrade
en histoire tout à fait anodine.
C’est sans doute l’âge avancé du comte Sandorf (il a 50 ans vers la fin
du roman!), qui lui fait déléguer sa charge d’autrefois à la génération suivante
et plus particulièrement à Paul Bathory, fils de l’un de ses compagnons
exécutés et qui ne saurait ni démériter ni démentir ses origines. Étant le
portrait vivant de son père « même énergie dans les yeux, même noblesse
d’attitude, même regard, prompt à s’enthousiasmer pour le bien, le vrai, le
beau »14 il est particulièrement prédestiné à poursuivre l’œuvre de patriotisme. On voit bien que Verne ne quitte jamais le ton didactique, la triade platonicienne évoquée en est un exemple parmi d’autres, mais il est permis de
douter de l’effet moral produit.
On constate également que Verne n’hésite pas à puiser dans l’arsenal des
stéréotypes du roman populaire où il y a toujours une relation implicite codée
entre le physique et le psychologique. L’écrivain va plus loin encore lorsqu’il
introduit un motif de l’enfant volé et miraculeusement retrouvé. Une jeune
14
Ibidem, p. 274.
46
Magdalena Wandzioch
fille, prénommée Sava, passant pour la fille du banquier, traître envers Mathias Sandorf, s’avère être l’enfant du comte hongrois, volé à l’âge de deux
ans et crue morte par son père.
L’amour étant un motif toujours prêt au réemploi, Jules Verne l’introduit dans son ouvrage en s’écartant toutefois du modèle adopté. Dans le roman de Dumas, le comte de Monte-Cristo, déçu par l’infidélité de sa fiancée
d’autrefois, ne songe plus à l’amour. Il le retrouve cependant grâce à une
jeune esclave grecque, sa protégée. L’adoration inconditionnelle de la jeune
beauté permet au comte d’envisager la possibilité du bonheur.
La modification qualitative introduite par Verne fait que rien n’est moins
réussi que la trame sentimentale qu’on trouve dans son roman. Le comte
Mathias Sandorf étant veuf, le lecteur suit une autre histoire d’amour, aseptisée et puritaine, dans laquelle Sava tombe amoureuse de Pierre Bathory
parce qu’il est... patriote. Cependant celui qui lit attentivement le texte peut
se demander d’où lui vient ce savoir puisque tout au long du roman les deux
jeunes gens ne se parlent jamais, tout au plus se regardent-ils furtivement.
La lecture participative du roman vernien est d’autant plus difficile que
l’écrivain subvertit le schéma des amours contrariés selon lequel le futur
époux est toujours le sauveur du dernier moment. Chez Verne, Pierre Bathory, préoccupé probablement par des idées patriotiques, laisse le soin de
libérer sa bien-aimée, enlevée par l’ancien traître du comte Sandorf, à l’un
des deux personnages grotesques que l’auteur introduit dans le roman mais
dont la nécessité narrative est fort douteuse, le ridicule potentiel qu’ils doivent
engendrer n’étant jamais effectif.
Dans le roman populaire la fonction de tels personnages est bien déterminée: ils doivent détendre l’atmosphère après une scène sublime. Chez l’auteur de Mathias Sandorf pourtant ce ne sont pas les personnages qui sont
caricaturaux mais plutôt la situation dans laquelle ils sont impliqués. L’effet
transgressif y est particulièrement nuisible: il démontre le manque de sens
romanesque de Jules Verne, défaut qui dépare l’ouvrage tout entier.
On voit encore mieux cette défectuosité dans la manière de résoudre le
problème de la vengeance. Le comte de Monte-Cristo se montre patient,
systématique et impitoyable dans l’accomplissement de son dessein. Ses anciens bourreaux sont tous punis selon une justice rétributive. Verne, moralisateur à outrance, laisse la punition au phénomène scientifique. À la fin de
son roman, l’îlot, où il a réunis ses anciens persécuteurs, explose. Cette catastrophe est due aux appareils électriques que Mathias Sandorf alias Docteur
Antekirtt a installés et qu’un des condamnés a touché par hasard. «Dieu a
voulu nous épargner l’horreur de l’exécution»15 constate sentencieusement
le comte hongrois.
15
Ibidem, T. 2, p. 354.
Jules Verne sur les brisées d’Alexandre Dumas
47
Le dernier chapitre du roman vernien propose une fin édifiante et
fâcheusement didactique. Le lecteur est assuré que tous les personnages vertueux vivent heureux grâce à Mathias Sandorf, leur bienfaiteur, homme
généreux répandant autour de lui l’équité, la félicité et, bien sûr, le savoir.
Malgré cette conclusion louable et instructive, ou peut-être à cause de
cette intention moralisante présidant à la rédaction, le roman de Jules
Verne, bâti sur une charpente intertextuelle, n’est pas attirant.
C’est Alexandre Dumas qui fait rêver les lecteurs, entre autre par la finale ouverte de son histoire. Le comte de Monte-Cristo part pour un voyage
mystérieux sur son voilier qui disparaît quelque part sur l’horizon, entre le
ciel et la mer.
Jules Verne a beau respecter ou enfreindre les règles tacites ou formelles
du roman populaire, genre itératif par excellence, il n’a pas su concilier
la reprise et l’innovation. En dépit de la fonction ludique ouvertement
déclarée de la Bibliothèque d’Éducation et de Récréation dont Mathias Sandorf faisait partie et malgré l’opinion flatteuse de Dumas fils exprimée dans
la réponse à la dédicace, ses fantaisies ne sont point lumineuses, originales
et entraînantes16 et son ouvrage ne saurait ni offrir un vrai divertissement
ni fasciner le lecteur. Répétitif au-delà du plaisir de la répétition, Mathias Sandorf ne pourrait initier aux délices de la lecture comme le fait le texte d’Alexandre Dumas.
Comme l’écrit avec justesse, T. Samoyault «la création s’exerce non dans
la matière mais dans la manière, ou dans la rencontre d’une matière et d’une
manière»17.
Chez Jules Verne cette rencontre d’une matière et d’une manière est
restée infructueuse et son roman a sombré dans l’oubli.
Ce n’est pas le cas du Comte de Monte-Cristo car comme le dit, non sans
raison d’ailleurs, U. Eco « on a beau être blasé, avisé et critique, connaître
maints pièges intertextuels, on est pris au jeu comme avec un mélodrame de
Verdi. Mélo et Kitsch frôlent le sublime par la vertu de l’excès, tandis que
l’excès se transforme en génie»18.
Ce génie qui a été reconnu non seulement par les lecteurs envoûtés mais
aussi par la maison d’édition Gallimard qui, en 1981, donc vingt ans avant
que les cendres d’Alexandre Dumas n’aient été transférées au Panthéon,
a publié Le Comte de Monte-Cristo dans La Bibliothèque de la Pléiade,
panthéon des textes à étudier.
Réponse de M.A. Dumas, ibidem, note 1.
T. S a m o y a u l t : L’intertextualité..., p. 51.
18
U. E c o : De Superman..., p. 82.
16
17
Jolanta Rachwalska von Rejchwald
Université Marie Curie-Sk³odowska, Lublin
Leçon de réécriture
Ce que disent les dessins zoliens
Il faut affirmer que le TRANSFERT est
la source formelle de processus créatif qui
animent l’exode de l’être humain vers l’espace ouvert.
P. S l o t e r d i j k : Bulles. Sphères I1
Le dr E. Toulouse, dans les conclusions de sa célèbre enquête médicopsychologique, constate que «M. Zola est nettement un visuel», qu’il «projette dans l’espace ses images mentales»2. Nous voudrions donc consacrer
quelques remarques à cette tendance prépondérante du caractère de Zola,
en étudiant un cas spécial de réécriture, une réécriture entre les dessins contenus dans les dossiers préparatoires et le texte définif des Rougon-Macquart. Ces dossiers préparatoires sont hybrides: moitié écrits, moitié dessinés.
Il s’agirait donc de soumettre à l’étude leur partie graphique qui comporte
quelques dessins topographiques, faits de la main de Zola, auxquels la critique génétique a conféré le statut décisif dans le processus de l’écriture des
Rougon-Macquart3.
P. S l o t e r d i j k : Bulles. Sphères I. Paris, Fayard, 2002, p. 15.
E. T o u l o u s e : E. Zola. Enquête médico-psychologique sur les rapports de la
supériorité intellectuelle avec la névropathie. Paris, Société d’Éditions scientifiques, 1896,
pp. 176 et 243.
3
O. L u m b r o s o : L’Invention des lieux. In : Les Manuscrits et les dessins de Zola.
T. 3. Paris, Textuel, 2002, p. 310. L’étude des dessins de Zola, faite par O. Lumbroso,
nous a inspirée dans notre travail.
1
2
Leçon de réécriture...
49
Et pourtant, ce ne sont pas les dessins qui retiendront toute notre attention, car comme le précise O. Lumbroso, un éminent spécialiste des manuscrits zoliens : « [...] les dessins de Zola n’ont d’intérêt que mis en relation
avec le texte, le mental mis en relation avec le scriptural »4. Dans le sillage
de cette approche de Lumbroso, nous allons procéder à l’analyse des implications entre l’œuvre graphique et verbale de Zola, ce qui nous fera, peutêtre, accéder dans son laboratoire, dans l’espace intime de l’écriture qui se
cherche, donc dans un espace de la re-formulation et de la réécriture. Car ce
qui nous semble particulièrement intéressant dans le cadre de la réécriture,
c’est de déplacer le point de gravité de la clôture de l’écrit vers l’écriture, de
la structure figée, marmoréenne de sens, vers les pulsations du processus.
Pourtant vouloir rapprocher le texte littéraire et l’image nous met devant
une double perspective, celle de l’intrication entre le visuel et l’ordre de
l’écrit. Ce dédoublement de la perspective nous confronte à un problème
méthodologique, celui de la non compatibilité des systèmes. Pour le résoudre,
nous nous référons à Ph. Hamon qui constate que «toute œuvre littéraire du
XIXe, peut-être, et celle de Zola homme du XIXe en particulier, est d’essence
polysémiotique »5. Par conséquent, vouloir travailler sur ces dessins, nous
oblige de les inscrire à «l’ensemble du système polysémiotique»6 que constitue la totalité du cycle des Rougon-Macquart: c’est-à-dire à son ensemble
textuel imprimé et iconique. Nous proposons donc un cas de réécriture que
nous appelons «hétérogénétique» à laquelle participent deux systèmes sémiotiques différents: un système sémiotique linguistique, qui passe par l’écriture
romanesque et l’autre — un système sémiotique non linguistique, dans
notre cas il s’agit des dessins.
Mais quel profit peut retirer un littéraire de l’étude des rapports iconotextuels ? Nous partageons l’avis de ceux qui croient que: «Le plus haut sens
travaille dans l’écart entre le visible, ce qui est montré [...] et le lisible, ce
qui peut être dit, énoncé, déclaré; écart qui est à la fois le lieu d’une opposition et celui d’un échange entre l’un et l’autre registre»7. Nous postulons
qu’entre un jeu de lignes qu’on voit sur les dessins de Zola et les schémas
mentaux qui sous-tendent la trame narrative des textes, se nouent des
4
O. L u m b r o s o : Les métamorphoses du cadre. In : Zola, genèse de l’œuvre. Éd.
J.-P. L e d u c - A d i n e. Paris, CNRS, 2002, p. 115.
5
Ph. H a m o n : Génétique du lieu romanesque. Sur quelques dessins de Zola. In :
Création de l’espace et narration littéraire. Actes du colloque international Nice—Séville
6—8 mars 1997, Université de Nice Sophia—Antipolis. « Cahiers de narratologie »
1997, no 8, pp. 27—43 (pour cette citation, p. 28).
6
Ibidem, p. 29.
7
L. M a r t i n : Lire un tableau. Une lettre de Poussin en 1639. In : Pratiques de la lecture. Éd. R. C h a r t i e r. Marseille, Rivages, 1985, rééd. par éds. Payot et Rivages, 1993,
p. 154.
4 Quelques...
50
Jolanta Rachwalska von Rejchwald
échanges, s’instaurent des correspondances riches et intégratives, une
sorte de conspiration tacite autorisant souvent la surprenante, l’illuminante
lecture.
Mais quel est le rôle des dessins dans l’économie générale des RougonMacquart? Il faut expliquer que les dessins dont nous parlons ne sont pas
des dessins figuratifs qui décalquent servilement le réel; il s’agit plutôt des
dessins schématiques, très épurés qui muent en une simple disposition de
quelques lignes, procédant à l’extrême stylisation de l’espace8. Nous pouvons
donc dire, paraphrasant Baudelaire, que Zola «fuit la minutie, la petitesse
usurpatrice»9, comme s’il était persuadé que le peu de détail graphique fait
sûrement accroître le potentiel imaginaire de ses dessins.
Zola connaît le poid du détail comme personne d’autre, il sait que le détail
peut affoler le sens, et cette lucidité lui fait observer une loi paradoxale de
la représentation qui dit que: «[...] plus est dépouillé, léger, nerveux, le graphisme inscripteur, plus il risque de traduire l’inaccessible, les aspects les
plus enfouis de la réalité»10. De cette façon, on peut avoir l’impression que
ces dessins ressemblent à des cadres lacunaires, mais munis de potentialités
qui deviennent un creuset germinatif de son œuvre littéraire et une véritable source du narratif. Et le geste de styliser et d’abstraire est déjà dans
son intention un geste profondément réécrivant11.
Pourtant, pour mettre en garde quelques lecteurs moins avertis, il faut
préciser d’emblée que les dessins zoliens se soustraient à la fonction esthétisante dévolue habituellement aux dessins. Il ne s’agit pas des enjolivements
possibles des textes, des accompagnateurs agréables à voir, mais vides de
sens. Mais, ce décollement du mimésis et le caractère abstrait des croquis
zoliens ne peuvent pas non plus être considérés comme leur défaut, car en
privilégiant l’abstraction12, cette dépossession figurative et chromatique du
dessin, Zola communique clairement son parti pris: interpréter et faire acheminer du sens.
Cependant comment concilier la posture de l’écrivain réaliste-naturaliste, amoureux des «petits faits vrais»13, avec le fait qu’il ne voulait pas être
8
Le graphique est exclu de l’oeuvre de Zola, aucun croquis ne fait partie de la version définitive de son œuvre, comme c’était p.ex. le cas de J. Verne ou de Stendhal qui
a incorporé quelques plans et dessins, pour ses lecteurs, au corps de ses textes La vie
d’Henry Brulard.
9
Ch. B a u d e l a i r e : Curiosités esthétiques. Paris, Garnier-Flammarion, 1986, p. 306.
10
F. D a g o g n e t : Écriture et iconographie. Paris, Vrin, 1973, pp. 87—88.
11
«L’abstraction est un moyen qui permet à la représentation d’interpréter ce qu’elle
figure ». R. A r n h e i m : La pensée visuelle. Paris, Flammarion, 1976, p. 144.
12
«Une simple flèche est plus parlante que la représentation réaliste d’une
main [...] ». Ibidem, p. 149.
13
«Les Romans, publiés par moi depuis bientôt neuf ans, dépendent d’un vaste
ensemble, dont le plan a été arrêté d’un coup et à l’avance, et que l’on doit par consé-
Leçon de réécriture...
51
esclave du réel, se réservant toujours une marge de liberté dans ses rapports
avec lui : « Je ne suis pas un archéologue qui dissèque les monuments, disait-il, je ne suis qu’un artiste. Je regarde et j’observe pour créer, non pour copier »14. Et, dans un autre lieu : «Le réel doit répondre à la demande [...]; il
vaut par les virtualités de scénarios qu’il procure»15. Dans la présente étude,
nous nous proposons de retrouver les scénarios, contenus virtuellement dans
ses dessins, et qui seront, par la suite, réécrits par Zola en des structures
narratives.
Pour comprendre la place des dessins dans l’ensemble des dossiers
préparatoires, il faut se référer à sa méthode de travail. On sait qu’après avoir
établi l’Ébauche pour chaque volume (l’idée générale de l’œuvre, souvent
d’ordre philosophique), Zola allait se documenter. Tout d’abord, il fait une
minutieuse inspection des lieux, ingère l’abondante information visuelle,
ensuite la condense et transfigure, ce qui prend la forme synthétique d’un
graphe abstrait et imaginaire. Ainsi, nous sommes confrontée au grand paradoxe de la créativité zolienne. À quoi bon se documenter si tout s’achève
par une stylisation subjective des formes?
Pour comprendre ce paradoxe, il ne faut pas se laisser leurrer par leur
côté faussement négligé et leurs facilités apparentes, car ses dessins veulent
dire toujours plus qu’ils ne le disent. Puisqu’ils interviennent en tout début
du processus créatif, leur rôle est de tout premier ordre : d’une part ils
génèrent et orientent la création littéraire16, de l’autre, ils maîtrisent le flux
imaginatif. En outre, ils constituent une sorte de « mémoire prospective»17
contenant en germe le système romanesque des lieux et des personnages,
l’avènement des antagonismes et des affinités entre différents milieux. Mais
ce qui importe le plus, c’est que les paradigmes de force, qui sous-tendent
ces dessins, font exploser le sobre graphisme des tracés spatiaux laissant la
porte grande ouverte à l’imaginaire.
Ce puissant élan imaginaire qui transcende la conceptualisation géométrique des dessins est visible quand on regarde des croquis d’enquête, réalisés
par Zola sur le terrain, qui se métamorphosent en des dessins de fiction, constituant ainsi une stylisation subjective de l’espace. Nous pouvons observer
quent, tout en jugeant chaque roman à part, tenir compte de la place harmonique qu’il
occupe dans cet ensemble ». E. Z o l a : Préface à « Une Page d’amour», du 2 avril 1878.
In : I d e m : Œuvres complètes. Vol. 2. Paris, Gallimard, Pléiade, 1961, p. 800.
14
Ce qu’il affirme dans une lettre à Scipio Sighele, dans : E. Zola. La Fabrique des
Rougon-Macquart. Édition des dossiers préparatoires. Publié par C. B e c h r e r. Paris,
H. Champion, 2003, p. 15.
15
J. N e e f s : Carnets de romanciers (Flaubert, Zola, James). « Littérature » 1990,
o
n 80, décembre.
16
Ph. H a m o n : Génétique du lieu romanesque..., p. 30.
17
Ibidem.
4*
52
Jolanta Rachwalska von Rejchwald
cette transformation à l’exemple d’Une page d’amour, un roman de 1878, qui
fait partie des Rougon-Macquart.
Lors de son enquête à Passy en 1877, Zola établit un dessin de ce
quartier afin de décrire la topographie de cet endroit. En exécutant ce dessin, son attention créatrice est focalisée à ce point sur l’angle qu’il en fait une
sorte d’organigramme, de schème matriciel pour ce croquis. Il faut expliquer que l’action du roman se passe essentiellement dans la rue Vineuse.
À propos de cette rue, il écrit dans ses Carnets d’enquêtes: « Rue Vineuse
macadémisée, pas de voitures. [...] La rue tourne à angle droit et descend
dans la rue Frankline » 18. Ainsi, le coude de la rue Vineuse devient un
angle droit. Cette rue se prolonge de façon rectiligne dans la rue Reynouard
et elle forme un face-à-face avec la rue Passage des Eaux. Mais, quand on
consulte un plan du quartier de Passy de l’époque nous voyons clairement
que les deux rues ne forment pas un angle droit.
Il faut dire que Zola est complètement conscient de cette altération, ce
qu’il consigne d’ailleurs dans ses notes: «La rue Vineuse descend dans Passy [...] La rue tourne presque à angle droit »19. Tout se joue donc entre
« tourne à angle », « tourne presque à angle». Le dessin de la rue Vineuse
révèle, dans le coin, une rature très visible : elle prouve l’existence d’un
geste stylisant de la main qui s’obstine à construire la vision selon la logique
de l’angle droit. À notre sens, rien n’est plus orienteur et évocateur que ces
hésitations de l’écrivain devant son dessin qui se révèle fonctionnel par rapport à l’idée qui taraudait son esprit et qu’il voulait incarner. Quelles
peuvent être les motivations du romancier qui modifie, pour ne pas dire
fausse, l’information visuelle du réel ? Le dessin nous fait découvrir une
opération mentale qui prime sur la perception visuelle. Dans ce cas, on peut
considérer ce croquis, comme une sorte de palimpseste, cachant dans sa
matérialité graphique deux versions successives. Mais pour mieux comprendre
son geste réécrivant, il faut se référer au roman dont la structure explique
tout le potentiel caché de la rature d’un dessinateur qui mue en une véritable réécriture d’un écrivain.
La rature effectuée sur ce dessin, si anodine en apparence, ne l’est
pas en réalité, car elle révèle tous les enjeux narratifs et symboliques
de l’écrivain qui repense l’espace réel à travers une réécriture recréatrice. Pour Hélène, héroïne principale, l’angle de la rue Vineuse symbolise
le tournant de sa vie. Claquemurée avec sa fille, après la mort de son mari,
dans l’appartement au cinquième étage, elle regarde Paris du rebord de sa
fenêtre:
E. Zola. Carnets d’enquêtes. Une ethnographie inédite de la France. Établis par
H. M i t t e r a n d. Paris, Plon, 1993, p. 41.
19
E. Zola. La Fabrique des Rougon-Macquart..., T. 1, p. 224.
18
Leçon de réécriture...
53
Elles ne savaient rien de Paris. Depuis dix-huit mois qu’elles l’avaient
sous les yeux [...], elles n’en connaissaient pas une pierre. Trois fois seulement, elles étaient descendues dans la ville ; [...]. C’était très doux, d’avoir
Paris là et de l’ignorer. Il restait l’infini et l’inconnu20.
p. 854
Par le fait de se cloîtrer dans l’espace de son appartement, en refusant
de porter le regard sur le monde qui l’entoure, elle prend l’espace urbain en
parenthèse, elle l’anéantit. Quand elle s’aventure dans la ville, son corps s’affole, choqué par la rumeur confuse du monde phénoménal qui l’assaillit de
toutes parts. Elle se déplace comme si elle voulait oublier cet espace, l’abstraire du contexte ambiant, nier son existence. En résultat, cette expérience
urbaine s’avère à tel point traumatisante, qu’elle rentre précipitamment
chez elle. À vrai dire, elle ne marche pas dans le sens de l’appropriation personnelle de l’espace urbain: soit elle court, prise de peur subite, soit elle rase
les murs des bâtiments comme si elle désirait devenir invisible. Ainsi, la
géométrie de son parcours se résume entre deux points: elle ne marche pas,
mais se déplace d’un lieu à un autre.
La rue Vineuse renvoie sans doute au territoire qui symbolise le foyer
énergifère du roman, car c’est là où se concentrent les passions enfouies
d’Hélène. Tous les événements, qui ont considérablement infléchi la ligne
de son existence, se passent dans cette rue. Celle qui voulait dérober son
existence au monde entier, sera rattrapée par son destin en sortant de chez
elle. Ainsi, cette rue devient un lieu d’angoisse quand elle sera forcée de
courir pour trouver un médecin pour sa fille malade; elle courira une autre
fois pour rejoindre son amant. Chaque fois, quand elle se décide à sortir,
nous avons à faire aux moments critiques de sa vie qui font chavirer son parcours de vie.
À l’opposé de la rue Vineuse se trouve le Passage des Eaux qui désigne
son lieu de rencontre avec le docteur Deberle. C’est là que sa passion se
concrétisera et c’est là qu’elle sera consumée. La corrélation entre l’emplacement topographique de cette rue et le destin d’Hélène est plus qu’évidente,
car son destin rappelle une pente raide. Le Passage des Eaux, ce lieu, apparemment innocent et idyllique au début du roman et en plein jour, change
en une route bourbeuse, malsaine et inquiétante. À chaque fois, lorsque
Hélène emprunte ce chemin, elle est plus proche de la catastrophe. Lorsqu’elle
choisit ce chemin la dernière fois, cet escalier ressemble au torrent et l’eau
monte à ses chevilles, préfigurant sa «chute» imminente.
Toutes les citations relatives au Page d’amour proviennent d’E. Z o l a : Œuvres
complètes. T. 2. Paris, Gallimard, La Pléiade, 1961. Nous donnons la pagination juste
après chaque citation.
20
54
Jolanta Rachwalska von Rejchwald
La rue Vineuse et le Passage des Eaux, ces deux rues qui se font face, à
deux angles, concentrent tout le potentiel narratif du roman et symbolisent
deux pôles du destin d’Hélène. Cette corrélation icono-textuelle nous permet
de comprendre le lien qui existe entre l’effort conceptuel du dessin et sa
réécriture textuelle. Et cet acharnement qui se voit dans la nervosité de la
rature de l’angle sur le dessin ne nous étonne guère, car du point de vue de
la gestion de la topo-énergétique, cet angle est un lieu crucial. G. Matoré, pour
exprimer le potentiel de cette forme géométrique, rappelle que « l’angle est
un concentré d’espace, un lieu privilégié»21. Ainsi, la logique graphique de
cette insistance focalisée sur l’angle droit découle de la volonté de créer une
sorte d’épicentre où se concentrerait toute l’épaisseur dramaturgique de ce
roman, ce qui ne surprend nullement chez Zola, romancier qui écrivait aussi
pour le théâtre.
Maintenant, nous proposons d’étudier un autre cas de la réécriture du
dessin en fiction littéraire. Cette fois-ci il s’agit de démontrer la transformation des formes géométriques en des matrices cinétiques du personnage. En
interrogeant le mouvement, nous le considérons comme un acte qualitatif22
incontournable pour savoir dans quelle mesure la manière de se mouvoir pourrait révéler le destin du personnage. Pour déplier ce destin, nous l’insérons
dans un réseau spatial de l’un des romans des Rougon-Macquart — intitulé
Le Ventre de Paris de 1873.
Il faut savoir que Zola était fasciné par l’envergure architecturale des
Halles parisiennes et, tout en les visitant en 1872, il dessine le plan détaillé de 10 pavillons centraux. Ainsi, le dessin des Halles donne à voir une
topographie réelle, dominée par un quadrillage rectiligne. Pourtant la figure
spatiale du carré n’est pas une figure dominante dans l’univers spatial de ce
roman. Un autre schème géométrique a été réservé pour transcrire le destin
du personnage principal. Il s’agit de Florent Quenu, républicain, qui a été
arrêté après le coup d’état de 1851, et ensuite déporté à Cayenne, d’où il
s’est évadé après quelques années. Il vient à Paris, pour retrouver sa ville
adorée et pour se réfugier auprès de son frère, aux Halles. Mais, il sera
dénoncé par la femme de son frère et de nouveau arrêté.
Cet autre schème géométrique du roman, c’est le cercle. Cette figure
imprègne à ce point l’imagination de Zola qu’en visitant les Halles, il ne les
traverse pas par leur centre, mais déambule dans le quartier suivant une trajectoire circulaire, ce qui est confirmé par l’ordre de ses notes23. Cette figure
G. M a t o r é : L’espace humain. Paris, Nizet, 1976, p. 58.
D’après Hennequin, une des caractéristiques de l’œuvre de Zola est « le mouvement qui y règne ». E. T o u l o u s e : E. Zola. Enquête médico-psychologique..., p. 205.
23
« Contourner les 10 pavillons l’intéresse plus que les traverser par leur centre ».
E. Zola. Carnets d’enquêtes..., p. 366.
21
22
Leçon de réécriture...
55
du cercle, introduite par Zola, n’a pas de visée représentative, mais celle
sémiotique, car elle sert à cartographier non pas l’espace, mais les émotions
et sentiments de Florent; ce qui plus est, elle permet d’orchestrer la déambulation urbaine de Florent, organisant des couloirs cinétiques de son mouvement.
Une fois à Paris, Florent part à la recherche de la rue Pirouette,
là où habite son frère, mais il n’y arrive pas : la réalité fait fi du passé,
car d’importants changements se sont opérés au cours de son absence.
Ainsi, le roman transcrit la déambulation de Florent à travers le Paris du baron Haussmann où la modernité frénétique, dominée par l’euphorie du neuf, bat son plein. On a l’impression que les Halles, présentées dans leur exubérance pléthorique et barriolée, se métamorphosent
en une matière inhospitalière et rugueuse qui écorche sa sensibilité. Il se
cogne contre tous les angles, ces aspérités spatiales du monde trop moderne. Ainsi, nous assistons à un bras-le-corps de l’homme et de l’espace qui
semble lui opposer une résistance farouche en générant d’innombrables
obstacles:
Alors, il alla devant lui, [jusqu’à la rue Pierre Lescot] où le marché
au cresson et le Marché aux pommes lui parurent infranchissables.
Mais, au boulevard Sébastopol, il se heurta contre un tel embarras de
tapissières [...].
Les Halles débordaient. Il essaya de sortir de ce flot qui l’atteignait
dans sa fuite ; [...]. Dans la Rue du Pont-Neuf il s’égara tout à fait ; il vint
trébucher au milieu d’une remise de voitures à bras [...].
Il butait à chaque pas. Du côté de la Halle au blé, les bouts de la rue
se barricadaient d’un nouvel obstacle de charrettes [...]24.
pp. 630—631
Comment appeler sa façon de se mouvoir dans l’espace des Halles parisiennes? Sa déambulation n’est ni une pérégrination, ni une promenade, ni
une quête, mais une errance. Errer, étymologiquement veut dire « commettre des erreurs»: avancer et reculer, revenir vers le point de départ, tergiverser et se retrouver, à plusieurs reprises, au point de départ. Sa façon de
se déplacer fait penser à la traversée du labyrinthe: il zigzague, fait des parcours lymbiques, en revenant toujours au même endroit. Même si la géométrie
des Halles imposait à son parcours le schéma orthogonal, son corps n’est
pas pour autant dans la logique de la ligne droite. En empruntant un néoloToutes les citations relatives au Ventre de Paris proviennent d’E. Z o l a : Œuvres
complètes. T. 1. Gallimard, La Pléiade, Paris, 1960. Nous donnons la pagination juste après
chaque citation.
24
56
Jolanta Rachwalska von Rejchwald
gisme à F. Ponge25, nous pourrions même dire qu’il «pompadourise» l’espace,
c’est-à-dire qu’en déambulant, il suit la trame sinueuse et tordue, voire baroque qui semble dissoudre les contours de son identité.
Il marcha devant lui, [...] Il s’y perdit. [...] Alors, stupide, il s’arrêta,
il s’abandonna aux poussées des uns, aux injures des autres ; il ne fut plus
qu’une chose battue, roulée [...].
p. 632
Déjà dès le début du roman, Florent apparaît comme un être sans consistance, vacillant dans ses contours identitaires26. Il faut savoir qu’il fait son
entrée dans l’univers romanesque de ce roman comme « une masse noire»
(p. 604) gisant sur la route. Or, il tombe dans une sorte de stupeur catatonique, dans l’inertie totale, n’ayant plus de forces pour affronter la ville. La
rencontre entre l’urbain et l’humain désigne en fait un véritable affrontement ; c’est une rencontre-collusion dans laquelle ils s’affrontent au corps
à corps. Son impuissance face à cette ville, à la trame tortueuse et compliquée,
le plonge dans une torpeur qui fait penser à une subite involution de l’être
vers quelque chose d’indéterminé, une sorte de masse originel. Nous remarquons donc qu’ayant été une masse noire au début, il revient à ce statut
d’une chose méprisée et méprisable. Ainsi, ce n’est pas seulement son trajet à travers la ville qui se fait en courbe, mais aussi tout son destin est soustendu par ce schéma circulaire qui régit toute la construction de ce personnage.
Ainsi, dès le début, par la géométrie brisée de son corps, qui n’est pas
celle de la ligne droite d’un homme d’action, habituellement associé à un
héros solaire, à un vainqueur, il s’inscrit dans la dimension de la géométrie
circulaire qui condamne irrémédiablement toute sortie. Il y a une autre preuve
de l’omniprésence du schème circulaire dans ce roman. N’oublions pas
que Florent cherchait la rue Pirouette. Ce toponyme apparemment si anodin est pourtant empreint de sens, comme d’ailleurs tout chez Zola, car son
acception étymologique y cache le mot «toupie». Il faut faire observer que la
critique se sert parfois de l’image de «l’homme-toupie» pour décrire la condition de l’homme de la modernité naissante, comme «expulsé de lui-même par
une force centrifuge»27. Ce qui se vérifie à la lettre dans le cas de Florent qui
Nous empruntons ce néologisme à Francis P o n g e qui l’emploie dans son ouvrage
Méthodes (Paris, Gallimard, 1961, p. 62). Le sens qu’on peut lui associer, c’est « la composition dissymétrique, la forme contournée ou sinueuse ».
26
«La Ligne droite est la préférée des esprits mal tournés ». M. B r u s a t i n : Histoire de la ligne. Paris, Flammarion, 2002, p. 9.
27
S. T h o r e l - C a i l l e t e a u : La Tentation du livre sur Rien. Naturalisme et décadence. Paris, PUF, 1994, p. 20.
25
Leçon de réécriture...
57
ressemble à quelqu’un qui a perdu le Nord, qui est désaxé, déboussolé, en
rupture avec le contexte spatial et la structure sociale. D’ailleurs, le sens que
nous attribuons à ce toponyme semble être aussi confirmé par Bachelard qui
disait que «la pirouette est une rupture sociale»28.
Ainsi, à travers de tels exemples, il est plus aisé de comprendre que
l’idéologie de ce roman est contenue en germe dans la disposition des lignes
géométriques de ses dessins. Zola fait asseoir cette idéologie sur deux figures dominantes de l’enfermement qui transcrivent le destin du personnage principal: le cercle et le carré. Les courbes kinésiques que Florent effectue dans l’espace se démultiplient pour former une sorte de cercles concentriques qui l’emprisonnent. Florent devient prisonnier des Halles et d’une
toile d’araignée qui se tisse entre la rue Pont-Neuf, la rue Rambuteau et la
Pointe Saint-Eustache. Il est prisonnier aussi bien de l’architecture des
Halles que de ses odeurs, comme il sera emprisonné à la fin du roman par
les forces de l’ordre du Second Empire.
Cette société gouvernée par le Bourgeois l’expulse, en considérant Florent, ce rêveur révolutionnaire, comme un corps étranger, un élément perturbateur. Un tel dénouement était déjà annoncé par l’omniprésente figure
du cercle qui, n’oublions pas, représente un schéma inclusif qui n’accueille
pas, car comme le souligne O. Lumbroso, «on reste prisonnier de cette circularité sans y être admis»29. Il s’avère donc que ces deux lignes: l’inébranlable ligne droite des représentants du pouvoir et de l’ordre bourgeois30, visible dans le dessin orthogonal des Halles et la ligne circulaire de sa déambulation, ne sont guère compatibles, étant engagées, dès le début, dans une
course asymptotique pour ne jamais se toucher31.
Tout ce qui précède fait nettement apparaître que la rivalité du visuel et
du langage se voit retournée chez Zola en un étonnant mariage des deux
systèmes, qualifiés pourtant comme incompatibles. Zola y parvient en réécrivant le tracé silencieux d’un jeu de lignes en matière vivante des aléas exis28
«Dans la valse, le couple s’isole de tout un monde ». G. B a c h e l a r d: L’air et les
songes. Paris, J. Corti, 1943, p. 151.
29
«[ ] le cercle tend davantage à la rétention qu’au transit ». O. L u m b r o s o : Zola.
La plume et le compas. La construction de l’espace dans “Les Rougon-Macquart”. Paris,
H. Champion, 2004, p. 39.
30
Zola caractérise ainsi l’un des personnages embourgeoisés : « En somme, ce garçon
était très fort, tout bête qu’il paraissait, il allait droit au but, il atteindrait sans secousses, dans une béatitude parfaite ». E. Z o l a : Le Ventre de Paris..., p. 734.
31
Bergson, dans son ouvrage La Pensée et le Mouvant, déplace le problème de la divergence irrésolue de la droite et de la courbe, sur le terrain du psychisme humain. Il
fait de la courbe et de la droite les symboles des deux attitudes opposées de la pensée :
tandis que la première représente la pensée individuelle, la droite concrétise la logique
et l’ordre immuable et elle peut s’opposer à l’intuition et à l’interiorité (4ème éd., p. 139).
58
Jolanta Rachwalska von Rejchwald
tentiels du destin humain. Cette transmutation est possible, car il cherche
inlassablement, derrière des lignes qu’on voit, le mouvement32 que l’œil ne
voit pas, quelque chose de secret, mais essentiel. Et c’est grâce à sa puissance
imaginative que cet écrivain «géométromane» actualise tout le potentiel de
la simplex linea pour se lancer dans une véritable néo-écriture capable de
transformer le réel et surtout de l’inventer.
32
«Une des caractéristiques de l’œuvre de Zola est le mouvement qui y règne ».
E. T o u l o u s e : E. Zola. Enquête médico-psychologique..., p. 205.
Anita Staroñ
Université de £ódŸ
Le puzzle façon Octave Mirbeau
ou de l’utilité des redites
L’œuvre d’Octave Mirbeau est abondante et multiforme: il fut l’auteur
d’au moins dix romans1, de neuf pièces de théâtre et de près de 1500 contes,
chroniques et articles publiés dans la presse; au faîte de sa gloire, il était l’un
des journalistes les mieux payés de son époque, et le succès de sa production
littéraire et théâtrale était considérable.
Cependant, pour peu qu’on se penche sur cette œuvre imposante, le respect devant son ampleur doit légèrement diminuer : nombre de contes et
récits sont réutilisés, quasiment sans modifications, à deux ou trois reprises:
après les avoir publiés dans une revue, Mirbeau les redistribuait à un autre
journal, pour les intégrer enfin dans un roman qu’il avait alors en chantier.
Le procédé atteint son comble avec Les 21 jours d’un neurasthénique, mais
déjà auparavant, Le Journal d’une femme de chambre ou Le Jardin des supplices étaient composés de fragments de textes publiés plus tôt, et les derniers romans, postérieurs aux 21 jours, contiennent également de longs
emprunts aux textes préexistants. De plus, deux de ses Farces et Morali1
Les trois volumes de son Œuvre Romanesque comportent, outre les œuvres signées
par lui, cinq romans qu’il aurait écrits en tant que « nègre », travaillant dans sa jeunesse
pour le compte des autres. O. M i r b e a u : Œuvre Romanesque. T. 1—3. Édition critique
établie, présentée et annotée par P. M i c h e l. Paris, Buchet/Chastel — Société Octave
Mirbeau, 2000—2001. Toutes les citations des romans de Mirbeau proviennent de cette
édition. Dans la suite des notes, on trouvera les abréviations suivantes : Œrom — Œuvre
Romanesque ; CC — Contes Cruels. T. 1—2. Paris, Les Belles Lettres/Archimbaud, 2000 ;
CE — Combats esthétiques. T. 1—2. Paris, Librairie Séguier, 1993 ; Th — Théâtre complet. T. 1—4. Paris, Eurédit, 2003.
60
Anita Staroñ
tés2 ne sont qu’une adaptation des contes parus dans la presse — et ensuite intégrés dans Les 21 jours d’un neurasthénique.
Il importe dès lors de réfléchir sur les raisons de cette fidélité à une
méthode de travail, force est de l’admettre, pas très honorable. Le plus
simple serait d’invoquer la «paresse» de l’écrivain, déplorée bien des fois par
son épouse, et qui, de nos jours, s’explique par des troubles de nature psychologique: la création était pour Mirbeau une source permanente de souffrances.
Il ahanait sur chaque mot et doutait sans cesse de la qualité de ses œuvres,
en dépit des commentaires encourageants, voire enthousiastes, de ses
collègues3. Il ne serait pas étonnant qu’il ait voulu rentabiliser les phrases
formulées au prix de tels efforts, en les réemployant dans plus d’un texte.
Toutefois, si on ne peut pas exclure une telle motivation, elle est loin d’être
la seule. L’analyse de quelques exemples de la méthode de Mirbeau devrait
prouver l’utilité de ces répétitions continues et peut-être même les investir
d’une certaine dignité.
Le mot n’est pas déplacé face aux nombreuses critiques de ses contemporains qui voyaient en effet dans ces reprises une solution de facilité. Ainsi,
Nicolas Ségur parlait, à propos du Journal d’une femme de chambre, des
«contes publiés çà et là, réunis après coup et mis sans raison dans la bouche
d’une servante afin de constituer un gros volume»4, Rachilde caractérisait Les
21 jours d’un neurasthénique de «fonds de tiroir»5, et Emile Zola regrettait
que Le Jardin des supplices ne se réduise pas à la dernière partie6. Connaissant la sensibilité de Mirbeau aux critiques qu’il estime justifiées, ne doiton pas trouver significative sa persistance dans le recours à la même méthode
dans tous ses romans ultérieurs? En effet, on peut en conclure qu’il faisait
peu de cas de ces remarques, décidé qu’il était de rompre avec les préceptes romanesques traditionnels qui exigeaient avant tout que le roman fût
« bien composé». Dès 1891, il écrivait: « Je suis dégoûté, de plus en plus, de
l’infériorité des romans, comme manière d’expression» et exprimait son désir
d’évoluer vers «des livres d’idées pures, sans le cadre du roman » 7. Détail
2
Six pièces en un acte, écrites entre 1894 et 1904 et créées dans des théâtres de
boulevard différents (Th 4).
3
Pour ne citer que les éloges de Stéphane Mallarmé à la sortie de L’abbé Jules, ou
l’admiration de Marcel Schwob, lecteur de Dans le ciel (cf. P. M i c h e l, J.-F. N i v e t :
Octave Mirbeau. L’imprécateur au cœur fidèle. Paris, Librairie Séguier, 1990).
4
N. S é g u r : Octave Mirbeau. « La Revue » 1908, 15 décembre, p. 464.
5
C.R. R a c h i l d e : Les 21 jours d’un neurasthénique. « Mercure de France » 1900,
pp. 183—186.
6
Lettre d’E. Zola à O. Mirbeau, 1 juin 1899, ancienne coll. Sickles, cité d’après
P. Michel, Œrom 2, p. 143.
7
Lettre de Mirbeau à C. Monet, début septembre 1891, Correspondance générale.
T. 2. Lausanne, L’Âge d’Homme, 2005, p. 447.
Le puzzle façon Octave Mirbeau...
61
significatif, il faisait cet aveu à Claude Monet. Or, pour qui connaît l’intérêt
passionné de Mirbeau pour l’impressionnisme, il ne fait pas de doute qu’il
devait y chercher une inspiration pour son propre travail. Bien qu’il soit
convaincu de la supériorité de la peinture sur les mots8, il n’est pas impossible qu’il ait essayé d’imiter, en littérature, le phénomène des « séries »
de Monet, procédé qui reçut sa pleine approbation. Le fait de réutiliser
les mêmes textes dans des contextes différents permettait de varier leur
interprétation, tout comme dans les séries impressionnistes, où la réalité
change en fonction de l’éclairage. Le Jardin des supplices fournit ici un bon
exemple.
Le livre est constitué de trois parties de longueur inégale. Chacune
possède une tonalité tout à fait différente. La première, le Frontispice,
relate la discussion de quelques hommes à propos du meurtre et de la disposition de chaque homme, fût-elle purement théorique, à l’accomplir.
Leurs remarques sur la pitié et la délicatesse des femmes font protester
un « homme à la figure ravagée », qui promet d’expliquer son point de
vue. Son récit occupe les deux parties qui suivent, En mission et Le Jardin
des supplices proprement dit. En mission raconte les péripéties du narrateur qui, désireux de fuir Paris à cause de sa situation embrouillée, réussit
à se faire envoyer en mission scientifique, muni de crédits importants,
alors qu’il est parfaitement ignorant dans le domaine, d’ailleurs bien illusoire, de la recherche de «la cellule primordiale... [...] l’initium protoplasmatique de la vie organisée » (p. 205). Les derniers chapitres de cette partie le
montrent à bord d’un navire, voyageant vers Ceylan, où il fait la connaissance d’une Anglaise aussi belle qu’intrigante, qui l’invite à venir vivre avec
elle en Chine. La troisième partie, intitulée Le Jardin des supplices est la
relation d’une seule journée que le couple passe au bagne chinois entouré
d’un jardin où des plantes magnifiques voisinent avec des instruments de torture raffinés.
Or, comme on l’a déjà dit, les trois parties ont préexisté séparément: le
Frontispice se compose de quelques contes publiés dans différentes revues
et dont certains remontent aux années 18809, En mission ne fait que développer un récit paru sous le même titre, d’abord en 1893, dans «L’Écho de
8
« Je suis un peintre manqué... Les mots [...], ce ne sont que des signes morts qu’en
vain on violente pour leur faire crier la vie. Tandis que la couleur, c’est la vérité directe ! » (Interview de Mirbeau par P. Gsell, « La Revue » 1907, 15 mars, CE 2, p. 426).
9
L’École de l’assassinat (« Le Figaro », 1889), La Loi du meurtre (« L’Écho de Paris », 1892), Divagations sur le meurtre (« Le Journal » 1896) et Après dîner (« L’Aurore » 1898). Pour plus de détails sur les dates, les mutations successives, les changements
de titres etc., voir la préface de P. Michel au Jardin des supplices, dans Œrom, pp. 133—
154.
62
Anita Staroñ
Paris», ensuite, en 1895, dans les colonnes du « Gaulois»10, tout comme Le
Jardin des supplices, qui avait aussi paru séparément des deux autres, dans
« Le Journal», en 1897 et 1898. Les articulations entre les trois parties sont
bien faibles, et la lacune de deux ans qui sépare la fin d’En mission et le
début du Jardin des supplices n’est aucunement camouflée. Cependant, le
fait de les juxtaposer en les précédant du Frontispice les dote d’une signification nouvelle et plus profonde. La conversation entre mondains évoque une
question centrale pour la pensée mirbellienne: le lien intime entre la vie,
l’amour et la mort. Cela donne des indices indispensables à la lecture de tout
ce qui suit. La deuxième partie, lue séparément, n’offre que l’image extrêmement critique des milieux parisiens, corrompus, cyniques et hypocrites.
Après la lecture de la troisième partie, elle se teinte d’un coloris différent:
tous les vices de l’Europe se mirent dans la peinture des mœurs de la
Chine; et l’évocation des traditions de ce pays exotique permet de critiquer
des maux bien européens. Cette influence mutuelle ajoute de la profondeur
à l’interprétation globale du roman. Il est clair que le fait de coudre ensemble des textes autonomes modifie leur signification et en permet une lecture tout à fait différente. Telle fut sans aucun doute l’intention de Mirbeau,
comme le laisse supposer sa dédicace: «aux Prêtres, aux Soldats, aux Juges,
aux Hommes, qui éduquent, dirigent, gouvernent les hommes, je dédie ces
pages de Meurtre et de Sang» (p. 163).
Nous retrouvons une technique similaire dans le roman suivant, Le
Journal d’une femme de chambre. L’histoire de sa publication s’étend sur plusieurs années et témoigne des hésitations du romancier quant au degré
d’éclatement du texte par rapport au désir de lui faire véhiculer un message
bien clair.
Les premiers éléments de l’œuvre remontent à 1891, date à laquelle elle
commence à paraître, dans «L’Écho de Paris». Après avoir publié 23 feuilletons, Mirbeau abandonne pendant quelques années le projet, et y revient
seulement au cours de l’année 1899. La version qui voit alors le jour dans
la «Revue Blanche», est sensiblement modifiée par rapport à son prototype.
La place qui nous est impartie ne nous permet pas d’entrer dans le détail de
ces changements11, mais de manière générale, ils visent une plus grande
unité de composition et ménagent davantage les habitudes des lecteurs: les
lieux et le temps du récit se précisent, le personnage de Célestine est plus
Précisons que ces « développements » consistent pour l’essentiel en l’ajout de
quelques autres contes publiés et parfois repris dans « Le Journal », dans « L’Echo de Paris » et dans « L’Aurore », notamment Colonisons, Profil d’explorateur, Un Voyageur et
La Fée Dum-dum.
11
Encore une fois, il convient de renvoyer à la préface du Journal d’une femme
de chambre, qui relate les étapes successives de la production du roman (Œrom 2,
pp. 339—367).
10
Le puzzle façon Octave Mirbeau...
63
consistant, son passé éclaire sa vie présente et explique la plupart de ses réactions. Le texte comporte plusieurs allusions à l’affaire Dreyfus. Visiblement,
engagé dans l’Affaire aux côtés des dreyfusards, Mirbeau voulait raffermir
son argumentation, et il freina ses audaces esthétiques au profit d’une plus
grande clarté du message. Mais lorsque le roman paraît en librairie12, l’affaire
Dreyfus appartient déjà au passé, ou du moins n’est plus une actualité des
premières pages. On voit alors Mirbeau « remettre sur le métier l’ouvrage»,
et aller, cette fois-ci, vers l’affaiblissement de la construction romanesque.
À ce titre, il ajoute un chapitre nouveau, composé de ses deux chroniques
antérieures13, qui n’a rien à voir avec les autres histoires rapportées par Célestine, et, en plus, se détache visiblement du reste du livre par le mode de narration. Comme l’observe Pierre Michel, il est difficile d’y voir autre chose que
la volonté de Mirbeau de critiquer, une fois de plus, les écrivains qui
sacrifient au snobisme, tel Paul Bourget ou Guy de Maupassant, et les
peintres préraphaélites qu’il abhorre. Au moment où la valeur propagandiste
de l’œuvre n’est plus tellement importante, l’écrivain peut se permettre de
regagner la voie, choisie déjà avec Dans le ciel14, de la déconstruction de l’intrigue. Son roman suivant, Les 21 jours d’un neurasthénique, obéira à ce
nouveau principe au point de ne plus offrir qu’une suite de récits des plus
variés, dont le seul lien est le personnage du narrateur, venu effectuer une
cure de vingt-et-un jours dans la montagne. Manifestement, le romancier n’a
aucun désir de camoufler un tant soit peu les coutures entre les histoires, les
réduisant à des formules délibérément artificielles:
Rencontré, hier, deux personnages assez inquiétants : un maire breton,
M. Jean Le Tregarec ; un clubman parisien, M. Arthur Lebeau.
Le maire d’abord. [ ]
Et voici M. Arthur Lebeau, le clubman parisien.
ch. XVIII
Il est significatif qu’en prépubliant ce qui allait devenir Le Jardin des
supplices ou Le Journal d’une femme de chambre, Mirbeau eut recours au
terme de «Fragments»15. On connaît la définition, formulée par Paul Bourget, de l’art de la décadence où le fragment est pourvu d’une autonomie singulière; l’importance que Mirbeau attache aux récits de quelques pages, accolés d’une manière parfaitement arbitraire, peut relever d’une telle optique.
En 1900, chez Fasquelle.
Un Dîner (« Le Journal » 1897) et Intimités préraphaélites (« Le Journal » 1895),
cf. P. M i c h e l : Préface. In : Œrom 2.
14
Paru entre 1892—1893 dans « L’Écho de Paris », publié en volume seulement en
1989, il est, à notre sens, l’une des meilleures œuvres de Mirbeau (Œrom 2).
15
Cf. P. Michel, la préface des deux œuvres dans Œrom.
12
13
64
Anita Staroñ
Cette thèse trouve la meilleure justification dans La 628-E8, qu’on a pu qualifier de «chef-d’œuvre de l’impressionnisme»16. Outre les techniques du point
de vue, auxquelles le texte doit sans doute cette appréciation, on peut très
certainement l’attribuer à l’indépendance totale des « fragments » qui s’y
juxtaposent. Encore une fois, Mirbeau s’est servi des récits publiés quelques
années plus tôt dans la presse. Mais c’est bien la première fois qu’il insiste
avec tant de force sur le caractère arbitraire de leur choix. La seule raison
d’évoquer ces histoires, ces anecdotes, ces portraits, est la fantaisie de l’auteur,
qui déclare écrire «au hasard de [s]es souvenirs et de [s]es rêves, sans trop
distinguer entre eux» (p. 298). L’arbitraire devient donc la règle majeure de
la composition — ou plutôt, de la décomposition. Certains voient dans La 628E8 l’aboutissement de l’esthétique romanesque de Mirbeau qui, selon l’heureuse
formule de Marie-Françoise Montaubin, «cultive le Rien, pour atteindre le
Tout»17. Sans conteste, le rôle des fragments réutilisés y est primordial.
Mais le jeu mirbellien de réécriture ne s’arrête pas là. Nous avons mentionné au début ses pièces en un acte dont le prototype a été fourni par les
récits, non seulement parus dans la presse, mais ensuite insérés dans Les 21
jours d’un neurasthénique. Or, pendant de longues années, Mirbeau fut un
critique acharné du théâtre contemporain. Dans son fameux pamphlet de
1882, Le Comédien, il dénonçait les mœurs outrageantes des acteurs à succès,
et attribuait leur position exceptionnelle à la médiocrité des pièces qu’on leur
donnait à jouer. Un profond dégoût pour le théâtre français, lié à la conviction de l’impossibilité d’y introduire des changements18, tint notre auteur loin
de la scène pendant bien longtemps. Cependant, les succès des pièces plus
difficiles d’accès, comme celles de Maeterlinck, de Knut Hamsun ou d’Ibsen,
entrouvrirent devant Mirbeau de nouvelles possibilités. Son début théâtral19
est propagandiste à souhait, tellement forte fut sa volonté de combattre sur
scène les idées qui lui étaient chères. Mais il resta lui-même insatisfait de
cette première pièce, et décida de diminuer le poids de la thèse au profit du
naturel. Ses «farces et moralités» réalisent ce projet avec bonheur, tout en
exploitant, selon la technique bien connue, les textes déjà parus. Cependant,
cette fois-ci, les changements doivent aller plus loin. Il s’agit d’adapter des
récits pour en faire des œuvres scéniques présentables, qui en plus devraient correspondre aux exigences formelles de leur auteur. Or, comme il
16
L. C a m p o l o n g h i : “La 628-E8” di Ottavio Mirbeau. « Il Lavoro » 1907,
26 novembre, dans : P. M i c h e l : Préface de “La 628-E8”. In : Œrom, p. 279.
17
M.-F. M o n t a u b i n : Romans d’Octave Mirbeau. Des livres où il n’y aurait rien.
Oui, mais est-ce possible ? « Cahiers Octave Mirbeau» 1995, 2, pp. 47—60.
18
Mirbeau était convaincu que le public français refuserait toute tentative d’exhausser, si peu que ce soit, le niveau des pièces, et il remettait à un avenir non précisé une
réforme quelconque dans le théâtre.
19
Les Mauvais Bergers, créé en 1897 au Théâtre de la Renaissance (Th 1).
Le puzzle façon Octave Mirbeau...
65
l’explique lui-même dans Les 21 jours d’un neurasthénique, le théâtre contemporain lui paraît insupportable à cause du jeu maniéré des acteurs, du
caractère artificiel des dialogues et des situations tant conventionnelles
qu’improbables20. En adaptant pour la scène Scrupules et Le Portefeuille, il
essaiera avant tout d’éviter ces écueils. Le résultat est satisfaisant, même de
nos jours, bien que notre écrivain mué en dramaturge y arrive selon sa propre
manière. Car s’il étoffe, comme on pourrait s’y attendre, les dialogues, et
approfondit les caractères des personnages, il n’introduit pas pour autant
d’intrigue. L’action des Scrupules se limite à l’intrusion nocturne d’un monsieur en habit, accompagné de son valet, dans un appartement richement
équipé, qu’ils se disposent à cambrioler au moment où entre son propriétaire. Tout le reste de la pièce est consacré à la discussion du gentleman-voleur et de son hôte involontaire, sur l’honnêteté — les « scrupules » éponymes — de ce premier, qui lui interdit de voler « comme tout le monde »,
c’est-à-dire en devenant un avocat, un homme du monde ou un politicien et
qui l’oblige à exercer, en dehors de ses occupations mondaines, le métier le moins
immoral, celui de cambrioleur. Tel était le contenu du récit paru en 1896
dans «Le Journal », et inséré, en 1901, dans le chapitre XVIII des 21 jours
(pp. 184—188). Sa version scénique21 précise certains détails, renforce quelques
pointes, mais elle ne diffère pas essentiellement de son prototype. Visiblement, Mirbeau n’a pas trouvé opportun d’enrichir le message initial. Il
n’en est pas de même en ce qui concerne l’adaptation d’un autre conte, Le
Portefeuille, publié dans «Le Journal» et ensuite incorporé aux 21 jours. La
pièce que Mirbeau en a tirée porte le même titre22, cependant son contenu
est considérablement modifié. L’histoire de base consistait en l’aventure d’un
SDF, comme on dirait aujourd’hui, qui trouve, un soir, un portefeuille «anonyme» avec la somme énorme de dix mille francs. Le personnage, affublé du
nom bien éloquent de «Jean Guenille»23, restitue immédiatement le portefeuille au commissariat où, après avoir glorifié son action, le commissaire se
voit obligé de l’arrêter pour délit de vagabondage.
Il n’existe pas [...] un article de loi qui vous oblige à retrouver, dans la
rue, des portefeuilles garnis de billets de banque... Il y en a, au contraire,
un qui vous force à avoir un domicile...
p. 205
Cf. Œrom 3, p. 58.
Scrupules, pièce en un acte, présentée au Grand-Guignol le 2 juin 1902. Jouée
plusieurs fois en France, elle eut également un grand succès en Allemagne. Th 4, pp. 165—
183.
22
Le Portefeuille, créé au Théâtre de la Renaissance en 1902, connut un vif succès
et fut repris à l’Odéon et au Théâtre Antoine, entre 1904 et 1909. Th 4, pp. 123—154.
23
Dans la toute première version de ce conte, le personnage portait le nom non
moins symbolique de « Jean Loqueteux » (cf. CC II, pp. 390—395).
20
21
5 Quelques...
66
Anita Staroñ
déclare-t-il, avant d’envoyer notre héros en prison. Or, dans la version scénique apparaissent deux personnages supplémentaires : un quart d’œil,
Jérôme Maltenu (une étude onomastique de l’œuvre mirbellienne ne décevrait pas...), avec qui le commissaire s’entretient à propos... du niveau lamentable des pièces de théâtre, et une prostituée, Flora Tambour, avec qui le commissaire réalise dans la vie ce qu’il critique sur la scène. Le dialogue de ce
couple introduit un autre sujet cher à Mirbeau, et qui deviendra le thème
principal de la pièce Les Amants. Mais n’anticipons rien. Toute la scène avec
Jean Guenille est considérablement amplifiée. Les répliques sont parfois
prises telles quelles dans la version romanesque, mais plus souvent elles sont
modifiées de façon à mieux souligner la malhonnêteté et l’effronterie de la
police. La présence de Flora permet, une fois le pauvre hère emprisonné,
d’articuler, mieux que dans le récit, l’injustice fondamentale des lois qui ne
sont faites que pour les riches. En même temps, Mirbeau en profite pour
montrer l’exploitation des prostituées, sujet qu’il traite souvent à cette
époque24. On comprend donc que cette fois-ci, notre auteur ait décidé d’introduire des changements beaucoup plus importants, afin de rendre plus complexe le message sur l’injustice sociale généralisée et cautionnée par l’état.
Tous les personnages ajoutés dans la version dramatique par rapport au
récit ont en effet cette fonction, ce qui approfondit la thèse, sans toutefois
l’alourdir.
De longues années de réflexion sur le théâtre, les premières pièces qu’il
se décida à écrire, ont sans doute guidé Mirbeau dans la composition d’une
pièce qui, au sens littéral, n’est pas une adaptation d’un texte déjà existant.
Cependant, il me semble que Les Amants peuvent constituer l’accord final
de cette analyse, certes non exhaustive, de l’intertextualité chez Mirbeau. Il
s’agit, là encore, d’une pièce en un acte, créée au Théâtre du Grand-Guignol
en 1901 et qui, contrairement aux saynètes précédentes, n’a pas connu de
succès25. La cause en est le plus probablement sa grande modernité. Le dialogue, qui remplace — entièrement, cette fois-ci — l’action, se déroule dans
un décor conventionnel au possible, ce que souligne le commentaire du Récitant. Selon ce personnage, un tel décor ne peut manquer d’accueillir des
amoureux qui «tour à tour [...] murmureront, gémiront, pleureront, sangloteront, chanteront, exalteront des choses éternelles... [...] Qu’est-ce que je
disais? », s’exclame-t-il un instant plus tard, à la vue d’un couple qui s’approche (p. 106). Mais la conversation entre l’Amant et l’Amante révèlera progressivement l’abîme de l’incompréhension entre l’homme et la femme, tout
24
Octave Mirbeau composa L’Amour de la femme vénale où il montrait l’exploitation des prostituées et en analysait les raisons (publié en 1994, chez Indigo-Côté
Femmes).
25
Th 4, pp. 103—117.
Le puzzle façon Octave Mirbeau...
67
en offrant la parodie des dialogues conventionnels du théâtre de l’époque.
Mirbeau joue habilement sur plusieurs registres, en touchant à la dimension
existentielle de l’homme, sans pour autant renoncer au caractère comique de
la scène. Les répliques stéréotypées parodient toutes les pièces que Mirbeau a critiquées dans ses chroniques26. En même temps, elles formulent un
reproche plus fondamental, envers la vision de l’amour proclamée par l’art,
totalement fausse selon notre auteur, d’un amour « frisé, pommadé, enrubanné, qui s’en va pâmé, une rose au bec, par les beaux clairs de lune, racler sa guitare sous les balcons»27. Enfin, sans cette fois reprendre mot pour
mot ses autres textes, le dramaturge développe le sujet esquissé dans quelques-uns de ses contes, notamment dans Vers le bonheur, et dans la saynète
évoquée plus haut, Le Portefeuille.
La réécriture est indubitablement une des qualités essentielles du style
de Mirbeau. Il lui arrive parfois de transcrire des paroles réellement prononcées par ceux qu’il entend critiquer, comme dans le cas du ministre
Georges Leygues selon qui « l’état ne peut autoriser qu’un certain degré
d’art»28, ou dans celui du général Archinard, auteur de phrases sanguinaires
que Mirbeau recopie à plusieurs reprises. Mais avant tout, il réutilise les fragments de ses propres textes, en les plaçant dans des contextes différents. On
ne peut pas nier qu’il gagne ainsi en nombre de pages, mais cela ne semble
pas sa motivation principale. Il est évident qu’il se sert de ce procédé avec
une grande lucidité, en visant toujours un objectif précis. Bien au-delà des
mêmes formules, ce sont les mêmes idées, essentielles pour sa philosophie,
qui reviennent sous sa plume. Et avec elles, l’espoir d’accéder à un public
beaucoup plus large que celui que pourrait atteindre une publication isolée.
En même temps, Mirbeau réalise ses conceptions esthétiques qui lui font
préférer le fragment au texte monolithique, et le conduisent vers des
expériences équivalentes aux «séries» de Claude Monet. Même aujourd’hui,
le résultat n’est pas décevant, et la « réécriture » de Mirbeau invite bien
souvent à la « relecture» de ses œuvres.
L’épigraphe du manuscrit de la pièce insistait sur ce caractère universel : « Rien
n’est beau que l’Amour./ Tout le monde, passim » (Notes, 117).
27
Déjà en 1886, dans son premier roman Le Calvaire, il s’oppose à cette vision idyllique de l’amour (Œrom 1, p. 179).
28
Cité par Mirbeau à plusieurs reprises : voir Notes des 21 jours d’un neurasthénique..., et CE II, pp. 312, 402 et 444.
26
5*
Krystyna Wojtynek-Musik
Université de Silésie, Katowice
Deux versions du motif de fleurs
dans la poésie d’Arthur Rimbaud
Le chemin poétique rimbaldien peut être caractérisé assez précisément par
deux poèmes, consacrés au même motif : Ce qu’on dit au poète à propos de
fleurs (1871)1 et Fleurs (dont le moment de la production n’est pas certain
1872—1874?)2. Dans le premier de ces textes, le poète ridiculise l’esthétique
du Parnasse, en attaquant à la fois la conception bourgeoise et capitaliste de
l’art utilitaire. Dans le second, cependant, il crée son propre spectacle floral fantastique pour exprimer un certain modèle de beauté, possible seulement dans l’imagination individuelle, très arbitraire et productive.
Les liens ambivalents de Rimbaud avec le Parnasse doivent s’expliquer
sous le jour de son premier culte et de sa première révolte en même temps.
Dans sa lettre du 24 mai 1870, adressée à Théodore de Banville, le jeune
poète (qui à cette époque n’a que dix-sept ans) écrit:
Cher Maître [...] Dans deux ans, dans un an peut-être, je serai à Paris. — Anch’io, messieurs du journal, je serai Parnassien ! — Je ne sais
ce que j’ai là ... qui veut monter ... — Je jure, cher maître, d’adorer toujours les deux déesses, Muse et Liberté3.
Il confesse donc à Banville son admiration pour la poésie parnassienne,
ses ambitions artistiques et son besoin de se sentir libre dans tous les do1
A. R i m b a u d : Œuvres complètes. Dir. A. A d a m. Paris, Gallimard, „Bibliothèque
de la Pléiade”, 1972, pp. 55—60.
2
Ibidem, p. 141.
3
Ibidem, p. 236.
Deux versions du motif de fleurs...
69
maines. Apparaissent alors ses premiers poèmes: Sensation, Soleil et Chair,
Ophélie, Le Forgeron, Le Buffet, Ma Bohème, Les Corbeaux, Tête de faune, où
l’influence du Parnasse se laisse saisir dans le goût de Rimbaud pour le détail
descriptif et pour le pittoresque extérieur. Ce qui le distingue néanmoins de
la convention «de l’art pour l’art» c’est un mouvement intérieur et une inquiétude secrète, bien perceptibles au contact avec des textes cités. Comme l’indique Michel Butor: «Pour les Parnassiens, la poésie devint immobilité [...],
pour Rimbaud, il faut que l’image durable soit en même temps mobile»4.
Un an est passé et Arthur annonce sa rupture radicale avec la doctrine
parnassienne. Il le fait au moyen d’une autre lettre à Banville, écrite le 15
août 18715, à laquelle il joint le poème qui nous intéresse ici particulièrement:
Ce qu’on dit au poète à propos de fleurs. Après avoir vanté tout de même les
vers de son ex-Maître6, dans sa lettre Rimbaud déclare son autonomie,
exprimée dans une poésie ironique, scandaleuse mais bien nouvelle surtout
au niveau de l’imaginaire. Le poème Ce qu’on dit au poète à propos de fleurs
est divisé en 5 parties qui donnent en somme 40 quatrains, composés d’octosyllabes à rimes croisées.
Voilà quelques premières strophes du texte en question:
À Monsieur Théodore de Banville
I
Ainsi, toujours, vers l’azur noir
Où tremble la mer des topazes,
Fonctionneront dans ton soir
Les Lys, ces clystères d’extases !
À notre époque de sagous,
Quand les Plantes sont travailleuses,
Le Lys boira les bleus dégoûts
Dans tes Proses religieuses !
— Le lys de monsieur de Kerdrel,
Le Sonnet de mil huit cent trente,
Le Lys qu’on donne au Ménestrel
Avec l’oeillet et l’amarante !
Des lys ! Des lys ! On n’en voit pas !
Et dans ton Vers, tel que les manches
4
M. B u t o r : Improvisation sur Rimbaud. Essai. Giromagny, Éd. De la Différence,
1989, p. 37.
5
A. R i m b a u d : Œuvres complètes..., p. 258.
6
Ibidem, p. 258 : « J’aimerai toujours les vers de Banville ».
70
Krystyna Wojtynek-Musik
Des Pécheresses aux doux pas,
Toujours frissonnent ces fleurs blanches !
Toujours, Cher, quand tu prends un bain,
Ta chemise aux aisselles blondes
Se gonfle aux brises du matin
Sur les myosotis immondes !
L’amour ne passe à tes octrois
Que les Lilas, — ô balançoires !
Et les Violettes du Bois,
Crachats sucrés des Nymphes noires !...
II
O Poètes, quand vous auriez
Les Roses, les Roses soufflées,
Rouges sur tiges de lauriers,
Et de mille octaves enflées !
Quand BANVILLE en ferait neiger,
Sanguinolentes, tournoyantes,
Pochant l’oeil fou de l’étranger
Aux lectures mal bienveillantes !
De vos forêts et de vos prés,
O très paisibles photographes !
La Flore est diverse à peu près
Comme des bouchons de carafes !
Toujours les végétaux Français,
Hargneux, phtisiques, ridicules,
Où le ventre des chiens bassets
Navigue en paix, aux crépuscules ;
Toujours, après d’affreux dessins
De Lotos bleus ou d’Hélianthes,
Estampes roses, sujets saints
Pour de jeunes communiantes !
[...]
La critique de Rimbaud porte avant tout sur les associations standardisées, utilisées par les poètes du Parnasse et dans la longue tradition lyrique. Il se moque sans pitié de l’expression excessive du sentimental, té-
Deux versions du motif de fleurs...
71
moignée par l’usage des couleurs traditionnelles: le blanc et le rouge, par la
forme recherchée des corolles, par l’origine délicate des fleurs, par leurs
métaphores connotant toujours les mêmes idées. Dans le cas des «lys» c’est
la pureté, la virginité, la sainteté, l’extase religieuse, alors que dans le cas des
«roses» c’est l’amour, la passion ou la douleur. Dans la poésie d’autrefois, ces
deux groupes favoris pouvaient être complétées, à la rigueur, par d’autres
fleurs belles et subtiles comme, par exemple, les «lilas», «violettes», «œillets»
ou « amarantes ». Cependant ce qui se répète dans cette tradition c’est
une nette opposition de telles fleurs aux plantes utiles et «travailleuses» de
l’époque capitaliste, telles que «sagou», «caoutchouc», «tabac», «cotonnier»
ou « pommes de terre ». Elles restent aussi loin des plantes fantastiques
pareilles à «d’affreux dessins / De Lotos bleus ou d’Hélianthes», créées dans
l’imagination d’un peintre (mais possibles à voir à l’époque dans l’édition des
poèmes de Banville: Odes funambulesques7).
Un choix assez réduit de fleurs et de plantes dans la poésie lyrique
française jusqu’à la deuxième moitié du XIXe siècle offre à son lecteur une
image déformée «des végétaux Français, / Hargneux, phtisiques, ridicules»
qui ne rappellent que « des bouchons de carafes» ou bien provoquent l’association avec des « estampes roses, sujets saints / Pour de jeunes communiantes». En tout cas, les images florales conventionnelles n’ont rien de fantaisie libre, de réalisme intelligent ni de hardiesse connotative. Le poète moderne, auquel Rimbaud s’adresse, doit enfin avoir le courage de renouveler
l’imaginaire botanique pour le rendre plus actuel, concret, utile et surtout
productif où il y aurait de nouveaux liens entre les plantes et de nouvelles
combinaisons d’éléments — insolites et choquantes. Ainsi la critique rimbaldienne du lyrisme poétique traditionnel, comme trop sentimental et banal,
rejoint sa satire de la recherche obstinée de l’utile. En ironisant sur deux
points de vue en même temps, celui de l’esthétique déjà bien «fânée» et celui
de l’économie capitaliste aveuglée par son calcul, Arthur arrive à créer ses
propres images florales sans précédent. Il opère dans deux directions: d’abord
il présente des connotations négatives que, selon lui, il faut éviter dans la
poésie moderne (catalogue I), ensuite il énumère des associations préférables, adéquates à l’époque et pourtant intéressantes aussi sur le plan formel
(catalogue II).
I. Parmi les images blâmées il y a:
— « les Lys, ces clystères d’extases ! » — le mélange du pathétique avec le
physiologique;
— « les Violettes du Bois, crachats sucrés des Nymphes noires» — la combinaison du beau mythique avec la substance répugnante d’origine louche;
7
C’est A. Adam qui s’y réfère dans ses Notes faites à l’édition citée : A. R i m b a u d :
Œuvres complètes..., p. 907.
72
Krystyna Wojtynek-Musik
— « vieilles verdures, vieux galons! O croquignoles végétales» — l’association du vert avec le vieux, dur et privé de fraîcheur;
— «tas d’œufs frits dans de vieux chapeaux, Lys, Açokas, Lilas et Roses» —
la connotation des fleurs avec le plat trivial, désagréable, laid et qui sent
mal;
— «ces poupards végétaux en pleurs [...] qu’allaitèrent de couleurs de méchants astres à visières» — la comparaison des fleurs aux enfants nouveau-nés mal nourris et mal aimés.
II. Les images recommandées se présentent que voilà:
— «les fleurs, pareilles à des mufles, d’où bavent des pommades d’or sur les
cheveux sombres des Buffles» — le mélange du floral avec le zoologique
et le minéral précieux, fort recherché sur le marché;
— « des Calices pleins d’Œufs de feu qui cuisent parmi les essences » — la
connotation des fleurs avec la cuisine, le feu et quelques parfums raffinés;
— «[trouve] des Fleurs qui soient des chaises» — la comparaison des fleurs
aux meubles, donc aux objets fonctionnels et pratiques;
— « des fleurs presque pierres, — fameuses! — qui vers leurs durs ovaires
blonds aient des amygdales gemmeuses» — l’association du botanique et
des pierres précieuses;
— «des ragoûts de Lys sirupeux mordant nos cuillers Alfénide» — la combinaison des fleurs avec les plats de sucre et le couvert élégant.
La conclusion sur la valeur commerciale des motifs botaniques, qu’ils
soient exploités conventionnellement ou non, sonne dans ce poème d’une
façon ironique, plaignant leur modeste utilité marchande:
En somme, une Fleur, Romarin
Ou Lys, vive ou morte, vaut-elle
Un excrément d’oiseau marin ?
Vaut-elle un seul pleur de chandelle ?
Du point du vue capitaliste, les fleurs perdent nettement avec les objets
fonctionnels et même avec les excréments, bons pour fertiliser la terre. Tout
ce qui se prête à l’utilisation pratique et procure des avantages financiers
vaut plus du beau seulement visuel et émotionnel.
En se moquant de l’esthétique de son temps, Rimbaud n’hésite pas à situer les fleurs parmi les objets laids («clystères», «vieux galons», «vieux chapeaux»), les excréments, les produits gastronomiques («croquignoles végétales», «tas d’œufs frits», «ragoûts»), les meubles («chaises»), les animaux
(«des mufles »), les pierres. Elles perdent ainsi leurs douces qualités affectives pour gagner, en revanche, des valeurs commerciales, utilitaires et
consommatrices. Selon Yves Bonnefoy: «Le tangible, le nutritif dans ce qui
Deux versions du motif de fleurs...
73
n’était qu’agrément, disent la valeur enivrante de l’Inconnu. Et dégrader
l’être en utile et le lyrisme en commerce a une valeur polémique, contre la
stérile beauté»8. La flore rimbaldienne s’éloigne beaucoup des connotations
vraisemblables au profit des combinaisons fantastiques où le principe du probable se trouve remplacé par celui de l’inventé et de l’arbitraire. Dans sa
fonction de «voleur de feu»9 le poète sent le courage de puiser dans chaque
espace et chaque domaine d’impulsions et d’effets afin d’exprimer son
expérience particulière, libre de préjugés. Ni la convention ni les règles du
marché ne peuvent l’entraver dans cette mission:
Et les poteaux télégraphiques
Vont orner, — lyre aux chants de fer,
Tes omoplates magnifiques.
Les temps nouveaux exigent l’art avant tout courageux, dynamique,
ouvert à toutes les dimensions de la réalité sans les jugements de valeur obligatoires dans le passé.
Après avoir ridiculisé et bouleversé tant ses collègues du Parnasse que
les enthousiastes de l’art commercial dans Ce qu’on dit au poète à propos de
fleurs, quelque temps après Rimbaud offre au public sa deuxième version de
Fleurs10, écrite en vers libre et publiée dans le cycle d’Illuminations. Cette
fois il ne s’agit plus de polémiser ni d’ironiser, mais de produire tout à fait
au sérieux un grand spectacle floral plein de luxe oriental, de beau et de
magie.
D’un gradin d’or, — parmi les cordons de soie, les gazes grises, les velours verts et les disques de cristal qui noircissent comme du bronze au
soleil, — je vois la digitale s’ouvrir sur un tapis de filigranes d’argent,
d’yeux et de chevelures.
Des pièces d’or jaune semées sur l’agate, des piliers d’acajou supportant un dôme d’émeraudes, des bouquets de satin blanc et de fines verges
de rubis entourent la rose d’eau.
Tels qu’un dieu aux énormes yeux bleus et aux formes de neige, la mer
et le ciel attirent aux terrasses de marbre la foule des jeunes et fortes
roses.
La vision citée se compose de nombreuses couleurs (gris, vert, noir,
jaune, rouge, blanc, bleu), de substances souvent précieuses (or, argent, soie,
Y. B o n n e f o y : Rimbaud. Paris, Seuil, 1961, p. 59.
A. R i m b a u d : Œuvres complètes , p. 252 : « Donc le poète est vraiment voleur
de feu ».
10
Ibidem, p. 141.
8
9
74
Krystyna Wojtynek-Musik
agate, acajou, émeraude, satin, rubis, gaze, velours, cristal, bronze, cordon,
tapis, marbre), de formes architecturales (gradins, piliers, disques, verges,
dôme, terrasse), d’éléments naturels (soleil, mer, ciel, neige, digitale, roses,
chevelure, yeux) et d’un motif mythique (dieu). Tout se plonge dans la lumière grâce au jeu de certains éléments de matière (pierres précieuses,
métaux, filigranes, soie, gaze) et du soleil. La minéralisation de l’image lui
donne une qualité contemplative; chaque détail arrête le regard et impose
un moment de contemplation. Le mouvement qui y est tout de même perceptible, mais s’accroît lentement à l’instar du crescendo musical pour devenir
plus intense seulement à la fin, quand les « jeunes et fortes roses » commencent leur marche vers quelque dieu mystérieux, métaphorisé par la mer
et le ciel. La direction du mouvement est verticale, mais il se passe dans
l’espace de l’équilibre entre les éléments ascendants : « les gradins », « les
piliers» et «les verges» avec les formes horizontales: «les disques», «un tapis»,
« un dôme», «des terrasses». Cela produit un ensemble harmonieux et bien
mesuré. La lumière, la préciosité et la transparence de plusieurs composants,
« les yeux » du tapis, l’animation de la digitale et des roses associées à la
figure finale de dieu ajoutent au spectacle une valeur presque métaphysique pour suggérer le rapport intégral entre le beau et le divin. D’après
Alain Borer: « [le poème] Fleurs est, en quelque sorte, le point d’orgue de
Rimbaud dans la rêverie du végétal »11. Le poète construit un texte élégant
et raffiné qui a son charme sublime et qui porte la satisfaction profondément
esthétique.
La comparaison des deux poèmes rimbaldiens sur le motif floral fait voir
de nombreuses différences entre eux: le vers régulier contre le vers libre, la
composition strophique contre le texte continu, le choc rhétorique contre le
raffinement verbal, le dégoût des choses contre le beau de l’imaginaire, le ton
trivial contre l’élégance d’expression, le sarcasme contre l’enchantement,
l’actuel contre l’universel, l’utile contre le gratuit, la consommation contre
la contemplation. En adoptant la typologie de Mieczys³aw Wallis12, les valeurs «agressives», marquant la tonalité et le message du poème Ce qu’on dit
au poète à propos de fleurs, cèdent la place aux valeurs « douces » du texte
Fleurs. Les deux poèmes signalent en fait l’évolution de la poésie de Rimbaud dont l’apogée constitue l’expression libre de sa propre productivité visionnaire et poétique. Cette évolution témoigne aussi de la matûrité psychique
d’Arthur qui n’a plus besoin d’offenser ni de provoquer pour se sentir libre
et autonome, et qui sait déjà construire son propre modèle esthétique, divers
de ceux que l’histoire de la littérature française connaissait jusqu’alors.
A. B o r e r : Arthur Rimbaud. Œuvre — Vie. Éd. du centenaire établie par A. B o r e r et A. M o n t è g r e. Paris, Arléa, 1991, p. 1171.
12
M. W a l l i s : Prze¿ycie i wartoœæ. Kraków, WL, 1968, pp. 189—192.
11
Barbara Sosieñ
Université Jagellonne, Cracovie
Le mythe de la reine de Saba réécrit:
Nerval et Nodier
C’est la Bible qui s’érige en hypotexte de tout texte réécrivant l’histoire de la reine de Saba. D’autres s’y joignent et proposent leurs variantes
ou versions de la célèbre rencontre du roi Salomon et de la souveraine,
deux monarques fabuleux, dressent leurs portraits potentiels et leur donnent
d’autres noms. Ainsi, la Bible hébraïque parle de la reine de Szeba (en
hébreu: Sheba), le Coran (sourates 27 et 34) la nomme Bilqis ou Balkis,
alors que la Kebra Nagast (Gloire des Rois), texte du XIII—XIVe siècle,
rédigé en guèze, dialecte éthiopien, traduit au XXe siècle en langues occidentales, parle de Makéda. Les légendes orientales la nomment aussi Balqama, Nicanta, Nikaule, Nicaula, Nictoris... Quel que soit le nom de la belle
reine, attirée par la renommée et splendeur du souverain, elle arrive toujours du pays de Saba, royaume lointain, situé en Arabie heureuse,
soit au Yemen actuel, ou peut-être plus loin, en Afrique noire, Éthiopie
ou Abissynie. Les critiques et commentaires l’identifient parfois avec la
femme au teint basané, la « bien aimée » du Cantique des cantiques qui
déclare:
Je suis noire, mais belle, filles du Jérusalem. [...]
Ne me méprisez pas si je suis noircie, le soleil m’a brûlée1.
1
Ainsi dans la traduction de Paul Vulliaud. Et voici le même fragment selon une traduction récente, celle d’André Chouraqui (1987) :
Moi, noire, harmonieuse, filles de Ieroushalaîm [...]
Ne me voyez pas, moi, la noirâtre ; oui, le soleil en moi c’est miré.
76
Barbara Sosieñ
Effectivement, de nombreuses allusions à sa solarité quasiment physique
ainsi qu’au culte solaire pratiqué par la royale visiteuse accompagnent les
représentations de la reine de Saba que les écrivains romantiques proposent.
Les principaux textes relatifs à la reine sont La Fée aux miettes de Charles
Nodier (1829) et L’Histoire de la reine du Matin et de Soliman, prince des
génies, contenue dans le Voyage en Orient de Gérard de Nerval (1851)2. Le
titre du roman de Nodier non seulement ignore le nom masculin du couple
mythique indissociable et occulte l’identité de la figure féminine, mais
surtout il en annonce le caractère grotesque, burlesque, parodique et romantique à souhait. Car, en effet, quelle est « la Fée » et quelles sont « les
miettes» du titre? Nodier ne s’empresse pas d’en dévoiler le secret, au contraire, le récit multiplie les questions sur l’identité de l’héroïne. Est-elle une
vieille sorcière (« J’imagine qu’elle a plus de trois mille ans, mais elle n’en
paraît guère que deux cents», avoue le héros, p. 158) ou une jeune fée?, mendiante ou princesse?, gentille marraine ou amante passionnée?, pauvre ou
riche?, réelle ou rêvée?, sage ou folle?... Un être vivant, enfin, ou le troublant portrait renfermé dans un médaillon en émail, qui s’anime, sourit
d’aise ou s’attriste: «[...] le ressort s’ouvrit [...] le céleste sourire de ses lèvres
[...] répondait à ma pensée » (p. 211); «[...] le portrait de Belkiss [...] palpitait contre mon coeur comme un autre coeur» (p. 234); «j’avais poussé le ressort [du] médaillon [...] Belkiss pleurait» (p. 258)? Ce n’est que lentement,
à petits pas (ou plutôt petits bonds, compte tenu de la très ludique propension de la Fée à sautiller, virevolter, danser, apparaître et disparaître, avec sa
béquille, ou sa baguette...) que Michel, le protagoniste (partant, le lecteur), aura
découvert l’identité de l’héroïne éponyme. La minuscule et ridicule vieille
femme du porche de l’église de Grandville, petit village de Normandie, près
du Mont Saint-Michel, la mendiante qui se nourrit des miettes de pain jetées,
l’extravagante naine «dentue, difforme et ridicule» (p. 273) ainsi que la dame
du portrait qui, parfois, « rit à faire éclater l’émail » (p. 247)3 n’est autre
que la reine de Saba venue sur la terre des temps immémoriaux, telle la
2
Les citations renvoient aux éditions : Ch. N o d i e r : Contes. Moscou, Éditions « Radouga », 1985 ; G. de N e r v a l : Œuvres complètes. T. 2. Paris, Éditions Gallimard, 1984.
Les chiffres entre parenthèses indiquent la page. Nous retrouvons le personnage de la
reine de Saba, l’une des plus importantes nervaliennes figurations féminines, successivement dans La Bohême galante (1852), Petits châteaux de Bohême (1853) et Aurélia
(1855). Le livret de l’opéra de Charles Gounod La reine de Saba (1862), inspiré par le
texte de Nerval, a été rédigé par Jules Barbier et Michel Carré, et dédié au comte Walewski.
3
Voir M.S. H a m e n a c h e m : Charles Nodier. Essai sur l’imagination mythique. Paris, Nizet, 1972, pp. 189—190 : « Le médaillon est de fait un miroir ; il rend l’expression de celui qui le contemple [...] Le médaillon qu’il reçoit [...] des mains de la mendiante lui offre la preuve incontestable que l’idéal existe [...] ».
Le mythe de la reine de Saba...
77
«princesse lointaine la souveraine de tous les royaumes inconnus de l’Orient
et du Midi» (p. 220), «l’auguste reine des îles d’Orient» (p. 240), et «l’héritière [...] de la couronne de Salomon » (p. 240). Or, si les gamins du coin la
surnomment «fée», c’est parce qu’elle dépasse les adultes en connaissance
de toutes choses et langues: aucun être ordinaire ne saurait dominer tant de
matières, les enfants ne se trompent pas ! Mais elle est fée aussi d’une
autre manière, et même de plusieurs, les unes plus surprenantes que les
autres. Pour reconnaître en elle Belkiss, la souveraine orientale d’une beauté
séduisante et d’une sagesse sans pareille, la « princesse de l’Orient et du
Midi » (p. 189), l’enchanteresse « femme radieuse » (p. 206) pour laquelle
Salomon «fait bâtir le palais» (p. 138), le charpentier Michel, enfant trouvé,
aura mis beaucoup de temps. Cette révélation, ainsi que la passion amoureuse
de celle dont il adore le portrait magique et devient fiancé, ensuite époux en
de secrètes, fantastiques et oniriques noces, il les aura payées d’un état second qui s’emparera de lui et que la société qualifiera de folie. S’il ne paie
pas de sa vie sa liaison avec la princesse (ce qui arrivera à l’amant de la reine
nervalienne), sa raison s’égare, suivant la commune mesure, et il traverse
le monde en quête d’une « mandragore qui chante », pour sauver la vie et
l’amour de Balkiss. Le narrateur aura connu son histoire lors d’une visite
à l’hôpital des fous, nommé la maison des « lunatiques» et situé à Glasgow,
en Ecosse. Michel, le plus singulier des «lunatiques», ressemble, de par ses
accoutrements scintillant de pierreries, à quelque richissime prince d’Orient
mais y est interné, dans l’état d’extase permanente. L’amour d’une séduisante
femme maternelle, défiant le temps, reine, sirène, magicienne ou fée, à la
fois Mélusine venue de l’autre monde et Morgane y enlevant le mortel, rendil fou l’homme ordinaire? Cependant, il s’agit bien d’une folie libératrice, de
celle dont les romantiques ont su célébrer la valeur ascensionnelle puisque
Michel se serait finalement évadé de la maison des fous «par l’air, en se balançant à la hauteur des tourelles de l’église catholique, avec une fleur à la
main et chantant [...] on ne savait pas si ces chants provenaient de la fleur
ou de lui» (p. 310).
En ce qui concerne le titre nervalien, la reine de Saba y est nommée en
apposition avec le roi Salomon. L’auteur choisit pour elle une épithète inspirée de la tradition orientale : la « Reine du matin » ; tandis que le roi est
appelé «Soliman, prince des génies» (peut-être seigneur des «jinns», ces êtres
fantastiques qui peuplent le monde préislamique?). Effectivement, dès la
première phrase du récit, le nom du Sage est arabisé encore plus nettement:
« Soliman Ben Daoud » (p. 671), et non « Salomon fils de David », conformément à la Bible. Bien que l’écrivain ait du mal à se détacher du modèle
que l’hypotexte biblique véhicule et impose, il y arrive en déformant, entre
autres, les noms des personnages et lieux, déplaçant les accents, tantôt paro-
78
Barbara Sosieñ
diant, tantôt poétisant ses modèles. Si tout porte à croire que la principale
source de sa connaissance de l’Orient lui vient de la Bibliothèque orientale
de Barthélemy Herbelot4, il a sans doute puisé à larges mains dans d’autres
sources, surtout dans des traditions orientales hétéroclites et se dérobant au
dépouillement exhaustif du chercheur. Ainsi, chez Nerval comme chez Nodier,
non seulement la réécriture des données hypotextuelles concerne les
différents niveaux des textes, mais surtout les hypotextes n’y sont pas que
des académiques «sources d’inspiration», ou emprunts, mais forment plutôt
une sorte de tremplins nécessaires à une (re)création indépendante, partant,
une écriture originale. À part le titre, telle l’ouverture du drame et la présentation nominale des drammatis personnae, quelle est la nature de cette histoire ancienne à nouveau contée?
Dans des textes vétérotestamentaires, la reine de Saba n’a ni place ni
fonction autonomes. Elle fait partie de l’histoire du roi Salomon dans la mesure où elle vient lui rendre visite:
La reine de Saba avait entendu parler de la rénommée [de] Salomon
[...] Elle arriva à Jérusalem avec une suite très imposante, avec des chameaux chargés d’aromates, d’or en grande quantité et de pierres précieuses.
I, Rois, 10, 1—2
Par contre, c’est Salomon avec ses nombreuses activités, sa richesse, sagesse, diplomatie, justice et son intelligence qui a droit aux longs chapitres,
notamment dans le I. Livre des Rois (1—10), les Chroniques, et chez
quelques prophètes. Dans les Évangiles, la reine est nommée «reine de Midi»
(ainsi chez Matthieu et Luc; l’épithète nervalienne «du Matin» renvoie à la
tradition arabe); la mention semble brève et évasive. Nénmoins, son rôle,
bien qu’énigmatique, semble important, puisqu’elle sera venue pour intervenir et condamner... Les deux Évangélistes ne négligent pas sa visite chez Salomon, aussi l’allusion à ce moment fondateur de la double légende, s’y retrouve-t-elle et s’articule assez nettement:
Lors du jugement, la reine du Midi se lèvera avec cette génération et
elle la condamnera, car elle est venue du bout du monde pour écouter la
sagessse de Salomo n; eh bien ! ici il y a plus que Salomon.
Mt, XII, 42
L’entrée de cette voyageuse exotique dans la Bible, et, par conséquent,
dans la littérature, recoupe celle de son entrée à Jérusalem. Les Écritures
Barthélemy H e r b e l o t d e M o l a i n v i l l e, Bibliothèque orientale, ou dictionnaire universel contenant tout ce qui regarde la connoissance des peuples de l’Orient, version définitive 1679 ; nombreuses réimpressions.
4
Le mythe de la reine de Saba...
79
précisent que la reine est venue de très loin, poussée par la curiosité et la
soif de la sagesse salomonienne; il s’agit peut-être d’une visite diplomatique?
Voici des fragments de la Bible:
La reine de Saba avait entendu parler de la renommée [...] ; elle vint
le mettre à l’épreuve par des énigmes. Elle arriva a Jérusalem avec une
suite très imposante, avec des chameaux chargés d’aromates, d’or en grande
quantité et de pierres précieuses. [...] Salomon lui donna la réponse à
toutes ses questions [...] La reine de Saba vit toute la sagesse de Salomon
[...] et elle en perdit le souffle [...] Elle donna au roi cent vingt talents d’or,
des aromates en très grande quantité et des pierres précieuses [...]. Le roi
Salomon accorda à la reine de Saba tout ce qu’elle eut envie de demander
[...] Puis elle s’en retourna et s’en alla dans son pays [...].
I, Rois, 10
La magnificence du cortège de la reine arrivant à Jérusalem résulte autant de l’exotisme (« chameaux ») que de la richesse des cadeaux qu’elle
offre à Salomon (« or, aromates, pierres précieuses»), alors que la sagesse,
magnificence et logistique salomoniennes impressionnent le plus vivement
la royale invitée, au point de lui «couper le souffle». Or, dans le texte de Nerval, les accents s’inversent immédiatement: c’est bien l’arrivée de la reine
qui non seulement «coupe le souffle» à tout le monde, mais subjugue, enchante et enivre l’assistance. La beauté radieuse de la reine éblouit les habitants de Jérusalem, comme si c’était d’elle, de la femme étrangère, non
juive, et non de Salomon qu’émanait toute la splendeur. L’or qu’elle offre au
roi (lequel en fera la principale source de sa puissance, comme en témoigne
la Bible, mais dont Nerval raille l’usage outrancier), elle semble le porter en
elle-même, dans tout son être. Par contre, le Salomon nervalien en met
d’énormes quantités sur son corps, en décore ses habits et son entourage:
Sa couronne était d’or et sa robe était d’or ; [...] l’or brillait sur son
ceinturon [...] sa chaussure d’or se posait sur un tapis passementé de dorures ; son trône était fait en cèdre doré.
p. 680
on remarquera que la Bible ne lésine pas non plus sur l’omniprésence du
doré chez Salomon. Et Nerval d’ajouter tout de suite, en contrepoint:
Assise à ses côtés, la blanche fille du matin [...] avait l’air d’un lis
égaré dans une touffe de jonquilles.
p. 680
On y entendrait immédiatement la strophe du Cantique...: « Tel un lis
parmi les épines, telle ma compagne parmi les filles».
80
Barbara Sosieñ
Pourtant, avant qu’elle ne se présente au roi et à sa cour, c’est un certain
Benoni, l’obscur et humble apprenti, qui la décrit à son maître. Celui-ci est
Adoniram, l’architecte de génie et le constructeur du temple au service du
roi5, bientôt le rival heureux de Soliman. Le personnage fictif et synthétique
d’Adoniram semble résulter autant du nervalien imaginaire syncrétique que
de la projection inconsciente des pulsions et désirs cachés de l’auteur6.
Le moment de l’entrée de la reine inspirée de l’image biblique se fait, chez
Nerval, quasiment peinture; notamment, la «toile» nervalienne aurait pu
être rapprochée soit de celle executée par Piero de la Francesca, ascétique
et sublime dans sa manière d’évoquer la fameuse visite, soit, et davantage,
de celle de Charles Gleyre, peintre suisse, orientaliste et académique, maître
des impressionistes7. La représentation nervalienne de la scène frappe par son
aspect particulièrement dynamique: la reine de Saba avance vers Soliman
dans un sillage lumineux et mouvant, suivie de l’immense cortège bariolé,
composé d’hommes et d’animaux exotiques chargés de pierreries et d’or:
Les étoiles du ciel sont moins nombreuses que les guerriers qui suivent
la reine. Derrière elle apparaissent soixante éléphants blancs chargés de
tours où brillent l’or et la soie ; mille sabéens à la peau dorée par le soleil
s’avancent, conduisant des chameaux [...] les abysinniens, armés à la
légère, et dont le teint vermeil ressemble au cuivre battu. Une nuée
d’Ethiopiens noirs comme l’ébène circulent ça et là [...].
p. 575
Il importe de remarquer la gradation des couleurs dans cette scène, sans
équivalent immédiat dans le texte biblique, ou coranique, et égalemment
5
Temple du Seigneur ou palais ? Chez Nodier, le jeune charpentier Michel, l’élu
et l’amant de la reine, déclare : « C’est moi qui fournis les solives de cèdre et les lambris de cyprès du palais que Salomon fait bâtir à la reine de Saba [ ] dans le grand désert
libyque » (p. 158) ; chez Nerval, Adoniram dirige des travaux gigantesques et embauche
« un cent mille artisans » (p. 672). La reine de Saba reconnaît immédiatement en lui « architecte [qui] est un grand artiste » (p. 688), auteur du « plan sublime », souligne « l’ordonnance admirable et la hardiesse et élégance de ses constructions » (p. 688).
6
Adoniram est un personnage particulièrement complexe : il appartient à la race de
Caïn biblique et d’Eblis islamique et semble figurer l’archétype de l’artiste romantique révolté. Nerval s’inspire aussi des deux figures bibliques différentes du même nom
mentionnées dans la Bible : « Hiram, roi de Tyr, envoya ses serviteurs vers Salomon [...]
Hiram avait toujours été un ami de David » (I, Rois, 5, 15) ; « [...] Hiram de Tyr [...] fils
d’une veuve [...] ouvrier sur bronze, [il] était plein d’habileté [...] vint chez le roi Salomon et effectua tous ses travaux » (I, Rois, 7, 13—14). Qui plus est, Adoniram nervalien
est identifié avec Hiram, le saint patron légendaire des rites maçonniques.
7
En effet, un tableau de ce peintre, La reine de Saba, peint en 1838/1839 et qui
représente le moment de l’entrée de la reine à Jérusalem, semble avoir directement inspiré Nerval.
Le mythe de la reine de Saba...
81
absent dans la Kebra Nagast. La palette ignée glisse du doré à travers le
rouge cuivrée jusqu’au noir rehaussé par le blanc doré des éléphants chargés
de présents. Enfin, le regard de Benoni, le narrateur «délégué» du récit, se
pose sur le visage de la reine. Cette vision le confond au point de troubler
sa capacité de noter les détails et les communiquer à Adoniram, il n’est capable que d’en garder une impression, ou empreinte, marque indélébile.
Pourtant, ce qui d’abord l’éblouit, avant que le mot éblouissement soit prononcé, c’est la renommée du seul nom de la reine de Saba. Aussi, avant
d’être directement représentée, sera-t-elle triplement nommée. Les résonnances évangéliques, mythiques et orientales semblent nettes et s’organisent
dans l’ordre qui suit: «Balkis, la reine du midi, la princesse d’Yémen, la divine Balkis, la reine du matin» (pp. 676, 677, 679). C’est Adoniram, bientôt
époux mystique de la reine qui aura recours à une autre, mais triple dénomination de celle dont il reconnaît, d’emblée et avant de l’avoir rencontrée,
le haut rang, la grandeur et noblesse, car il reconnaît en elle « la reine des
sabéens, la lionne, fille des patriarches» (pp. 677, 678).
Nerval applique une métastase capitale pour notre propos. À savoir, non
seulement il «islamise» le nom de Salomon, mais quasiment dépossède le roi
de ses bibliques qualités et épithètes flatteuses pour les transferer à la
reine8. En mettant dans la bouche du constructeur du temple des allusions
aux origines douteuses de Salomon, il dégrade, ridiculise et bafoue l’une des
plus grandes figures bibliques. Ainsi, Adoniram nomme Salomon « chien
domestique, l’enfant d’une fille de guerre », descendant d’une famille qui
n’est qu’un « comble d’ignominie» (pp. 676, 677, 678). La radieuse solarité
de la reine, sage, noble et sublime, n’en apparaîtra que plus absolue. La
présentation nervalienne de l’univers, bien que résultant de son abondante
glanure biblique, mythique et orientaliste, non seulement gagne en précision
picturale inconnue de ces hypotextes, mais surtout elle s’en arrache, les
dépasse et devient autonome au point de minimiser la portée de toute source
et base d’inspiration.
Voici la première impression reçue, celle que l’apprenti relate au maître:
Sa beauté éblouit. Je l’ai entrevue comme on entrevoit le soleil levant,
qui bientôt vous brûle et vous fait baisser les paupières. Chacun, à son
aspect, est tombé prosterné, moi comme les autres. Et en me relevant, j’emportai son image.
p. 678
8
«Dieu donna à Salomon sagesse et intelligence à profusion ainsi qu’ouverture
d’esprit autant qu’il y a de sable au bord de la mer » (I, Rois, 5, 9). « De tous les peuples
et de la part de tous les rois de la terre [...] des gens vinrent pour entendre sa sagesse »
(I, Rois, 5, 14).
6 Quelques...
82
Barbara Sosieñ
Certes, on tombe à genoux devant l’absolu du pouvoir, celui de la beauté
et, plus encore, devant l’épiphanie du sacré: tantum ergo sacramentum / Veneremur cernui...! Ébloui, l’homme devient incapable de noter la réalité objective d’un être placé si haut mais s’efforce de retenir l’impression que produit une reine, ou une divinité. Or, si l’homme de basse origine n’ose pas lever ses yeux vers l’apparition, Soliman, lui, ne se prosterne devant personne.
Rien ne l’empêche de regarder la reine du Midi en face, en « monarque satisfait de sa propre grandeur » (p. 680), quoiqu’il ait reconnu, dans la
splendide visiteuse, l’incarnation d’Isis : « Il voyait s’animer à ses côtés
l’idéale et mystique figure de la déesse Isis» (p. 683).
C’est la marche du soleil qui rythme les allées et venues de la reine de
Saba, aussi entre-t-elle en ville dès l’aube:
Au lever du jour suivant, Balkis, la reine du matin, franchit en même
temps que le premier rayon du soleil la porte orientale de Jérusalem.
p. 679
Balkis [...] y pénétra après avoir salué le soleil, qui déjà s’élevait [...].
p. 679
Soliman et sa suite demeurent en admiration devant la reine; dans ce portrait littéraire, une précision de miniaturiste semble rejoindre la vision épiphanique:
[...] la majesté d’une déesse et les attraits de la plus enivrante beauté, un
profil d’une adorable pureté où rayonne un œil noir [...], si bien fendu, si
allongé qu’il apparaît toujours de face à ceux qu’il perce de ses traits ; une
bouche incertaine entre le rire et la volupté [...], une expression fine,
railleuse et hautaine [...]. Ces grands yeux noirs et blancs, mystérieux et
doux [...] se jouant sur un visage ardent et clair comme le bronze nouvellement fondu, le troublaient malgré lui.
p. 582
Nerval met en image une reine de Saba solaire, aussi belle que spirituelle, tout comme il invente le personnage du constructeur du temple, artiste génial, perspicace et en tout supérieur à l’injuste souverain, réputé par
sa justice... Par conséquent, c’est l’histoire d’un autre couple, méconnu de
la tradition qu’il (ré)écrit. Dans le déploiement du récit, de multiples épisodes démontrent progressivement que l’intelligence, l’esprit, la finesse et
justesse de jugement, ainsi que le sens des hautes valeurs morales du couple
reine de Saba/Adoniram triomphent de la vanité du roi d’Israël. Ce dernier,
bien que le sage, l’Ecclésiaste, auteur inspiré du Cantique des cantiques, se
montre vaniteux, suffisant, mesquin, perfide, quasiment ridicule.
Le mythe de la reine de Saba...
83
Si Nerval minimise la valeur de Salomon tout en lui résèrvant une place
considérable bien que négative, Nodier efface encore davantage le personnage du roi, l’élimine de l’action immédiate de son récit construit essentiellement autour de la figure de la troublante Fée aux miettes, alias Belkiss.
Celle de Salomon garde surtout sa valeur nominale, elle sert de contexte ou
d’allusion; tout au plus, elle s’offre en image parentale importante, mais absente ou inaccessible9.
En ce qui concerne l’équivoque du personnage de la reine, phénomène
latent chez Nerval, dans le texte de Nodier, nous l’avons déjà signalé, il constitue le principe même de la conception du personnage, partant, la dominante du récit, à tous les niveaux. Avant et surtout, Nodier la présente
scindée en deux entités, l’une diurne, l’autre nocturne. Le jour, naine, mendiante, vieille, un peu marionnette, avec ses étranges gestes mécaniques et
son sourire toujours facile, sœur de quatre-vingt-dix-neuf petites poupées follement dansantes, la fée guide et materne chastement son bien-aimé Michel,
dans leur commune demeure lilliputienne. C’est «une jolie petite maison de
carton verni » (p. 261) et pourtant splendide, car se dilatant à volonté, avec
« une pièce élégante et spacieuse [...] une porte de bois de cyprès» (p. 262),
située au fond d’un jardin enchanté, l’édenique locus amoenus, avec sa
«végétation des tropiques et de l’Orient» (p. 264). Les ruisseaux (quatre?...)
n’y manquent pas, et les pierres précieuses, ces fabuleux accessoires
emblématiques de la reine de Saba, y remplissent le sable des sentiers et
illuminent l’espace bucolique: « opales à l’œil du feu, améthystes limpides
comme le ciel, escarboucles rayonnantes» (p. 265). La nuit offre au jeune charpentier — lequel, impliqué dans l’histoire de cette reine, vaut le mythique
architecte Adoniram — des jouissances sensuelles ineffables. Elles sont garanties d’abord par la transfiguration de l’espace sans fin s’ouvrant et se
creusant dans toutes les directions et irradié par d’innombrables flambeux,
ensuite par la métamorphose de la fée elle-même. La métamorphose nocturne
a de quoi saisir Michel de « trouble voluptueux». Le grotesque nanisme
disparaît, la fée montre «cette chevelure aux longs anneaux» et, au lieu d’une
clownesque bouche dentue, elle lui offre des «lèvres fraîches et parfumées»
(p. 304), identiques à celles de la Belkiss du médaillon. La fée, ou la reine
Belkiss est donc éternellement jeune mais tout aussi vieille et grotesque,
«difforme et ridicule» (p. 273), tout comme son amant nocturne est le même
que son chaste fiancé diurne, moitié compagnon, moitié disciple. C’est que,
vieille et rabougrie, avec «ses rides et ses longues dents» (p. 196), ses « terribles dents qui choquaient» (p. 188), dans son rôle de folle du village, ce qui,
9
Michel P i c a r d développe cet aspect du texte de Nodier dans son étude Nodier.
La fée aux miettes; loup y es-tu? Paris, PUF, coll. « Le texte rêve », 1992.
6*
84
Barbara Sosieñ
au début, émeut mais fait rire Michel, elle est à la fois l’immortelle fée de
l’Orient, Belkiss, soit la reine de Saba.
Faut-il insister sur les ressemblances des deux représentations de la
reine, la nervalienne et la nodieresque ? Sensuelles, elles renvoient, l’une
comme l’autre, autant aux stéréotypes de la beauté orientale (l’éclat des
grands yeux de gazelles!) qu’à l’imaginaire solaire:
Ses grands yeux brillants [...] roulaient avec un feu incomparable entre
deux paupières fines et allongés comme celles de gazelles ; son front
d’ivoire [...] ses joues, surtout, éclatantes comme une pomme de grenade
coupée en deux, avaient un attrait d’éternelle jeunesse qu’il est plus facile
de sentir qu’exprimer.
p. 172
[...] ses yeux [...] d’un feu extraordinaire que je n’avais jamais vu briller
dans ceux d’une femme.
p. 177
[...] princesse des temps anciens, [...] cette Belkis qui fut autrefois reine
de Saba [...] — ou la fée aux miettes [...].
[...] ses yeux vifs et brillants [...].
p. 226
p. 268
La fée-reine amoureuse de Michel égale en sagesse et grandeur d’âme la
nervalienne reine du Midi, sinon la surpasse en savoir et habileté. Effectivement, se disant «veuve de Salomon», elle précise qu’il ne s’agit pas de la
beauté, mais de la sagesse, initie son bien-aimé aux différentes sciences et
connaissances, surtout linguistiques, et tout particulièrement cultive en lui
l’essence de l’homme romantique, soit la faculté de pénétrer «dans ce monde
de l’imagination et du sentiment [...] car il n’y a que deux choses qui servent
au bonheur: c’est de croire et d’aimer» (pp. 262—263).
Néanmoins, le grotesque guette incessamment ce personnage multiple.
Dans son physique d’abord:
[...] ses dents même auraient paru trop blanches pour son âge, si, aux deux
coins de sa [...] bouche fraîche et rose encore n’en avait laissé échapper
deux [...] qui s’allongeaient assez disgracieusement [...] au dessous du
menton.
p. 172
dans son comportement ensuite, puisqu’elle est inclinée aux sautillements,
agitations et bonds extraordinaires:
[...] elle ne pouvait résister à l’instinct pétulant de ses inclinations dansantes et [...] elle sautait sur elle-même avec une élasticité incroyable
Le mythe de la reine de Saba...
85
comme une balle sur la raquette, en augmentant [...] la portée de son élan
vertical [...] en bondissant sur ses jolis souliers roses avec cette élasticité
ascensionnelle [...].
p. 205
En revanche, la sagesse de son jugement, sa capacité de commander aux
animaux (en l’occurence, ce sont des chiens...) ainsi que le pouvoir d’ubiquité
l’apparenteraient à ces génies orientaux, ou djinns dont Soliman aurait
été le seigneur, et elle, reine du Midi, l’héritiaire. Ces disparitions, mystérieuses, rapides et séculaires, tels les lointains avatars du cheminement de la
souveraine orientale venant de très loin à la rencontre du monarque juif,
sont autant de signes de sa domination des éléments: Nodier l’imagine aussi
aérienne, qu’ignée et aquatique. Comme si l’écrivain arrachait à Soliman
jusqu’à son pouvoir légendaire de se déplacer rapidement dans l’espace, peutêtre moyennant un vaisseau aérien (ce dont il est question dans la Kebra
Nagat et certaines légendes éthiopiennes), voilà qu’un vaisseau, certes fantôme, portant le nom «la Reine de Saba», mouille dans le port de Greenock,
périt dans la tempête mais réapparaît pour repartir vers les îles lointaines,
et d’où personne ne revient jamais. Sauf la reine de Saba, tant il est vrai que
la source mythique ne tarit jamais.
Charles Nodier, Gérard de Nerval, Gustave Flaubert dans La Tentation
de Saint Antoine au XIXe siècle, ou encore Jean Grosjean, dans La Reine de
Saba, au XXe : l’écrivain transfocalise, transpose, transfigure, transtextualise
ou transstylise, mais surtout crée, et non recrée, bien qu’il réécrive un troublant mythe solaire venu du fond des âges.
Pascale Auraix-Jonchière
Université Blaise Pascal, Clermont II CRRR
Lilith, figure mythique au miroir des réécritures
(Dieu créa d’abord Lilith, Marc Chadourne, 1937;
Lilith dans l’île, Sylvain Roumette, 1990)
D’après Pierre Brunel, «le mythe, langage préexistant au texte, mais diffus dans le texte, est l’un de ces textes qui fonctionnent en lui »1. C’est dire
que la mythocritique est un département de l’intertextualité, et qu’elle implique une même attitude herméneutique. S’engouffrer dans le sillage d’une
figure mythique, quelle qu’en soit l’origine, suppose donc une lecture
différentielle, sensible au modèle dont elle procède, fût-il lui-même la résultante d’un ensemble d’histoires et de représentations. C’est de cet ensemble que se dégage la matrice à partir de laquelle apprécier les modulations propres à cette incessante palingénésie qui constitue l’attrait majeur
de ce qu’il conviendrait d’appeler «mythopoétique»2.
À l’ouverture de son roman3, Marc Chadourne affirme: «Le roman de Lilith ne [ ] sera jamais [écrit] car dans le cycle de ses avatars elle apparaît
sous trop d’aspects, elle offre prise à trop d’interprétations pour être jamais
réduite aux mesures d’une seule destinée humaine, d’un seul personnage
de roman» (pp. 7—8). S’il est vrai que la première Ève s’avère particulièreP. B r u n e l : Mythocritique, théorie et parcours. Paris, PUF, 1992, p. 61.
C’est le terme de « mythocritique » qui est généralement retenu, défini par G. Durand puis P. Brunel comme la méthode consistant à reconnaître dans un texte donné la
présence de tel ou tel mythe. Le terme de « mythopoétique » a l’avantage à nos yeux de
mettre en évidence l’analyse plus spécifiquement littéraire des modalités de la réécriture des mythes.
3
Dieu créa d’abord Lilith (Paris, Plon, 1937), repris sous le titre Lilith (Arthème
Fayard, 1954). Les références iront désormais à cette dernière édition.
1
2
Lilith, figure mythique...
87
ment labile en ses incarnations littéraires, on peut la considérer comme
paradigmatique de cette mouvance propre à la matière mythique. Lilith,
à qui la littérature du XIXe siècle redonne vie en s’inspirant d’une sorte de
vulgate issue des dictionnaires et encyclopédies, qui proposent un schéma
commun, emprunté à l’Alphabet de ben Sira4, « passe chaque jour parmi
nous », affirme encore le romancier. « Qui n’a sans le savoir, à travers la
foule des êtres que nous coudoyons, entrevu sa trace?» (p. 8). C’est pointer
sans doute la modernisation du personnage en ce premier XXe siècle où il
prend des allures plus familières (quoique jamais banales), mais aussi la
faculté là encore exemplaire de toute figure mythique à se fondre dans un
environnement nouveau, tout à la fois identifiable et métamorphosée et
prête à tout instant à céder sa nature, sinon ses traits, à quelque autre passante au destin consonant.
Une poétique de l’intertexte
Le roman, composé de quatre parties précédées chacune d’une épigraphe, déploie son récit entre deux volets qui font la part belle à l’intertexte.
Les pages inaugurales, à valeur préfacielle, s’ouvrent sur une double citation:
de l’Alphabet de Ben Sira et du chapitre II de la Genèse, double version contradictoire de la Création de la femme qui met en exergue l’opposition
archétypale de deux figures: Ève, celle qui a été « prise de l’homme» et Lilith, celle qui est son égale, « créée de la terre comme [Adam] » (p. 7). Mais
la préface en appelle tout aussi bien à différents traducteurs de l’Ancien Testament5, au Talmud dont est cité un fragment, ou à Alfred de Vigny. En outre
le livre s’achève sur une courte liste de «références bibliographiques sur Lilith», vraisemblablement imputable à l’auteur, liste qui s’enrichit des mentions de Victor Hugo (précisément cité, j’y reviendrai, à l’ouverture de la
quatrième partie), Remy de Gourmont et Anatole France pour ce qui est du
domaine strictement littéraire. «Cette énumération est loin d’être complète»
ajoute Chadourne, renvoyant par là à l’éventail des intertextes possibles comme à la multiplicité déjà patente des «passantes» de papier qui traversèrent
le temps et les genres — on note que sont semblablement concernés poésie,
théâtre et récit.
4
Il est délicat d’assigner une date exacte à ce texte, que les spécialistes situent
entre le VIIIe et le XI e siècle. Ce texte fait de Lilith la première Ève, née de la terre
comme Adam et qui, parce qu’elle refuse la domination de ce dernier, s’envole hors du
jardin d’Eden.
5
Saint Jérôme et Symmache, pour leur traduction du nom « Lilith » (voir p. 7).
88
Pascale Auraix-Jonchière
La notion de réécriture se donne dès lors comme fondatrice et l’inclusion
intertextuelle s’exhibe, devenant procédé poétique à part entière. Le récit
s’attache en outre à mettre en lumière ce principe lorsque sont ouvertement
commentées les raisons du choix de l’appellatif, qui dérive du personnage
qu’il façonne en retour. En effet l’héroïne, jeune Danoise répondant au nom
présumé de Marian Nielsen, se voit tardivement rebaptisée par Brandt, personnage-narrateur second:
— On ne vous a jamais parlé de Lilith?
C’était de l’hébreu pour elle, ou du chinois.
— Vous ne savez pas qui est Lilith ? plaisantai-je. La première de toutes
les femmes, avant Ève, celle que Dieu a pétrie de la même argile que
l’homme, faite sur mesure et hors série. Pour le diable... car avec Adam
le mariage n’a jamais réussi.
p. 83
L’affectation du nom est ici prétexte à l’insertion du canevas narratif
originel, revendication ouverte d’une réappropriation: le romancier décide
par personnage interposé de faire de son héroïne un avatar de la première
Ève, figure mythique dont il rappelle brièvement l’histoire et dont il revient
au lecteur de déceler les parentés avec son double romanesque. La pertinence du choix est du reste renforcée par l’opposition symbolique et onomastique Ève / Lilith:
— Also ! Alors l’épouse en série, c’est Ève et Lilith ?
— L’ange maudit. Il y a des épouses et des Lilith.
p. 83
En effet la fidèle et parfaite compagne de Brandt au moment même où
il tombe sous l’emprise de Marian-Lilith se nomme Èva... Cette « docile
créature» (p. 75) à la «beauté classique» et discrète qui, n’opposant aucune
résistance, met toute sa « fierté à être esclave » (p. 62) rend quasi nécessaire la convocation de son double inverse. La mythologie se met alors au
service d’une sorte de typologie féminine, le héros narrant sa tragique histoire avec l’Ève inverse, celle qui, est-il bien précisé, est « d’une autre classe
d’êtres» (p. 25). Cette altérité radicale se fait du reste leitmotiv, commentée
par les différents protagonistes: «Ce n’est pas une femme comme les autres,
ajouta [Antraygue] », assertion aussitôt reprise par le narrateur second,
Brandt: «Pas comme les autres » (p. 125).
Cette même singularité caractérise l’héroïne éponyme de Sylvain Roumette, à l’autre extrémité du siècle6. Or le récit, surgi de la résurgence d’un
nom, s’ancre dans un intertexte à valeur matricielle, invoqué dès l’incipit:
6
Lilith dans l’île. Arléa, 1990. Les références iront à cette édition.
Lilith, figure mythique...
89
C’est à Rurutu que le souvenir de Lilith m’a rattrapé. Je devrais dire
plutôt : le nom de Lilith, qui n’est tout de même pas un nom ordinaire et
que je ne m’attendais pas à trouver imprimé sur une couverture de livre
broché, parmi de vieux numéros de L’Illustration qui traînaient dans le
porte-revues en plastique de la pension Simone. Dieu créa d’abord Lilith
disait le titre, sous le nom de l’auteur, Marc Chadourne, et une bande d’un
rouge fané barrait encore la couverture en annonçant « Collection Sequana », Paris 1937.
p. 11
Le récit rétrospectif qui constitue le roman est ainsi tributaire de la
présence fortuite d’un livre, qui semble essentiellement valoir comme repoussoir: «Le livre de Chadourne propose une clé un peu simple pour son personnage de Lilith», déplore le narrateur (p. 19). « Pas la peine vraiment de
citer le Talmud et le Zohar, ni les sources suméro-babyloniennes de la Kabbale comme le fait l’éditeur dans la quatrième de couverture...». Le dénigrement est à double détente : c’est au rebours du livre de Chadourne dont il
conteste la légitimité des sources qu’entend s’édifier le roman de Sylvain
Roumette; or ce faisant, il s’approprie ces dernières, présentant une version
prétendument plus conforme au mythe de référence. C’est précisément dans
ce jeu dialectique de répétition et de négation propre au phénomène intertextuel que se fonde la fiction: le livre a « joué son rôle en libérant le nom
de Lilith (à la manière d’un flacon brisé qui libère son parfum) » (p. 74). Le
principe de vaporisation alors évoqué dit assez la force et la malléabilité de
ce type d’irrigation. De fait les textes ici convoqués innervent le roman sous
forme de fragments qui sont comme autant de séquences retransposées.
L’héroïne évoque d’elle-même la querelle qui opposa Adam à Lilith dans une
brève séquence qui rejoue avec légèreté la scène originelle:
— Tu sais pourquoi Lilith, la première femme, a quitté Adam? Parce qu’elle
en avait assez d’être toujours dessous quand il lui faisait l’amour.
p. 46
L’interdit talmudique selon lequel il est dangereux pour un homme de
dormir seul dans une maison donne semblablement lieu à une transposition
amusée. L’humour ici sous-tend la tragédie de la rencontre de cette «femme
de commencement du monde » dont la nudité évoque un « état naissant »,
une femme «digne de son prénom, après tout — qui est celui de la première
Ève» (p. 39).
Comme chez Marc Chadourne pourtant, «Lilith n’était pas son nom de
baptême» (p. 13). C’est à la suite de sa carrière d’actrice que Soledad endosse
un nouveau nom : « après l’immense succès de ce film inspiré de la vie de
Wedekind et dont le titre avait imposé au public, et définitivement associé
90
Pascale Auraix-Jonchière
à son image, ce nom de Lilith dont elle s’était rebaptisée» (p. 50). Littérature et cinéma entretissent leurs références pour conférer quelque consistance
à ce nom que le titre se plaît à redoubler7.
Invariants
«De toute façon sa Lilith est une fille du nord, moitié danoise moitié allemande, et j’ai beau avoir l’esprit large ce n’est pas une origine très convenable pour un démon femelle», note le narrateur de Lilith dans l’île à propos du livre de Marc Chadourne (p. 20). Pourtant, le blason du visage lilithien tel que l’élabore la littérature du XIXe siècle, fondé sur trois éléments
complémentaires — le regard, la bouche et la chevelure8 — sert de fondement
à la description de Marian Nielsen, «fée nordique» (p. 13) aux yeux magnétiques dont la «brûlure de glace» transperce le narrateur (p. 15), en outre caractérisée par ses «dents de louve» (p. 14) et la « toison broussailleuse » de
sa chevelure (p. 115). Le portrait, saturé de métaphores ou de comparaisons
(notamment ophidiennes ou félines), tend à rassembler l’arsenal d’images
traditionnellement associées à la figure mythique, sorte de conjointure des
réécritures antérieures auxquelles a pu puiser l’auteur9. À l’inverse Sylvain
Roumette privilégie l’ellipse; peu d’éléments permettent de se représenter
Soledad, sinon les traits majeurs qui caractérisent la première Ève, son exceptionnelle beauté10 et sa fascinante chevelure:
[Anna] savait bien que les femmes comme la Lilith, c’était autre chose.
À cause des cheveux, d’abord, c’est la première chose qui l’avait frappée
quand elle l’avait vue, et tous les hommes aussi, naturellement.
p. 42
7
Dans Lilith dans l’île, « l’île » peut tout aussi bien s’entendre « Lil », allusion possible à la forme première de la démone, associée à ces fameux « lils » mésopotamiens,
esprits du vent et de l’orage que M. Chadourne évoque plus ouvertement dans sa notice
bibliographique, qui mentionne l’étude de M.I. Levi Lilith et Lilin.
8
Voir à ce propos Lilith, avatars et métamorphoses d’un mythe entre Romantisme
et décadence. PUBP, 2002, pp. 139—159.
9
Pour plus de détails sur la description de l’héroïne, voir B. C o u c h a u x : Le
mythe de Lilith dans la littérature. [Thèse de doctorat en littérature comparée]. Université Paris IV, 1991.
10
« Je n’ai pas encore dit qu’elle était d’une grande beauté, à faire se retourner les
hommes dans la rue quand elle s’avançait dans son poncho araucan, les cheveux lissés
en bandeaux noirs comme une demoiselle de Tolède » (pp. 23—24).
Lilith, figure mythique...
91
C’est à la figure princeps que remonte ainsi le romancier, esquissant
la silhouette de cette « ravisseuse nocturne » qui menace de s’emparer des
hommes esseulés, et dont les longs cheveux noirs peuvent évoquer l’image
primordiale d’un « démon de la tempête, emporté par le vent, la chevelure
éparse, et hurlant dans la nuit», comme le suggère Alice Mac Killen11. Les
deux reprises du mythe empruntent semble-t-il des voix divergentes. L’essentiel reste toutefois le canevas narratif qui en garantit la pérennité: à la fois
ferme et souple, il assure la reconnaissance de la figure et l’indispensable
réactivation de son histoire.
Du récit originel tel que le décline l’Alphabet de Ben Sira, texte on l’a
dit résumé par les dictionnaires, se dégagent trois mythèmes essentiels :
l’altérité, la domination, la transgression soldée par la fuite. Les deux romanciers semblent ici se rejoindre pour mettre en œuvre ce même scénario dans
des contextes différents. Altérité et transgression définissent incontestablement ces deux étrangères — au sens propre et figuré du terme — que sont
Marian et Soledad12. La première, soupçonnée d’être une espionne à la solde
de l’Allemagne nazie, joue les séductrices fatales alors même qu’elle répugne
à l’amour. Cette errante éternelle13 à laquelle « il eût été bien difficile [...d’]
assigner — scandinave ou germanique, slave ou saxonne — une origine définie» (p. 38) résiste au désir des hommes. C’est «une vraie jeune fille», insiste le narrateur14, expression à entendre comme l’affirmation d’une virginité des sens imputable à une frigidité dont le texte laisse à penser qu’une
analyse (au sens psychanalytique du terme) pourrait la dénouer, mais
également au désir de domination de l’héroïne. Car si Marian semble « inhumain[e] »15, c’est surtout en raison de sa résistance et de cette « condescendance impérieuse» qui déplaît à Brandt tout en le fascinant (p. 68):
Elle m’irritait... C’est une manière de séduire. Mais songeait-elle à séduire ? Elle paraissait si sûre d’elle, de son pouvoir, de ses défenses.
p. 69
Le légendaire désir de domination de Lilith la volitive constitue en réalité
le soubassement du roman: «elle était bien de ces femmes par qui les hommes
se laissent domestiquer», reconnaît Brandt, qui n’aspire qu’à «prendre Lilith»
11
A. M a c K i l l e n : La légende de Lilith et quelques interprétations modernes de cette
figure légendaire. « Revue de littérature comparée » 1932, p. 290.
12
« Lilith avait beau être chilienne de nationalité, et donc chez elle sur le territoire
pascuan, elle était évidemment perçue autrement que les femmes autochtones » (Lilith
dans l’île, p. 43).
13
« — Chez nous, continua-t-elle, nous avons presque tous la wanderlust » (p. 19).
14
Voir p. 15 pour la première occurrence de ce qui devient leitmotiv.
15
« Elle avait je ne sais quoi d’irréel, presque d’inhumain » (p. 24).
92
Pascale Auraix-Jonchière
(p. 84), «fermer par la violence ces yeux arrogants» (p. 87), «mater cette tête
fière» (p. 115), bref « être celui qui la vaincrait » (p. 112), « qui pourrait la
dominer, la ranger à la loi commune» (p. 147). La réécriture romanesque à
souhait dont Sylvain Roumette dénonce « les ingrédients » convenus —
«opium, espionnage, Shangaï, monastère bouddhiste pour la spiritualité, agitation communiste pour la tragédie politique » (p. 20) —, à quoi s’ajoute un
complexe psychique lui aussi somme toute convenu — «fille élevée comme
un homme, amour fétichiste pour un cheval qui remplace le père absent...»
(p. 20) —, s’articule autour d’une transposition de la fameuse querelle qui
opposa Lilith à Adam, marque du refus de soumission de la première Ève,
puisque suivi par son envol hors du jardin d’Eden. C’est donc l’une des
rares scènes érotiques du roman qui en constitue le point nodal:
La lutte nous avait noués de telle sorte que je me trouvai presque renversé. En sombrant, je la vis s’arquer, redresser un torse de victoire...
J’attendais un cri, un aveu. Toujours muette, elle contemplait ma défaite,
telle une blanche et cruelle figure de proue.
p. 149
La frigidité de Marian — que Sylvain Roumette compte parmi les composantes critiquables du roman de Chadourne16 — est en réalité le signe de son
étrangeté constitutive : «toujours [...] elle m’échappait» (p. 165). « Ménade
inassouvie» (p. 149), Marian-Lilith reste insaisissable. Pour Sylvain Roumette
en revanche Lilith, conformément à son origine, est image de lascivité naturelle (p. 47) :
Cet abandon, cette licence donnée qui est dans l’amour ce qui m’a toujours le plus touché [...] m’importait finalement plus que sa façon presque
professionnelle d’être, c’était son mot, libertine.
p. 47
Or cette disponibilité qui fait d’elle une « femme vacante» c’est-à-dire,
explique le narrateur, qui n’est «occupée de rien d’autre que de son propre
désir» (p. 38), est garante de son indépendance et de son caractère insaisissable:
[...] l’aurait-elle voulu, d’ailleurs, qu’elle n’aurait pu effacer le signe
invisible dont elle était marquée et qui la faisait reconnaître partout pour
ce qu’elle était : une femme de désir, maîtresse de celui des hommes.
p. 52
16
« Frigide et stérile, voilà pourquoi votre fille est muette, et Lilith une méchante
femme, dangereuse et obscure ; pas la peine vraiment de citer le Talmud [ ] » (p. 20).
Lilith, figure mythique...
93
Car il ne faut pas s’y tromper: l’abandon sensuel de Lilith n’implique ici
aucune communion véritable. Cette femme semblable à « une grande déesse» dans l’ascendant qu’elle exerce sur autrui (p. 41) ménage la distance
inhérente à sa nature au cœur même des étreintes:
Je n’aimais pas cette façon de s’absenter de sa propre histoire, de prendre
— déjà — une distance par rapport à ce que nous avions vécu et d’y jeter un
regard de spectateur dégagé.
p. 54
Distance qui se fait irrémédiable, les Lilith contemporaines semant derrière elles la souffrance et la mort. La figure tourne ici à l’allégorie:
Car Lilith n’était pas seulement cette femme dont j’allais désormais être
privé, elle était elle-même une sorte d’incarnation du mal d’aimer, de la douleur qui était la vérité de l’amour.
p. 59
Il sera impossible au narrateur, de retour en Polynésie dix ans plus tard,
de rejoindre celle dont la nature est de rester fuyante, voire absente17. Ainsi pour Olivier, compagnon d’infortune croisé sur l’île, et qui en mourra, Lilith est « une femme à la fois extraordinaire et hors d’atteinte» (p. 68). Le
roman de Marc Chadourne s’achève sur la poursuite d’une Lilith fugitive, qui
finit par disparaître tout à fait, sans que l’on sache véritablement ce qui est
advenu d’elle.
La trame diégétique des deux romans rejoint en cela le canevas originel
— puisque Lilith retrouvée auprès de la mer rouge se refuse à réintégrer le
jardin d’Eden sur les instances de Jéhovah, vouée à une errance diabolique
et éternelle. En outre si les deux récits semblent différer par leur dénouement, Brandt restant définitivement marqué du sceau de Lilith, alors
que le narrateur choisit d’en conjurer jusqu’au souvenir, dont le roman fait
le deuil, chez Sylvain Roumette, ce n’est qu’en apparence. En effet les deux
textes fournissent une même réponse au questionnement posé par le mythe18,
autour de la notion de fatalité.
«Le rôle du destin, c’est ça qui lui plaît», dit Olivier de Soledad (p. 148).
Quant à Marc Chadourne, il ouvre — je l’ai dit — la dernière partie de son
récit par une citation de La Fin de Satan de Victor Hugo, qui correspond à la
17
«Une fois de plus Lilith était à ma portée (quelque part, là-bas) et en même
temps aussi inaccessible que si un océan m’avait séparé d’elle » (p. 117).
18
Rappelons la définition d’A. J o l l e s : « Quand l’univers se crée ainsi à l’homme
par question et par réponse, une forme prend place, que nous appellerons mythe ». (Formes
simples. Paris, Seuil, 1972, p. 81).
94
Pascale Auraix-Jonchière
défaite de la démone, Lilithisis, incarnation de la Fatalité19. Or dans les deux
cas il s’agit de donner à voir les conséquences d’une fatalité qui se retourne
contre celle qui semble en être maîtresse. Il est assez clair en effet que si Marian Nielsen convertit l’amour en haine et radicalise la fuite en suicide — ce
que suggère le texte —, c’est parce qu’elle est vaincue par sa propre destinée,
qui lui interdit d’être «une femme comme toutes les femmes» (p. 152), elle
dont le père s’est acharné à détruire le modèle maternel. Ainsi «son rêve»,
finit par expliquer Brandt, «était d’avoir un enfant»20.
J’entrevoyais son vrai mystère, le grand mystère de Lilith, la fatalité
inexorable que la nature aveugle dans la distribution de ses semences fait
peser sur les êtres inachevés et les germes inféconds. Elle ne pouvait ni concevoir, ni aimer, elle ne pouvait même pas...
p. 153
conclut le narrateur premier.
Lilith, volontairement exclue d’un monde dont elle réfute les lois,
souffre néanmoins de sa différence, « dissimulant mal sous l’effroi qu’elle
provoque le chagrin réprimé de ses amours brisés»21. Or ce chagrin peut plus
largement s’interpréter comme l’expression d’une différence, revendiquée
et cependant vécue comme manque. Ainsi s’explique que dans une logique
paradoxale, pour l’héroïne de Lilith dans l’île, la beauté devienne un mal,
lui interdisant toute destinée banale. Dans l’archéologie amoureuse de la vie
de Soledad en effet, il fut un homme qui n’« avait [pas] su l’aimer comme
la femme ordinaire qu’elle voulait être» (p. 24)22. « Il passait ses nuits à la
contempler en silence, exigeant d’elle qu’elle simule le sommeil pour mieux
jouir d’un corps si parfait ». Lilith, en s’éloignant des hommes qu’elle commençait à aimer, explique encore le narrateur, «se punissait parce qu’elle ne
s’aimait pas» (p. 55). Le désamour, dans ces deux réécritures vingtiémistes
du mythe lilithien, se retourne contre soi. Hors normes, la Lilith contemporaine qui souffre tour à tour d’être trop femme, ou pas assez, ne parvient
guère à trouver d’identité.
Les deux romanciers — est-ce hasard? — élisent semblablement comme
image finale un infini d’eau et de ciel où s’absente ou se retrouve enfin la
première Ève: c’était à Macao, « devant ce seuil d’eaux brillantes et de ciel
«[...] l’ardent grossissement de l’étoile poussait Lilith-Isis vers l’ombre et mêlait
à la fange le fantôme rongé par la clarté de l’ange » (p. 135).
20
«Une mère [ ] Voilà ce qu’elle aurait voulu être. Et c’était précisément ce qu’elle
ne pouvait pas être, ce qui lui était impossible, défendu Sa fatalité, puisque fatalité
il y a, c’était ça » (pp. 152—153).
21
J. B r i l : Lilith ou la mère obscure. Paris, Payot, 1991, p. 9.
22
Je souligne.
19
Lilith, figure mythique...
95
vide que Lilith l’avait quitté», écrit Chadourne, et Roumette, décrivant une
vidéo, dernier vestige de la femme enfuie:
Celui qui avait tenu la caméra [...] l’avait filmée en haut d’une falaise, le visage en gros plan tourné vers le ciel, mais c’est la mer qui était
au-dessus d’elle, éblouissante de reflets.
p. 154
L’infini (qu’il soit lié à la mort ou à la fuite) se substitue — ou se superpose — à l’image de ces deux Lilith contemporaines qui retrouvent par là,
quelles que soient les altérations qui les singularisent, le sens originel du
mythe. C’est en effet à l’infini qu’aspire la première Ève, par-delà les limites
qui lui sont imposées.
Tatiana Antolini-Dumas
Université Blaise Pascal, Clermont II
Réécritures du Déluge
dans deux romans de Barjavel
Avec Hiroshima, la Science Fiction, fille de la technologie, se met à lire
le futur sur un mode clairement apocalyptique: elle stigmatise la Science et
renvoie le lecteur au cauchemar de la finitude. La catastrophe nucléaire est
désormais au centre de nombreux récits de fin du monde, tels qu’On the
Beach de Nevil Shute, Fail Safe de Burdick et Wheeler, A Canticle for Leibowitz de Walter M. Miller, Malevil de Robert Merle...
René Barjavel s’inscrit dans cette lignée lorsqu’il écrit Le Diable l’emporte
et Une Rose au Paradis. D’emblée, les titres des œuvres suggèrent que l’écrivain français a interrogé la menace nucléaire en des termes très particuliers.
Métaphysique et mystique s’entrecroisent, en effet, dans sa relecture de l’Histoire. Entre le Diable et Dieu, entre la fin du monde et le Paradis, se déploie
une réflexion complexe, moins clairement manichéenne que ce qu’on aurait
pu attendre. Barjavel, à trente-trois ans d’intervalle, évoque la fin du monde
et le salut problématique de l’humanité en sollicitant le mythe du Déluge1.
Récit binaire, alliant anéantissement et création, le mythe diluvien suppose une régénération de l’Humanité qui, seule, rend acceptable la quasi
extermination de cette dernière. Mais voilà que l’Histoire tend à réécrire le
texte fondateur. Reste à savoir si cette éventuelle destruction de l’humanité
sera l’apanage de l’homme, de Dieu, du Diable, reste à savoir aussi si le versant lumineux du mythe pourra encore trouver à s’incarner dans le devenir
de la Terre. Le dialogue entre les trois principaux niveaux de réécriture
1
Nous nous référons au texte génésiaque dans la mesure où Barjavel s’inscrit clairement ici dans la tradition judéo-chrétienne.
Réécritures du Déluge...
97
explore tous les aspects de cette problématique d’ordre existentiel. Si le cheminement qui conduit de l’hypotexte biblique au premier roman de Barjavel est placé sous le signe de la difficulté à dire, à redire, à inscrire l’humanité dans un schéma mythique conforme à la structure binaire du texte originel, le deuxième roman, réécriture de l’hypotexte premier, réécriture du
Diable l’emporte, constitue une palingénésie axée sur un seul versant du mythe
diluvien.
L’ancrage diluvien
Barjavel ne cherche pas à dissimuler l’ancrage biblique de ses textes. La
structure d’ensemble des romans épouse le schéma qui sous-tend le mythe:
au cataclysme qui ravage l’humanité succède « l’Arche » censée épargner
quelques élus, sauver la vie animale. Dans Le Diable l’emporte, écrit au lendemain d’Hiroshima, en 1948, l’auteur accorde énormément d’importance
au cataclysme. À tel point d’ailleurs que ce cataclysme se réitère: à la G.M. 3
(la troisième Guerre Mondiale) succède la G.M. 4, puis une ultime catastrophe supprimant toute vie sur terre. Il évoque les pluies radioactives qui
submergent la planète, le déchaînement des flots qui réduit à néant les frontières naturelles, il revisite les eaux diluviennes à l’aune du nucléaire:
Sous le choc et la flamme des bombes, les continents de glace de la calotte polaire, bouleversés, pilés, pulvérisés, s’étaient transformés en eaux
bouillantes et en vapeurs. Le niveau des océans s’en trouva sensiblement
relevé. De l’océan ex-Glacial devenu un chaudron bouillant, une vague partit, ravagea au passage la moitié de la Norvège, submergea l’Islande, s’engouffra dans la mer du Nord2.
En revanche, dans Une Rose au Paradis, écrit en 1981, il ne met en
scène qu’un cataclysme, décrit dans un seul paragraphe, une catastrophe dont
les personnages ne perçoivent que les lueurs lointaines. Quant aux pluies
diluviennes, elles ne sont pas concrètement évoquées, elles sont seulement
imaginées.
Dans les deux romans, Barjavel convie explicitement l’espace salvateur
de l’Arche. Une Rose au Paradis ne met en scène qu’une Arche, qui occupe le centre du récit. De la sorte, l’écrivain privilégie l’espace des élus, il se
2
163.
R. B a r j a v e l : Le Diable l’emporte. Paris, Éditions Denoël, [1948], 1959, pp. 162—
7 Quelques...
98
Tatiana Antolini-Dumas
focalise sur les survivants du déluge et donc sur le versant lumineux du
mythe. En revanche, le premier roman exprime implicitement sa difficulté
à penser l’univers en termes de salvation. En effet, M. Gé, le bâtisseur de
l’Arche remplit à deux reprises cette dernière. Il sélectionne une première
fois douze femmes et douze hommes, puis, deux familles. La sélection des
élus ne va alors pas de soi. Par ailleurs, l’Arche n’est pas à l’épreuve du cataclysme dans cette réécriture du mythe: elle éclate en fin de récit. Une troisième tentative pour sauver l’humanité est toutefois mise en œuvre:
La grande mort entrerait dans la Terre jusqu’au cœur. Il restait une
chance à l’homme, c’était de s’arracher à la Terre et de gagner l’éther. La
fusée ne pouvait emporter qu’un couple, et quelques animaux et sacs de
graines3.
La désignation change, le terme biblique n’est plus de mise. Le salut
n’est plus envisageable sur cette Terre. Ni l’homme, ni Dieu ne peuvent plus
intervenir. À cet endroit, le récit se désolidarise radicalement de l’hypotexte
suggérant ainsi la faillite du référent biblique.
L’étude de certains motifs diluviens est tout aussi révélatrice du cheminement parcouru par Barjavel. De fait, les motifs sélectionnés par l’écrivain
ne se déclinent pas de la même manière dans les deux romans. Dans Une
Rose au Paradis, le ton est plus léger: l’arc-en-ciel censé évoquer l’alliance
de Dieu et des hommes est figuré par les femmes enceintes qui manifestent
pour la paix. Selon le mois de la grossesse, les femmes sont vêtues de rouge,
d’orange, de vert, de bleu...
Dans Le Diable l’emporte, en revanche, le ton est plus grinçant, plus
sombre. Ainsi le déclenchement du cataclysme final s’associe ironiquement
à l’arc-en-ciel, au motif de la réconciliation biblique. Si le corbeau envoyé par
Noé en dehors de l’arche lui signifiait la décrue en cours, les corbeaux du
Diable l’emporte témoignent également de la fin de la G.M. 4, donc de la fin
du cataclysme, mais sur un tout autre mode. Charognards envahissant Paris,
les corbeaux
se traînent dans les rues, pansus comme des oies, s’accroupissent au bord
des trottoirs, digèrent [...] [S]ur les toits, sur les ventres des morts, sur
les épaules des statues, tous les corbeaux de Paris ouvrent à la fois le bec
et poussent une clameur de joie et de merci à Dieu4.
De façon comparable, la colombe biblique, symbole de paix, envahit en
tant que telle le monde dépeint par Barjavel dans son premier roman, mais
3
4
Ibidem, p. 280. C’est nous qui soulignons.
Ibidem, p. 248.
Réécritures du Déluge...
99
elle l’envahit jusqu’au dégoût tant elle résonne comme une antiphrase au
sortir de la G.M. 3:
L’affiche de la Paix, répandue dans le monde entier, représentait une
colombe aux ailes déployées, tenant en son bec les trois lettres O.N.U. [...]
Les aliments du Sud arrivaient dans du papier paraffiné imprimé d’un semis
de colombes pas plus grandes que des mouches, bleues. Ce qui donnait la
nausée à certains myopes5.
Ainsi, la manière dont Barjavel réutilise le substrat biblique rend compte
de deux façons d’appréhender le monde. Le pessimisme de son premier texte
semble sans cesse entraver le flux romanesque, miner l’issue heureuse
supposée. La composition éclatée de ce roman due en grande partie à la
démultiplication de la structure mythique (plusieurs arches, plusieurs cataclysmes) mime la désagrégation du monde. À l’inverse, le second offre une
structure plus monolithique (un seul cataclysme à peine évoqué, une seule
arche occupant les trois-quarts du roman), une structure plus limpide qui
coïncide avec une réécriture plus optimiste du mythe.
Une réécriture sous influence
Le mythe diluvien est informé, dans ces textes, par d’autres mythes
d’origine biblique. C’est le cas, dans Le Diable l’emporte, de la cité babélique de Moontown. Cette «ville atomique modèle»6 concentre toutes les ambitions de l’homme en matière de technicité, elle accueille des étudiants de
toutes les nationalités. Cette « Tour de la Lune»7 qui stigmatise les dérives
d’une science devenue incompréhensible est, en fait, la réplique inversée de
l’Arche imaginée dans une Rose au Paradis. Moontown, « cylindre d’acier
creux, de six mille mètres de diamètre et douze cents mètres de haut, posé
sur sa base»8, annonce, en effet, le cylindre d’acier enfoncé dans la Terre qui
figure dans le second roman de Barjavel9. Au creux initial répond le plein
souterrain: l’Arche emplie des ferments d’une vie future10. À Babel, emblème
Ibidem, p. 166.
Ibidem, p. 40.
7
Ibidem, p. 186.
8
Ibidem, p. 42.
9
L’Arche du Diable l’emporte, déjà souterraine est de forme sphérique.
10
L’Arche d’Une Rose au Paradis comprend plusieurs étages : l’un est consacré aux
humains, un autre, aux animaux, un autre, aux graines, rhizomes, tubercules..., un autre,
à la machinerie, un dernier, aux outils.
5
6
7*
100
Tatiana Antolini-Dumas
de la confusion et de l’orgueilleuse volonté de conquête des hommes, icône du
monde au sortir des années 40, succède symboliquement une Arche unique
et salutaire.
Par ailleurs, comme le suggère le titre du premier roman, cette réécriture
du déluge est constamment irradiée par la figure du Diable. Lucien Hono,
homme de main de M. Gé, personnage dont le prénom et le savoir universel
évoquent Lucifer, est aussi une incarnation de Satan ainsi qu’en témoigne
son portrait, conforme à celui de l’iconographie traditionnelle: le narrateur
évoque sa laideur, son teint verdâtre, les étincelles qui flamboient dans ses
yeux de houille. Comme le Diable, Hono est le contradicteur, l’adversaire, le
partisan du chaos, il place la Création sous le signe de l’absurde. Comme le
Diable, il est celui qui divise, qui soumet l’humanité à la tentation.
Usurpant les prérogatives divines, Lucien Hono modifie le scénario
préétabli : lors de l’absence de M. Gé, il fait croire aux douze femmes de
l’Arche qu’il ne reste qu’un homme dans l’abri. L’harmonie ne résiste pas
longtemps à cette nouvelle configuration. Hono, image du tentateur, triomphe.
Image de l’écrivain, il mène la réécriture entreprise à son terme:
Ainsi tout s’était bien passé comme il l’avait imaginé... Mais l’expérience
n’était pas terminée, le dénouement pouvait encore le surprendre... Eh
bien, il allait le provoquer, comme il avait provoqué le début de l’épisode11.
Il montre alors à M. Gé le résultat de son expérimentation : « [...] un
corps sanglant, déchiré, défiguré, émasculé, [...] une pâte étrangement rose,
veinée de traînées rouges»12 de laquelle émerge une petite main de femme.
Le massacre perpétré par les femmes de l’Arche jette le discrédit sur les élues
de M. Gé. Ce faisant, Hono stigmatise la corruption inhérente à l’espèce
humaine et associe toute tentative de régénération de l’humanité à un leurre.
Barjavel semble renoncer à trouver un sens à la deuxième Guerre Mondiale,
comme il remet en question le Déluge biblique par le prisme de M. Gé:
[...] est-ce que cela valait la peine ? Bêtes et hommes, après, recommenceraient à s’entre-tuer. À quoi la grande épuration du premier déluge avaitelle servi ?13
Et pourtant, son personnage central n’abdique pas, il réitère l’expérience.
À l’image de cette réécriture incessante qui refuse toute forme de renonciation, la figure du Diable gagne en complexité. À la voix de Lucien Hono
se superpose celle de M. Gé, «la Voix», une voix parfois ambiguë comme celle
Le Diable l’emporte..., p. 155.
Ibidem, p. 156.
13
Ibidem, p. 33.
11
12
Réécritures du Déluge...
101
du dieu vengeur de l’Ancien Testament. Concepteur de l’Arche, icône de
Dieu dans le roman, figure de Noé selon certains personnages, M. Gé est,
en tant que fournisseur de guerre, l’un des agents du cataclysme. C’est un
personnage complexe qui éclaire l’hypotexte biblique d’une étrange manière.
Pourquoi? Parce qu’il se suicide au terme de l’aventure, et parce qu’il semble,
lui aussi, incarner le Diable dans cette réécriture:
La voix [de Lucien Hono] grond :
— Si Dieu est en moi, je pense que le Diable, alors, est en vous !...
Une énorme lueur envahit le ciel. Comme si un soleil démesuré s’était
levé au fond de l’espace, derrière des horizons accumulés qui laissaient
passer sa violence et cachaient son image. Ce fut d’abord blanc, puis rouge
et, lentement, noir. Il n’y eut aucun bruit.
— Le Diable est partout, dit M. Gé14.
Le passage cité attire à l’inverse notre attention sur la part lumineuse de
Lucien Hono. Figure de Lucifer, racheté par l’amour d’Irène, il meurt en
célébrant l’œuvre de Dieu, en sauvant la Terre de la destruction totale, alors
même qu’il pense avoir échoué:
Si j’avais réussi, [ ] la Terre aurait brûlé et se serait couverte de
cendres, et il aurait plu pendant dix ans sur cette cendre, il aurait plu de
l’eau nouvelle, de l’eau ancienne, l’eau qui était au commencement du
monde et où Dieu sema la vie, [...] et toute la terre serait devenue un grand
champ fertile, attendant la graine. Et alors la fusée aurait pu se poser et
la vie recommencer. Mais Dieu ne veut plus donner d’armes au Diable 15.
Cependant, dans ce roman le Diable l’emporte, la Terre est sauvée, pour
le meilleur ou pour le pire. Si Barjavel ne conclut pas clairement, Satan
laisse place à Lucifer, à l’ange réhabilité, suggérant en cela que le Mal peut
être éradiqué.
Dans Une Rose au Paradis, la réécriture est à la fois moins sombre et
moins ambiguë. Au personnage de Lucien Hono, succède Lucie Jonas, la
mère, qui occupe le centre de l’Arche. Décliné au féminin, le prénom relie
les deux personnages. Figure clé au sein de la trame romanesque, Mme Jonas tue M. Gé pour sauver son futur petit-fils. Ce meurtre signale, certes,
l’irruption du Mal au sein de l’Arche (c’est à partir de cet événement que ses
enfants prendront conscience, comme Adam et Ève, de leur nudité) mais
l’acte n’est pas connoté de façon négative. M. Gé ressuscite et salue l’instinct
de protection du personnage féminin. Lucie n’a, en fait, gardé de Lucien
que sa part lumineuse.
14
15
Ibidem, p. 103.
Ibidem, p. 329.
102
Tatiana Antolini-Dumas
Les connotations qui s’attachent au patronyme des élus éclaire également
la réécriture du mythe dans le second roman. Le nom de famille des protagonistes renvoie évidemment à Jonas, le messager de Dieu. L’enfouissement des Jonas au sein de l’Arche souterraine, dont la pièce principale évoque «un bateau posé à l’envers»16 rappelle l’épisode dans lequel Jonas, précipité du navire sur lequel il fuyait, fut englouti par un monstre marin, icône
inversée du bateau premier. Le livre prophétique nous apprend que le séjour
au sein du monstre permettait à Jonas de renouer avec Dieu. Au sortir de
cette immersion, il acceptait sa mission, se rendait à Ninive, la cité païenne,
et annonçait le châtiment à venir. Ce que Jonas ignorait c’est qu’en raison du repentir des habitants, Dieu pardonnerait la cité déchue. En fait,
et c’est là l’essentiel, une aube nouvelle placée sous le signe d’un Dieu compatissant salue la geste de Jonas. C’est aussi, semble-t-il, cet aspect du récit
biblique que Barjavel retient lorsqu’il confère ce nom à ses personnages.
D’autre part, le patronyme des Jonas renvoie étymologiquement à un nom
commun : la colombe et l’on se souvient que celle-ci annonçait, au terme
du déluge, le renouveau possible, la fin du chaos, l’apaisement du courroux
divin.
Enfin, comme son titre l’indique, ce récit est aussi une réécriture du
mythe édénique. Les enfants Jonas sont, en effet, clairement désignés
comme de nouvelles incarnations d’Adam et Ève, ils s’unissent au pied d’un
saule et méconnaissent le Mal jusqu’à ce que leur mère Lucie supprime
M. Gé. La coalescence des deux mythes au sein du texte développe une potentialité du mythe diluvien : elle permet d’insister sur le fait que l’Arche
contient une humanité nouvelle. Plus que dans l’hypotexte encore, Barjavel insiste sur ce fait puisque les ferments de l’humanité à venir, les enfants Jonas, sont nés au sein de l’Arche, ils n’appartiennent donc pas au
monde ancien, leur pensée est vierge de toute représentation, leur langage
manque de référent. C’est à ce titre d’ailleurs que Jim, au sortir de l’Arche
n’a qu’un mot pour qualifier la Terre vierge qui s’offre à ses yeux: «PARADIS!»17. Au paradis de la Genèse sans cesse évoqué dans le roman, se super
posent le paradis de l’Arche, puis une Terre virginale. Le mythe édénique
transformé par la suppression de toute idée de chute se déploie, se démultiplie, il informe la réécriture du mythe diluvien dont il célèbre la part lumineuse.
16
17
R. B a r j a v e l : Une Rose au Paradis. Presses de la Cité, 1981, p. 87.
Ibidem, p. 219.
Réécritures du Déluge...
103
La femme, la fleur et le démiurge
Tributaire de l’inscription de Barjavel dans son temps, variant selon la
distance qui la sépare de la deuxième Guerre Mondiale, la réécriture du déluge
s’édifie cependant en fonction de grandes constantes qui infléchissent le
mythe initial. Dans les deux romans, Barjavel célèbre la femme, parti pris
d’autant plus étonnant que celle-ci ne joue aucun rôle dans le récit génésiaque. Dans les deux cas, les romans s’ouvrent sur une figure maternelle.
Dans le premier récit, le narrateur s’attache au personnage d’Irène qui permettra le rachat de Lucien et la salvation de la Terre, comme il s’attarde sur le
groupe féminin au détriment du groupe masculin. Dans Une rose au Paradis,
Mme Jonas incarne la figure matricielle par excellence. Figure en abyme
de l’Arche, elle est sur le point d’accoucher lorsqu’elle pénètre dans
l’espace édifié par M. Gé. Dès lors, l’espace des élus devient « graine
fécondée, appelée à germer »18. La fille de Mme Jonas, enceinte à son tour
reçoit des mains de M. Gé, une croix ansée, symbole de vie et de résurrection, symbole de divinité. L’enfouissement de l’Arche au sein de la Terre
mère illustré par les deux réécritures célèbre la propension de la Terre à donner la vie, celle de la femme à enfanter.
Cette première inversion explique en partie la transmutation qui s’opère
au niveau de la symbolique végétale. Si l’hypotexte biblique évoque de façon
allusive et pragmatique les végétaux susceptibles d’être embarqués par Noé19,
dans les deux romans de Barjavel, en revanche, M. Gé, accorde un soin tout
particulier au règne végétal. Il songe aux cultures à venir, à préserver la biodiversité.
Les fleurs d’Hiroshima et de Nagasaki, «fleurs de feu, d’enfer, de ciel, de
lumière, de cendres [...] Fleurs de soleil, calices, ciboires où trempe le doigt
de Dieu»20, ces fleurs qui abritent «cent mille morts incandescents sous leurs
pétales»21 sont remplacées, dans le second roman, par la rose de M. Gé. La
rose éponyme, symbole marial, symbole de renaissance spirituelle, omniprésente dans le récit, est encore présente à la dernière ligne du roman: «Il
y a des rosiers dans l’Arche. Nous les planterons, avant de semer le blé de
Ibidem, p. 106.
« De chaque espèce d’oiseaux, de chaque espèce de bestiaux, de chaque espèce de
toutes les bestioles du sol, un couple viendra avec toi pour que tu les gardes en vie. De
ton côté, procure-toi de tout ce qui se mange et fais-en provision: cela servira de nourriture pour toi et pour eux ». La Bible de Jérusalem, Gn, 6—21, 22. Éditions du Cerf, 1998.
(Nous soulignons).
20
Le Diable l’emporte..., p. 19.
21
Ibidem.
18
19
104
Tatiana Antolini-Dumas
printemps»22. En tout dernier lieu, Barjavel salue le pouvoir de l’éphémère
et du spirituel, sur le contingent, comme il salue les vertus d’une terre susceptible d’engendrer vie et poésie à l’infini.
Enfin, si l’écrivain met en évidence la responsabilité de l’homme en
matière de destruction, il semble, ainsi que le suggérait l’évocation des fleurs
d’Hiroshima, mettre également Dieu en accusation. Incapable de maîtriser
sa créature, Dieu est remplacé dans les deux romans par l’énigmatique
M. Gé23. Obligé de détruire la terre pour la sauver, figure ambivalente, M. Gé,
s’affirme tout d’abord comme le chantre des femmes. C’est ce qu’attestent
ses propos adressés à Mme Jonas: «Vous êtes le vrai ferment de vie, irréductible, dans cette graine qu’est l’Arche »24. Nouvelle hypostase du divin sur
terre, le personnage possède certes une biographie détaillée au début du premier roman, mais, comme Dieu, il va très vite se soustraire à toute tentative de caractérisation. Personnage à éclipse, sans ombre, absorbant la lumière, possédant la capacité d’être partout et nulle part, il échappe à une
appréhension claire.
Incarnation de Dieu pour les enfants Jonas, un Dieu providentiel qui
détruit la planète mais qui invente l’Arche, qui choisit ses élus, qui ressuscite,
M. Gé est aussi une figure en abyme de l’écrivain, une incarnation de l’écrivain démiurge qui remplace un Dieu absent:
Dieu en a assez fait. Aujourd’hui les hommes sont assez grands. Et
quand fleurit la fleur d’Hiroshima, il doit s’en trouver au moins un pour
comprendre. Et M. Gé décida de construire l’Arche25.
Une Rose au Paradis se clôt sur son départ vers un ailleurs inassignable.
Figure de l’écrivain quittant ses créatures au terme d’une longue, improbable
et néanmoins possible réécriture, M. Gé a partagé avec son créateur la volonté
de croire en des lendemains meilleurs.
Ces réécritures du mythe diluvien s’énoncent en renvoyant sans cesse
à la Genèse, dans une relation de dépendance, de hiérarchie qui salue l’hypotexte comme référent culturel absolu. Cependant, Barjavel interroge la
pertinence du texte fondateur de trois manières: il met en évidence l’inaptitude du Déluge à avoir éradiqué le Mal, il s’interroge sur sa légitimité à être
encore vecteur de sens alors que Dieu semble désormais avoir abandonné les
hommes, il érige la femme, occultée par le récit génésiaque, en icône matriUne Rose au Paradis..., p. 223.
Ce personnage doit également certains de ses traits à Georges Ivanovitch Gurdjieff
et à Calouste Gulbenkian.
24
Ibidem, p. 147.
25
Le Diable l’emporte..., p. 32.
22
23
Réécritures du Déluge...
105
cielle et rédemptrice. L’originalité de cette palingénésie à épisodes réside
également dans le fait que le mythe diluvien est constamment informé par
d’autres affleurements mythiques. Ce processus de réécriture éclaire le cheminement de Barjavel qui, des ombres à la lumière, transforme son premier
roman, hanté par l’idée de destruction, en un récit de création aux accents
démiurgiques.
Lucienne Bozzetto-Ditto
Université Aix-en-Provence
Sartre: Bariona et les évangiles de la Nativité
Aucun texte n’a fait l’objet d’autant de réécritures que ce que nous
appelons le texte biblique. Dans la Bible elle-même certains éléments sont
constamment repris et réécrits; le Nouveau Testament lui-même (en particulier avec Matthieu) est à certains égards une réécriture des Écritures
précédentes relues et interprétées à travers des événements récents. Tout
au long des siècles, avec une fidélité variable, aussi bien dans le monde juif
que dans le monde chrétien, quantité d’auteurs ont réécrit ces textes en les
orientant très diversement ; à terme, ce travail a produit aussi bien des
œuvres savantes de tous ordres, que des usages populaires où les chansons
et le théâtre prennent une part active. Le XXe siècle pratique largement ce
type de réécriture.
En 1943, avec l’aide de Charles Dullin, Sartre monte Les Mouches dont
il parle en général comme de sa première pièce de théâtre. En réalité, il existe
une production théâtrale antérieure, écrite en 1940, quand l’écrivain était
prisonnier de guerre à Trêves, au stalag XII D. Le manuscrit porte un titre,
Bariona, ou le jeu de la douleur et de l’espoir1 ; en effet il s’agit d’un «jeu»,
presque au sens médiéval du terme, où se mêlent les motifs traditionnels
de la Nativité empruntés aux évangiles de Matthieu et de Luc, des éléments
de tradition populaire qui eux-mêmes sont construits à partir des mêmes
sources, et une très brûlante actualisation. Sartre donne ici une très large
expansion des motifs originaux, et c’est une vraie pièce de théâtre, un drame
forgé et enrichi par les contraintes de la captivité, «écrit et monté par un
prisonnier, joué par des prisonniers dans des décors peints par des prison1
J.-P. S a r t r e : Théâtre complet. Dir. M. C o n t a t. Paris, Éd. Gallimard, coll. de la
Pléiade, 2005 ; note de Michel Rybalka, p. 1570.
Sartre: Bariona et les évangiles...
107
niers»2 , «en masques», avec «soixante personnages, et ça s’appelle Bariona, le Fils du Tonnerre»3.
C’est le premier effort d’un «théâtre de situation» au sens le plus fort
de l’expression: la pièce doit renvoyer aux éléments canoniques qu’impose
la circonstance («ce sera pour le 24 décembre»4), et surtout elle doit tenir
compte du moment, du lieu et du contexte où se trouvent auteur, acteurs et
spectateurs. Aussi c’est l’actualisation qui paraît première, dans un parallèle
qui n’échappe à personne: l’action se passe en Palestine occupée. Après le
Prologue, présenté par le Montreur d’images, aveugle, sur une image de
l’Annonciation, «l’histoire va commencer neuf mois plus tard», à Bethsur,
non loin de Bethléem; apparaissent Lélius, le superrésident romain et Lévy, le
collaborateur, le publicain. Le superrésident, dans un langage délibérement
anachronique, peste contre la formation reçue à l’école coloniale, le manque
de cadres, les Juifs, les occupés, et vient annoncer une augmentation
des impôts au chef du village, Bariona, dont le frère — condamné par un tribunal juif — a été récemment crucifié pour une sombre histoire. Occupation,
exécutions, tribunal soumis à l’occupant, extorsions de fonds, — année 01,
ou 1940? Peuple désespéré aussi, qui semble ne plus protester, et à Lélius
«cette obéissance subite ne dit rien qui vaille, ce moricaud aux yeux de feu
(Bariona) est en train de méditer un sale coup» (p. 1127).
La mise en place effectuée, apparaissent des motifs qui vont avoir tous
partie liée entre eux: la question de l’enfant et de l’avenir, du désespoir ou
du pari à prendre, du sens de la souffrance et de la dignité humaine, de la
révolte ou de la résistance, de l’Incarnation au sens théologique du terme,
de la liberté de Dieu et de la liberté de l’homme. Et il faut préciser les
éléments de l’action et de l’intertextualité pour voir ensuite quel sens leur
est donné.
La liberté dont il dispose encore dans ce pays occupé, Bariona veut la
mettre dorénavant au service d’une résistance qui va vers la mort et l’extinction. Aux Juifs qui pourraient penser à une opposition violente mais impossible, Bariona propose de «résoudre leurs âmes au désespoir» : « la vie est
une défaite », «Nous ne ferons plus d’enfants » (p. 1131). Il faut entendre
le Chœur des Anciens5 pour mesurer l’énormité du propos (la phrase est replacée dans un contexte de Juifs croyant à un Dieu de vie dont la deuxième
prescription au livre de la Genèse est celle de la fécondité: cette énormité est
J.-P. S a r t r e : «Forger des mythes » dans Un théâtre de situations, http://expositions.bnf.fr/sartre/reperes/œuvres/baro.htm.
3
Lettre de J.-P. Sartre à Simone de Beauvoir.
4
Ibidem.
5
Le manuscrit indique en divers points le nom des chanteurs solistes et le moment de
leur intervention. Ailleurs le manuscrit porte simplement « Deuxième Noël », « Troisième
Noël ».
2
108
Lucienne Bozzetto-Ditto
terrifiante). Mais Sarah, l’épouse de Bariona, vient de découvrir sa grossesse.
L’affrontement est violent entre le chef et Sarah, qui est déjà dans l’action
de grâces et l’amour de cet enfant, alors que Bariona est dans le désespoir
et le défi à Dieu. Or cette nuit — ici le texte rejoint à la fois l’évangile de Luc
et la liturgie de Noël — est une nuit extraordinaire, de douceur, de parfums,
de bruissements tendres: ce sont les bergers qui en prennent conscience, et
c’est à eux que se présente l’Ange; non pas les anges radieux du Gloria in
excelsis Deo, mais un Ange pâle, qui a froid et tient des propos pas toujours
canoniques: «le ciel s’est vidé tout entier comme par un grand trou, il est
désert et les anges ont froid» (p. 1143) mais «c’est au tour des hommes de
se réjouir». L’annonce de la naissance, les signes d’identification de l’enfant
qui vient de naître à Bethléem sont autant de citations de Luc, chapitre II; un
des bergers est alors envoyé à Bariona le rebelle «qui souffre» pour lui dire
«Paix aux hommes de bonne volonté».
Mais la pièce fait alterner des moments de tension et des scènes de divertissement et de détente. Le tableau suivant est un temps de repos ; il
s’ouvre sur des chants et des moments proches des pastorales provençales,
notamment de la Pastorale Maurel, très connue, du moins dans ses grandes
lignes voire ses clichés (et qui est toujours incontournable en période de
Noël); la manière dont Simon, Jérévah, vont réveiller les dormeurs de Bethsur est celle dont Roustido, Jourdan réveillent leur village encore endormi (acte II, scène IV6). Le côté méridional est encore accentué par
Sartre : un des bergers considère que le passant « est devenu fada, le
pauvre...», Simon s’exclame «Fan de chichourle!»: les méridionalismes ont
un effet comique garanti, mais aussi transportent les prisonniers dans un
terroir qu’ils sentent le leur. Bien sûr les disputes des vieux ménages qui
émaillent la Pastorale sont absentes ici: il n’y a pas de femmes au stalag, et
Sartre n’a créé qu’un seul rôle féminin, celui de Sarah. Par ailleurs, un des
chants qu’il écrit pour les bergers renvoie à un des cantiques les plus connus en France:
Le Messie nous est né !
Le Messie, celui que nous promettaient les prophètes !
Sartre
Il est né le Divin enfant ! ... Depuis plus de quatre mille ans
Nous le promettaient les prophètes...
liturgie de Noël
La Pastorale Maurel ou le Mystère de la Naissance de N.S. Jésus-Christ, drame en
cinq actes, en vers provençaux par A. M a u r e l, 1844 ; traduction française de Ch. G a l t i e r. Marseille, Éditions de la Librairie Tacussel, 1978.
6
Sartre: Bariona et les évangiles...
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mais «tous» chantent aussi un véritable psaume, composé des six premiers
versets du psaume 97 et des trois derniers du psaume 987 : chants de réjouissance universelle à laquelle toute la création participe: «Que la terre
tressaille de joie, que toutes les îles se réjouissent / Que les fleuves battent
des mains, que les montagnes chantent de joie... », célébrant «le Seigneur
[qui] vient pour juger [...] avec justice».
Temps de repos assez bref, qu’interrompt la venue de Bariona: celui-ci
introduit le doute, accable de sarcasmes l’enfant qui est né, clame «Il n’y a
pas de paix pour moi sur la terre et je veux être un homme de mauvaise
volonté» (p. 1148). Mais au moment où la foule déçue se disperse, arrivent
trois rois mages, Gaspard, Melchior et Balthazar. Ni l’évangile de Matthieu
ni la Légende Dorée ne parlent de rois mais seulement de « mages venus
d’Orient», ils n’en donnent ni le nombre ni les noms, mais ces «rois» sont
conformes à la tradition fixée déjà vers la fin du IXe siècle: chamarrés d’or,
suivis d’un cortège ; ils cherchent le Christ nouveau-né, dont ils ont suivi
l’étoile. Or Bariona récuse cette bonne nouvelle: il a interdit aux villageois
de Bethsur d’aller à Bethléem, car «la dignité de l’homme est dans son désespoir» (p. 1152). Les pages qui suivent opposent Bariona aux mages — à Balthazar en particulier, joué par Jean-Paul Sartre, qui affirme «Ton devoir est
d’espérer» (p. 1153); à Sarah; aux villageois. Lélius admet la possibilité d’un
nouveau Dieu, reprenant l’attitude de l’aréopage d’Athènes devant Paul. Un
sorcier prévoit ce que sera la vie du Messie:
Il s’adresse surtout aux enfants des pauvres. [...] Il leur dit « Rendez
à César ce qui appartient à César ». [...] Il fait quelques petits miracles.
[...] Il y a une histoire de petits pains. [...] Il ressuscite un nommé Lazare.
p. 1160
il faut se reporter au texte tant chaque indication compte. Et puis « il
souffre et il meurt», quelques phrases reprennent l’essentiel des récits de
la Passion — mais «je vois un grand rassemblement de nations autour de ses
disciples » (ibidem). Bariona s’indigne contre cet «agneau mystique qui
nous prêche la résignation», décide d’aller tuer l’enfant qui vient de naître
(p. 1165): ainsi les gens de Palestine, privés d’espoir, se révolteront-ils contre
les Romains.
Quand le rideau tombe, le Montreur d’images, aveugle, vient commenter le décor, «le dessin naïf » qui représente la crèche qu’il ne voit pas, il
évoque la Vierge telle qu’il l’imagine dans sa cécité. Sartre donne ici une page
étonnante, où l’image de Marie éblouie par son enfant se mêle à une méditation sur la proximité entre Dieu et l’humanité:
7
La numérotation est celle de l’actuelle Bible de Jérusalem.
110
Lucienne Bozzetto-Ditto
Ce Dieu est mon enfant. Cette chair divine est ma chair. Il est fait de
moi, il a mes yeux, et la forme de sa bouche, c’est la forme de la mienne.
Il me ressemble. Il est Dieu et il me ressemble.
p. 1164
On voit bien la parenté avec le texte biblique qui insiste: «Et Dieu créa
l’homme à l’image de sa ressemblance», l’enfant ressemble à sa mère qui
ressemble à son enfant (on pourrait penser à la manière dont Dante invoquait Marie, «figlia del tuo figlio»).
Sur le chemin vers la crèche, un homme? un ange? demande à Bariona
la vie de l’enfant-Messie et la vie de son enfant ; mais « nous autres les
anges, nous ne pouvons rien contre la liberté des hommes» (p. 1167). Et Bariona, de l’extérieur de l’étable, voit le regard de Joseph sur l’enfant: un
mouvement sourd s’amorce en lui: «Cet enfant, je sais déjà que je ne le toucherai pas » (p. 1168). Même s’il est «dans la nuit tropicale de la haine et
du malheur», il prend conscience que pour ceux qui adorent et prient, «se
lève, dans cette étable, à la clarté d’une chandelle, le premier matin du monde» (p. 1170). Une dernière rencontre avec Balthazar affronte la question
de la souffrance et de la liberté face à la souffrance. En des termes qu’aucun des prêtres présents ce soir-là ne pouvait récuser, «le Christ est venu
pour vous racheter », dit Balthazar, «il est venu pour souffrir et pour vous
montrer comment il faut en user avec la souffrance» (p. 1172), «laisse ton
enfant vivre».
Le septième et dernier tableau s’ouvre sur l’annonce de l’arrivée de soldats qui viennent tuer les nouveaux-nés; non seulement les sbires d’Hérode, ce qui aurait été conforme à Matthieu, mais aussi des Romains, des soldats de l’occupation, armés contre les («saints») Innocents. Or le mouvement
amorcé chez Bariona éclate en un acte de foi: «Je crois, à présent, à votre
Christ. Il est vrai: Dieu est venu sur terre ». Et il exhorte ses hommes à la
résistance armée: ils couperont la route des Romains et donneront leur vie
pour que Marie et Joseph puissent fuir avec l’enfant-sauveur. Les adieux avec
Sarah sont des adieux d’amour, de joie et de promesse de vie: leur enfant va
naître, «O joie! Joie! Pleurs de joie!» (on reconnaît l’emprunt à Pascal, qui
écrivait ceci dans la «nuit de feu» de sa conversion), ouverture vers l’avenir.
Pour les personnages, et pour les prisonniers, les spectateurs, pour qui «il
y aura encore de la joie!» (p. 1179).
Ce sont en effet les prisonniers qui sont les destinataires de la pièce;
à plusieurs reprises, il est question d’eux. Indirectement, lorsque sont évoqués les rêves des villageois: être dans un lit avec sa femme, manger, se reposer. Mais bien plus directement, lorsque Balthazar plaide pour l’espoir:
[...] tous ceux-ci qui t’entourent — dit-il à Bariona — il y a beau temps
qu’ils ne sont plus ici : ils sont à Bethléem, dans une étable, autour du pe-
Sartre: Bariona et les évangiles...
111
tit corps chaud d’un enfant. [...] Regarde les prisonniers qui sont là devant toi. Sais-tu ce que tu verrais si tu pouvais suivre leur âme? Les collines et des vignes et le soleil du Sud. [...] C’est l’Espoir...
p. 1153
De plus, les décors peints par Marc Bénard, « un peu raides », permettent aux prisonniers d’épouser certaines phrases du Montreur d’images : celui-ci, aveugle, projette sur le décor derrière lui toute sa tendresse pour Marie
et l’enfant qu’il ne voit pas — pendant que les prisonniers projettent peutêtre sur des photos «un peu raides» toute leur tendresse pour leurs femmes
et leurs enfants qu’ils ne voient pas.
Dans ces pages où il est question autant de guerre que de paix, le texte
et les représentations sont faits pour engendrer la paix: moment de paix en
pleine guerre, et étrangement les Allemands semblent n’avoir pas compris
à quel point ils étaient visés, remarque Michel Contat: le manuscrit ne porte
aucune trace de censure. Paix aussi entre les prisonniers, appartenant à des
confessions différentes ou n’appartenant à aucune; lorsque l’auteur a accepté
en 1962 la diffusion hors commerce de cinq cents exemplaires, il a ajouté un
avertissement:
«Si j’ai pris mon sujet dans la mythologie du Christianisme, cela ne
signifie pas que la direction de ma pensée ait changé, fût-ce qu’un moment
pendant la captivité. Il s’agissait simplement, d’accord avec les prêtres prisonniers, de trouver un sujet qui pût réaliser, ce soir de Noël, l’union la plus
large des chrétiens et des incroyants».
En fait, la manière dont Sartre traite ici le motif passe par quantité
d’éléments qui «parlent» à tous les prisonniers, et certains particulièrement
aux chrétiens. Sont évités deux points difficiles : la résurrection du Christ
n’est pas évoquée, et la question de la transsubstantiation est passée sous silence (seuls les «petits pains» sont mentionnés). Les sujets qui pourraient
opposer croyants et incroyants, catholiques et protestants, sont évités.
L’élément qui fait «l’union la plus large» est sans doute celui de l’enfant,
lié à l’espérance, et la question de l’enfant à naître de Sarah et celle de l’enfant qui vient de naître de Marie se répondent constamment; dans tous les
cas l’enfant «sauve» l’avenir. Aussi bien la parenté entre Sarah et Marie est
de tout instant; dès la première page, où le Montreur d’images commente
une image de l’Annonciation («l’ange se tient devant Marie »), «Marie est
pleine d’oiseaux et de bruissements des feuillages. Et mille pensées sans
paroles s’éveillent en elle, de lourdes pensées de mère qui sentent la douleur » (p. 1116). Le lecteur peut penser aux paroles de Siméon: «[...] et toimême, un glaive de douleur transpercera ton âme»8. Mais cette douleur n’est8
Luc, chapitre 2, verset 35.
112
Lucienne Bozzetto-Ditto
elle pas celle que pressent aussi Sarah riche de sa grossesse, qu’elle accepte
dans une sorte de fiat de la vie humaine?
Quand je serai certaine qu’il me trahira, qu’il mourra sur la croix
comme les voleurs et en me maudissant, je l’enfanterais encore. [...] J’accepte pour lui toutes les souffrances qu’il va souffrir... [...] Il n’est pas une
épine de son chemin qui se plantera dans son pied sans se planter dans
mon cœur. [...] Je l’aime à l’avance cet enfant sans nom et sans visage,
mon enfant.
p. 1133
Ainsi Sarah accepte en même temps son enfant et l’avenir: la logique du
personnage ne pourra que la conduire vers cette étable où une autre mère
a accepté l’avenir. Mais, alors que Marie est sans doute dans la joie absolue,
Sarah, elle, est déjà dans son propre Stabat Mater.
Les paroles de Bariona sont dures: «Si tu l’aimes, aie pitié de lui. Laissele dormir du sommeil calme de ceux qui ne sont pas encore nés» (p. 133). De
manière étrange, elles sont aussi un écho du livre de l’Ecclésiaste:
Je vois que l’avorton est plus heureux (que l’homme qui a bien vécu) : Il
est venu dans la vanité, il s’en va dans les ténèbres [...], il n’a même pas vu
le soleil et ne l’a pas connu : il y a plus de repos pour lui que pour l’autre9.
Tant que Bariona refuse l’avenir, il refuse son enfant et ne voit d’issue
à cette nuit que dans la mort immédiate de l’enfant de la crèche. Il faudra qu’il
entende les paroles de Balthazar, qu’il voie le regard de Joseph pour accepter
les deux enfants. Choisissant le combat contre les Romains et les soldats
d’Hérode, il sait qu’il va mourir, et son absence introduit un autre parallèle:
Charles Moeller remarque que l’enfant de Bariona grandira sans son père,
comme Sartre a grandi sans le sien10. De manière interne, l’enfant de Bariona
est supposé grandir dans la grâce et l’amour de sa mère, comme c’est aussi le
cas pour l’enfant de Marie. Cet avenir ouvert — même si le père est absent, même
si le père meurt, on voit bien quel sens cela peut avoir pour les prisonniers.
Parler d’enfant, dans cette pièce où «l’enfant divin» est accepté comme
«Dieu venu sur terre», c’est évoquer aussi le scandale de l’Incarnation. Bariona se veut extérieur à l’idée d’un amour de Dieu pour les hommes, et sa
vision de la vie humaine est pleine de mépris:
Quel conte de nourrice ! Je ne vois pas ce qui pourrait tenter (Dieu)
dans notre condition [...] Le Tout-Puissant au sein de sa gloire conEcclésiaste, chapitre 6, versets 3 sq.
Ch. M o e l l e r: Littérature du XXe siècle et christianisme. II. La foi en Jésus-Christ.
Tournai—Paris, Éd. Casterman, 1954, chapitre I : Jean-Paul Sartre ou le refus du surnaturel, pp. 35—107.
9
10
Sartre: Bariona et les évangiles...
113
templerait ces poux qui grouillent sur la vieille croûte de la terre et
la souillent des leurs excréments, et il dirait « je veux être une de ces vermines-là » ?
p. 1155
Et « le monde est une chute interminable, vous le savez bien »
(p. 1150). Mais l’un des Anciens sent bien le lien entre le monde et Dieu:
«Dieu a fait naître son fils de notre naissance à tous. » (p. 1147). La méditation de Bariona lui fait entrevoir quelque chose du mystère:
Un dieu-homme, un dieu fait de notre chair humiliée, qui accepterait
de connaître ce goût de sel au fond de nos bouches quand le monde entier
vous abandonne
p. 1157
Bien sûr, comme dans les évangiles, les personnages doivent ici renoncer au rêve d’un Messie armé, qui libèrerait les terres occupées de leurs occupants, et passer de l’image glorieuse attendue, d’un «Roi d’Israël» à celle
d’« un enfant de gueux, tout souillé, vagissant ». Plus haut, Sarah, dans
une empathie passionnée, Sarah «comprenait» Marie; ici, Bariona, dans son
désespoir, «comprend» ce que va vivre ce dieu-homme; il a à vivre intérieurement l’abaissement de l’Incarnation dans le moment où le Seigneur qu’il
refuse s’incarne. Mais Sartre pousse plus loin le parallèle : «Ils veulent un
crucifié et ils l’auront», dit Bariona, «car le tribunal juif me condamnera sans
doute à la croix » (p. 1166). À la fin de la pièce, on l’a dit, Bariona converti prend les armes pour protéger la fuite de la Sainte Famille; acte sacrificiel — «messianique»? Valorisation de la résistance à l’ennemi, surtout; et
défense du faible, de l’espérance ; plus encore : de la vérité ; c’est un des
aspects que l’on retrouvera presque constamment dans le théâtre de Sartre
(quoiqu’on pense de ses «vérités»).
Ici, le Christ, accepté comme «sauveur» des hommes, reste en vie grâce
à un homme. Dans l’évangile de Matthieu, un ange signifie à Joseph qu’il
doit fuir avec les siens, et la tradition conte les nombreux miracles qui ont
protégé la fuite en Egypte : le salut du Christ est d’origine divine. Dans la
pièce de Sartre, c’est Bariona qui sauve le Sauveur.
Ainsi, sans que soit niée jamais la souffrance, les personnages retrouvent
l’espérance et l’espoir. Au début « éblouissant d’orgueil comme un ange
révolté», Bariona refusait de «laisser quelqu’un derrière lui pour perpétuer la
souffrance humaine» (pp. 1134—1135). Balthazar argumente contre le désespoir comme enfermement dans le temps, le lieu, le connu, la pesanteur. Or,
[...] les vignes dorées de septembre, pour des prisonniers transis et pleins
de vermine, c’est l’Espoir. L’Espoir et le meilleur d’eux-mêmes. [...] Et
8 Quelques...
114
Lucienne Bozzetto-Ditto
toi tu ne veux leur laisser que la boue et les poux et les rutabagas, tu veux
leur donner le présent effaré de la bête...
p. 1153
l’absence d’espoir n’est pas le comble de la dignité humaine, mais une réduction à l’animal, au minéral. «Celui qui perd l’espoir, les pierres du chemin
lui seront plus rudes et le fardeau qu’il porte plus lourd» (p. 1154); parler
d’avenir serait-il alors un simple mensonge compassionnel? Ce que dénoncent Sartre et le personnage qu’il joue, c’est aussi bien la complaisance
à l’égard de la douleur, une manière de «mettre son honneur à souffrir plus
que les autres», que la résignation. Se dessine une approche ontologique qui
distingue l’homme de sa souffrance, qui suppose une transcendance de
l’homme non réductible à une pure sensation, à une pure émotion, à quelque
aspect ponctuel de son existence. Un motif que Sartre ne cessera de développer se met en place, celui de la liberté:
Tu dépasses infiniment ta souffrance car elle est tout juste ce que tu
veux qu’elle soit. [...] C’est toi-même qui lui donnes son sens et la fais ce
qu’elle est. [...] Tu es responsable envers toi-même de ta souffrance.
p. 1173
Responsabilité, liberté, ceci rejoint étrangement la théologie de la liberté
en milieu chrétien : Dieu a donné à l’homme sa liberté, et « contre un
homme libre Dieu lui-même ne peut rien» ; «cette vérité que le Christ est
venu t’apporter, c’est que tu n’es pas ta souffrance» (ibidem). Et la liberté
est proche dans «le royaume de Dieu qui est au ciel — et aussi sur la terre»
(ibidem).
C’est sur la terre aussi que l’on rencontre des anges; des anges bien ordinaires, peu remarquables, invisibles comme tels;
[...] depuis que je n’y vois plus, j’ai réfléchi — dit le récitant — un ange
c’est un homme comme vous et moi, mais le Seigneur a étendu sa main sur
lui et il a dit : «Voici, j’ai besoin de toi ; pour cette fois tu feras l’ange »
Et le bonhomme s’en va parmi les autres, tout ébloui, comme Lazare ressuscité parmi les vivants, et il a sur la figure un petit air ni chair ni poisson, parce qu’il n’en revient pas d’être un ange.
p. 1137
Si les hommes dans certaines circonstances peuvent « faire l’ange »,
l’ouverture de la pièce à l’espoir se double peut-être bien d’une autre ouverture: la liberté permet parfois aussi, même dans un camp de prisonniers, de
dépasser l’humaine condition ordinaire pour révéler ce qu’elle peut avoir
d’«angélique».
Sartre: Bariona et les évangiles...
115
Dieu, «cet homme», Dieu-homme, fait homme dans la crèche et l’Incarnation — et toute naissance de petit d’homme vécue comme une incarnation —, des anges qui sont des hommes, et l’enfant Dieu-homme sauvé par
un homme: on voit bien dans quel sens va la réécriture que Sartre propose
dans ce texte. Il faut bien dire aussi que certains passages (mais pas les emprunts à la Pastorale, assez homogènes) offrent un décalage de ton qui peut
surprendre tant ils s’éloignent de l’atmosphère générale de la Nativité. Néanmoins quelques pages ont trouvé depuis leur place dans des ouvrages de spiritualité: «récupération» par les milieux chrétiens? À vrai dire, pour cette
pièce Sartre a collaboré avec plusieurs prêtres, et Bariona était joué par
le P. Feyder, un jésuite: l’écrivain n’aurait certainement pas introduit dans
l’œuvre des répliques par trop choquantes pour ces croyants. Et Bariona unit
bien, selon l’intention de l’auteur, ce qui pouvait «réunir chrétiens et incroyants», les uns et les autres pouvant interpréter la pièce selon leur propre
désir.
Étrange pièce donc, qui n’aura pas de suite dans l’œuvre de Sartre et qui
a été très peu jouée (mais la Stage Company l’a reprise en 199511). Sartre
a pris grand plaisir dans cette aventure: «Sachez que j’ai certainement du
talent comme auteur dramatique», écrit-il à Simone de Beauvoir. «J’ai fait
une scène d’ange annonçant aux bergers la naissance du Christ qui leur
a coupé le souffle à tous. Il y en avait qui avaient les larmes aux yeux». Michel Contat insiste sur le fait que cette expérience est celle d’un «faire-ensemble» que Sartre ne cessera plus de rechercher. L’écrivain jugera plus tard
ces pages sans indulgence: trop de discours... Pourtant, son intuition de l’action collective et le sentiment de l’émotion que peut susciter le théâtre sont
nées avec ce Noël. Il pratiquera d’autres réécritures, à partir de mythes grecs.
Mais Bariona, riche de traditions populaires, d’Écritures souvent déjà réécrites et d’un poids unique de vécu, est une expérience fondatrice. C’est à
la demande expresse de l’auteur que M. Contat insère ce texte, longtemps
conservé confidentiellement, dans les Écrits de Sartre, chez Gallimard, en
1970; avec l’avertissement dont nous avons parlé, mais de manière publique
et acceptée.
11
Stage Company, avec Frank Widman et Randall King, 7—17 décembre 1995.
www.metroactive.com/papers/metro.
8*
Aleksander Ab³amowicz
Université de Silésie, Katowice
Université d’Ostrava
Le retour de Télémaque
L’histoire de la pensée est longue et complexe. Elle a toujours connu une
évolution progressive, prodigieuse, déterminée par d’innombrables facteurs
dont celui d’une cumulation incessante a sans doute joué un rôle extrêmement important. Le résultat est que le savoir d’aujourd’hui n’est pas seulement le fruit de nos acquis actuels, mais aussi d’une longue expérience qui
comprend les temps même les plus éloignés. Par conséquent, on peut toujours observer les traces indélébiles du passé, rappelé sans cesse par des échos
que l’on trouve partout dans le monde contemporain. Dans le monde des
lettres le phénomène est d’autant plus important qu’il a ses racines dans le
mode de penser propre à l’antiquité grecque et à sa mythologie, constituant
jusqu’à nos jours une source inépuisable d’inspiration, d’associations et de
souvenirs qui réapparaissent systématiquement dans notre vie quotidienne.
L’effet de cumulation crée une situation toute particulière parce que le
savoir et les croyances de jadis semblent avoir cours aujourd’hui encore et
sont fortement incrustés dans la mentalité contemporaine. Mieux encore, ils
semblent bien être quelque chose de tout à fait naturel et évident. Par
conséquent, nos opinions sont aujourd’hui encore basées souvent sur des
principes formulés il y a des siècles et ne constituent qu’une reprise des idées
très, très anciennes. C’est pour cette raison que «nous sommes habitués
à ne nous servir de nos yeux qu’avec le souvenir de ce qu’on a pensé avant
nous sur ce que nous contemplons»1. Et cette habitude a des conséquences
nombreuses et aboutit à un retour constant à ce qui a été déjà dit ou écrit,
conformément à la vision du monde créée jadis. Cette réécriture continue
1
G. de M a u p a s s a n t : Pierre et Jean. Préface. Paris, Gallimard, 1956, p. 5.
Le retour de Télémaque
117
s’enrichit sans doute d’acquis nouveaux, mais elle s’accomplit à partir d’un
certain état de connaissances établi par l’héritage de la tradition culturelle.
C’est le surréalisme qui a essayé de rompre définitivement avec l’acquis
du passé, en condamnant toute ingérence de la pensée dans le monde des
rêves, considérés comme seul élément entièrement libre du «contrôle de la
raison»2 contre lequel proteste violemment Breton dans son Manifeste du
Surréalisme, ne voyant que dans le merveilleux, et notamment dans un
merveilleux nouveau, la seule source du savoir sur le monde.
Ce merveilleux particulier possède certains aspects spécifiques comme le
moment de la découverte d’un objet — source du merveilleux, l’enchantement de la révélation d’une beauté nouvelle, bretonienne justement et il
constitue, en lui-même, une métamorphose de l’objet en question. Il change
aussi avec le temps, possède certains thèmes privilégiés et cherche la source
d’inspiration dans la banalité quotidienne. Son but, «le but réel du voyage
merveilleux [...] est l’exploration plus totale de la réalité universelle»3.
Il est donc question d’une redécouverte du monde, d’une rupture totale avec le passé et d’une recherche de la vérité d’après les principes nouveaux. Car le surréalisme se veut une nouvelle et meilleure méthode de connaissance et d’exploration, une méthode beaucoup plus développée que le
traditionnel réalisme qui, pourtant, se déclarait aussi une méthode de connaissance basée sur le principe selon lequel «le réaliste, s’il est un artiste,
cherchera non pas à nous donner une photographie de la vie, mais à nous
en donner la vision plus complète, plus saisissante, plus probante que la
réalité elle-même»4.
Le désir de savoir et de décrire le monde est mis en œuvre par le moyen du récit présentant les événements, les personnages et les lieux choisis.
Mais les surréalistes justement condamnaient le récit comme écriture artistique, pour reprendre cette technique d’écriture artistique dans leurs nouvelles et romans. Il y a donc là une certaine contradiction qui se fait voir
à travers l’œuvre de Louis Aragon et d’André Breton, auteurs de textes narratifs à caractère romanesque.
Contestataires de leur époque, Aragon et Breton se révoltaient contre la
manière de penser et de s’exprimer de leur temps, contre « la morale, la
littérature, les évidences et le train quotidien des choses (car) tout cela semblait à des jeunes hommes la seule attitude acceptable»5. Et ils s’adonnaient
à la recherche de l’absolu, symbole de l’affirmation de l’homme et de sa
prééminence sur la réalité.
A. B r e t o n : Manifestes du Surréalisme. Paris, Gallimard, 1966, p. 37.
P. M a b i l l e : Miroir du merveilleux. Paris, Gallimard, 1976, p. 60.
4
G. de M a u p a s s a n t : Pierre et Jean..., p. 7.
5
M. R a y m o n d : De Baudelaire au Surréalisme. Paris, Corti, 1952, p. 94.
2
3
118
Aleksander Ab³amowicz
Même les surréalistes cependant n’ont pas réussi à chasser de leur mémoire l’héritage du passé, souvent très éloigné. Il semble bien que Freud avait
raison en parlant de « super ego » — élément extérieur mais tellement
incrusté dans notre esprit qu’il rejoint le fameux «id » subconscient. Et
c’est ainsi que, malgré toutes les tentatives d’un refus total de la tradition,
l’œuvre d’Aragon surtout peut servir d’exemple d’une quête constante, d’une
recherche d’un savoir objectif et méthodologiquement certain, dont la possession ferait de l’écrivain l’égal des dieux omniscients. Et comme la littérature a toujours été détentrice des mythes et dépositaires des valeurs éternelles, reprises maintes fois depuis les temps anciens Aragon n’hésite pas à
revenir à des motifs apparus dans le passé même très éloigné. C’est pour cette
raison que, tout au début de sa longue carrière d’écrivain et de poète, Aragon fait appel à la mythologie grecque pour réécrire Les aventures de Télémaque, ouvrage publié en 1922, juste après Feu de joie de 1920 et Anicet ou
le panorama de 1921.
Ce sont là les années d’une révolte générale contre toute la tradition, les
années, aussi, d’une recherche fiévreuse, entreprise en vue d’accéder à une
expérience privilégiée, vécue pour elle-même, et dont l’œuvre d’art est à la
fois le moyen et la relation. Expérience qui consiste, pour l’essentiel, en une
négation totale d’abord (une espèce de vide à combler), ensuite en une renaissance (qui prend l’aspect d’une auto-génération) et, enfin, en un état
nouveau du rapport de l’être et du monde. Cette recherche aragonienne s’effectue à travers des tentatives extrêmement différenciées, nourries des conceptions diverses marquant profondément cette étape de la création littéraire
de l’écrivain. Ces tentatives menaient vers la découverte de la parole poétique libre, vers l’abolissement de toutes les barrières, vers le retour à l’imagination et au rêve. C’est à ce moment qu’Aragon commence à examiner les
relations de la poésie et de la vie. La question est d’autant plus importante
que «Louis Aragon est convaincu que la poésie n’a pas seulement une signification littéraire, mais un sens vital: qu’elle est l’affleurement merveilleux
de toutes les conquêtes de la grandeur humaine»6.
Il faut donc rejeter les contraintes traditionnelles de la poésie et réapprendre à écrire. Aragon le proclame à haute voix en écrivant:
Lorsque j’avais vingt ans pour moi la grande affaire
Était de désapprendre et non d’avoir appris
Il me semblait ouvrir les portes de l’enfer
Par le simple refus du coeur et de l’esprit 7.
6
7
R. G a r a u d y : Itinéraire d’Aragon. Paris, Gallimard, 1962, p. 55.
L. A r a g o n : Lever. In : I d e m : Feu de joie. Paris, Sans Pareil, 1920, p. 16.
Le retour de Télémaque
119
Cette contestation générale de l’acquis traditionnel n’empêche pourtant
pas Aragon de chercher l’appui dans le passé. Et c’est ainsi qu’il reprend l’ancien mythe de Télémaque, mythe ayant déjà attiré l’attention d’Homère qui
lui avait consacré les quatre premiers livres de son Odyssée. Dans cette partie
du poème, Télémaque se présente comme le personnage principal, symbolisant l’amour filial et s’adonnant à la recherche de son père, parti à la
guerre de Troie et disparu pour de longues années. Fils d’Ulysse et de Pénélope, Télémaque, avec l’aide de Mentor, tente désespérément de retrouver
son père et, après son retour, le soutient dans sa lutte contre les prétendants
afin de l’aider à récupérer le trône d’Ithaque.
Télémaque jeune connaît de nombreuses aventures qui ont marqué cette
période d’apprentissage. C’est pour cette raison que, vers la fin du XVIIe
siècle, en 1699, Fénelon a repris son histoire pour en faire un roman
pédagogique destiné au duc de Bourgogne et intitulé justement Les aventures de Télémaque. Le roman devait introduire l’élève de Fénelon dans
le monde mythologique d’Homère et de Virgile en rappelant différents
événements décrits dans les épopées de jadis. Il faut aussi signaler le fait
que la même problématique et le même personnage fonctionnent également
dans le monde de la musique, par exemple dans l’opéra du compositeur
italien Scarlatti (1685—1757) sans parler d’autres reprises de cette thématique-là.
Télémaque réapparaît ainsi dans le monde des arts et ses aventures ont
été réécrites plusieurs fois. Rien d’étonnant donc qu’Aragon ait repris le
même thème en l’adaptant toutefois à ses besoins et aux circonstances de son
époque et en y introduisant beaucoup d’éléments empruntés à sa propre
expérience. En effet on trouve, dans le récit aragonien, plusieurs associations
et, surtout, des allusions aux événements, aux situations et aux personnages
qu’Aragon a rencontrés dans sa jeunesse, quand il faisait lui-même, justement comme Télémaque, l’apprentissage de la vie et de l’écriture. Aragon est
à l’époque à ses débuts littéraires et il est encore à la recherche d’une voie
nouvelle qui lui permettrait de trouver sa place dans le monde des lettres.
Comme Télémaque d’ailleurs il cherche son père qui ne l’a jamais reconnu
officiellement et c’est ainsi qu’il trouve dans ce personnage mythique l’image
de sa propre vie et de sa propre situation.
Cette problématique particulière, personnelle, apparaît très souvent dans
l’écriture aragonienne et se fait voir à travers le jeu de différents personnages
égarés dans le monde, lancés dans une poursuite laborieuse et ardente d’une
identité jamais retrouvée. En effet Aragon, «à force de croire, de jouer, de
se persuader, enfant illégitime, qu’il est le frère de sa mère, le fils adoptif de
grand-mère et le filleul de son père, à force de s’étonner de son identité [...]
s’atteint singulièrement au plus vif de ses dédoublements et se rassemble
120
Aleksander Ab³amowicz
plus vrai que lui-même»8. Cette poursuite constante le tourmente sans cesse
et aboutit enfin à un dédoublement des personnages auxquels l’auteur s’identifie pour se retrouver lui-même. Télémaque, lui aussi, est à la recherche
de son père et Aragon parle de sa propre situation quand il met dans la
bouche de son héros s’adressant à Calypso, une question capitale et difficile à la fois:
[...] sauriez-vous regarder sans pitié un jeune homme qui se cherche à travers le monde, puisqu’il poursuit sa propre image, un père sans cesse emporté loin de moi par cette même furie des tempêtes et des idées qui me met
tout nu à vos pied ?9
On reconnaît facilement le langage de l’écriture aragonienne, langage qui
revient à plusieurs reprises dans ses œuvres postérieures et qui se forme,
déjà, dans Les aventures de Télémaque. On reconnaît aussi cette problématique d’une recherche constante du jeune écrivain qui « se cherche », qui
«poursuit sa propre image» et qui souffre à cause de l’absence d’un père et
d’une vraie famille.
Cette quête se fait dans l’atmosphère générale des années vingt du XXe
siècle en France. Ce sont les années d’une réaction contre la guerre de
1914—1918, du sentiment de déception ressenti après ce désastre et de contestation des valeurs qui semblaient être immuables et pourtant, se sont
avérées trompeuses. Anicet déjà, héros du premier roman aragonien, pose
ce problème en se demandant:
[...] tout de même, quand les raisons d’être deviennent ces jouets ridicules, que reste-t-il qui nous pousse à vivre ? Encore le ton dramatique. Ça
ne passera donc jamais ?... Une jolie victoire : j’ai tué les points d’interrogation10.
Le sentiment du vide s’en dégage et c’est pour cette raison qu’Anicet
prend une décision définitive en déclarant: «Changer d’existence. Je résolus de donner un but différent à mes jours »11. Ce but différent se manifeste à travers une contestation radicale du passé et une recherche des
moyens qui permettraient de bâtir un monde nouveau. Aragon, comme les
autres jeunes débutants, s’y engage et rejoint le mouvement Dada dont le langage l’attire comme instrument poétique d’une grande révolte. Télémaque
déclare:
L. R a y : Aragon et ses doubles. « L’Arc» [Aix-en-Provence] 1973, no 53, pp. 55—56.
L. A r a g o n: Les aventures de Télémaque. Paris, Gallimard, 1966, p. 14.
10
L. A r a g o n : Anicet ou le panorama. Paris, Gallimard, 1921, p. 170.
11
Ibidem, p. 16.
8
9
Le retour de Télémaque
121
Le langage quoiqu’il en paraisse se réduit au seul Je et si je répète un
mot quelconque, celui-ci se dépouille de tout ce qui n’est pas moi jusqu’à
devenir un bruit organique par lequel ma vie se manifeste12.
Et il ajoute:
[...] je porte dans mon gousset gauche mon portrait très ressemblant : c’est
une montre en acier bruni. Elle parle, elle marque le temps, et elle n’y comprend rien. Tout ce qui est moi est incompréhensible13.
Télémaque n’est pas le seul à s’exprimer sur le problème d’existence
humaine dans un monde tourmenté par « des tempêtes des idées ». Son
maître Mentor prononce un long discours, adressé d’ailleurs aux oiseaux, traitant de la même problématique dans une perspective pleine des contradictions trahissant les doutes de son auteur. Il dit notamment:
[...] l’innocence des nouveaux-nés, c’est encore une curieuse invention ;
nous sommes tous des nouveaux-nés, des innocents, je veux dire des coupables. Le bon sens, la logique, Mesdames et Messieurs, quel coupe-gorge !
On est volé comme dans un bois14.
Le monde est absurde, l’homme subit un esclavage odieux et révoltant,
la seule solution c’est la lutte contre cette triste réalité à l’aide d’un système
nouveau qui vient d’être découvert et qui se dit Dada.
Le discours de Mentor devient peu à peu une espèce de manifeste proclamant hautement le système Dada comme seule solution possible. Et s’il en
est ainsi c’est parce que
[...] le système Dada vous fait libre — constate Mentor — : brisez tout, visages camards. Vous êtes les maîtres de tout ce que vous casserez. On a
fait des lois, des morales, des esthétiques pour vous donner le respect des
choses fragiles. Ce qui est fragile est à casser. — Et il continue — Ce que
vous ne pourrez pas casser vous cassera, sera votre maître. Cassez les
idées sacrées15.
Les idéaux s’avèrent ainsi relatifs et varient avec le temps. Les idéaux des
générations précédentes ne sont qu’anachroniques aujourd’hui. Il faut donc
les rejeter définitivement pour récupérer la liberté de choisir des moyens
nouveaux surtout dans le domaine des lettres. Car dans ce domaine partiL. A r a g o n : Les aventures de Télémaque..., p. 29.
Ibidem.
14
Ibidem, p. 34.
15
Ibidem, pp. 36—37.
12
13
122
Aleksander Ab³amowicz
culier l’idéal du beau change aussi ce qui suppose les changements des
moyens d’expression artistique, en faisant ressortir le rôle du mot. Cette mise
en valeur de la parole poétique qu’on observe dès le début de l’activité artistique d’Aragon, prend ainsi une signification toute particulière.
Elle signale, notamment, le retour à la création littéraire considérée
comme moyen le plus sûr et le plus efficace permettant de découvrir le sens
du monde et de la vie. Elle n’est donc plus niée, mais elle a un rôle important à jouer dans le déchiffrement de la réalité. Ce n’est pas le seul moyen
pourtant. À cette époque-là déjà, Aragon propose d’autres instruments de recherche qui peuvent servir le même but et qui permettent cette «découverte du sens du monde». Cet instrument c’est tout d’abord l’amour dont il
est question dans Les aventures de Télémaque quand Aragon constate:
[...] la critique de la vie, nous ne la poursuivons qu’en l’absence de l’amour.
Dès qu’il débute, les données changent. Nous nous faisons acquiescement
universel16.
Comme l’écriture poétique l’amour est donc aussi un moyen qui change
tout dans la vie. Et Aragon parlera de l’amour durant toute son activité
littéraire.
Le dernier élément, non moins important, c’est le problème du merveilleux qui apparaît également comme moyen de la découverte du monde à
travers le retour à l’enfance. Il en est question de manière explicite un peu
plus tard, dans Le mouvement perpétuel17, mais il apparaît déjà dans Les aventures de Télémaque, dans les descriptions des détails de la visite du jeune
voyageur chez Calypso.
La négation simple ne suffit donc pas. Il faut un programme, il faut trouver une solution qui fonderait une espérance consolatrice, ne serait-elle
qu’illusoire. Et c’est toujours au même moment que, tout en parlant du
mouvement Dada, Aragon écrit: «Le premier D de mon système était le
doute. Le second D sera la foi»18.
On voit comment, peu à peu, l’idée d’une négation totale s’enrichit d’une
conception nouvelle qui va frayer le chemin à une vision positive du monde
et aboutir à une technique de l’écriture spécifique qui va trouver son apogée
dans Le Paysan de Paris19. Mais les racines de cette technique nouvelle apparaissent déjà dans Les aventures de Télémaque. C’est pourquoi d’ailleurs
Aragon fait parler ses personnages conformément à sa propre vision des
Ibidem, p. 9.
L. A r a g o n : Le mouvement perpétuel. Paris, Gallimard, 1926.
18
L. A r a g o n : Les aventures de Télémaque..., p. 37.
19
L. A r a g o n : Le Paysan de Paris. Paris, Gallimard, 1926.
16
17
Le retour de Télémaque
123
choses et, pour préciser ses idées, il ne se contente pas de présenter les opinions professées par Télémaque ou Mentor. Comme il le fait dans ses autres
œuvres littéraires, Aragon intervient lui-même en ajoutant des «notes»
explicatives à son texte. Des notes écrites en 1922 et révisées et complétées
beaucoup plus tard, en 1966.
C’est ainsi que le roman est conçu sur trois plans narratifs : le romanesque emprunté à l’Odyssée, les commentaires de l’auteur et les nouveaux commentaires, actualisés et ajoutés plus de quarante ans après la
publication du livre. À vrai dire, il faudrait y ajouter encore un quatrième
plan : celui des réflexions de Télémaque et de Mentor sur le problème de
l’écriture et notamment sur les conceptions Dada prônées à l’époque par
l’auteur du livre.
La réécriture aragonienne des aventures de Télémaque n’est donc pas
une simple reprise de l’histoire mythologique racontée dans l’Odyssée par
Homère au VIIIe siècle avant notre ère. En suivant les pistes tracées par
Fénelon et en les parodiant, Aragon a fait un roman d’apprentissage qui
exhibe tous les doutes, les déchirements et les incertitudes juvéniles de
l’écrivain qui cherche à tâtons sa propre voie et qui, tout en se révoltant
contre une écriture traditionnelle, n’est pas encore sûr de son choix. Et c’est
ainsi que ce rappel aragonien de l’histoire de Télémaque se situe sur le plan
des moyens englobant l’éternel désir du savoir, de l’auto-détermination et,
surtout, de l’auto-affirmation du jeune écrivain.
Denis Labouret
Université de Paris — Sorbonne
Amphitryon: réécritures du mythe
et mythe de la réécriture
Réécrire, plaisir divin Redire, reproduire, reprendre à son compte des
textes antérieurs: ce plaisir, Jean Giraudoux l’a très naïvement savouré dès
l’enfance, si l’on en croit la préface de Littérature où il raconte qu’en découvrant les chefs-d’œuvre de la littérature française, ils se les appropriait au
point de les restituer innocemment comme siens. «Dans une noce, à la campagne, je récitai “Mignonne allons voir si la Rose”, en laissant entendre,
sans l’affirmer, que c’était de moi. On me félicita, c’était très bien, quoique
un peu mièvre: j’apprendrais la force plus tard. Personne ne soupçonna un
truquage, et il n’y en avait pas. Tout était de moi»1. Le petit Giraudoux
«réécrit» ainsi à sa manière les grands auteurs, comme le Pierre Ménard de
Borges réécrira le Quichotte — à la virgule près.
Devenu écrivain, Giraudoux pratiquera bien d’autres réécritures. Certes,
il ne s’agit plus alors de simples citations ou récitations, et les palimpsestes
giralduciens vont bien au-delà d’une pâle copie des modèles. Mais l’auteur
d’Amphitryon 38 se plaît à voir dans toute écriture une réécriture, et dans
toute littérature une pratique du «plagiat» — au sens le plus large. Jacques
Body a parlé à ce sujet d’une «théorie panpalimpsestueuse»2 ; et l’on connaît
J. G i r a u d o u x : Littérature. Paris, Grasset, 1941, rééd. Gallimard, coll. « FolioEssais », 1994, p. 13.
2
J. B o d y : À la recherche d’une théorie giralducienne du palimpseste. In : Jean Giraudoux et l’écriture palimpseste. Actes du colloque de la Société internationale des études
giralduciennes (Montréal, 26—29 septembre 1995). Réunis par L. G a u v i n. Publications
du Département d’Études françaises de l’Université de Montréal, coll. Paragraphes,
1997, p. 19.
1
Amphitryon : réécritures du mythe...
125
la phrase fameuse prononcée par Robineau, le philologue de Siegfried: «Le
plagiat est la base de toutes les littératures, excepté de la première, qui d’ailleurs est inconnue»3. Chez Giraudoux, «la notion de plagiat s’étend à toute
chose»4, aux êtres comme aux écrits. Dans Siegfried et le Limousin, Siegfried
est le vivant plagiat de Jacques Forestier, l’écrivain français qu’il était avant
de perdre la mémoire : plagiaire et plagié ne font qu’un. La notion de plagiat en vient ainsi à «déborde[r] le champ de la littérature»5 pour s’appliquer
à la vie même. Mais si le plagiat se généralise à ce point, le sens du mot
ne finit-il pas par se diluer ? À propos du théâtre, Giraudoux semble exclure le plagiat au contraire: «[ ] il n’y a pas de plagiat parce qu’il n’y a pas
de propriété »6 — autrement dit : parce que l’auteur de théâtre s’efface au
profit des personnages, du théâtre, des représentations. Il y a bien des reprises et des ressemblances au théâtre, de multiples jeux d’échos qui lient les
œuvres entre elles; mais c’est la loi du genre, qui dépasse le choix des auteurs: il ne faut pas y voir de vols, d’appropriations abusives. En ce sens, les
deux affirmations — le plagiat partout, le plagiat nulle part — ne sont contradictoires qu’en apparence. Oui, l’imitation est la règle en littérature; non,
il ne s’agit jamais d’emprunts condamnables, thèmes et formes n’appartenant à personne.
Ce rapport problématique entre le statut de l’auteur et la généralisation
du palimpseste trouve une belle illustration dans le mythe littéraire d’Amphitryon, chez Giraudoux — et chez ses trente-sept prédécesseurs supposés...
Car dans la fable, ce sont les dieux imitateurs, Jupiter et Mercure, qui figurent le travail littéraire de l’imitation créatrice. Les dieux plagiaires et copieurs, ces doubles d’Amphitryon et de Sosie, que nous disent-ils donc de la
réécriture? Et des pouvoirs divins de l’auteur imitateur? Poser ces questions,
c’est considérer que le mythe d’Amphitryon n’est pas seulement un mythe
de la représentation, mais qu’il est aussi un mythe de la réécriture en ce qu’il
contient, en abyme, une mise en scène des pouvoirs et des limites du «plagiat», du palimpseste, de l’hypertexte à l’œuvre. Si ce mythe a fait lui-même
l’objet de tant de réécritures, c’est sans doute qu’il contenait en son cœur
une histoire de copie. Et si les titres affichent parfois explicitement la réécriture en jeu — «Amphitryon 38» chez Giraudoux, «Amphitryon, une comédie
d’après Molière» chez Kleist —, c’est que la répétition a de bonnes raisons
d’être avouée pour cette intrigue qui représente elle-même des Amphitryons
et des Sosies, au pluriel: «Ô que d’Amphitryons, d’un seul Amphitryon »,
3
J. G i r a u d o u x : Siegfried, I, 6. In : I d e m : Théâtre complet. Paris, Le Livre de poche, « La Pochothèque », L.G.F., 1991, p. 18.
4
J. B o d y : À la recherche..., p. 21.
5
Ibidem, p. 20.
6
J. G i r a u d o u x : L’auteur au théâtre. In : I d e m : Littérature..., p. 210.
126
Denis Labouret
s’exclame Sosie dans la pièce de Rotrou, Les Sosies (V, 5, v. 17057). Sans revenir sur les innombrables réécritures du mythe8, il peut être éclairant, pour
lire Jupiter et Mercure comme des doubles de l’auteur «plagiaire», de relier
le texte de Giraudoux, sur ce thème, aux trois grands hypo/hypertextes de
Molière, de Rotrou et de Plaute — remontant ainsi dans le temps en direction du «premier» Amphitryon qui d’ailleurs est inconnu.
*
*
*
C’est le travail mimétique de l’acteur, plutôt que celui de l’auteur, que la
critique a repéré le plus souvent dans cette histoire de travestissements.
Depuis les articles de Florence Dupont sur l’Amphitryon de Plaute9 et d’Anne
Ubersfeld sur celui de Molière10, jusqu’à la thèse récente d’Ariane Ferry sur
les «avatars» du mythe, on considère volontiers les différents Amphitryon
comme des représentations de la représentation: en montrant des dieux qui
jouent le rôle des hommes au point de prendre leur place, Amphitryon nous
parle de spectacle, d’image, d’illusion. Le texte de Plaute est fondateur non
seulement parce qu’il nous offre la première version théâtrale écrite du
mythe, mais surtout parce qu’en inventant le personnage de Sosie, il déplace
l’enjeu de l’action, de façon décisive, des conditions de la naissance d’Hercule à la confusion comique des identités. Le «mythe de Sosie» ainsi inauguré est un mythe essentiellement théâtral: le travestissement des dieux qui
7
Pour Les Sosies, nous suivons l’édition du Théâtre complet de Rotrou dirigée par
G. F o r e s t i e r, T. 8. Paris, Société des Textes Français Modernes, 2005 (introduction
et notes d’H. V i s e n t i n). Pour les autres Amphitryon cités dans cette étude, nos références renvoient aux éditions suivantes: P l a u t e: Théâtre complet. T. 1. Éd. P. G r i m a l.
Paris, Gallimard, coll. « Folio », 1991 ; M o l i è r e : Amphitryon. George Dandin. L’Avare.
Éd. G. C o u t o n. Paris, Gallimard, coll. « Folio », 1973 ; J. G i r a u d o u x : Théâtre complet... Nous indiquons les vers, de préférence aux pages, pour les citations de Rotrou et
Molière.
8
Parmi les nombreuses études consacrées au mythe littéraire d’Amphitryon, citons
notamment les travaux de Jacques V o i s i n e (Trois “Amphitryon” (Kleist, Henzen, Giraudoux) et un “Jupiter” (Otokar Fischer). Paris, Minard, Lettres modernes, 1993), le
numéro spécial de « L’École des Lettres » (n° 11, 1990—1991, Le Mythe d’Amphitryon),
l’étude des mythes de la gémellité par J. P e r r o t (Mythe et littérature, Paris, PUF, 1976),
et la thèse de doctorat en littérature comparée d’A. F e r r y (Amphitryon en ses avatars.
Théâtre et identité dans: “Amphitryon”, de Plaute, “Les Sosies”, de Rotrou, “Amphitryon”,
de Molière, “Amphitryon or The two Sosias”, de Dryden, “Amphitryon, ein Lustspeil nach
Molière”, de Kleist, “Amphitryon 38”, de Giraudoux. Sous la direction de D. M o r t i e r.
Université de Rouen, 2002).
9
F. D u p o n t : Signification théâtrale du double dans l’« Amphitryon » de Plaute.
« Revue des Études latines » 1976, LIV, pp. 129—141.
10
A. U b e r s f e l d : Le double dans l’« Amphitryon de Molière ». In : Dramaturgies.
Langages dramatiques. Paris, Nizet, 1986, pp. 235—244.
Amphitryon : réécritures du mythe...
127
revêtent avec art l’apparence des mortels fonde une réflexion sur le pouvoir de l’image qui ne pourra pas laisser indifférent l’Occident baroque
La pièce de Rotrou, créée en 1637, dérive en effet directement de l’Amphitryon de Plaute. L’édition la plus récente des Sosies rappelle que «la
comédie latine se retrouve presque intégralement dans la version rotrouesque tant sur le plan du traitement du sujet que sur le plan du déroulement de l’intrigue»11. Rotrou, comme Plaute, inclut encore dans les limites
de la comédie le récit de la naissance d’Hercule, et de son premier exploit:
à peine né, le fils de Jupiter et d’Alcmène étouffe gaillardement les deux serpents qui le menacent. Dans sa Vie de M. de Molière (1705), Grimarest rapporte les propos d’un «savantasse » reprochant à Rotrou et Molière leur
manque d’originalité: «Comment, disait-il, [Molière] a tout pris sur Rotrou,
et Rotrou sur Plaute! Je ne vois point pourquoi on applaudit à des plagiaires [ ]»12. Cependant Molière resserre l’intrigue, et écarte la naissance
et le «prodige» d’Hercule: le jeu d’acteur de l’«hypocrite» Jupiter, parent de
Tartuffe dans l’imposture, n’en est que plus apparent. S’il y a «théâtre dans
le théâtre» ici, c’est dans l’art avec lequel Jupiter transforme en univers réel
la fiction qu’il invente. Pour Anne Ubersfeld, la fable d’Amphitryon est en
ce sens « une fable exemplaire du statut du théâtre »13. Les trois pièces
de Plaute, Rotrou et Molière partagent ainsi une commune dimension
métathéâtrale que Giraudoux reprend à son compte, dans Amphitryon 38,
quand il expose dans l’acte I les efforts de Jupiter pour se travestir en
homme, ou quand il montre le dieu des dieux proclamer la fin du spectacle:
«[ ] vous là-haut, rideaux de la nuit qui vous contenez depuis une heure,
retombez » (III, 6, p. 187).
Amphitryon, en tant que mythe de la représentation et de l’illusion, n’a
pas de raison de s’arrêter au chiffre 38, et ne peut qu’intéresser le cinéma.
L’Amphitryon allemand de Reinhold Schünzel, en 1935, montre Jupiter, ivre
de vin de samos, incapable de posséder Alcmène, donc d’engendrer Hercule.
En 1993, Hélas pour moi, de Jean-Luc Godard, est dans un tout autre
registre une «proposition de cinéma» sur le cinéma, qui pose la question de
l’acteur et du personnage sous une forme elliptique, éclatée. Godard, filmant
la star Depardieu pour cette histoire de Dieu prenant un visage d’homme,
réfléchit dans la fiction les enjeux de la représentation filmique, rajeunissant
cette vieille fable en un siècle où triomphe l’image. Amphitryon n’a pas fini
de nous renvoyer à notre fascination de l’image, s’il est vrai que notre «société du spectacle», comme l’écrivait Guy Debord citant Feuerbach, «préfère
H. V i s e n t i n: Introduction. In : R o t r o u : Sosies..., p. 286.
J.-L. de G r i m a r e s t : La Vie de M. de Molière. Paris, Isidore Liseux éd., 1877,
p. 103.
13
A. U b e r s f e l d : Le double..., p. 242.
11
12
128
Denis Labouret
l’image à la chose, la copie à l’original, la représentation à la réalité, l’apparence à l’être»14. Mais est-ce vraiment propre à notre temps?
*
*
*
De Plaute à Godard en passant par Molière et Giraudoux, chaque adaptation du mythe a donc joué sur ses potentialités spéculaires: nul doute làdessus. Il reste à se demander dans quelle mesure l’effet de miroir concerne,
au-delà du jeu de rôles propre au théâtre, le jeu intertextuel propre à la
réécriture. Jupiter plagiant Amphitryon et Mercure plagiant Sosie ne sont pas
seulement d’excellents comédiens: ils figurent l’auteur en train de réécrire.
Mais cette imitation est une opération complexe, pour les dieux comme pour
les écrivains, qui combine la ressemblance et la différence. Il s’agit à la fois
de copier, de jouer et d’inventer: triple fonction que l’on peut résumer par
trois mots latins: plagiarius, ludius, auctor. Ces trois visages du dieu, définis dès l’Amphitryon de Plaute, se retrouvent jusqu’au trente-huitième du
nom, mais avec une évolution qui montre comment Giraudoux redéfinit, par
le biais de l’intrigue théâtrale, les buts et les modalités de la réécriture.
Le dieu de la fable est d’abord plagiarius — le plagiaire, l’imitateur parfait, qui usurpe l’identité d’autrui en prenant son nom et son apparence.
Mercure et Sosie se ressemblent «comme deux gouttes de lait»: Molière suit
Rotrou dans sa traduction d’une comparaison qui figurait déjà chez Plaute15 ;
les trois textes, sur ce point comme sur d’autres, se ressemblent aussi comme
trois gouttes de lait. Le Jupiter de Rotrou, deus ex machina se dévoilant
aux hommes à la fin des Sosies, avoue à Amphitryon «l’emprunt de [s]on
image» (V, 6, v. 1777). Chez Giraudoux, c’est Mercure qui recommande ce
stratagème à son père au début de la pièce: «Empruntez la forme du mari» (I, 1, p. 114). L’original cède donc à la copie sa forme, son nom, son être:
voilà Amphitryon et Sosie dépossédés d’eux-mêmes. Comme le dit Sosie à
Amphitryon chez Molière:
Et l’on me dés-Sosie enfin
Comme on vous dés-Amphitryonne.
III, 8, v. 1858—1861
Dès lors, il ne s’agit pas seulement d’emprunts, mais de vols. Avant de
donner notre mot plagiaire, le mot plagiarius — du grec plagios: oblique,
14
Épigraphe du premier chapitre de La Société du spectacle. Paris, Buchet-Chastel,
1967, rééd. éd. Champ libre, 1971, p. 3.
15
P l a u t e : Amphitryon, II, 1, p. 34 ; R o t r o u : Les Sosies, II, 1, v. 552 ; M o l i è r e:
Amphitryon, II, 1, v. 795.
Amphitryon : réécritures du mythe...
129
fourbe — signifie en latin celui qui vole les esclaves d’autrui, ou qui vend
comme esclave une personne libre. Le plagiarius fait son profit de l’aliénation de sa victime; son vol porte sur des êtres et non sur des choses: tel est
bien Mercure, ce dieu du commerce qui est aussi le dieu des voleurs, lui qui
par l’usage de la force dérobe à Sosie son moi. Esclave dans la pièce de
Plaute, Sosie est nié dans son identité même par le plagiat de Mercure, ce
dieu qui ne l’accepte pas même comme son «ombre» (Molière, III, 6, v. 1774)
et qu’il a des raisons de juger un peu «diable» (ibidem, III, 9, v. 1889). Le
fourbe Mercure, conscient de sa «malice», incarne plus encore que Jupiter
le versant noir de la copie voleuse, l’immoralité coupable du plagiat. Mais
Amphitryon accuse tout autant de «fourberie» son propre double, lui aussi
plagios et plagiarius, tant qu’il n’a pas reconnu le dieu en lui.
La pièce de Giraudoux prend ses distances avec ce thème du vol d’identité, en réduisant considérablement la part de Sosie dans l’action et les scènes
de confrontation entre les doubles. Si Jupiter revêt bien l’aspect d’Amphitryon pour prendre sa place auprès d’Alcmène, il éprouve aussi les limites
du pur plagiat: «[ ] je n’ai pu être avec elle un autre que son mari» (II, 3,
p. 144). C’est surtout au second degré qu’Amphitryon 38 joue sur le thème
de la copie, de l’écho, du miroir. Dans le premier acte, il y a des ratés dans
les efforts mimétiques de Jupiter. Mercure doit l’aider à s’ajuster à son personnage: «[ ] resserrez un peu votre sac humain, vous y flottez !» (I, 5,
p. 129). Ailleurs, les paroles d’Alcmène sont répétées par un écho, comme
si elle avait «un miroir même pour ses paroles» (II, 3, p. 147); mais il arrive
à l’écho de se contredire quand Alcmène l’interroge (II, 7, p. 166). Les
répétitions se dérèglent, les copies se troublent — quand précisément l’hypertexte prend le plus de liberté avec les textes-sources pour clore «l’affaire
Hercule » (II, 3, p. 146) et célébrer le couple humain au profit de la figure
d’Alcmène. Alors que la part de la traduction et de l’imitation restait importante chez Rotrou, chez Molière, et même chez Kleist, l’hypertexte giralducien est moins affaire d’imitation que de «greffe»16. Le mimétisme des dieux
recule dans l’intrigue quand la réécriture à l’œuvre se fait elle-même moins
mimétique, quand le libre jeu intertextuel l’emporte sur la copie.
*
*
*
C’est alors vers la fonction du dieu ludius qu’il faut se tourner: en quel
sens Jupiter et Mercure jouent-ils? Dans quelle mesure leur jeu mimétique
figure-t-il celui de l’auteur qui réécrit un mythe hérité ? Au temps de Plaute,
à Rome, le théâtre se déroule dans le cadre des Ludi, période rituellement
16
« Je m’y connais en greffes », dit l’Alcmène de Giraudoux (II, 5, p. 151).
9 Quelques...
130
Denis Labouret
consacrée aux divertissements. Pendant le temps des Jeux, Rome se consacre à «Jupiter Capitolin, dieu [ ] des plaisirs collectifs, l’essence du ludisme »17. Il n’est donc pas surprenant que Plaute fasse de son Jupiter un
maître effectif des Jeux. Jupiter est ludius, c’est-à-dire à la fois comédien et
joueur, plaisantin, qui aime se jouer de Le texte latin dit deludere, ou eludere, pour exprimer l’action de Jupiter et Mercure envers Amphitryon et
Sosie18 : l’imitation est par essence ludique. Et Jupiter peut apparaître dans
la pièce de Plaute comme le responsable de la conduite de la comédie (III,
1, p. 46) parce qu’il est effectivement, pour le public, le dieu de la représentation. S’il revient dans l’histoire pour relancer l’action alors qu’il a déjà obtenu les faveurs d’Alcmène, c’est moins en raison d’une motivation psychologique (les plaisirs de l’amour) qu’en vertu d’une fonction ludique socialement
reconnue (les plaisirs du théâtre), qui justifie son adresse au public: «[ ] je
viens ici à cause de vous, pour ne pas laisser cette comédie inachevée [ ]»
(ibidem). Même sous les traits d’Amphitryon, Jupiter allègue volontiers le
goût de la plaisanterie pour expliquer son attitude. Le latin parle de jocus19 :
Jupiter est bien, de fait, l’amateur de joke par excellence, c’est-à-dire le
joker — à la fois le joueur et celui qui, dans la logique du jeu, peut comme
le joker du jeu de cartes revêtir toutes les identités. En français, c’est un
radical du nom Jupiter, Jov., qui a donné notre mot jovial: quelqu’un de gai,
de joyeux, est né sous le signe de ce Jupiter ludius.
Même à distance de cette réalité historique du théâtre romain, il reste
chez Jupiter, dans les diverses adaptations, un sens du jeu qui fait de lui le
maître de l’illusio, l’entrée dans le jeu comme espace des ressemblances et
des transformations. Le Jupiter de Rotrou prétend obéir aux «jeux» de l’amour
(III, 1, v. 870), ou dit à Alcmène qu’il l’a induite en erreur «par jeu » (III,
2, v. 967). Celui de Molière s’avoue tout autant joueur: «Ce qui n’était que
jeu doit-il faire un divorce? » (II, 6, v. 1270). Les dieux joueurs sont d’excellents illusionnistes dans ces pièces où la réécriture cultive elle aussi l’illusion,
de sorte que le spectateur se laisse prendre par le temps ludique du divertissement théâtral sans se soucier d’identifier l’intertexte. Molière a beau se
plagier lui-même, quand il reprend presque mot pour mot toute une tirade
de Dom Garcie de Navarre (II, 6, v. 678—728) pour la mettre dans la bouche
de Jupiter (Amphitryon, II, 6, v. 1360—1442), le copier-coller doit passer
inaperçu : le spectateur entre dans le jeu de la nouvelle intrigue comme
Alcmène se laisse séduire par le jeu du personnage.
F. D u p o n t : Le Théâtre latin. Paris, Armand Colin, « Cursus », p. 14.
Voir le texte latin, v. 265 et 295 par exemple (P l a u t e : Comédies. T. 1. Paris, Collection des Universités de France, « Les Belles Lettres ». Texte établi par A. E r n o u t,
1970 [1re éd. 1932]).
19
Ibidem, v. 916, 920, 963, etc.
17
18
Amphitryon : réécritures du mythe...
131
Mais la nature du jeu intertextuel change chez Giraudoux: Jupiter le joueur n’est pas toujours le maître du jeu. Almène s’amuse elle aussi, avec la
complicité de Léda, pour tenter de le tromper. Le jocus n’est plus alors le
privilège des dieux: «J’étais bien sous le signe du cygne, comme dit plaisamment mon mari», dit Léda (II, 6, p. 158). On peut traiter le mythe par le jeu
de mots. On peut répondre aux avances de Jupiter par un sourire, comme
le fait la joviale Alcmène (II, 5, p. 152), qui n’entend pas être un jouet de
ce jeu divin qu’elle est capable de comprendre: «Vous vous êtes amusé, tout
à l’heure, avec Amphitryon — dit-elle à Jupiter à la fin de la pièce —. [ ]
C’était un jeu de votre part Vous aviez d’avance renoncé à moi » (III, 5,
p. 182). Les règles du jeu mimétique sont bousculées dans la fiction quand
change aussi le jeu intertextuel, chez un auteur qui préfère l’allusion à l’illusion, la complicité culturelle d’un lecteur-spectateur averti (telle Alcmène)
au plaisir que procure le spectacle des confusions identitaires. Même le personnage de Sosie, jadis grande victime de l’illusion, devient matière à allusions. On se rappelle sa réponse, au trompette qui lui demande: «Et toi, qui
es-tu? Tu ressembles à quelqu’un que je connais» : «Cela m’étonnerait, je
suis Sosie» (I, 2, p. 115). Et l’intertexte ne se limite pas aux trente-sept adaptations antérieures du mythe, puisque notre auteur ludius met par exemple
dans la bouche de Jupiter une citation du Faust de Gounod, d’ailleurs identifiée par Mercure: «— Salut, demeure chaste et pure, si chaste, si pure!...»
(II, 3, p. 147).
*
*
*
La troisième fonction que l’auteur de réécritures délègue à ses divins
personnages est sans doute prééminente: c’est celle d’auctor — l’imitation
comme invention, création, poiesis. Dans la Rome républicaine, où le statut
d’auteur de théâtre n’est guère établi, le dramaturge est d’abord un technicien de la scène: Plaute est un «architecte de l’illusion» — tout comme Jupiter dans sa pièce20. Il n’est pas étonnant qu’il confie aux dieux une fonction de régie, d’organisation scénique: c’est Mercure qui, en ouverture, demande au public de faire silence (Prologue, p. 15). Plaute hérite d’une
tragédie, qu’il réécrit en une tragédie travestie, une «tragi-comédie»; mais
c’est à Mercure, sur scène, qu’il fait assumer ce rôle d’auteur imitateur: une
tragédie? Non: «Je suis dieu, je la transformerai. Cette même pièce, si vous
le souhaitez, j’en ferai d’une tragédie une comédie, sans qu’un seul vers en
soit changé» (ibidem, p. 14). L’hypertextualité, que Genette définit comme
«l’art de “faire du neuf avec du vieux”»21, ce sont les dieux fictifs qui la
20
21
9*
F. D u p o n t : Signification théâtrale..., p. 131.
G. G e n e t t e : Palimpsestes. Paris, Seuil, 1982, rééd. « Points », 1992, p. 556.
132
Denis Labouret
prennent ici en charge: «Quant à vous — dit encore Mercure à l’adresse du
public —, ne soyez pas étonnés de me voir ainsi habillé en esclave; c’est une
vieille histoire, très ancienne, que nous vous présenterons, en la rendant
nouvelle [...] » (ibidem, p. 16).
Toutefois, de Plaute à Molière, Jupiter est surtout un double de l’auteur
en ce qu’il produit la fiction, cette fiction dans laquelle Mercure et lui-même
vont jouer les rôles d’Amphitryon et Sosie. Il est l’auteur de l’imposture.
«Entrons, et s’il se peut, sachons quel imposteur, / De ces confusions est le
subtil auteur », dit l’Amphitryon de Rotrou (IV, 1, v. 1152—1153). À la fin
de la pièce, Jupiter peut proclamer, à propos d’Hercule, qu’il «sera cru l’Auteur de sa naissance» (V, 2, v. 1555). Non seulement il a inventé une fable,
mais il fait grandir (augere) l’humanité en programmant ce héros à venir,
de même qu’il a fait grandir Amphitryon et Alcmène en les associant à son
dessein : tel est le don de sa divine auctoritas. Cependant, dès la pièce de
Molière, la fiction inventée pour conquérir Alcmène a son revers: comment
Jupiter peut-il se faire aimer pour lui-même, et non se contenter de recevoir
caresses et mots tendres qui s’adressent au mari? Molière développe longuement ce subtil distinguo, que reprendra Giraudoux: ne pas confondre
le mari et l’amant; ne pas confondre en Jupiter la copie et l’original. Se
faire aimer en tant qu’amant, ce serait faire reconnaître l’originalité sous
l’imitation, ce serait faire œuvre d’auctor, non de vulgaire plagiarius Mais
la réalité n’est pas à la hauteur de ces rêves d’auteur.
La question de la création est centrale, chez Giraudoux, dans la longue
scène où Alcmène raille l’œuvre des dieux alors même que c’est Jupiter et
non Amphitryon qui partage sa couche: «Alors tu trouves beau, cet ouvrage
de Jupiter, ces falaises, ces rocs?», demande Jupiter, espérant des compliments «— [...] Au début, régnait le chaos L’idée vraiment géniale de Jupiter, c’est d’avoir pensé à le dissocier en quatre éléments. — Nous n’avons
que quatre éléments? — Quatre, et le premier est l’eau, et ce ne fut pas le
plus simple à créer, je te prie de le croire!» (II, 2, p. 138). Alcmène n’est pas
convaincue: l’auctor ne l’impressionne guère. Le couple humain campe dans
son humanité, et ni dieu ni poète ne saurait accaparer pour soi seul le bénéfice des merveilles du monde.
La leçon vaut aussi pour l’hypertexte: le dieu imitateur, comme l’auteur,
n’a plus rien chez Giraudoux d’un magicien tout-puissant ; et la résistance
des personnages plagiés figure bien l’autonomie, la force propre à tout hypotexte qu’aucune réécriture n’est en mesure d’absorber ou de faire oublier.
Donner à l’auteur les traits d’un dieu, ce n’est pas pour autant glorifier ses
pouvoirs quand le dieu lui-même perd son identité. Avant d’affirmer qu’«il
n’y a pas de plagiat» au théâtre, Giraudoux écrit dans le même texte: «Il n’y
a pas d’auteur au théâtre. [...] L’essentiel du théâtre n’est pas l’auteur, mais
Amphitryon : réécritures du mythe...
133
le théâtre»22. Déjà, Plaute se projetait dans le personnage de Jupiter, plagiaire et joueur, moins pour célébrer son propre pouvoir d’auteur que pour
libérer, grâce à l’héritage du mythe, les jeux de la scène. Giraudoux ne s’affiche pas davantage comme l’auteur d’une création personnelle. Représentant dans Amphitryon 38 des dieux à qui le travestissement ne garantit nul
le triomphe, il devient auteur de théâtre avec l’humour et l’humilité d’une
réécriture avouée qui reconnaît sa dette envers la tradition23. Ce faisant, il
se confronte au mythe avec «audace» et «discrétion» à la fois, ces deux traits
par lesquels Alcmène, dans sa pièce, reconnaît le pas d’un dieu (II, 5, p. 150).
Si Amphitryon est un mythe de la réécriture, ce n’est donc pas comme
mythe de l’Auteur dieu, mais de la relation toujours complexe et ambiguë
entre hypertexte et hypotexte.
Alors, réécrire, un plaisir « divin » ? On pourra finalement, comme
Alcmène après la nuit passée avec le faux Amphitryon, estimer que l’adjectif n’est que faussement laudatif : « — Tu es faible, ce matin, dans tes
épithètes, chéri. [...] pour cette nuit, tu aurais pu trouver mieux. — Qu’aurais-je pu trouver de mieux? — À peu près tous les adjectifs, à part ton mot
divin, vraiment hors d’usage» (II, 2, pp. 136—137).
J. G i r a u d o u x : Littérature..., pp. 209—210.
Giraudoux, interrogé à propos d’Amphitryon 38 (Enquêtes et interviews, II. In :
« Cahiers Jean Giraudoux », N° 19, Paris, Grasset, 1990, p. 236), « nie qu’il y ait réécriture, il affirme au contraire la parfaite coïncidence de la langue, de la pensée grecques
avec la française », selon Jacques Body qui poursuit : « Pour sa part, il ne fait que “dépoussiérer” quelques bustes, que “sortir de l’ombre” quelques figures symboliques, que
les “sortir” comme autrefois on sortait les statues des saints le jour de leur fête »
(J. B o d y: À la recherche..., pp. 23—24).
22
23
Thérèse Mourlevat
Société Paul Claudel
En mal de réécriture
Paul Claudel et sa dramaturgie
En art, il n’y a rien de définitif1.
Toute sa vie, Claudel considérera nécessaire de revoir, de reprendre, de
réécrire ses drames avec le sentiment qu’il n’a pas dit ou pas su dire ni
mettre en oeuvre ses projets. Il a envié son ami le poète Francis Jammes,
capable de donner avec Alouette un manuscrit de premier jet si proche,
malgré les inévitables corrections, du texte de la publication2. Nous allons
examiner comment et pourquoi Claudel, le drame achevé, corrigé, édité,
diffusé, est souvent remis en chantier. Nous verrons d’abord les raisons personnelles qui ont entraîné l’auteur dans cette voie en nous référant à son
Journal et à ses correspondances. Nous nous attacherons ensuite aux exigences ultérieures de ses metteurs en scène quand il commencera à être joué.
Nous parlerons enfin du plaisir qu’il a pris à reprendre une pièce d’un illustre écrivain à qui n’a pas craint de se mesurer, Molière en personne.
1
Lettre de Paul Claudel à Frédéric Pottecher, 19 juillet 1894. In : « Cahiers Paul
Claudel ». N° 1. Paris, Gallimard, 1959, p. 93.
2
F. J a m m e s : Alouette (1934), le manuscrit dont il est question est archivé à la Bibliothèque Royale de Bruxelles.
En mal de réécriture...
135
La réécriture, remise en cause de l’écriture
Pour Claudel, il faut corriger et, pour corriger, il ne suffit pas de modifier, il faut refaire, et refaire de fond en comble comme il le note à plusieurs
reprises. La relecture entraîne la réécriture. Dans l’édition de 1901 qui rassemble ses premiers drames sous le titre L’Arbre au Mercure de France,
Claudel fait imprimer les deux versions successives de Tête d’or, de La Ville,
de La jeune Fille Violaine. Tête d’or, écrit à Paris en 1889, est entièrement refait à Boston pendant l’hiver 1893—1894. La Ville, rédigé à Paris
en 1890—1891, est reconstruite en partie à Boston en 1894, en partie chez
ses parents à Villeneuve en 1895. À La jeune Fille Violaine déjà écrite du
moins en partie en 1892, succède une autre dont l’essentiel a été rédigé en
1898 en Chine. Leur auteur pensait-il ce que le poète Pierre Emmanuel,
grand admirateur de Claudel, disait lui-même de ses propres oeuvres, que
«les plus spacieuses n’ont été que des ébauches»3 ? Notre dramaturge d’abord
flatté de l’admiration que lui vouait le Hollandais Bijvanck4 lui écrivait en
1894 à propos du premier Tête d’or qu’il utilisait un «langage violent et malhabile comme de quelqu’un qui apprend à parler»5.
En quoi consistent les corrections d’une version à l’autre ? Examinons
Tête d’or et la première scène du drame, quand Simon demande à Cébès
de l’aider à ensevelir la femme qu’ils ont aimée tous les deux. Bien que le
nombre total des pages de la pièce soit presque identique, 135 pages et 133
pages, Claudel allège les dialogues. Simon dit d’abord à Cébès: «Oui, Cébès.
Viens, mon cofossoyeur!» en I, qui devient «Viens.»6 en II. À l’effort de concision s’ajoute la recherche d’une certaine élégance. Le réalisme brutal, le
mauvais goût dirons-nous, s’effacent au profit d’une certaine abstraction. On
retrouve la même préoccupation dans cette première scène refaite à diverses
reprises. Par exemple : «Et je suis sorti du ventre de la maison» devient
«Et je suis sorti de la maison, laissant les figures de famille »7. Un autre
exemple: «Mais si elle meurt et que nous la voyons s’enfuir comme un corps
fait de sable » aboutit à «Mais si elle s’en va ainsi comme une poignée de
sable qui fuit entre les doigts»8. La recherche de l’expression plus poétique va
P. E m m a n u e l : Ligne de faîte. Paris, Gallimard, 1966, p. 92.
Willem Bijvanck (1848—1925), écrivain hollandais, auteur de Un Hollandais
à Paris (1892).
5
Lettre du 30 juillet 1894, citée dans P. C l a u d e l : Théâtre. T. 1. Paris, Gallimard,
Bibliothèque de la Pléiade, 1967, p. 1245.
6
Ibidem, pp. 36 et 176.
7
Ibidem, pp. 33 et 173.
8
Ibidem, pp. 37—38 et 177.
3
4
136
Thérèse Mourlevat
de pair avec l’utilisation inattendue de coupes à la fin d’un verset, coupes
qui brisent le mot lui-même pour le faire crier. Ce caractère de la transmission d’un verset à l’autre s’accentue de I à II, par exemple ici:
En I : « Si vous songez que vous êtes des hommes et que vous v /
Ous voyez empêtrés de ces vêtements d’esclaves, oh ! Crie /
Ez de rage »
En II : «Si vous songez que vous êtes des hommes et que v /
Vous voyez empêtrés de ces vêtements d’esclaves, oh ! cri /
Ez de rage »9
La rédaction des secondes versions des premières pièces de Claudel
pourrait sembler liée à l’inexpérience de l’écrivain. Quand paraît le recueil
de L’Arbre, il n’a que trente-trois ans. Mais l’examen de sa dramaturgie
ultérieure fait apparaître que la plupart de ses drames comportent une autre
version, pour tout ou partie d’entre eux. À la veille de sa mort, en février
1955, il vient seulement de mettre la dernière main à L’Annonce faite
à Marie. La pièce, héritée de La jeune Fille Violaine, n’a cessé d’être réécrite
pendant plus de cinquante ans. Des personnages sont introduits ou supprimés, des destinations modifiées, quand la route d’Anne Vercors ne va plus
vers l’Amérique mais vers Jérusalem. Mais surtout plus poétique, plus dramatique, la réécriture mène vers un texte tout entier voué à la primauté de
l’esprit et du sacré.
En tous les cas, les corrections que Claudel apportait à ses manuscrits au
moment de l’édition ne visaient que les fautes les plus visibles. Relisant
la frappe du pharmacien Gilbert pour la parution de L’Otage à la NRF, il
prête attention aux blancs, aux virgules, aux accents, à l’orthographe du
nom d’un personnage, «Signe» au lieu de «Sygne », ou à l’orthographe en
général («ne voulez-vous pas voire votre enfant»), etc. Gide, lui, relit attentivement10 la correction des phrases et ne laisse pas passer chez Claudel «un
crucifix de bronze» pour «un crucifix en bronze»11. La réécriture s’accomplit
parfois par la négative, sans que l’auteur l’ait voulu. C’est le cas lorsque la
censure intervient et, pour Claudel on le vit en 1916, quand Firmin-Gémier
a voulu donner huit représentations de L’Otage. L’auteur dut accepter que
son metteur en scène aille en déposer un exemplaire à la Préfecture de police de Paris. Le fameux crayon bleu ne s’est pas privé de supprimer nombre
9
10
tion.
Ibidem, pp. 104 et 247.
André Gide, l’un des pères fondateurs de la NRF, est à l’initiative de la publica-
Exemple de corrections signalées par Thérèse M o u r l e v a t : « L’Otage », du projet initial aux représentations de 1916. In : Paul Claudel : les manuscrits ou l’œuvre en
chantier. Dir. J. H o u r i e z, C. M a y a u x. Dijon, EUD, 2005, pp. 100—102.
11
En mal de réécriture...
137
de passages pittoresques, de réflexions pleines d’humour prononcées par
Turelure raillant les soldats12. Même s’il s’agit d’ennemis, on ne se moque
pas en pleine guerre des militaires. La pièce s’en trouve un peu raccourcie, le
bonhomme Turelure perd de son originalité et de sa présence sournoise et
insolente. Claudel l’accepte, ce qui lui importe, c’est d’être joué. Mais la réédition de L’Otage rétablira naturellement le texte originel. Toutefois en 1942,
quand il faudra soumettre L’Échange cette fois à la censure allemande, le
poète renoncera à la scène et aux modifications qu’on voulait lui imposer.
Toutes ces constatations que nous n’avons pu voir que rapidement nous
amènent à comprendre que Claudel ne réécrit pas pour faire des retours en
arrière sur son oeuvre mais toujours pour aller de l’avant et aboutir à des
progrès. Il avoue qu’il ne reste presque rien de la première rédaction de Tête
d’or13, en II, qu’il a voulu «recommencer La Ville de fond en comble sans en
laisser une ligne »14, «refondre de fond en comble La jeune Fille Violaine
trop fade dans sa forme actuelle»15. Pour la plupart des oeuvres suivantes,
il s’appliquera à cette simplification, à ces resserrements dramatiques,
à cette poétisation. L’édition du Théâtre dans la Bibliothèque de la Pléiade,
outre les deux versions des pièces que nous avons citées et celle de Tête d’or
que Claudel essaiera de réécrire en 1949, contiendra Protée I et Protée II, La
Femme et son ombre I et II, celles de La Sagesse sous les formes successives de
La Parabole du festin puis du Festin de la Sagesse, Le Soulier de satin en version intégrale et en version pour la scène. Encore insatisfait de cette deuxième
version de Protée II, Claudel avait même désiré tardivement en réécrire une
autre, comme il en témoigne dans une lettre à Darius Milhaud en 194916.
La réécriture, quand le drame vient à la scène
L’insatisfaction de Claudel quant à la forme prise par ses drames, et ceci
en dehors de toute critique reçue, explique certes qu’il recommence à les écrire.
Exemplaire censuré de L’Otage, Archives de la Préfecture de police de Paris, série
B. A., Cartons 770 à 773.
13
Lettre de P. Claudel à Marcel Schwob, 27 avril 1894, citée dans P. C h a m p i o n :
Marcel Schwob. Paris, Grasset, 1927, p. 265.
14
Lettre de P. Claudel à Frédéric Pottecher, 26 février 1897. In : « Cahiers Paul Claudel ». N° 1..., p. 106.
15
Lettre de P. Claudel au même destinataire, 22 juillet 1893. In : « Cahiers Paul
Claudel ». N° 1..., p. 75.
16
Lettre de P. Claudel à D. Milhaud, 17 mai 1949. In : P. C l a u d e l : Théâtre..., T. 2,
p. 1430.
12
138
Thérèse Mourlevat
Mais n’y a-t-il pas aussi d’autres motifs à cette exigence? Conscient de son
génie l’écrivain a mal supporté que ses pièces n’aient pas été l’objet de propositions au théâtre, quand les années passent et qu’il atteint la quarantaine.
Lugné-Poe17 est le premier metteur en scène en France qui s’intéresse
à lui et qui réalisera L’Annonce faite à Marie en 1912, puis L’Otage en 1914.
L’actrice Marie Kalff souhaitait en fait interpréter le rôle de Violaine sous
sa direction. Elle avait été séduite par le personnage de la jeune fille Violaine dans le recueil L’Arbre de 1901. Claude refusa, jugeant soudain son travail indigne d’être présenté au public. «La fable et l’action en sont puériles, des parties entières comme les divagations architecturales de Pierre de
Craon sont à supprimer (le rôle lui-même en entier peut-être)»18. Mais voilà que l’écrivain change d’avis quinze jours plus tard. Il a réfléchi et imagine
qu’il peut «en faire quelque chose de parfaitement jouable»19. Et à présent
il veut préserver le personnage de Pierre de Craon et donner à l’ensemble
le «caractère assez grandiose qui lui manquait»20 et c’est une autre pièce,
L’Annonce faite à Marie, qui se substitue à la précédente. Le travail d’écriture commence durant l’été 1911. «C’est presque une nouvelle oeuvre que
je vais écrire»21, avait-il dit avant de se remettre à l’ouvrage.
Il arrive qu’une partie seulement d’un drame soit revue par l’auteur
pour des raisons plus concrètes et plus immédiates. Ainsi en a-t-il été de
L’Otage en 1914. Car la dernière scène du troisième acte devait comporter un
grand nombre d’acteurs et de figurants, le roi Louis XVIII en personne, son
fils (qu’il n’a pas eu), son frère (le futur Charles X), des officiers, des serviteurs, les délégués du Corps législatif, du Conseil d’État, du Sénat, des tribunaux, des évêques, etc. On n’avait pas les moyens de payer autant de salaires, ni de louer autant de costumes dispendieux. Mais de plus la scène de
la salle Malakoff était trop petite pour accueillir une pareille affluence. Claudel se soumit et réécrivit le dénouement en janvier 1914. Réécrire ce dernier acte fut «un travail très agréable» qui «succédait à de longs mois de travail très sérieux», concernant évidemment l’expression mais encore et sur17
Aurélien Lugné-Poe (1869—1940), écrivain, acteur et metteur en scène, devait
révéler au public français Ibsen, Strindberg, d’Annunzio, Bataille, Claudel.
18
Lettre de P. Claudel à André Gide, 18 février 1909. In : P. C l a u d e l — A. G i d e :
Correspondance, 1899—1926. Préface et notes par R. M a l l e t. Paris, Gallimard, 1949,
p. 98.
19
Lettre de P. Claudel à Gabriel Frizeau, 26 février 1909. In : P. C l a u d e l — G. F r i z e a u — F. J a m m e s : Correspondance, 1897—1938. Préface et notes par A. B l a n c h e t. Paris, Gallimard, 1952, p. 151.
20
Ibidem.
21
Lettre de P. Claudel à André Suares, 23 juillet 1911. In : A. S u a r e s et P. C l a u d e l : Correspondance, 1904—1938. Préface et notes par R. M a l l e t. Paris, Gallimard,
1951, p. 169.
En mal de réécriture...
139
tout son besoin de «tenir en bride le lyrisme» et de créer «des personnages
objectifs et extérieurs»22.
Ce sont essentiellement des raisons techniques qui induiront la réécriture du Soulier de satin. Le comité de lecture de la Comédie-Française avait
approuvé alors le choix de la pièce et proposé d’en donner représentation par
moitié deux soirs de suite, d’en faire deux soirées consécutives. Le drame,
dont la Première Journée avait d’abord été publiée en 1924, avait connu
des remaniements de détails avant même l’édition de sa totalité en 1929.
Finalement J.-L. Barrault s’entendit avec l’auteur pour qu’il ne subsiste que
les deux tiers de la version initiale dans une version pour la scène. Il l’amputera de la quasi-totalité de la Quatrième Journée, ladite Journée était
pourtant à l’origine de la composition de la pièce. Réécrire, ce sera cette fois
supprimer des scènes et «procéder à une nouvelle élaboration plus complète
de mes idées ». Au lendemain des premières représentations en 1943, un
journaliste constatera «le texte de M. Paul Claudel adroitement raccourci et
adapté à la scène pour laquelle il ne semblait pas fait de façon satisfaisante»23.
La Sagesse est encore une oeuvre dramatique que Claudel a remise sur
le métier plusieurs années durant. Pourquoi et comment? À la demande du
jeune musicologue Jacques Benoist-Méchin24, Claudel écrit en 1925 La Parabole du festin qui paraît dès 1926. Mais en 1928, aucune suite n’ayant été
donnée, Claudel écrit à Darius Milhaud que «c’est bien plutôt à vous qu’à lui
que je pensais en l’écrivant»25. En effet, c’est le moment où Ida Rubinstein26
demande à Milhaud la musique d’une oeuvre biblique. Celui-ci propose
de recourir pour le texte à Claudel qui refuse d’abord, en août 1934, pour
écrire quelques jours plus tard une nouvelle version de La Parabole du festin. De tentative en tentative, le musicien et l’écrivain ajustent leurs efforts.
C’est tantôt Claudel qui modifie et tantôt Milhaud qui s’adapte. En décembre
1934, Claudel avait «complètement refondu les trois dernières parties de
La Sagesse»27 . Mais les difficultés viennent d’Ida, qui devient mystérieusement absente quand elle est attendue, qui ne cesse d’afficher son contentement pour dissimuler ses désaccords. L’Opéra de Paris est retenu plusieurs
fois pour des dates sans cesse reportées. L’arrivée de la guerre clôt les
Lettre de P. Claudel à A. Gide, 22 décembre 1910. In : P. C l a u d e l — A. G i d e :
Correspondance..., p. 157.
23
Thierry M a u l n i e r, « Revue » [Marseille, Robert Laffont] 1943, p. 445.
24
Jacques Benoist-Mechin (1901—1983), journaliste, historien et musicologue. Fasciné par le nazisme, il fut ministre sous le régime de Vichy.
25
Lettre de P. Claudel à Darius Milhaud. In : P. C l a u d e l : Théâtre..., T. 2, p. 1500.
26
Ida Rubinstein (1885 ou 1888—1960), danseuse, mime, chorégraphe, mécène, in :
J. D e p a u l i s : Ida Rubinstein. Une inconnue jadis célèbre. Paris, Champion, 1995.
27
Lettre de P. Claudel à D. Milhaud, 13 novembre 1928. In : P. C l a u d e l : Théâtre...,
T. 2, p. 1500.
22
140
Thérèse Mourlevat
espérances de Claudel, et la pièce «est restée en l’air», comme avait dit alors
son auteur. Exécutée en oratorio à la radio française et à la radio belge en
1946, mais pas au théâtre, elle ne verra le jour ni du vivant de Claudel, ni
dans les années qui ont suivi sa disparition. Pourtant en 1991, l’écrivain et
metteur en scène Michel Maslowski28 l’a créée au festival d’Avignon et a
donné une série d’une quarantaine de représentations en France avec la
musique d’un jeune musicien qui a fait depuis son chemin, Frédéric Helbert.
On s’arrêtera à présent sur une autre pièce, L’Échange, écrite en 1893,
rappelons-le, à Boston. «L’Échange est peut-être la seule de mes pièces où
il ne m’est pas paru nécessaire au cours des années d’introduire aucune modification»29, disait Claudel en 1946. Or cinq ans plus tard, Jean-Louis Barrault se propose de reprendre à son tour L’Échange. De janvier 1951 au mois
de mai suivant, Claudel travaille à ce drame. Il «cassait tout pour tout refaire »30. Il ajouta ou renforça les didascalies, modifia complètement les dialogues entre Marthe et Louis, révélant ce personnage de Marthe d’une façon
totalement différente qui lui faisait dire par exemple que «la Marthe du I et
la Marthe II représentent des êtres différents», la seconde ayant le «sentiment profond d’un devoir envers l’avenir»31. Mais le travail n’était pas terminé pour autant, de véritables marchandages s’installèrent alors avec Barrault et il s’ensuivit une écriture à quatre mains des passages essentiels avant
d’aboutir aux représentations du théâtre Marigny. La version utilisée sera en
fait une version intermédiaire entre celles qu’on appela ensuite la première
et la seconde version.
Les réécritures de Claudel sont aussi liées aux réalités de sa vie personnelle et aux aspects autobiographiques de son oeuvre. Quand J.-L. Barrault
veut l’autorisation d’être son metteur en scène, Claudel lui refuse immédiatement deux des pièces qui sont demandées, Tête d’or et Partage de midi.
«Sachez donc, avait-il écrit en 1894 à Bijvanck, que Tête d’or fut l’œuvre de
l’époque tragique de ma vie ». Il ne peut y «repenser sans horreur», ayant
supporté «une véritable agonie»32. L’époque, la vie à Paris, l’importance d’une
philosophie matérialiste envahissante et destructrice avaient plongé le jeune
Claudel dans le désespoir pendant son adolescence. Tête d’or témoignait
en 1889 de ce combat qui se livrait en lui. «Il y a beaucoup de ma vie dans
ce livre»33, trop pour le donner à tous les publics. C’est seulement en 1959,
28
Michel Maslowski, professeur à la Sorbonne et metteur en scène à Varsovie et
à Paris.
29
Texte de P. Claudel imprimé sur le programme des représentations données en
décembre 1946 au Théâtre des Champs-Elysées avec Ludmilla Pitoëff.
30
J.-L. B a r r a u l t : Souvenirs pour demain. Paris, Le Seuil, 1972, p. 214.
31
Lettre de P. Claudel à J.-L. Barrault, 17 juillet 1951.
32
Lettre de P. Claudel à W. Bijvanck. In : P. C l a u d e l : Théâtre..., T. 1, p. 1246.
33
Ibidem.
En mal de réécriture...
141
quatre ans après la mort du poète, que J.-L. Barrault joua Tête d’or au
Théâtre de France, en utilisant la version de 1894, plus détachée de la personne de l’auteur que celle de 1889.
Pour Partage de midi, que dire? Consul à Foutcheou, Claudel désespéré
de la rupture avec celle qui avait occupé sa vie quatre ans durant, Rosalie
Vetch, écrit en 1905 ce drame dont les deux premiers actes sont l’histoire
de sa passion. Il y eut un manuscrit A, un manuscrit B, et un texte final publié en 1906 hors commerce. Quand on évoque une autre publication, Claudel doit dire non, le père Caillava, témoin de sa détresse, lui conseillant même
de laisser à d’autres le soin de prier pour la femme encore aimée, et le futur
cardinal Baudrillart son confesseur lui donnant à ce sujet le conseil ferme
de renoncer34. Les retrouvailles ultérieures avec Rosalie, disons Rosie, et
cette seconde famille avec laquelle il faudra cheminer parallèlement avec la
famille officielle, feront taire toute velléité de diffusion et de représentation.
D’autant que Rosie dès 1921, ne supportera pas que leur histoire se répande
dans les salons parisiens. En 1938, elle refuse même ce film qui aurait
pourtant procuré à leur fille Louise les ressources qui lui manquaient.
L’entrée de Partage de midi dans la Bibliothèque de la Pléiade par l’intermédiaire de Jacques Madaule comporte cette première version à laquelle
Claudel voulut en joindre une autre. Cette seconde ne le satisfaisant pas,
il en écrivit une troisième, la Nouvelle Version. Mais J.-L. Barrault mit en
route la seconde au théâtre Marigny dès que Claudel après consultation de
l’abbé Massin se sentit autorisé à la lui donner.
Ce nouveau Partage de midi était aux dires de son auteur tellement
meilleur que sa pièce d’autrefois. Mais la part d’autobiographie était aussi
grande. Seulement le regard porté sur Rosie était devenu différent. À l’homme
passionnément épris avait succédé un homme vieilli qui, malheureux sur
ce chemin périlleux d’une vie difficile, en subissait de lourdes conséquences
sur le plan familial. La merveilleuse jeune femme était devenue sous sa plume
assez vulgaire et égoïste au point que beaucoup de spectateurs jugeront
Rosie à travers cette nouvelle Ysé. Elle ne méritait pas sur le tard qu’on
abîme son personnage à ce point. Les regards avaient évolué avec l’âge chez
Claudel.
On trouverait facilement d’autres exemples de ces allusions autobiographiques reprises pour être modifiées par Claudel dans les versions successives de ses drames. Chaque fois on retrouve mêlées l’aspiration du poète à
se libérer par une mise en œuvre dramatique d’une histoire personnelle qui
l’envahit et qu’il doit prendre en compte pour la faire sienne, et la préoccupation de ses secrets. Rappelons pour conclure simplement l’histoire de Vio34
T. M o u r l e v a t : La Passion de Claudel. La vie de Rosalie Scibor-Rylska. Paris,
Pygmalion, 2001, p. 173.
142
Thérèse Mourlevat
laine, réécrite disions-nous pendant toute la vie de l’auteur pour la mener
« à l’âge adulte »35, « à l’état adulte »36, cette pièce qu’il désignait comme
«l’œuvre capitale de ma vie»37.
Réécrire l’œuvre d’un autre
Hormis les claudéliens, peu de gens ont lu Le Ravissement de Scapin,
une pièce que Claudel a écrite d’après Molière et à laquelle il s’est attaqué
à la surprise des gens de théâtre. D’où lui est venue cette initiative? En 1671,
Molière avait donné au Palais-Royal Les Fourberies de Scapin, une comédie qui avait puisé ses sources chez Térence, Tabarin et la Comedia dell’
Arte entre autres. Jean-Louis Barrault au théâtre Marigny est au début de
1949 l’interprète du rôle de Scapin dans une mise en scène de Louis Jouvet.
Claudel figure sur la liste des invités à la première. Il s’y rend. Il est surpris
et déçu par la pièce, devenue pour lui moins drôle au théâtre qu’à la lecture.
L’histoire apparaît presque fade et le burlesque n’y a plus beaucoup
de place. Que faire si un spectateur comme Claudel n’est pas satisfait ?
À quatre-vingt-un ans, il n’a rien perdu de sa verve, et l’idée lui vient tout
simplement de réécrire l’histoire pour faciliter une performance ultérieure
de comédiens.
L’année 1949 est faste. Claudel a mis au point en février une nouvelle
version de Partage de midi, il rédige le premier acte d’une troisième version
de Tête d’or, et il entreprend donc au printemps «l’aventure» d’une réécriture des Fourberies. Il s’y met avec un enthousiasme juvénile, renouant
joyeusement avec le genre des facéties de Protée et de plusieurs drôleries du
Soulier de satin. Il voudrait donner à son œuvre le même titre, le titre déjà
choisi par Molière. Mais la Société des Auteurs s’y opposant, il publie finalement la pièce en 1952 dans la revue «Opéra» sous le titre Le Ravissement
de Scapin après avoir pensé un moment l’appeler L’Impromptu de Scapin.
Comme l’a montré Alain Beretta38, c’est plus un arrangement qu’une véritable réécriture. Claudel conserve en effet intégralement les quatre scènes
essentielles. Il ne les réécrit ni ne les modifie. Il pense que ce n’est pas la
peine de jouer toute la pièce. On ne va jouer que les scènes principales. Elles
Pierre M a z a r s, article du 6 mars 1948, publié dans « Le Figaro littéraire».
Lettre inédite de P. Claudel à Christian Casadesus, 1944.
37
Ibidem.
38
A. B e r e t t a : L’aventure d’une réécriture : des Fourberies au Ravissement de Scapin. In : Paul Claudel : les manuscrits..., 2005, pp. 127—136.
35
36
En mal de réécriture...
143
sont à la fois les plus amusantes et celles dont la conception a été la plus originale. Autour de ces quatre scènes fondamentales, Claudel bâtit une
comédie qu’il a dite et voulue à l’état naissant sous les yeux du public. L’histoire ne se passe plus à Naples dans un quartier du port. On se trouve à Paris, tout près de la Comédie-Française. Un cabaret constitue un lieu idéal de
rencontres. S’y croisent des acteurs désœuvrés et des gens au travail, des
serveurs, des livreurs appointés par le théâtre. En trois versions successives,
du printemps 1949 à l’automne suivant, Claudel arrange avec les « yeux
neufs d’un écrivain en vacances»39 du théâtre dans le théâtre, appliquant sur
le plateau ce qu’il prévoyait déjà en préparant Le Soulier de satin: «il faut
que tout ait l’air provisoire, en marche, bâclé, incohérent, improvisé dans l’enthousiasme!»40.
Claudel est fidèle à son principe, ce qui compte ce sont les situations car
«nous nous en fichons, des caractères »41, notera-t-il dans la préface. Écrira-t-il comme pour protéger une «énorme bouffonnerie»42 ? Il s’y emploie en
insérant les quatre scènes retenues dans un contexte inattendu. Les acteurs
se jettent sur le panier de perruques et de costumes abandonnés là par les
livreurs assoiffés, s’attribuent les rôles quitte à être deux pour le même, tandis que celui qui s’improvise régisseur tente vainement de mettre de l’ordre
dans un désordre inextricable où de surcroît on confond Molière avec Corneille, Racine ou Pascal. Alain Beretta dans l’étude citée que nous ne
pouvons reprendre ici en détail montre combien le projet de Claudel a été
audacieux. «Quel plaisir de collaborer avec Molière!»43 s’exclame l’auteur
dans la préface.
Pour conclure
Il semble nécessaire pour conclure d’aller au-delà de cette étude surtout descriptive et des réflexions qu’elle a entraînées. Le geste d’écrire engage évidemment la plupart des auteurs à remettre leur ouvrage sur le métier.
Comme le disait François Mauriac, «l’œuvre à faire se fait toujours»44. Mais
une originalité de Claudel, c’est ce ressenti de l’impérieuse nécessité en face
Cette phrase du manuscrit n’a pas été imprimée.
P. C l a u d e l : Théâtre..., T. 2, p. 663.
41
Ibidem, p. 1337.
42
Lettre de P. Claudel à D. Milhaud, 10—18 septembre 1913. Ibidem, p. 1429.
43
Ibidem, p. 1338.
44
F. M a u r i a c : Mémoires intérieurs. Paris, 10/18, 2006, p. 97.
39
40
144
Thérèse Mourlevat
de la pièce. Il n’est pas celui qui construit et qui achève dans une période
donnée. Mais il demeure ensuite en quête permanente de l’adéquation à ce
qu’il voulait dire, et qui ne lui semble pas dit. En reprenant ses drames pour
les réécrire, Claudel voulait atteindre «l’œuvre d’art, jaillie de petits obstacles
qu’il a fallu surmonter»45.
Nous avons vu qu’à l’encontre de beaucoup de dramaturges, les pièces
de son théâtre, une fois rédigées, publiées, promises à la scène, voire jouées,
ont donné lieu à des remaniements de fond en comble. L’exemple le plus
extraordinaire, nous l’avons dit, est l’histoire de Violaine et Mara dont les
réécritures successives se sont étagées sur presque soixante ans pour aboutir
à la pièce représentée en février 1955, à la Comédie-Française, quelques
jours avant la mort de l’auteur. Ces multiples et permanentes refontes, Claudel en a souvent parlé. Il a même signalé pour Tête d’or cinq ou six versions
antérieures à celle de 1889, dont on n’a retrouvé que quelques brouillons et
que certains jugent même peu probables. Nombre de lecteurs se sont
étonnés, lors de la publication du Théâtre dans la Bibliothèque de la Pléiade
en 1956, que les versions successives des pièces, comme dans L’Arbre en
1901, soient éditées et que Claudel ne se soit pas contenté de publier les
dernières. Henri de Régnier, parmi d’autres, s’en est dit agacé en 1911 en
lisant ce dernier recueil. « Claudel publie les premières versions de ses
drames. Je sens en cela et en lui beaucoup d’orgueil»46. Les refontes des
pièces n’ont pas toujours paru meilleures et n’ont pas toujours satisfait les
lecteurs. En 1948 par exemple, le père Barjon s’en plaint à Claudel, regrettant que les réécritures de finales se soient faites au profit de l’action mais aux
dépens du lyrisme. De ce Claudel «remanié, remâché, transposé et réadapté
aux exigences de la scène»47, il se plaint dans son ouvrage sur l’écrivain.
Le désir profond de perfection allié à la nécessité pour être joué, de négocier l’écriture avec les metteurs en scène, caractérisent donc nettement l’écrivain. Quand à quatre-vingt un ans, il juge Tête d’or trop proche de la crise
personnelle violente de sa jeunesse, il tente de refaire le drame qui appartient pour lui au temps douloureux de sa conversion, à une intimité difficile
à partager. Cela suffit-il à expliquer son «incessant besoin de réécriture»48 ?
Le comportement de Claudel atteste sa recherche d’authenticité. Peut-il parler de lui-même de la même façon à vingt-cinq ans et dans son grand âge ?
Dans Partage de midi, il substitue en 1948 à son émerveillement de 1905
l’agacement et la lassitude. Au faîte de sa célébrité, non content de ce qu’il
P. Claudel, interview au journal « Le Monde » du 9 mars 1948.
H. de R e g n i e r : Les Cahiers inédits, 1887—1936. Paris, Pygmalion, 2002, p. 638.
47
Père L. B a r j o n : Paul Claudel. Paris, Éditions Universitaires, 1953, p. 141.
48
Selon une expression d’Isabelle R e n a u d - C h a m s k a, à propos de Patrice de la
Tour du Pin, dans Patrice de la Tour du Pin. Genève, Droz, 2005, p. 40.
45
46
En mal de réécriture...
145
a fait, il ne renoncera pas à vouloir dire la vérité de son aujourd’hui, car «le
livre nous est livré et, à travers lui, son auteur»49. Je serais donc encline à
conclure que se conjuguent en lui le besoin d’une collaboration confiante avec
le metteur en scène enfin choisi et celui de l’authenticité de la confidence au
spectateur. Plutôt que de l’orgueil dont parlait H. de Régnier, il m’apparaît
que Claudel témoigne aussi d’une humilité certaine. Même quand il reprend
Molière avec Le Ravissement de Scapin, il ne veut pas faire mieux mais donner au public le meilleur de cette comédie, mettre en valeur ses qualités extraordinaires qui font rire depuis plus de trois siècles.
49
P. C l a u d e l : Mémoires improvisés. Paris, Gallimard, 1952, p. 79.
10 Quelques...
Krystyna Modrzejewska
Université d’Opole
«Harcèlement littéraire» d’Eugène Ionesco
« Il y a dans ce corpus une idée de la littérature à l’usage de ceux qui
croient savoir ce qu’est la littérature. Cela dit, le rapport qu’on entretient
avec le contemporain est toujours problématique, surtout à partir du moment
où on est entré dans la solitude engendrée par ses propres livres, ce que nos
livres font de nous étant un phénomène singulier, une lutte entre la vie et
l’œuvre dont on ne peut pas mesurer entièrement les effets»1.
Le rapport d’Eugène Ionesco avec la tradition littéraire est tellement
complexe qu’on arrive à se poser la question s’il est possible de l’exprimer.
Cependant l’auteur de La Cantatrice chauve est toujours dans le nombre
d’intellectuels du XXe siècle les plus importants. Représentant lui-même les
deux cultures: française et roumaine, se posant plusieurs questions fondamentales sur l’identité humaine, le pouvoir, les régimes écrasant l’individu,
la liberté de l’homme, il montre une grande sensibilité et vigilance. Plus sensible que les autres car étranger à Paris, chargé du bagage de sa vie en Roumanie, il observe attentivement les phénomènes qui l’entourent faisant
passer dans sa création littéraire le message considérable sur la condition humaine. C’est pourquoi l’effort d’exprimer ses rapports compliqués avec la tradition littéraire est digne d’être entrepris. Comme la matière semble être
très délicate, on a commencé le texte de la réflexion présente par la proposition de Richard Millet, auquel on a emprunté l’expression «harcèlement
littéraire» du titre2.
R. M i l l e t : Harcèlement littéraire. Les entretiens avec Delphine Descaves et Thierry Cecille. Paris, Gallimard, 2005, p. 35.
2
Ibidem.
1
« Harcèlement littéraire »...
147
Eugène Ionesco surprenait, même choquait ses contemporains. Il déclarait
refuser tout héritage, le rejeter radicalement. Gabriel Marcel appelait cette
attitude «le retour à une sorte de l’état brut» constatant avec étonnement:
«Ce qui me paraît tout à fait inouï dans ces textes, c’est la désinvolture
avec laquelle l’auteur liquide à peu près tout le théâtre qui l’avait précédé,
sans paraître avoir un seul instant l’idée qu’il devrait peut-être se mettre luimême en question, que les innombrables spectateurs qui restent les fervents
de Molière, les admirateurs d’Ibsen, ne sont peut-être pas de simples fossiles, que l’aberration n’est peut-être pas de leur côté à eux; et que, d’autre
part, il est douteux qu’un coup de matraque puisse favoriser en aucune manière cette sorte de nouvelle prise de conscience que l’auteur réclame»3.
Néanmoins la littérature concerne l’auteur de La leçon, l’intéresse,
l’obssessionne ce que prouvent ses énoncés théoriques aussi bien que la
présence de la tradition littéraire dans son œuvre. Dans la conclusion de
Notes et contre-notes, il observe: «Si la littérature est dans l’impasse [...] c’est
parce que ses matériaux sont périmés, usés»4.
Les réflexions sur la littérature et l’art apparaissent tout au long de sa
vie. Ce phénomène est largement présenté par Michel Lioure dans « À quoi
bon la littérature? », une approche incomparable du jeu de Ionesco avec
la littérature. On y observe Ionesco déchiré entre la tentation d’écrire et la
conviction de la vanité de tous les livres. La confrontation des opinions
opposées de l’auteur des Chaises sur la valeur de la littérature comme domaine d’activité professionnelle se résume dans la conviction de Lioure que:
«Très tôt cependant il manifestait envers ses propres activités littéraires et
la littérature en général une indifférence apparente, une défiance ironique
allant jusqu’au mépris»5.
Cependant il précise avec grande finesse que: «Quels que soient alors le
narcissisme et la vanité de l’écrivain, l’écriture est un “témoignage”, à la fois
personnel et universel, sur un soi, sur autrui, sur un individu et sur l’humanité»6.
Néanmoins les réflexions de Ionesco sur la littérature prouvent qu’elle
représente pour lui la grande valeur incarnant la quête obstinée d’une explication de l’insoluble énigme de la destinée. Ainsi Ionesco part à cette aventure intellectuelle, à la recherche du secret de la création et du mystère de
sa réception, Michel Lioure conclut que:
3
G. M a r c e l : Ionesco. In : R. L a u b r e a u x : Les critiques de notre temps et Ionesco.
Paris, Garnier, 1973, p. 23.
4
E. I o n e s c o: Notes et contre-notes. Paris, Gallimard, 1966, p. 360.
5
M. L i o u r e: « À quoi bon la littérature?» In : Lectures de Ionesco. Textes réunis par
N. D o d i l l e, M.-F. I o n e s c o, G. L i i c e a n u. Paris, L’Harmattan, 1996, p. 25.
6
Ibidem, p. 33.
10*
148
Krystyna Modrzejewska
«L’on conçoit que Ionesco, perpétuellement déchiré entre la tentation
d’un scepticisme universel et le désir forcené de l’absolu, entre sa passion
d’écrire et la conviction de la vanité de tous les livres, ait oscillé constamment
entre le respect et le mépris de la littérature, affirmant tour à tour ou simultanément, sans redouter la contradiction, qu’elle est ou n’est pas “une chose
sérieuse”»7.
La lecture de ce texte, canonique pour la compréhension du jeu de Ionesco avec la tradition littéraire montrant le grand dynamisme de son expression, nous assure que l’auteur de Rhinocéros est harcelé par la littérature. De
plus, cette expression décrit d’une manière efficace ce jeu, dévoilant de nouvelles perspectives d’approche littéraire. Richard Millet dans ses réflexions
concernant la littérature nous fait découvrir un certain rapport qui pourrait
aussi bien décrire l’attitude de Ionesco: «Je ne crois pas qu’on puisse parler
de soi sans évoquer les autres, et inversement. La vérité est peut-être dans le
rapport à autrui»8.
Richard Millet évoque sa solitude, loin de tout ce qui se fait et ce qui se dit:
«[...] ne dialoguant plus, si j’ose dire, qu’avec les héros qui m’ont aidé à être ce
que je suis et que je ne cesse de relire. Je ne lis presque plus mes contemporains, par dégoût de leur langage, manque d’intérêt pour leurs thèmes.
C’est la première fois dans l’histoire qu’on a réellement l’impression que tout
se répète sous forme de farce»9.
Le même climat se fait sentir à plusieurs reprises dans les énoncés
de Ionesco ainsi que dans son œuvre dramatique. Ainsi la réécriture, le détour vers la tradition littéraire, le dialogue avec elle s’avère salvatrice pour
l’écrivain. Surtout quand il subit la crise résultant de son impuissance de dialoguer avec ses contemporains. On pourrait le prouver étudiant attentivement chaque pièce. Cependant une pièce n’offre jamais la totalité de la vision du monde de son auteur. Ainsi il ne reste plus qu’à choisir les pièces où
le phénomène d’«harcèlement littéraire» se trouve davantage mis en lumière
que dans les autres.
Macbett est le premier travail d’adaptation et de modernisation de Ionesco à partir d’un autre auteur que lui. L’auteur en définit le thème directeur:
Comment un général, fidèle et vertueux, peut-il devenir un monstre sinon par l’emprise de l’action, de l’ambition, du pouvoir ?10
Ibidem, p. 36.
M i l l e t : Harcèlement littéraire..., p. 86.
9
Ibidem, p. 31.
10
Ionesco cité d’après C. C e z a n : Les paranoïaques de la politique. « Les Nouvelles
littéraires », 24 janvier 1972.
7
8
« Harcèlement littéraire »...
149
Il décrit cette pièce conçue en moins d’un mois : mélodrame, plus ou moins
comique, et à surprises, avec, bien sûr, des références au monde actuel.
La conclusion de ce texte (s’il y en a une), devient fort lisible: tout dictateur
est paranoïaque, ainsi d’ailleurs que tous ceux que mène l’ambition politique.
Macbett a été créé au théâtre de la Rive Gauche à Paris le 27 janvier 1972,
mise en scène par Jacques Mauclair, avec le décor et les costumes de Jacques
Noël, la musique de Francisco Semprun et Michel Christodoulidès. C’est
Jan Kott, son ami polonais, l’auteur du livre: Shakespeare, notre contemporain, paru en France en 1978, qui a inspiré Ionesco à concevoir la pièce
Macbeth.
La célèbre réplique de Macbeth:
La vie n’est qu’[...] une histoire contée par un idiot, pleine de fureur
et de bruit et qui ne veut rien dire11.
impressionne Ionesco si fort qu’il considère Shakespeare comme un ancêtre
«de ce théâtre qu’on dit de l’absurde »12. Dans plusieurs entretiens il condamne la folie du pouvoir, le désir de dominer les autres, selon lui, toujours
criminel. Il est convaincu que le manque de contrôle tel qu’il puisse être effectué par l’opposition ou par la presse, fait que tout homme politique devient
un monstre. Cette constation n’étonne pas si on se rend compte que Ionesco était toujours en révolte contre toute forme d’autorité. Même on pourrait s’interroger si ce n’est pas cette révolte qui fonde sa démarche créatrice. Surtout que l’auteur de Rhinocéros confie en 1987 que c’est le climat
idéologique des décennies précédentes qui l’avait incité à écrire Macbett.
Comme d’habitude, marcher dans les pas du plus grand dramaturge anglais offrait un avantage. Le thème se prêtait aussi bien à la perspective historique qu’à la contemporaine, a-temporelle. L’extraordinaire et l’humour
devaient faire rire le public. Néanmoins le cauchemar qu’est la réalité réveillait angoisse assoupie du spectateur. La réception de la pièce était favorable. On soulignait «une approche très personnelle, très habilement conduite, et dramatiquement efficace»13, la puissance des scènes, des gags, la
variété des tons et des registres14. Pierre Macabru affirmait que derrière la
farce se cachait un homme peureux, qui avait une vision macabre du monde.
La critique de «France-Soir» soulignait que la pièce est drôle et triste, même
désespérée, car la passion du pouvoir, la mort est au bout de tout mais la déri11
Macbeth, acte V, sc. V, dans : W. S h a k e s p e a r e : Œuvres complètes. T. 2. Trad.
H. F l u c h è r e. Gallimard, Bibliothèque de la Pléiade, p. 1005.
12
C. C e z a n : Les paranoïaques...
13
J. L e n o r m a n d, « Le Figaro littéraire », 26 février 1972.
14
J.-J. G a u t i e r, « Elle », mars 1972.
150
Krystyna Modrzejewska
sion domine15. C’est l’art du décorateur, qui accompagné du talent du metteur en scène ainsi que l’ingéniosité de l’auteur, met Shakespeare en
bandes dessinées. Sa guignolade, d’une féroce ironie, fait d’ailleurs apparaître les Pieds Nickelés et métamorphose deux sorcières aux masques grimaçantes en séductrices ravissantes, incarnées par Brigitte Fossey — sorcière et
suivante de Lady Duncan et Geneviève Fontanel — sorcière et Lady Duncan.
Leur numéro de strip-tease constituait «une des grandes actions de la soirée»16. On n’oubliait pas non plus les guillotines imposantes et menaçantes,
la beauté des costumes. La modernité, l’ingéniosité et la puissance de ce spectacle impressionnaient fort le public. Il n’est pas étonnant que la réception
par la critique constituait le concert d’éloges.
Si l’on regarde la pièce de Ionesco dans la perspective de la réécriture,
non seulement les inspirations de Shakespeare s’imposent. N’oublions pas
que déjà Macbeth de Shakespeare est soumis aux influences de Sénèque et
de Machiavel. Ce dernier représentait un effort de la pensée moderne pour
se libérer de la tutelle de la pensée médiévale dans les domaines politique,
social et religieux. Ainsi Le Prince doit se faire craindre à cause de sa force,
la ruse, le courage, la promptitude de jugement, la résolution. Du machiavélisme, les élisabéthains retiennent l’interprétation cynique de l’univers, les
traits de caractère de l’ambitieux hypocrite, amoral et brutal. De Sénèque ils
retiennent la technique, les effets et le lyrisme, mais aussi une vision du
monde qui exaspère les passions, une thématique du chaos universel et de
la confusion des valeurs, accompagnée d’une athmosphère chargée des symboles menaçants. Le goût pour les crimes sensationnels et les passions monstrueuses qui fascinaient les contemporains de Néron fascinent encore les
sujets de la reine Elisabeth. Shakespeare n’a pas négligé les sources historiques comme les Chroniques de Holinshed. Également il a exploité et il
a développé la mythologie fantastique qui a métamorphosé ce crime odieux
en acte contre la nature: le soleil ne se montrait plus pendant des mois, des
tempêtes dévastaient le royaume et une voix étrange condamnait Macbeth
à l’insomnie.
La trame historique sert de support au tragique dans cette pièce. Macbeth était comme Œdipe, condamné d’avance par le destin. Sur cette histoire d’ambition, de crime et de châtiment se greffent la prophétie des sœurs
fatales, l’inversion des valeurs, les présages nefastes rapportés par Lenox, la
présence de Rosse et du vieillard, l’alliance maléfique avec la nuit.
Ionesco reprend la trame et les principaux motifs de la pièce de Shakespeare: assassinats de Duncan et de Banquo, apparition du spectre, meurtre
de Macbeth. Toutefois il les modifie considérablement, les éclaire sous un
15
16
« France-Soir », 3 février 1972.
G. C h a t e a u : Ionesco. Mackbett. « Nouvelle Revue Française », avril 1972, p. 104.
« Harcèlement littéraire »...
151
jour nouveau et les expose au souffle de la dérision. De nombreux épisodes
sont supprimés, entre autres: la scène d’ouverture consacrée aux sorcières,
la missive que Macbeth adresse à son épouse ainsi que le festin donné en
l’honneur de Duncan, le monologue du portier, la découverte de l’assassinat,
la fuite des fils du roi. Ionesco a éliminé les commentaires sur les signes néfastes apparus la nuit du meurtre, le motif du sommeil «assassiné», la machination contre Banquo, la seconde visite de Macbeth aux sorcières, l’horrible
massacre de la famille de Macduff, les préparatifs de guerre des nobles écossais, le somnambulisme de Lady Macbeth et l’arrivée des troupes qui assaillent l’usurpateur. Ionesco écarte tout ce qui ne sert pas son dessein, et
notamment l’action. Ce qui l’intéresse c’est l’Histoire et la folie meurtrière.
Il reste indifférent à cet aspect épisodique de l’histoire d’Angleterre qui fascinait les élisabéthains.
Il élimine quelques personnages: Duncan, Donalbain, Macduff, Lenox,
Rosse. Il prête vie à d’autres: les barons Glamiss et Candor, Lady Duncan,
un évêque, un moine, un limonadier, un chasseur de papillons, etc. En
conséquence les personnages sont devenus si nombreux que les comédiens
devaient jouer plusieurs rôles. Les nouveaux personnages interviennent
dans les scènes imaginées par Ionesco: le dialogue d’ouverture réunissant
Glamis et Candor, l’épisode consacré au limonadier, la métamorphose d’une
sorcière en Lady Duncan, la scène de bénédiction et de guérison. Il a préservé le discours de Macol, le «libertador », qui, en un tournemain, proclame la Terreur:
Oui maintenant que j’ai le pouvoir, je vais verser dans l’enfer le doux
lait de la concorde. Je vais bouleverser la paix universelle, je détruirai toute
unité sur la terre17.
Pour Ionesco, ces phrases-clés empruntées à Shakespeare, font écho à
toutes les tyrannies et les mégalomanies, à toutes les révolutions métamorphosées en terreur. Cette vision pessimiste de l’Histoire se reflète dans le
traitement volontairement caricatural et réducteur de certains faits. Cette
vision était confirmée par l’auteur à plusieurs reprises dans ses nombreux
entretiens. Il reste convaincu entièrement que tout conflit a pour l’origine
la libido dominandi, le plaisir sadique d’asservir et d’humilier.
Les guerres rythment le cours de l’Histoire. Les exterminateurs : les
Ubus, Hitler, Staline, Macbeth et autres pratiquent les purges et génocides.
Candor l’affirme sans ambages : «La raison du vainqueur est toujours la
meilleure»18. L’archétype du tyran règne sur l’Histoire. Ionesco ironise sur la
E. I o n e s c o : Macbett. In : I d e m: Théâtre complet. Paris, Gallimard, Bibliothèque
de la Pléiade, 1991, p. 1112. Fin de passage pris dans Macbeth de Shakespeare.
18
Ibidem, pp. 1058—1059.
17
152
Krystyna Modrzejewska
conception marxiste de l’Histoire, montrant Candor vaincu faisant son autocritique:
Si j’avais été plus fort, j’aurais été votre souverain sacré. Vaincu, je
ne suis qu’un lâche et un traître. Que n’ai-je gagné cette bataille ! C’est que
l’Histoire, dans sa marche, ne l’a pas voulu. C’est l’Histoire qui a raison,
objectivement. Je ne suis qu’un déchet historique. Au moins que mon sort
serve d’exemple à tous et à la postériorité. Ne suivez jamais que les plus
forts [...]. La logique des événements est la seule valable. Il ne peut y avoir
d’autre raison que la raison historique19.
L’Histoire se répète inlassablement, semblable à elle-même dans son
horreur et dans ses erreurs ce que Macbett avoue avant d’apercevoir le portrait de Duncan à la place du sien:
L’histoire est rusée. Tout nous échappe. Nous ne sommes pas les
maîtres de ce que l’on a déclenché. Les choses se retournent contre vous.
Tout ce qui se passe est le contraire de ce que vous vouliez qu’il arrivât.
Régner, régner, ce sont les événements qui règnent sur l’homme, non point
l’homme sur les événements20.
Macbett et Banco réitèrent la révolte de Glamiss et de Candor, et Malcol marche dans les pas de Macbett. Les citations se contredisent car la question se pose si ce sont les hommes qui décident de notre sort ou les événements. Ionesco ne résout pas ce problème. Il prend ses distances par la dérision, la fantaisie, le clin d’œil complice. Le dénouement comporte un passage
«chanté ou parlé, wagnérien», dans lequel Macol se déclare être l’enfant de
Banco et d’une gazelle, avant que ne surgissent «les têtes des Pieds Nickelés», puis celle de «l’auteur [...] riant, la bouche grande ouverte»21.
Cette bouffonnerie que renforcent l’amplification et la caricature souligne, par le contrepoint, l’absurdité de la vie, de la guerre, de la révolution.
Un tyran en remplace un autre, plus exécrable que le précédent. Les barons
Candor et Glamiss (vêtus de façon identique sur la scène) tiennent le même
genre de discours, chargé de clichés et des absurdités, de colère. Ionesco travestit la tragédie shakespearienne et satisfait son besoin de déconcerter.
Emmanuel Jacquart évoque les réactions du public découvrir des sorcières
qui dansent gracieusement en musique, dévident leur écheveau de «formules
magiques» en latin, arrachent leurs masques et leurs hardes, et soudain, apparaissent, ravissantes, en bikini22. À ce strip-tease original et humoristique
19
20
21
22
Ibidem, p. 1060.
Ibidem, p. 1101.
Ibidem, p. 1109.
Cf. ibidem, pp. 1807—1808.
« Harcèlement littéraire »...
153
succède la métamorphose inverse, celle de Lady Macbeth, digne dame portant couronne et manteau de pourpre. Elle ôte ses vêtements, et endosse une
«vieille robe pouilleuse», un «tablier avec des vomissures», «des brodequins
crottés» et redevient sorcière23.
Le gag de la valise volante, le moyen de locomotion de deux sorcières, la
représentation caricaturale du pouvoir magique reconnu à la sorcellerie, apporte une note d’humour. On y reconnaît l’esthétique de Ionesco qui privilégie l’extraordinaire. En plus Ionesco accentue les contrastes. Il grossit
les effets confirmant la tradition inaugurée par Ubu roi. Ainsi la scène du
sacre se prolonge par l’ignoble discours du nouveau souverain, tyran caricatural qui, d’une manière détaillée, énumère les atrocités qu’il va infliger
à son peuple.
À ce temps-là, à l’arrière-plan apparaissent de nombreuses guillotines.
L’esthétique théâtrale de Ionesco impose que la pièce bascule dans la
farce, ainsi que le tableau final se clôt sur l’image dérisoire d’un chasseur de
papillons traversant le plateau. Enfin il est facile de prouver que Ionesco
emprunte beaucoup d’éléments à Jarry. Mais paradoxalement Jarry luimême, empruntait à Shakespeare. Ubu, usurpateur comme Macbeth, se hisse
sur le trône avec la complicité de son épouse et élimine tous les gêneurs.
Duncan fait décapiter un officier porteur de mauvaises nouvelles. Comme
Ubu qui envoyait un noble à la trappe. Macol au terme de la pièce prend le
pouvoir et s’exprime dans la tirade reprise à Shakespeare, comme le fait Ubu.
Et comme Jarry, Ionesco mécanise ses personnages qui ressemblent à des
marionnettes.
Shakespeare ainsi que Jarry constituent la source inépuisable d’inspiration pour Ionesco. Néanmoins on déchiffre aussi bien la présence d’autres
œuvres littéraires dans le drame. Ionesco transforme les vers de Virgile de
Géorgiques (1076), qui, selon Larousse des Locutions latines et étrangères,
sont souvent cités, pour vanter le bonheur de ceux dont l’esprit vigoureux
pénètre les secrets de la nature. On y retrouve le mot de passe des conjurés
au quatrième acte d’Hernani de Victor Hugo (sc. III) «Ad augusta per angusta» ainsi que la citation d’Ovide, les paroles de Médée (Métamorphoses,
VII, 20) «Video meliora proboque, deteriora sequor ». La paraphrase de la
fameuse formule de Louis XIV, prononcée lors de la séance du parlement du
13 avril 1655 «L’État, c’est moi», y est présente aussi24.
Il serait intéressant d’observer le phénomène «d’harcèlement littéraire»
de Ionesco dans d’autres pièces. Surtout qu’à un premier coup d’œil on découvre la réécriture dans L’Impromptu de l’Alma qui prend le relais de L’Impromptu de Versailles (1663), fameuse pièce de Molière où il exposait sa
23
24
Ibidem, pp. 1089—1090.
E. I o n e s c o : Macbett..., p. 1086.
154
Krystyna Modrzejewska
conception du théâtre, parodiait ses rivaux de l’Hôtel de Bourgogne et attaquait Boursault, son adversaire acharné, auteur de Portrait du peintre ou la
Contre-Critique de l’École des femmes (1663). Dans son Impromptu Ionesco emprunte le cadre et certains ressorts comiques, il calque et inverse les
situations et fait un choix de personnages semblables. Ce texte contient les
références aux textes de Brecht, Sartre, Adamov, Beckett, car la confrontation des différents points de vue devient le thème de cette pièce parodique.
Ainsi Impromptu prouve la justesse de la conviction de Richard Millet:
«Il faut continuer d’affirmer une vraie conscience de la langue, déployer
un ordre linguistique, stylistique si vous préférez, qui réinterroge inlassablement la tradition pour la vivifier. Un écrivain qui ne ferait pas entendre,
même de façon cryptée, ou allusive, l’histoire dont il est issu, ne serait pas
d’une certaine façon, un écrivain. Regardez Ulysse, livre fondateur de la
modernité, qui ramasse non seulement toute l’histoire de la langue et de la
littérature anglaises, mais qui redéploie des mythes plus anciens, les réinscrit
dans un contexte moderne. [...] Cette question de la tradition et de ce qui se
perd définitivement, j’y suis de plus en plus sensible, aujourd’hui, dans un
contexte de déchristianisation généralisée»25.
L’observation de Millet concerne aussi bien la création littéraire d’Eugène
Ionesco qui, souvent malgré lui, justifiait son état d’écrivain, ses raisons
d’écrire ainsi bien que sa conception de la littérature. Son théâtre est,
comme il le proclamait souvent, une confession, la projection de « son
drame intérieur»26. Comme Valéry, Ionesco comparait l’œuvre artistique à
un édifice ou un temple soulignant que c’est la qualité de la construction qui
en garantit la pérennité, conférant à son auteur une forme d’immortalité. La
réécriture y constitue un élément très important.
25
26
R. M i l l e t : Harcèlement littéraire..., p. 58.
E. I o n e s c o : Notes..., p. 226.
Gra¿yna Starak
Université de Silésie, Katowice
La réécriture à travers la scène
La vision artaudienne des Cenci d’après
Shelley et Stendhal
Le sort cruel de la famille Cenci, vieille famille romaine du XVIe siècle
a depuis longtemps fasciné les écrivains. Au XIXe siècle, ce sont Stendhal et
Shelley qui l’ont traité, chacun à sa manière, sous des formes différentes.
Dans la première moitié du XXe siècle Antonin Artaud se servira, lui aussi,
de l’histoire sanglante de Béatrice Cenci, mais dans des buts bien précis. Sa
pièce s’inscrit dans les recherches sur le renouveau du théâtre, notamment
le renouveau du langage scénique. Elle devait être une réalisation d’essai,
une sorte de préambule à une véritable illustration des idées du Théâtre
de la Cruauté — La Conquête du Mexique, jamais réalisée. Le spectacle,
donné le 7 mai 1935 au Théâtre des Folies-Wagram, n’étant qu’une étape
dans l’élaboration de sa théorie fut, selon les critiques, un échec et un succès
à la fois.
Dans le présent article nous nous pencherons sur l’originalité du texte
d’Artaud, nous essaierons de montrer dans quelle mesure l’auteur a mis en
application, dans le spectacle, ses idées sur le théâtre énoncées surtout dans
les écrits théoriques, et comment sa vision du théâtre se reflète dans la pièce.
Les réflexions porteront sur plusieurs points, plusieurs problèmes, à savoir:
pourquoi Artaud a-t-il choisi justement le texte des Cenci, qu’est-ce qui l’a
fasciné dans l’histoire de François et Béatrice Cenci, quels changements
a-t-il introduits dans le texte de Stendhal et Shelley, est-ce qu’il a réussi
à réaliser dans la pièce, au moins en partie, les éléments de ce nouveau langage théâtral postulé depuis l’époque du Théâtre Jarry?
156
Gra¿yna Starak
Mais rappelons d’abord les origines du texte. Artaud en écrivant sa pièce
s’appuie sur les œuvres de deux auteurs évoqués au début de notre article:
Les Cenci de Shelley, tragédie en cinq actes qui date de 1819 (elle fut traduite en français en 1887), et Les Cenci de Stendhal, récit publié en 1837,
d’abord dans la Revue des deux mondes, puis inséré dans les Chroniques italiennes. Les deux ouvrages, celui de Shelley et celui de Stendhal, s’inspirent
d’un manuscrit retrouvé dans les archives du palais Cenci à Rome et rédigé,
probablement, quatre jours après le supplice de Béatrice Cenci, qui avait lieu
le 11 septembre 1599.
Ce qui peut être intéressant pour nous, c’est le choix par Artaud, comme
la première illustration de ses idées, d’une sorte de tragédie classique.
Probablement il l’a choisie grâce à son atmosphère sombre, cruelle, aux «potentialités»1 que cachait le texte et qui pourraient être ensuite projetées sur
la scène, dans l’espace, car c’est là que se trouve, selon Artaud, l’essentiel
du théâtre. Artaud lui-même insiste sur le fait que sa pièce n’est pas une
imitation de la tragédie de Shelley, qu’il a cherché à lui donner un mouvement spécifique, un «mouvement de gravitation» qui serait à la base de
toute la mise en scène. Mais rappelons peut-être les mots d’Artaud lui-même:
«En écrivant les Cenci, tragédie, je n’ai pas cherché à imiter Shelley, pas plus
que je n’ai copié la nature, mais j’ai imposé à ma tragédie le mouvement de
la nature, cette espèce de gravitation qui meut les plantes, et les êtres comme
des plantes, et qu’on retrouve fixée dans les bouleversements volcaniques du
sol»2. Dans la suite de notre analyse nous allons revenir à ce problème, pour
montrer comment Artaud a utilisé dans son spectacle ces «potentialités» du
texte. Pour l’instant revenons au texte, c’est-à-dire à l’histoire même des
Cenci. Il faudra peut-être la rappeler en quelques mots, telle qu’elle fut décrite
dans la chronique.
Or, François Cenci qui passait pour un homme très fort et très riche, avait
épousé une femme qui mourut après lui avoir donné sept enfants. Peu après
sa mort, il épousa Lucrèce Petroni, célèbre par sa beauté. Avec sa famille
François Cenci se comportait en vrai tyran. Il avait plusieurs procès pour
sodomie, fut condamné trois fois à la prison dont il sortait en versant de
grandes sommes d’argent aux personnes en faveur auprès des papes successifs sous lesquels il a vécu. Il était incroyant, il haïssait à tel point ses enfants
qu’il fit construire une église dans la cour de son palais, près du Tibre, afin
d’avoir le plaisir de regarder chaque jour les tombeaux de ses fils. Il envoya
les trois aînés: Giacomo, Rocco et Cristoforo, étudier à l’université de Salamanque, mais ils durent revenir bientôt à Rome en mendiant parce que leur
C. D u m o u l i é : Antonin Artaud. Paris, Seuil, 1996, p. 71.
A. A r t a u d : À propos des « Cenci ». In : I d e m : Œuvres complètes. T. 5. Paris, Gallimard, 1964 et 1979, p. 37.
1
2
La réécriture à travers la scène...
157
père, malgré ses immenses richesses, ne leur accorda aucun subside. À leur
retour, les fils demandèrent au pape de condamner à mort Cenci qui venait
d’être emprisonné pour ses « amours infâmes ». De ses deux filles, la plus
âgée conjura le pape de la marier ou de la placer dans un monastère.
Clément VIII la maria à Charles Gabrielli en obligeant Cenci à la doter. Rocco et Cristoforo moururent à Rome, ils furent assassinés. En ce qui concerne
Béatrice, pour empêcher qu’elle n’eût l’idée de suivre l’exemple de sa
sœur, son père l’emprisonna dans une salle de son immense palais où il
l’accablait souvent de coups, lui infligeait des supplices et finalement quand
elle avait 16 ans, il la viola. Ne pouvant plus supporter toutes ces souffrances, Béatrice et sa belle-mère Lucrèce eurent l’idée d’assassiner François
Cenci. Le meurtre, très atroce, fut confié à deux vassaux: Olimpio et Marzio
qui lui avaient voué une grande haine. Ils enfoncèrent à l’aide d’un marteau deux clous, l’un dans l’œil, l’autre dans la gorge de Cenci. Après un long
procès dans lequel intervenait le pape, les deux femmes Béatrice et Lucrèce
ainsi que Giacomo Cenci furent condamnés à la mort sur l’échafaud.
Telle était, d’après la chronique de 1599, l’histoire de François Cenci et
de sa famille. Voyons maintenant comment elle fut réécrite par les deux auteurs. En ce qui concerne les principaux personnages, Shelley, comme Artaud, est plutôt fidèle à la chronique avec seulement quelques écarts de la
vérité, par exemple: les deux frères — Rocco et Cristophoro meurent à Salamanque et non pas à Rome. Le même fait apparaît dans le texte d’Artaud.
Monsignor Querra devient chez Shelley Orsino, il le présente comme un
traître classique, un hypocrite qui, dans la première scène de l’acte V, incite
Giacomo à s’enfuir en le dirigeant sur une sortie derrière laquelle attendent
les gardes. Shelley invente le personnage du cardinal Camillo, un autre personnage, le légat du pape — Savella porte chez lui le nom de la prison où
furent enfermés les Cenci. Dans la version d’Artaud, les deux personnages
sont réunis en un seul. Quant au meurtre de Cenci, Shelley atténue un peu
l’acte d’assassinat, Marzio et Olimpio (quant à ces deux vassaux, il est fidèle
à la chronique) étranglent le vieux Cenci. Par contre Artaud décrit la scène
dans toute sa cruauté en confiant le crime à deux muets. En général, dans
la version de Shelley, les personnages parlent plus et agissent moins. Par
exemple, dans la scène II de l’acte III Orsino raconte à Giacomo la première
tentative d’assassinat manquée. Tandis qu’Artaud, au lieu de faire le récit
de cet acte raté, le met directement devant les yeux des spectateurs. Artaud
supprime la scène entre Orsino et Giacomo et celle de l’interrogatoire des
suspects, qui sont assez importantes chez Shelley, ainsi il condense les deux
derniers actes (dans la version de Shelley il y en a cinq, tandis que chez Artaud, quatre). Par contre, en ce qui concerne le début de la pièce d’Artaud,
les deux premiers actes et la première scène de l’acte III, rappellent le schéma
158
Gra¿yna Starak
de la tragédie de Shelley. Les différences sont visibles surtout dans le
nombre d’indications scéniques qui, chez Artaud, sont beaucoup plus nombreuses, plus détaillées et, en général, plus importantes.
Passons maintenant à ce qui va nous intéresser le plus dans notre analyse, à savoir comment Artaud, en réécrivant l’histoire des Cenci, a réussi à
mettre en application ses principes sur le théâtre. Nous voyons bien que sa
version se concentre sur trois problèmes: celui de l’inceste, celui de l’assassinat du vieux tyran (Cenci) et le supplice de Béatrice Cenci. Artaud ne recule pas devant l’horreur de ces actes. Il les inscrit dans un cercle de cruauté
où ils gravitent comme des forces obscures. C’est Cenci en particulier qui
incarne pour Artaud la force du mal et qui, libérant l’anarchie et la violence,
ouvre la voie au Chaos, ce Chaos qui se manifeste aussi dans l’inceste.
Rappelons que le thème de l’inceste a été abordé par Artaud plusieurs fois,
notamment dans sa conférence sur Le Théâtre et la Peste (1933), dans Héliogabale (1934), à propos de la description du tableau de Lucas van den Leyden, Les Filles de Loth. Camille Dumoulié souligne l’aspect métaphysique de
l’acte de l’inceste: «Associé à la peste, à l’anarchie et aux grands mythes
noirs de l’humanité, l’inceste n’est pas un motif psychologique, mais bien métaphysique»3, enfermant petit à petit tous les personnages dans un cercle de
crimes et de cruauté. Très caractéristique est dans la version artaudienne de
la tragédie la construction des personnages, ils ne sont pas perçus dans leur
aspect psychologique mais deviennent de grandes forces gravitant dans
l’espace de la scène avec une sorte de «majestueuse fatalité»4. Lorsque Béatrice est conduite au supplice, elle n’est plus le sujet de son acte, c’est la cruauté de la vie même qui s’exprime en dehors de toute préoccupation morale
du bien et du mal:
Béatrice : Tout meurt, parce que le monde brûle, incertain entre le mal
et le bien. Ni Dieu, ni l’homme, ni aucun des pouvoirs qui dominent ce que
l’on appelle notre destin, n’ont choisi entre le mal et le bien5.
C’est le vieux Cenci qui, dans les trois versions, devient la principale cause
de cette transgression définitive des valeurs et de toute notion d’ordre
social. Mais c’est Artaud qui a fait de ce motif d’anarchie le véritable moteur
de la pièce. L’anarchie totale, conçue comme cruauté métaphysique, règne
dans toute la pièce, conformément à ce qu’il a exprimé dans son Premier
Manifeste du Théâtre de la Cruauté: «Sans un élément de cruauté à la base
C. D u m o u l i é: Antonin Artaud..., p. 72.
A. A r t a u d : À propos des « Cenci»..., p. 38.
5
A. A r t a u d : Les Cenci. In : I d e m : Œuvres complètes..., T. 4, l’acte IV, scène III,
p. 209.
3
4
La réécriture à travers la scène...
159
de tout spectacle, le théâtre n’est pas possible »6. L’Anarchie, le Sacrilège
envers la religion et la Fatalité de l’instinct constituent donc le fondement
de la version artaudienne de l’histoire des Cenci.
Nous avons déjà évoqué l’importance du mouvement circulaire dans la
pièce d’Artaud. Effectivement, la symbolique du cercle est ici doublement
présente: depuis «la galerie en profondeur et en spirale»7 qui constitue le
décor de la première scène, jusqu’à la vision concrète de la roue en tant qu’instrument de supplice de Béatrice. Rappelons un fragment de didascalies décrivant cette scène:
Au plafond du théâtre une roue tourne comme sur un axe, qui en traverserait le diamètre.
Béatrice, suspendue par les cheveux et poussée par un garde qui lui
tire les bras en arrière, marche selon l’axe de la roue.
Tous les deux ou trois pas qu’elle fait un cri monte avec un bruit de
treuil, de roue qu’on tourne, ou de poutres écartelées, venant d’un coin
différent de la scène8.
Il faut dire que cette scène, la scène du supplice de Béatrice est, dans la
version artaudienne, particulièrement exposée, c’est l’une des scènes les plus
importantes. Le cercle s’impose ici comme figure dominante aussi dans le
mouvement scénique, ce qui devait souligner la fatalité, exprimer la «destination même du monde»9 et redonner au spectacle, selon son auteur, une
dimension cosmique. Les acteurs gravitent sans cesse l’un autour de l’autre,
ils se déplacent, tournent en cercle, reviennent successivement à leur place
dans un rythme particulier, inhumain, et ainsi de suite tout au long de la
pièce. Voyons de nouveau quelques exemples d’indications d’Artaud:
Lucrétia se place au centre du cercle (des gardes) ; les gardes commencent à tracer le cercle où ils vont nous emprisonner; Bernardo se précipite à l’intérieur du cercle ; le cercle des soldats se referme ; Bernardo
tourne autour de Béatrice et décrit un cercle complet ; le mouvement
tournant de Béatrice ; la roue tourne [...]10.
Tout ce mouvement scénique, s’inscrivant bien dans l’atmosphère de la
pièce, cette atmosphère d’angoisse, de peur, créaient une véritable géométrie
A. A r t a u d : Le Théâtre de la Cruauté. Premier Manifeste. In : I d e m : Œuvres
complètes..., T. 4, p. 95.
7
A. A r t a u d: Les Cenci..., p. 151.
8
A. A r t a u d: Les Cenci..., l’acte IV, scène III, p. 205.
9
A. A r t a u d: Le théâtre et la psychologie. Le théâtre et la poésie. In: I d e m : Œuvres
complètes..., T. 4, p. 14.
10
Tous les exemples tirés de : A. A r t a u d : Les Cenci..., l’acte IV.
6
160
Gra¿yna Starak
de forces et devaient constituer un élément important du langage théâtral.
Mais malheureusement, comme se plaignait Artaud, «peu ont vu la subtilité
de cette gravitation magique»11.
Parlons encore de la représentation scénique, car, comme l’affirme Artaud lui-même, son texte des Cenci fut écrit spécialement en fonction d’une
mise en scène. Et, en effet, c’est de la scène que vient toute la force de la
pièce, les répliques sont assez sèches, les dialogues plats, surtout dans les
scènes les plus intenses, les plus terrifiantes (par exemple la scène annonçant le viol, au début de l’acte III). Un tel effet a été, bien évidemment,
calculé par Artaud, il a voulu ainsi réaliser l’un des postulats de sa théorie
concernant la place de la parole dans le théâtre, il s’agissait tout simplement
de libérer le théâtre du rôle primordial du texte. C’est pourquoi dans les
moments les plus importants pour l’action, dans les moments de crise, il a
laissé parler la scène. Mais bien que le langage de la scène l’emporte ici
décidément sur le langage de mots, Artaud n’a pas réussi à changer sa fonction traditionnelle (c’est-à-dire la fonction du mot). Rappelons que, selon ses
idées, la parole devait être utilisée dans le théâtre selon ses valeurs sonores,
vibratoires, ou bien dans un sens incantatoire. Dans les Cenci nous pouvons
trouver, à vrai dire, un seul moment où effectivement Artaud essaie de donner au mot une telle valeur, c’est-à-dire de l’introduire à l’intérieur de toute
une harmonie résonnant dans l’espace, c’est dans la scène II de l’acte III,
il s’agit du mot «Cenci», voyons comment il décrit sa prononciation dans les
didascalies:
La tempête fait rage de plus en plus et, mêlées au vent, on entend des
voix qui prononcent le nom de Cenci, d’abord sur un seul ton prolongé et
aigu, puis comme le battant d’une pendule : CENCI, CENCI, CENCI, CENCI. Par moments tous les noms se nouent en un point du ciel comme des
oiseaux innombrables dont le vol se rassemblerait. Puis les voix agrandies
passent comme un vol extrêmement rapproché12.
Le langage verbal sert à transmettre le danger de la situation, à renforcer la violence, l’atmosphère de la cruauté, c’est dans ce sens-là qu’il s’inscrit
dans le langage de la scène. Et dans celui-ci, ce qui fut important c’était aussi,
à côté du mouvement scénique, les gestes, attitudes et mimique des acteurs,
dont nous avons parlé, le bruitage, la sonorisation, l’éclairage, le décor et les
costumes. Tous ces éléments du langage scénique devaient être coordonnés
de façon à créer des analogies entre les formes de l’architecture de la scène,
les couleurs, la sonorité et la cruauté des actes accomplis. Dans la construc11
12
A. A r t a u d: Après « Les Cenci ». In : I d e m : Œuvres complètes..., T. 4, p. 49.
A. A r t a u d: Les Cenci..., l’acte III, scène II, p. 191.
La réécriture à travers la scène...
161
tion de l’espace, préparée, comme le décor et les costumes, par Balthus,
régnaient la simplicité et la rudesse, la couleur dominante fut le rouge, les
costumes contrastaient avec les éléments du décor: roue, cordes, colonnes de
pierre. L’éclairage se basait aussi sur l’effet de contraste violent entre les
ténèbres et la lumière très forte envahissant tout d’un coup certaines scènes.
Cette architecture de l’espace fut complétée par des mouvements continus
des acteurs dessinant des formes mystérieuses dont la symbolique, malheureusement, ne fut pas claire pour le public.
La musique, ainsi que toute la sonorisation et le bruitage du spectacle,
fut confiée à Roger Desormière. Pour Artaud, il s’agissait de mettre le spectateur «au centre d’un réseau de vibrations sonores»13. Pour le réaliser il a
voulu utiliser «quatre cloches de dix mètres de haut situées aux quatre
points cardinaux de la salle»14, mais malheureusement les possibilités techniques de la salle furent telles qu’il a dû se satisfaire de sons «diffusés par des
haut-parleurs disposés suivant une identique orientation»15. À côté des sons
de cloches de la cathédrale d’Amiens, Artaud a enregistré aussi les bruits
d’un orage authentique avec des coups de tonnerre. Toute la sonorisation
composée de cris, des bruits différents, sanglots, vent furieux, fanfares,
gémissements, voix mystérieuses, fut complétée par la musique très insistante
au rythme obsédant qui accompagnait les scènes les plus graves, les plus terrifiantes. Voyons un fragment de didascalie:
Les voix s’amplifient, prenant la tonalité grave ou suraigüe et comme
clarifiée des cloches; de temps en temps un son volumineux s’étale et fuse ;
quelque chose comme un son de viole vibre légèrement et très haut ; les
cloches sonnent à toute volée, mais en sourdine, en accord avec le rythme
tourbillonnant du festin16.
Les précipitations affolées des personnages, accompagnées de sanglots,
de soupirs, ont contrasté avec l’immobilité de mannequins qu’Artaud a réussi
à mettre sur la scène. Ils constituaient aussi un élément important du langage théâtral. Et quel devait être leur rôle dans la pièce? Artaud le définit
de façon suivante:
Les mannequins des Cenci seront là pour faire dire aux héros de la
pièce ce qui les gêne et que la parole humaine est incapable d’exprimer.
Tout ce qui est reproches, rancoeurs, remords, angoisses, revendications,
les mannequins seront là pour le formuler et on verra d’un bout à l’autre
A. A r t a u d: À propos des « Cenci»..., p. 38.
Ibidem.
15
Ibidem.
16
Tous les exemples tirés de: A. A r t a u d : Les Cenci..., l’acte I.
13
14
11 Quelques...
162
Gra¿yna Starak
de la pièce tout un langage de gestes et de signes où les inquiétudes de
l’époque se rassemblent dans une sorte de violente manifestation17.
Ainsi nous en venons au dernier point de notre analyse, à savoir l’actualité de la pièce d’Artaud. Toutes les trois versions de l’histoire des Cenci,
celle de Shelley, celle de Stendhal et celle d’Artaud, sont riches en scènes et
vocabulaire cruels, pleins de violence, mais c’est ce dernier qui étend le danger des situations présentées à la situation actuelle, catastrophique, selon lui,
de la civilisation. Le monde s’écroule, incertain entre le bien et le mal, tout
meurt, tout brûle, le ciel est prêt à nous tomber sur la tête, telles sont les
angoisses d’Artaud, et pour les transmettre il s’est servi du texte des Cenci
en le réécrivant à sa propre manière, selon ses propres besoins. Ses personnages ne sont pas des hommes, ils sont comme de grandes forces incarnant,
chacun une fatalité, ils ont « ce côté exalté, légendaire »18, et ce qui libère
l’anarchie et entraîne le monde dans le Chaos, c’est l’inceste.
Cependant Camille Dumoulié remarque que chez Artaud cette lutte,
cette haine que se vouent les enfants et le père «devient d’autant plus horrible qu’elle prend la forme positive et active d’un désir; et ce désir incestueux, qui est comme la manifestation chez les êtres de la volonté métaphysique du Chaos, unit les deux principaux protagonistes de la pièce, Cenci et
sa fille Béatrice. De sorte que chacun est, en même temps, aussi innocent et
aussi coupable que l’autre. Les propos immoraux de Cenci contre la famille
sont le fait d’un esprit trop pénétrant qui sait que la vie est dévoration de
la vie. Et après avoir été violée par son père, Béatrice révèle, à travers le
récit d’un rêve, que l’inceste fut la réalisation redoutée de ses désirs, comme
si, malgré elle, s’était libéré un monstre qu’elle nourrissait depuis toujours dans son inconscient»19. Béatrice accepte donc le crime mais ne se sent
pas coupable personnellement, car elle est persuadée que «c’est la vie qui,
à travers son acte, s’est exprimée»20. Et elle se rend compte qu’elle a fini par
ressembler à son père. Nous comprenons maintenant mieux le rôle du cercle
et de cette force tournante dans la pièce d’Artaud, qui ne se manifestent pas
uniquement dans les éléments du décor (roue, cercle, escaliers en spirale),
dans le mouvement scénique, mais aussi, et peut-être, tout d’abord au niveau
du texte: dans le jeu des répliques, dans la répétition fréquente d’un même
mot, d’une même expression qui circulant de bouche en bouche va dessiner
ensuite des cercles invisibles resonnant dans l’espace de la scène. Car tel est,
comme le remarque Camille Dumoulié, «le sens de ce mouvement giratoire,
A. A r t a u d: À propos des «Cenci»..., p. 38.
Ibidem, p. 39.
19
C. D u m o u l i é : Antonin Artaud..., p. 72.
20
Ibidem, p. 73.
17
18
La réécriture à travers la scène...
163
de ce tournoiement qui donne son rythme à la pièce, que de rendre sensible la force de contamination qui œuvre à travers tous les personnages, leur
fait perdre leur identité propre et les enferme dans le cercle de la Cruauté»21.
L’originalité de la version artaudienne de la pièce consiste donc à l’inscrire dans ce mouvement circulaire qui est conditionné par l’interprétation
métaphysique de l’histoire des Cenci et qui s’exprime dans le texte même et
dans la mise en scène, c’est-à-dire dans tous les éléments de ce langage
théâtral imaginé par Artaud, qui, cependant, n’a pas encore trouvé dans
ce spectacle sa forme définitive. Par contre Shelley qui semble être fasciné
surtout par le personnage de Béatrice dont il a vu le portrait peint par le
Guide, lors de son exil en Italie, aborde l’histoire des Cenci de façon plus
personnelle. Ce grand révolté, s’attaquant à toutes les formes de tyrannie
politique, sociale, familiale, se concentre sur la figure de Béatrice, douce et
forte à la fois, en voyant, peut-être, dans son attitude sa propre rébellion.
Ainsi, l’histoire des Cenci, le fait divers devenu historique, a donné lieu
à trois interprétations différentes: Stendhal avec son goût d’anegdote et son
attachement passionné pour l’Italie nous offre un récit dans lequel la vérité
historique va de pair avec la grande imagination créatrice de l’auteur de Le
Rouge et le Noir, Shelley, plus soucieux de la vérité historique de la pièce,
surtout la vérité dans la peinture des personnages et du décor, donne à sa
version une dimension psychologique. Par contre, Artaud ne se préoccupe ni
de la vérité historique, ni psychologique, car ce qui importe pour lui c’est la
vérité du théâtre. Mais la scène doit se servir de sa propre langue et c’est à
travers l’interprétation métaphysique de l’histoire des Cenci que cette langue
devait être élaborée.
21
11*
Ibidem.
Jeannine Guichardet
Université Paris III — Sorbonne Nouvelle
Métamorphoses de la reine*
de Pierrette Fleutiaux:
une réécriture des Contes de Perrault
L’aventure d’une réécriture
Pourquoi cette réécriture ?
Elle est née d’une impérieuse nécessité intérieure avouée dès la préface
de l’ouvrage qui nous conte l’aventure de cette réécriture.
Dans un moment de difficulté, j’ai voulu revenir aux contes de l’enfance [...]. Et il s’est passé quelque chose de curieux.
Ces contes étaient bien la seule « littérature »1 que mon esprit arrivait
à accueillir, alors que tout autre semblait comme s’arrêter et buter, plus
ou moins loin, à la périphérie de ce qui restait vivant en moi.
p. 92
«Quelque chose» se met alors à bouger «là où tout était pétrifié» et alors
revient «le désir d’écrire » et presqu’aussitôt, «le désir de ré-écrire, de refaire» (p. 9) et de réécrire en femme à partir d’un texte d’homme.
* L’ouvrage, publié en 1984, a obtenu en 1985 le Goncourt de la nouvelle.
1
Les guillemets de prudence dont s’auréole ici le mot « littérature » s’expliquent
par le fait que ces contes, recueillis à la fin du XVIIe siècle par Charles Perrault et
publiés en 1697 (recevant ainsi leur consécration par l’écriture) s’enracinent dans
une tradition orale immémoriale.
2
La pagination entre parenthèses renvoie à l’édition Folio des Métamorphoses de
la reine (Gallimard, 1984).
Métamorphoses de la reine...
165
Une réécriture de femme3
J’étais une femme [...] et lorsqu’on y parlait de femmes (et d’hommes
aussi, bien sûr) cela ne me plaisait pas, non, pas du tout [...] si bien que
ces contes se sont mis à vivre d’une toute autre façon.
p. 10
Qu’est-ce à dire? «Ces textes archaïques sont un matériel magique» constate Pierrette Fleuriaux et, malgré ses «exhortations» et ses «efforts», «ils
ne sont pas allés toujours où [elle] voulait» (p. 11). «Finalement ce sont eux
qui m’ont menée, et je me suis abandonnée à eux», avoue-t-elle. Ainsi va le
pouvoir des mots.
Sans doute s’agit-il de la rencontre d’un inconscient de femme et de ce
matériau immémorial que sont les contes choisis par l’écrivaine4. Dans les cinq
contes objets de la réécriture, les femmes sont omniprésentes. Ce matériau
offert est brassé au kaléidoscope de l’inconscient et le dessin, les figures ainsi
produites dégagent une étrange séduction et invitent à la réflexion.
Ce sont les chemins et sentiers de cette recréation que je me propose de
parcourir, mettant en évidence à l’aide de quelques exemples les procédés de
la réécriture.
Les chemins et sentiers qui bifurquent vers
un imaginaire personnel
Le premier rôle accordé à un personnage secondaire chez Perrault
Ainsi en est-il de La Femme de l’Ogre qui donne son titre au premier de
ces contes réécrits. L’écrivaine se glisse dans le tissu intersticiel du texte de
Perrault, son imaginaire en comblant les lacunes et inventant un destin pour
cette femme qui «n’aime pas préparer la chair, mais ne le sait pas» (p. 15).
Tout le contraire d’une ogresse cette femme assise, rêveuse, à l’ombre de la
forêt où s’éveillera bien tôt un étrange désir: celui de faire du Petit Poucet
son amant: «C’est toi que je veux», dit-elle, et elle l’empoche littéralement!
Ainsi est-il tout près du corps de la femme et bientôt il pénétrera dans «l’obscur sous-bois de son corps» (p. 48). Ebloui d’avoir «fait jouir cette femme
3
Peut-on à ce propos parler d’écriture féminine, voire « féministe » ? Débat sans fin...
Disons simplement qu’ici la femme est reine en ses diverses métamorphoses. Elle est
le dénominateur commun privilégié de tous ces contes.
4
Au total cinq contes : Le Petit Poucet, Cendrillon, La Belle au bois dormant, Le Petit Chaperon rouge, Barbe Bleue.
166
Jeannine Guichardet
si grande et belle et forte » (p. 49). Poucet alors «se transforme. Il sent qu’il
grandit d’instant en instant. Plus rien ne l’abandonnera» (p. 49).
L’inversion des rôles du féminin et du masculin
C’est ainsi que Cendrillon devient Cendron, car
[...] il était une fois une veuve qui épousa en secondes noces le gentilhomme
le plus frivole et le plus hautain qu’on eût jamais vu. Il avait deux fils aussi
frivoles que lui [...]. La veuve aussi avait un fils qu’elle aimait tendrement.
Mais celui-ci était d’un maintien tranquille et d’un air réfléchi qui le firent
bientôt haïr de ses frères.
p. 53
Le conte suit son modèle d’assez près, les deux frères aspirant à la main
de la princesse que sa mère la reine souhaite marier; Cendron se rendant
au bal incognito grâce à une fée bienfaitrice, etc... Mais tout soudain le chemin bifurque vers la reine et c’est elle que Cendron, refusant la fille trop
frivole, épousera au terme d’aventures longuement contées car
Lecteurs, lectrices, excusez-moi, il m’a fallu si longtemps marcher
à travers le dédale embroussaillé de ce vieux conte faussé qu’arrivée ici,
je ne veux me presser, il me faut raconter chaque détail de cette rencontre
si remarquable. Quand après les ronces et les taillis vient la clairière, qui
ne voudrait s’y allonger, longtemps s’y reposer ?
p. 73
Par ailleurs le Petit Chaperon rouge de haute mémoire devient, sous la
plume de Pierrette Fleutiaux, Petit Pantalon rouge; il ne s’agit pas ici néanmoins d’une inversion des sexes, mais d’un renversement psychologique,
d’une inversion des rôles dévolus au loup et au chaperon rouge. Petit Pantalon rouge, hardi jusqu’à la témérité, est le fruit d’une double éducation
particulièrement avisée:
Dans une chaumière, à quelque distance d’un village, vivait une petite
fille, la plus vive qu’on pût voir. Sa mère, qui n’avait point d’époux, et sa
mère-grand qui en avait eu plusieurs en étaient folles. Elles lui firent faire
un petit pantalon rouge qui lui seyait si bien que désormais partout on
l’appelait « Petit Pantalon rouge ».
p. 105
« Va et joue avec le loup » lui enjoignent-elles après lui avoir remis un
brandon et une «gomme-qui-colle-tout» (p. 106) et tout particulièrement les
Métamorphoses de la reine...
167
longues dents pointues des loups. Petit Pantalon rouge en piège ainsi plusieurs qu’elle exténue, les tenant à sa merci.
L’amalgame des contes
Pour les mettre en évidence nous ne quitterons pas ce Petit Chaperon
rouge d’un genre nouveau, car le titre complet du conte est Petit Pantalon
rouge, Barbe-Bleue et Notules5. Que vient donc faire ici Barbe-Bleue? Eh bien
PPR6, qui l’a fortuitement rencontré sur son chemin, accepte, oubliant mère
et mère-grand, de l’épouser avec joie et impatience. Elle n’a décidément pas
froid aux yeux. En voici un exemple particulier mais typique des allusions
quelque peu grivoises7 à la tentation desquelles Pierrette Fleutiaux cède
souvent8: Barbe-Bleue, quelque peu intimidé et séduit par l’astuce et la gaîté
du Petit Pantalon rouge «ne savait que faire ni que dire». C’est alors que
PPR, remarquant
[...] dans son vêtement quelque chose qui l’intriguait, fit sonner sa voix
claire.
— Barbe-Bleue, dit-elle, montrez-moi donc votre brandon.
— C’est qu’il faut m’épouser d’abord, balbutia celui-ci en rougissant, persuadé d’avoir une fois de plus tout perdu.
Mais PPR, ne se tenant pas d’essayer cet autre brandon, accepta sur
le champ ce qu’on lui proposait et le mariage fut aussitôt célébré.
p. 117
Tout est bien qui finit bien. PPR délivre son époux d’un sortilège dont
il était prisonnier et, du même coup, ses sept femmes précédentes:
Elles formaient une sorte de fleur étrange ces sept femmes qu’un long
séjour au placard avait rendues si pâles avec, au beau milieu, le pistil rouge
Notules sur lesquelles nous reviendrons.
Petit Pantalon rouge est souvent désigné par ces trois lettres dans la seconde partie du conte.
7
Un érotisme plus discret, plus subtil, voire poétique, est aussi présent dans Métamorphoses de la Reine. Voir par exemple à la fin de La Femme de l’Ogre comment est
évoquée l’union charnelle avec le Petit Poucet.
8
Contrairement à Perrault déclarant dans une de ses préfaces : « J’aurais pu rendre
mes contes plus agréables en y mêlant certaines choses un peu libres [...], mais ce désir
de plaire ne m’a jamais assez tenté pour violer une loi que je me suis imposée de ne rien
écrire qui puisse blesser ou la pudeur ou la bienséance ».
5
6
168
Jeannine Guichardet
et plein de sève de la huitième qui les avaient sauvées et semblait, par sa
force, les retenir de tomber comme des pétales fanés.
L’intrépide PPR leur fait prendre conscience au grand dam de BarbeBleue «qu’il n’est point besoin d’un homme pour rendre des femmes heureuses» (p. 132).
Ces sept femmes, sauf une, au placard confinées, s’étaient aimées
d’amour tendre, et cet amour tendre, rendu au grand jour, restait ferme
et ne cédait à aucun autre attrait !
p. 133
O triomphe du féminin!
La fin du conte traditionnel du Chaperon rouge a émigré, elle, dans La
Femme de l’Ogre mais métamorphosée par les répliques des petites ogresses
auxquelles la mère tente de raconter l’histoire. S’ensuit un jeu sur les mots,
p.ex.: «va voir comment se porte ta mère-grand et porte-lui cette belette et
ce petit pot avec le cœur» (p. 31).
À travers les exemples qui précèdent nous avons déjà pu percevoir l’humour de la conteuse. Humour qui tend parfois vers l’ironie. Ce sont ces deux
aspects de la réécriture que je voudrais maintenant mettre en évidence.
L’Humour et l’ironie
Cendron offre un exemple d’humour particulièrement savoureux au moment-clef où la fée-marraine — qui n’est autre que la pierre du foyer où le
jeune homme remue mélancoliquement les cendres — intervient dans sa
destinée.
C’était une pierre qui avait fait alliance avec les dieux du temps, elle
avait roulé dans les flots de l’avenir et par des chemins mystérieux inconnus des humains, avait déjà assisté à plus de séminaires de psychanalyse
qu’on n’en pourrait compter. Elle ne dit mot et attendit son heure.
p. 62
Intrusion d’auteur au beau milieu d’un dialogue, sorte de parodie d’une
séance psychanalytique:
—
—
—
—
Je hais mes frères, dit-il soudain comme en transe.
Bien sûr, dit la pierre, et encore ?
Je voudrais être au bal, dit Cendron de son étrange voix figée.
Bien sûr, dit la pierre, et quoi de plus?
Métamorphoses de la reine...
—
—
—
—
—
Je voudrais voir la princesse.
Certes, dit la pierre.
Et l’arracher à mes frères.
Ah, dit la pierre.
Et retrousser sa robe et la baiser là devant toute la cour.
169
p. 63
Tout en conservant le ton, le style du conte traditionnel, Pierrette Fleutiaux en modifie le contenu, d’où ce décalage humoristique qui nous en apprend plus peut-être sur la Psychanalyse des Contes de Fées, sur leur pouvoir,
que le célèbre ouvrage de Bruno Bettelheim9, que l’auteure cite d’ailleurs
dans sa préface (p. 10), reconnaissant sa dette envers lui, mais expliquant
que «sa vie s’est tournée de telle sorte» qu’elle écrit «des histoires plutôt que
de la théorie» (p. 10).
Théorie dont Pierrette Fleutiaux se méfie et se moque dans les savoureuses «nodules» ajoutées à l’histoire de Petit Pantalon rouge et de BarbeBleue. Cette fois l’humour fait place à une réjouissante ironie pour parodier
certains discours universitaires ici «réécrits».
L’on se souvient de la gomme-qui-colle-tout et empêche les loups de
s’exprimer clairement. «Pouvant à peine lever une dent sur l’autre» (p. 108)
le premier ne réussit qu’à «susurrer» u, u, u et le second e, è, o, i (p. 108).
Commentaire des spécialistes:
Des recherches récentes autorisent à penser que les consonnes manquantes dans le discours du loup aux mâchoires scellées pourraient être
respectivement : « p, s, r ». Le texte se lirait alors « Pue, sue, rue » et pourrait se comprendre de la façon suivante : « Elle pue, elle sue, elle rue».
Certains exégètes, mécontents de cette interprétation dont ils reconnaissent le bien-fondé formel, mais récusent la grossièreté signifiée, ont
avancé une autre théorie. Selon celle-ci, « u, u, u » devrait s’entendre : « je
l’ai vue, je l’ai eue, je m’en fus».
Je résumerai brièvement les objections généralement opposées à cette
dernière thèse. Pourquoi le loup, dans une phrase visiblement marquée par
la symétrie, passerait-il soudain au passé simple après deux passés composés?
p. 136
L’argumentation spécieuse se poursuit deux pages durant10, avant que la
narratrice s’exprime à son tour, dégonflant la baudruche:
Publié chez Robert Laffont en 1976.
Pages savoureuses où l’on apprend que le loup du conte, étant un simple loup de
village, ne peut avoir connaissance du célèbre veni, vidi, vici. « Il ne s’agit donc pas d’une
citation, d’un plagiat ou de quelque parodie à but d’ironie » précise le texte !
9
10
170
Jeannine Guichardet
Pour ma part, je me contenterais volontiers de penser que le loup n’a
rien voulu prononcer d’autre que les trois voyelles rapportées [...]. « U, u,
u » se lirait donc bien « U, u, u ». Mais il reste entendu que, n’étant que
conteuse et non théoricienne, je ne soumets ici cette hypothèse qu’avec la
plus grande modestie.
p. 137
Reste à évoquer le plus insolite à l’œuvre dans cette réécriture:
La porosité de l’Espace-Temps
L’effacement des frontières s’exprime à travers de brusques ruptures de
ton, par l’irruption d’un vocabulaire anachronique, par la présence d’objets
insolites. D’une manière générale, les espaces traditionnels du conte, notamment la forêt, les espaces clos, notamment le palais, s’élargissent, conduisent
à des clairières, à des lisières où l’horizon apparaît, où les étoiles scintillent.
En voici quelques exemples:
La femme de l’ogre «fume une cigarette en regardant la grande forêt
pleine d’ombres qui commence à quelques mètres de la maison» (p. 19) et lorsqu’elle s’évade avec le Petit Poucet, «par dessus la grande forêt», campant
ici et là, sautant des frontières (p. 47), c’est pour arriver «dans une vaste ville,
étendue sur un fleuve » et au cœur d’une place pleine de jardins avec des
ponts partant en étoile vers un hôtel brillant; ils y prennent une chambre
où ils s’uniront dans une époque non déterminée, mais voisine de la nôtre.
Un exemple limite nous est fourni, sur un mode délibérément ludique,
celui-ci, par Cendron en ses métamorphoses. N’ayant trouvé ni souris, ni rats,
ni citrouille à sa disposition, mais seulement «un fil de la chemise américaine des frères, un morceau de fer rouillé et une goutte d’huile de lampe»
(p. 63), la pierre produit sans le vouloir «un splendide harnachement de cowboy» et une étincelante Cadillac qui fait grande impression parmi les carrosses qu’elle éclabousse dans sa hâte de trouver celle que cherche Cendron,
à savoir la princesse Barbie! (p. 65). Venu minuit, l’heure fatidique, il s’enfuit si brusquement qu’il laisse tomber quoi?... Les deux parties de son talkie-walkie grâce auquel il sera identifié à la grande stupeur dépitée de ses
frères!
Quant à l’héroïne de La Reine au bois dormant, l’un des contes les plus
émouvants, les plus poétiques, tout veiné de douleurs secrètes, de souvenirs
lancinants autour desquels « les fragments perdus de ses vies font ralliement» (p. 196), elle arrive, au bout de tant d’années, dans un espace contemporain ponctué de «cottages dans l’écrin que la forêt fait à chacun» d’eux,
et plus loin «derrière les deux grandes cheminées rouges d’une cimenterie,
Métamorphoses de la reine...
171
et derrière encore, un grand ciel étincelant où court la pointe métallique d’un
avion à réaction» (p. 202).
Sans doute est-ce ainsi que «les choses rêvées et les choses vécues se
mêlent comme des bras assoiffés de se prendre, et c’est la même vie qui se
complète par pans se rejoignant de toutes parts, les liant si fort que s’arracher l’un à l’autre serait s’arracher à soi-même» (p. 200).
Reste, au terme de ce trop bref aperçu des facettes miroitantes d’une
réécriture tout à la fois ludique et hautement poétique, à en évoquer la fécondité.
Fécondité d’une réécriture
C’est, souvenons-nous, grâce à la lecture des «contes de l’enfance» qu’est
venu à Pierrette Fleutiaux le désir de réécrire. Mais ils la mèneront beaucoup plus loin qu’elle ne le soupçonnait au départ, car
On ne touche pas à ces textes impunément. En errant dans leur domaine, j’ai rencontré une reine dont je n’avais jamais entendu parler et
qui m’a envoûtée, je crois. Elle est dans la dernière de ces histoires, elle
vient de très loin et elle est très proche, et je suis sûre qu’elle n’a pas fini
de me hanter avec ses signes que je ne comprends pas toujours.
pp. 11—12
Cette reine est l’émouvante héroïne du dernier conte intitulé Le Palais de
la Reine. Conte non réécrit, mais totalement inventé celui-là. À lui aboutissent tous les chemins suivis par la réécriture. C’est l’histoire d’une reine
triste, ô combien!
— Reine, pourquoi pleures-tu ?
— Les yeux d’une reine sont comme la margelle des puits où montent les
eaux profondes du sol. Son corps ne s’arrête pas au seuil de sa peau,
ne s’arrête pas aux murs de son palais, il se prolonge loin, si loin que
nul ne sait jusqu’où il va, qu’elle-même ne comprend pas les messages
qu’il lui envoie.
p. 208
Reine «toute petite dans son palais étroit et noir» (p. 225), elle fait à son
interlocutrice, celle qui écrit, «le récit de ses heures sombres dans le dédale
de la nuit » (p. 226), de ses attentes, de ses espoirs, de ses déceptions, de
toutes ses errances à travers le labyrinthe du Temps passé et présent. Ses propos, les images qui les traversent révèlent l’emprise de la mort: ainsi «Les
étoiles ressemblent à de terribles petits vers logés dans le corps pétrifié du
172
Jeannine Guichardet
ciel» (p. 234). Image atroce qui renvoie à un autre corps pétrifié, celui de
l’écrivaine elle-même, avouant: «Tout était pétrifié en moi» (p. 10).
Cette reine venue de très loin et cependant très proche est, sans nul
doute, son double, le miroir où elle se reconnaît, même et pourtant autre. Miroir magique qui la mène peu à peu sur le chemin initiatique d’une remontée
vers la lumière et d’une acceptation de la vie telle qu’elle se présente en sa
simplicité.
Bientôt «la reine sent qu’elle est entrée dans le domaine énigmatique du
temps» (p. 248), temps qui passe, transformant l’espace, le rendant parfois
méconnaissable (p. 231). N’importe: «la reine a cessé d’être triste» (p. 231).
Son regard porte loin, «si loin à la courbure de l’horizon» (p. 231), là où «le
soleil s’enflammait une dernière fois» au couchant, et c’était là-bas comme
un amoncellement de pierreries, un animal fabuleux, «couvert d’écailles de
diamants, ruisselant de sang, de neige, d’or, surgi un instant de l’espace infini pour y replonger bientôt » (p. 232). Féerie d’un genre nouveau... C’en
est fait, la reine a rejoint, consentante, notre époque. Elle a pris une chambre
à l’hôtel et, «assise sur le lit étroit», «elle essaie de penser» (p. 244). Il faut
«maintenant s’occuper de trouver un travail» (p. 249).
La fin de son histoire? La voici.
La reine est un peu lasse de tous ses jours passés, aussi pénétrants que
les rêves d’une nuit, mais, dans la fraîcheur du matin, une rumeur roule
comme un doux battement de cœur, la reine sent un sourire en elle, elle
pense au café qu’elle va boire dès qu’ouvriront les portes dans la ville,
à l’entrevue qu’elle va avoir dans le grand immeuble de verre, au travail
qu’on lui donnera, au soir qui viendra.
«Certainement, c’est ma vie », se dit-elle.
Écriture salvatrice née de la réécriture de ces contes dont «la magie» est
peut-être «inépuisable»11.
«Peut-être n’en ai-je fini avec aucun d’entre eux» en conclut Pierrette
Fleutiaux, «Ni moi, ni personne».
Personne? Autant dire vous, moi, chacun d’entre nous, lecteurs. Lecteurs
de Perrault à travers le prisme d’un regard réenchanté qui nous invite à sonder nos propres profondeurs, mais aussi à ouvrir les portes trop souvent
closes de notre imaginaire.
Réécriture parfois inspiratrice d’autres créateurs : un opéra inspiré par La Femme
de l’Ogre a été commandé par Radio-France.
11
Aleksandra Komandera
Université de Silésie, Katowice
Pastiche ou conte original
— de quelques problèmes de réécriture
dans Le Petit Chaperon bleu marine
de Philippe Dumas et de Boris Moissard
Au XVIIe siècle déjà, au seuil de ses Caractères, La Bruyère note: «Tout
est déjà dit, et l’on vient trop tard [...]1 ». Devant cet aveu pessimiste, il semble
qu’il ne reste aux écrivains qu’à puiser dans des textes antérieurs, c’est-àdire réécrire ce qui a été déjà dit. Une telle pratique serait imitative et peu
originale. Néanmoins, il y a un certain nombre d’auteurs (si ce n’est pas tous)
qui y recourent pour les motifs et les buts divers.
Le terme de «réécriture» ou «récriture» indiquait à l’origine le retour
d’un auteur à l’état premier ou précédent de son texte afin d’améliorer le
style ou d’apporter des modifications et des corrections qui lui paraissent
désormais indispensables. Depuis les études théoriques de Julia Kristeva vers
la fin des années 60, la notion de «réécriture» se voit souvent associée à celle
d’«intertextualité» qui, elle, englobe la totalité des relations qu’un texte nouveau entretient avec un autre discours littéraire préexistant. Ce jeu de miroir ou d’écho peut se manifester sous des formes variées, par exemple le
pastiche, pour ne mentionner que la pratique de l’intertextualité qui nous
intéresse dans notre analyse.
Dans la présente étude, nous prenons le terme dans l’acception de reprise d’un texte antérieur par un texte nouveau d’un auteur différent. Le
Petit Chaperon bleu marine, un des contes du recueil intitulé les Contes
1
L a B r u y è r e: Caractères. Paris, L’Aventurine, 2000, p. 57.
174
Aleksandra Komandera
à l’envers de Philippe Dumas et de Boris Moissard, porte explicitement les
empreintes du patrimoine littéraire et de la tradition commune et témoigne
d’une façon extrême qu’il est difficile qu’un texte soit écrit indépendamment
de ce qui a été déjà produit. Que le conte de Dumas et de Moissard fasse
entendre l’écho de l’histoire d’une fillette coiffée d’un bonnet rouge, connue
grâce à Charles Perrault, ne peut pas être mis en doute. Nous proposons un
parcours analytique en vue de découvrir les raisons qui poussent les auteurs
du Petit Chaperon bleu marine à s’exprimer à travers l’histoire du Petit Chaperon rouge, et de dévoiler le jeu intertextuel qui prend ici la forme du pastiche, tout en visant l’originalité.
Depuis les travaux des formalistes russes, notamment de Mikhaïl Bakhtine, auteur du fameux concept de dialogisme2, les théoriciens s’entendent
sur le fait qu’un texte littéraire peut se définir par rapport à d’autres productions écrites, antérieures ou contemporaines. La présence d’un texte dans
un autre texte, quel que soit son nom (intertextualité, dialogisme, absorption,
bibliothèque), est une certitude qu’il faut se garder de négliger dans l’analyse du Petit Chaperon bleu marine de Philippe Dumas et de Boris Moissard.
Les endroits où se croisent le conte en question et Le Petit Chaperon rouge
de Charles Perrault peuvent être dévoilés de plusieurs perspectives.
Premièrement, le conte est une forme d’expression littéraire qui a ses
origines dans les récits transmis oralement. À maintes reprises, les conteurs
d’autrefois ont souligné avoir entendu, eux-mêmes, des histoires qu’ils allaient, ensuite, passer aux autres. Cette «réécriture orale» serait plutôt une
forme de répétition artistique, mais non dépourvue des traits caractéristiques
qu’englobe la première notion. Car la reprise de l’énoncé oral, de la même
façon que celle de l’écrit, entraîne des transformations possibles, conscientes
ou involontaires. Ainsi, le conte serait-il une forme d’expression littéraire
plus intertextuelle que d’autres.
Ensuite, du point de vue de la tradition littéraire écrite, Le Petit Chaperon bleu marine constitue, rappelons-le, une réécriture explicite du conte de
Charles Perrault, Le Petit Chaperon rouge. Il est vrai que Philippe Dumas
et Boris Moissard reprennent le récit du XVIIe siècle, mais non sans apporter
des modifications parce qu’ils cherchent à donner à leur texte un caractère
inédit.
Finalement, un texte littéraire peut entretenir ou transgresser les relations qui le lient à son genre. Le Petit Chaperon bleu marine oscille entre
deux régimes de la généricité: la répétition et la transformation qui portent,
respectivement, sur les points communs et divergents entre le texte et les
lois du genre, et leur étude se veut d’autant plus sérieuse que, comme le dit
2
Dans son Esthétique et théorie du roman (Paris, Gallimard, 1978, pp. 222—225),
Mikhaïl B a k h t i n e note que les mots sont « habités par des voix autres ».
Pastiche ou conte original...
175
Gérard Genette, « la perception générique [...] oriente et détermine dans
une large mesure l’“horizon d’attente” du lecteur, et donc la réception de
l’œuvre»3.
Les deux dernières perspectives de l’analyse du conte en question — celle
qui s’appuie sur la tradition écrite et celle qui approfondit les relations d’appartenance d’un texte à la catégorie générique qui le détermine, appelées par
Gérard Genette l’architextualité — vont de pair et constituent l’objet central de notre analyse.
Sous la plume de Philippe Dumas et de Boris Moissard, la transtextualité
ou plutôt l’hypertextualité, pour parler toujours en termes genettiens, prend
la forme de la transformation indirecte, c’est-à-dire de l’imitation. Le Petit
Chaperon bleu marine prenant pour modèle l’histoire de Charles Perrault
s’approche ainsi du pastiche. Selon les définitions encyclopédiques, cette
forme de l’imitation d’un texte préexistant reproduit avant tout le style de
son auteur, le thème n’ayant pas grande importance. Le Petit Chaperon bleu
marine ne respecte pas entièrement les règles du pastiche qui «suppose l’assimilation parfaite et la reproduction de l’œuvre imitée, au point qu’il est
parfois difficile de le déceler [...]»4. Philippe Dumas et Boris Moissard tout
en recourant au conte de Charles Perrault imaginent la suite, assez éloignée,
de l’histoire du Petit Chaperon rouge, devenue grand-mère d’une jeune fille,
Lorette, surnommé le Petit Chaperon bleu marine. Bien que la référence
volontaire à Charles Perrault (par le titre et le nom du personnage) soit
littérale, le récit de Philippe Dumas et de Boris Moissard serait plus transformation qu’absorption5 du texte du XVIIe siècle. L’analyse des éléments
constitutifs du conte permettra de voir de plus près ce qui unit et ce qui
différencie l’hypertexte Le Petit Chaperon bleu marine et son hypotexte Le
Petit Chaperon rouge. L’étude transtextuelle, c’est-à-dire celle qui s’attarde
sur «tout ce qui met le texte en relation, manifeste ou secrète»6 avec un déjàécrit, sera attentive, avant tout, à la composition du conte, à la construction
des personnages et à sa signification.
Dès le titre et l’incipit, Philippe Dumas et Boris Moissard s’appuient sur
l’histoire de Charles Perrault et proposent un pacte de lecture à un destinateur qui connaît l’histoire du Petit Chaperon rouge. Le désir d’affirmer la
G. G e n e t t e: Palimpsestes. Paris, Seuil, 1982, p. 11.
J. G a r d e s - T a m i n e, M.-Cl. H u b e r t : Dictionnaire de critique littéraire. Paris,
Armand Colin/Masson, 1993, 1996, p. 146.
5
Les deux termes sont empruntés évidemment à Julia Kristeva qui proclame dans
Séméiotikè, Recherches pour une sémanalyse (Paris, Seuil, 1969, p. 115): « [...] tout texte
se construit comme une mosaïque de citations, tout texte est absorption et transformation d’un autre texte ».
6
G. G e n e t t e : Introduction à l’architexte. Paris, Gallimard, coll. « Poétique », 1979,
p. 87.
3
4
176
Aleksandra Komandera
filiation à un texte antérieur, manifesté au début du conte par Dumas et
Moissard, devient un signe du jeu avec le lecteur, d’autant plus facile quand
il partage la même culture que les auteurs:
Personne n’ignore, bien sûr, disent les conteurs, l’histoire du Petit Chaperon Rouge. Mais connaît-on celle du Petit Chaperon Bleu Marine ?7
Leur imitation du conte de Charles Perrault n’est ni parodique ni dérisoire. Le ton dans lequel ils s’expriment est plutôt humoristique. Le caractère
ludique du conte, qui indique qu’il s’agit d’un pastiche (au sens d’un ouvrage
littéraire qui imite les particularités d’un autre ouvrage), éloigne Le Petit
Chaperon bleu marine de la parodie qui repose sur une intention satirique.
Le besoin d’un lecteur actif rappelle les idées de Michael Riffaterre qui souligne qu’il n’y a pas d’intertextualité sans lecteur8. Dans Le Petit Chaperon bleu marine, l’intertextualité est obligatoire (Michael Riffaterre). Étant
un effet de lecture, l’intertextualité repose sur le jeu qui recourt à la mémoire,
à la culture, aux compétences interprétatives et à l’esprit ludique du lecteur.
Dans le récit de Philippe Dumas et de Boris Moissard, l’esprit ludique prédomine.
Les indices spatio-temporels dans Le Petit Chaperon bleu marine se
différencient de ceux du conte de Charles Perrault. L’écart avec l’univers
merveilleux se fait par la précision des données: l’histoire de Lorette se déroule à Paris. Le Petit Chaperon bleu marine se rend chez sa grand-mère,
le Petit Chaperon rouge, dans le 13e arrondissement en passant le boulevard
Boris-Vian, la rue Suzanne-Lalou, l’avenue du Général-Batavia et puis le
Jardin des Plantes. Cet ancrage dans la réalité contemporaine (le Petit Chaperon bleu marine prend le bus, sa grand-mère lui propose de regarder la
télé, les médias s’intéressent à l’acte de Lorette) fait que le conte perd son
éloignement spatial et temporel, élément qui garantit le merveilleux. D’ailleurs, la formule introductive «Il était une fois... » qui déréalise le monde,
disparaît, elle aussi. La forêt, ce lieu symbolique et sauvage, où le Petit Chaperon rouge croise le loup, se transforme en Jardin des Plantes, avec son
Ph. D u m a s, B. M o i s s a r d: Le Petit Chaperon bleu marine. In : Contes à l’envers.
Paris, L’école des loisirs, 1977, p. 15. L’évocation du nom du personnage qui renvoie
à un texte concret (l’hypotexte) est un indice sémantique de l’intertextualité explicite.
Cette référence précise se fait aussi par la situation spécifique, dans notre cas, par la rencontre avec le loup. Pour Annick Bouillaguet, la référence est un « emprunt non littéral
explicite ». Cf. A. B o u i l l a g u e t : Proust lecteur de Balzac et de Flaubert. L’imitation
cryptée. Champion, 2000, p. 31.
8
Cf. M. R i f f a t e r r e : Sémiotique de la poésie. Paris, Seuil, 1983, p. 205. Le lecteur
est le seul qui « est en mesure d’établir les rapports entre les textes, l’interprétant et
l’intertexte [...] ».
7
Pastiche ou conte original...
177
ordre et ses régularités. Il serait cependant abusif de dire que le conte de
Philippe Dumas et de Boris Moissard heurte l’horizon d’attente du lecteur
et que ce dernier n’est pas satisfait. La référence à la figure du Petit Chaperon rouge et à ses aventures, ainsi que la présence du loup doué de la parole humaine replongent le lecteur dans un univers régi par des lois qui
transgressent le savoir empirique. En résumé, l’ouverture du récit de Philippe Dumas et de Boris Moissard oriente la lecture vers le monde du conte
de fées.
La relation de dérivation visible entre le conte de Charles Perrault et
celui de Philippe Dumas et de Boris Moissard prend une double forme au
niveau de la construction des personnages. La première forme repose sur le
retour du protagoniste antérieur: le Petit Chaperon rouge réapparaît dans
l’histoire de Dumas et de Moissard. Ce n’est plus la fillette connue de ses
aventures avec un loup, mais une grand-mère.
Comme dans la version de Perrault, le surnom attribué à Lorette est dû
à un joli bonnet bleu marine. Chez Dumas et Moissard, la coiffure de Lorette
n’est pas de couleur rouge, symbole de la sexualité9, selon le mot de Bruno
Bettelheim. Le bonnet bleu marine n’est pas offert par la grand-mère, ce qui,
comme dans le conte du XVIIe siècle, symboliserait, toujours d’après Bettelheim, le «transfert prématuré du pouvoir de séduction sexuelle»10. D’ailleurs,
dans le récit de Dumas et de Moissard, la transmission avancée de capacité
de séduire n’est pas possible, car la grand-mère de Lorette se porte encore
bien («partageant son temps entre le tricot devant sa fenêtre, la lecture des
magazines et la causette avec les autres vieilles dames du quartier [...]»11)
même s’il est douteux qu’elle attire encore à son grand âge.
De prime abord, la figure de Lorette semble refléter celle du Petit Chaperon rouge. Le portrait fait par Dumas et par Moissard est superficiel et lacunaire, réduit à un objet représentatif — le bonnet. Mais, à un moment, les
conteurs reviennent à la caractérisation de la jeune fille pour la rendre plus
complexe. Lorette envie la réputation dont jouit sa grand-mère et manigance
un plan pour devenir célèbre. C’est pourquoi elle ment au loup, qu’elle rencontre dans le Jardin des Plantes, en lui disant:
Ce ne sont pas des pelotes de laine, comme le dit ma maman, mais une
douzaine de petits pots de beurre, figure-toi !12
B. B e t t e l h e i m: Psychanalyse des contes de fées. Paris, Éditions Robert Laffont,
S.A., 1976, p. 259 : « Le rouge est la couleur qui symbolise les émotions violentes et particulièrement celles qui relèvent de la sexualité ».
10
Ibidem, p. 260.
11
Ph. D u m a s, B. M o i s s a r d : Le Petit Chaperon bleu marine..., p. 16.
12
Ibidem, pp. 18—19.
9
12 Quelques...
178
Aleksandra Komandera
La description de la personnalité de Lorette s’étire et entraîne par
conséquent la transgression des règles du portrait simpliste du héros du conte.
À la différence de son modèle, le Petit Chaperon bleu marine est actif.
Lorette prend l’initiative afin d’atteindre la célébrité. Elle joue consciemment
avec l’ennui et le désir de liberté du loup, ouvre sa cage et lui propose d’aller chez sa grand-mère:
Le plan qu’elle avait conçu marchait comme sur des roulettes. Évidemment elle était un peu embêtée pour sa grand-mère, qui allait être
mangée ; mais quoi ! se disait-elle chemin faisant : on ne fait pas d’omelettes
sans casser d’œufs13.
Le Petit Chaperon bleu marine continue son jeu devant sa grand-mère
qu’elle prend pour le loup déguisé en lui mentant sur ce qu’elle apporte:
Maman m’envoie te porter ces petits pots de beurre, que voici au fond
de mon panier. Elle a dit que ça te ferait sûrement plaisir et que ça t’éviterait une course chez la crémière14.
C’est Lorette qui propose de venir s’étendre à côté de sa grand-mère pour
regarder la télé. Au moment où la vieille dame veut embrasser la jeune fille,
cette dernière sort du panier un grand couteau de cuisine caché sous les
pelotes de laine et éclate:
Suffit, Loup ! [...], je sais bien que c’est toi. Fini la comédie. Je ne suis
pas aussi bête et naïve que le Petit Chaperon rouge 15.
Cette scène montre combien le conte de Dumas et de Moissard diffère
de son modèle. Le Petit Chaperon rouge de l’histoire de Charles Perrault se
déshabille et se met dans le lit à la demande du loup. La fillette pose une
série de questions tant elle est étonnée par la posture de l’animal. Bruno
Bettelheim analyse l’explication du loup concernant la grandeur des bras
(«C’est pour mieux t’embrasser»16) comme une tentative déguisée de séduction. À ce moment, la fillette ne manifeste aucun mouvement de résistance
ou de peur. C’est pourquoi l’auteur de la Psychanalyse des contes de fées
avoue: «[...] on peut croire qu’elle est idiote ou qu’elle désire être séduite»17.
Ibidem, p. 21.
Ibidem.
15
Ibidem, p. 22.
16
Ch. P e r r a u l t : Le Petit Chaperon rouge. In: I d e m: Contes. Paris—Genève, Éditions Slatkine, 1995, p. 41.
17
B. B e t t e l h e i m : Psychanalyse..., p. 254.
13
14
Pastiche ou conte original...
179
Contrairement à l’héroïne du conte de Charles Perrault, le Petit Chaperon bleu marine esquive le danger, bien qu’il soit faux car imaginé par elle.
Encore, le petit Chaperon bleu marine veut-il que le loup subisse les
conséquences de son acte. Lorette conduit donc l’animal, c’est-à-dire sa
propre grand-mère au Jardin des Plantes et l’enferme dans la cage au loup.
Ensuite elle avertit les gardiens que la bête a avalé sa grand-mère. Ces derniers, inquiets à la fois pour la victime, qu’ils s’imaginent déjà toute morcelée, et pour le loup, qui aura une crise de foie après « un tel écart de régime»18, découvrent une vieille dame embarrassée. Le comportement inexplicable de Lorette fait éclater des remontrances de tout Paris, mais la jeune
fille est enfin au centre de l’attention des médias. Le parcours qu’effectue
le Petit Chaperon bleu marine donne plus de consistance à sa figure. En
décrivant le caractère de la jeune fille, Philippe Dumas et Boris Moissard
réalisent et transgressent à la fois la règle du conte qui veut que le récit soit
«à lui seul chargé de dévoiler la véritable nature du héros»19.
L’imitation du conte du XVIIe siècle est soulignée encore par une sorte
de mise en abyme (ou la répétition) du départ et de la rencontre avec le loup.
Comme dans le texte de Charles Perrault, à la demande de sa mère, le Petit Chaperon bleu marine va chez sa grand-mère, rappelons-le, le Petit Chaperon rouge. Lorette ne lui porte pas une galette et un pot de beurre, mais
«un paquet de pelotes de laine »20. Le départ, un des éléments de base du
conte, entraîne la traversée, qui mène dans le récit en question à travers la
ville. Le voyage fait par le Petit Chaperon bleu marine n’est pas dépourvu
de complications (au lieu de descendre d’un bus à la station Gare-d’Austerlitz, le Petit Chaperon bleu marine descend à l’arrêt Jardin-des-Plantes), mais
aboutit à la rencontre avec le loup.
Cette réduplication d’un tête-à-tête coïncide avec la deuxième forme de
la dérivation d’un texte nouveau d’un autre texte. Le Petit Chaperon rouge
devenu grand-mère se voit dans une situation qui rappelle son passé. Cependant, c’est Lorette, le Petit Chaperon bleu marine qui joue son rôle. Ce passage du conte de Philippe Dumas et de Boris Moissard montre explicitement
comment leur histoire reflète celle de Charles Perrault. Les différences entre les deux récits portent sur la construction de la figure de la jeune demoiselle. Ce n’est plus l’enfant innocente et inconsciente du monde extérieur
du récit du XVIIe siècle. Le Petit Chaperon bleu marine, bien qu’il imite sa
grand-mère, est entreprenant et conscient de son but. Après la rencontre
avec le loup, Lorette ne cueille pas des fleurs, ni ne court après les papillons,
mais elle compte jusqu’à trois et va chez sa grand-mère. Les divergences dans
Ph. D u m a s, B. M o i s s a r d : Le Petit Chaperon bleu marine..., p. 23.
Ch. C a r l i e r : La Clef des contes. Ellipses/Édition marketing S.A., 1998, p. 63.
20
Ph. D u m a s, B. M o i s s a r d : Le Petit Chaperon bleu marine..., p. 16.
18
19
12*
180
Aleksandra Komandera
la construction de la figure du Petit Chaperon bleu marine semblent justifiées car, comme le dit Nathalie Piégay-Gros, «recourir à un intertexte, c’est
toujours l’interpréter, privilégier certains aspects, en négliger d’autres [...]»21.
Les écarts dans la construction de deux fillettes des contes mentionnés s’imposent par l’actualisation de l’histoire que font Philippe Dumas et Boris
Moissard — l’action se déroule dans les temps modernes. C’est ainsi que les
conteurs disent une «autre chose semblablement»22.
Le recours au modèle de Charles Perrault se voit encore transformé au
niveau de la construction de la figure du loup. La bête du conte de Philippe
Dumas et de Boris Moissard s’avère être l’arrière-petit-neveu du loup connu pour sa rencontre avec une fillette coiffée de bonnet rouge et pour ses
aventures méprisables avec l’agneau de la fable de La Fontaine. Contrairement à son ancêtre, la bête du récit de Dumas et de Moissard ne s’intéresse
pas à Lorette:
Ce loup, qui avait beaucoup lu de livres pour tuer le temps dans sa
cage et qui était raisonnable, ne tenait pas à terminer comme son arrièregrand-oncle, dont il savait l’histoire par cœur. Il se méfiait comme de la
peste de tout ce qui ressemble à un chaperon, de quelque couleur qu’il soit,
même venant des Galeries Lafayette, et surtout porté par une petite fille23.
Le loup accepte la proposition de Lorette uniquement par ennui et besoin de liberté. Mais comme c’est un loup raisonnable, il ne prend pas la direction de la maison de la grand-mère de Lorette, mais s’enfuit de Paris et
court pendant vingt-huit jours vers l’est, à la recherche de son pays d’origine. Arrivé sain et sauf, il y mènera grand train de vie racontant à ses
congénères les histoires de deux jeunes filles coiffées de bonnets rouge et
bleu marine. Dans le conte de Philippe Dumas et de Boris Moissard, le rôle
du loup semble dégradé. Il ne s’agit plus d’être abordé par un séducteur ni
de découvrir «comment sa mère-grand [c’est-à-dire le loup] était faite en son
déshabillé24 », comme marque Charles Perrault dans son texte. Sans doute
une lecture psychanalytique du texte de Dumas et de Moissard porterait-elle
moins sur des problèmes de la puberté.
Le Petit Chaperon bleu marine est un conte qui contient une référence
démarquée à l’histoire de Charles Perrault. En imitant le texte du XVIIe
siècle, Philippe Dumas et Boris Moissard en transforment la signification.
Leur visée n’est plus un divertissement mondain, ou un avertissement des
N. P i é g a y - G r o s : Introduction à l’Intertextualité. Paris, Dunod, 1996, p. 83.
G. G e n e t t e : Palimpsestes..., p. 13.
23
Ph. D u m a s, B. M o i s s a r d : Le Petit Chaperon bleu marine..., pp. 19—20.
24
Ch. P e r r a u l t : Le Petit Chaperon rouge..., p. 41.
21
22
Pastiche ou conte original...
181
enfants de ne pas parler aux inconnus ou encore une leçon déguisée sur la
sexualité. C’est dans l’explicit que les conteurs s’éloignent le plus de leur
modèle. Le dénouement du conte garde son caractère merveilleux, car tout
simplement il est heureux: Lorette devient célèbre, le loup rentre dans son
milieu sauvage où il raconte des histoires du Petit Chaperon rouge et du Petit
Chaperon bleu marine afin de prévenir d’autres bêtes du danger lors d’une
rencontre avec une petite fille. Désormais, les loups vivent à bonne distance
des hommes et les promenades dans les forêts deviennent tranquilles
«sous réserve, il va de soi, de prendre garde aux hommes qui pourraient y
rôder: car certains hommes sont plus dangereux que les loups»25. Est-ce que
Philippe Dumas et Boris Moissard veulent mettre en garde contre pédophiles, la question reste sujette à discussion. Que, dans certains situations,
la cruauté de l’animal soit moindre que celle de l’homme est une chose sûre,
il n’en est pas moins certain que «le propre de l’intertexte est d’engager un
protocole de lecture particulier, qui requiert du lecteur une participation
active à l’élaboration du sens»26.
Notre étude, qui ne se veut aucunement exhaustive, du Petit Chaperon
bleu marine de Philippe Dumas et de Boris Moissard témoigne que l’intertextualité n’est pas une reprise «incontrôlée» d’un texte antérieur par un
texte ultérieur. Bien que le conte de Charles Perrault pénètre profondément
le récit de Philippe Dumas et de Boris Moissard, Le Petit Chaperon bleu
marine est une œuvre originale. Le conte ne se soumet pas entièrement aux
règles du pastiche qui impose l’imitation du style et l’indifférence envers la
matière. D’ailleurs, en général, dans le pastiche type «un style est imité sans
que le texte soit jamais cité»27. Dans Le Petit Chaperon bleu marine, au contraire, la référence à l’hypotexte est marquée dès la première phrase de l’hypertexte. Le récit de Philippe Dumas et de Boris Moissard est une imitation
sous forme de continuation. Et bien que leur conte soit une histoire au second degré, il se lit non sans moindre plaisir que son modèle.
Ph. D u m a s, B. M o i s s a r d : Le Petit Chaperon bleu marine..., p. 26.
N. P i é g a y - G r o s : Introduction..., pp. 3—4.
27
T. S a m o y a u l t : L’Intertextualité. Paris, Armand Colin, 2005, pp. 37—38.
25
26
Agnès Spiquel
Université de Valenciennes et du Hainaut-Cambrésis
Les Fruits du Congo d’Alexandre Vialatte,
ou la réécriture romanesque
d’une vieille chanson française
Sur l’pont du Nord, un bal y est donné
Adèle demande à sa mère d’y aller
Non, non, ma fille, tu n’iras pas danser
Monte dans sa chambre et se met à pleurer
Son frère arrive dans un bateau doré
Ma sœur, ma sœur, qu’as-tu donc à pleurer
Maman n’veut pas que j’aille au bal danser
Mets ta robe blanche et ta ceinture dorée
Et nous irons tous deux au bal danser
La première danse, Adèle a bien dansé
La deuxième danse, le pied lui a tourné
La troisième danse, le pont s’est écroulé
Les cloches du Nord se mirent à sonner
La mère demande : Qu’a-t-on à tant sonner ?
C’est pour Adèle et votre fils aîné
Voilà le sort des enfants obstinés
Vieille chanson populaire
On chante beaucoup dans les romans de Vialatte: des complaintes, des
rondes, des ballades, et tout ce vieux répertoire français que Vialatte connaît,
ou qu’il découvre dans le sillage de son ami, Henri Pourrat, grand collecteur
de contes et légendes d’Auvergne. Alexandre Vialatte, qui se déclarait avec
humour «notoirement méconnu», s’est d’abord fait un nom comme introducteur en France de Franz Kafka dont il a traduit plusieurs œuvres; c’est
ensuite comme chroniqueur qu’il s’est illustré; sa production romanesque,
Les Fruits du Congo...
183
elle, a longtemps été considérée comme secondaire dans sa carrière, et mineure dans la littérature française du XX e siècle. Depuis sa mort, en 1971,
on a découvert que, s’il n’avait publié que trois romans, il en avait laissé
beaucoup d’inachevés; leur publication posthume nous permet désormais de
mesurer l’ampleur et l’unité d’une œuvre1 marquée au sceau d’un humour
et d’une fantaisie qui font ressortir la gravité profonde de la vie, et plus particulièrement de l’adolescence dont il n’a cessé de scruter les grâces et les
tourments.
À l’orée de sa carrière, esquissant pour un ami l’œuvre romanesque qu’il
projette, Vialatte la met à plusieurs titres sous le signe de la chanson:
Il y aura une histoire de collégiens tout à fait chanson populaire; [...]
Je travaille à La Complainte des Enfants Frivoles et à L’Auberge de Jérusalem, ça serait deux autres couplets du thème Battling, un en rouge, jaune
et noir, l’autre en vert, en blanc et en or. Et les dénouements de chanson
populaire : un bal sur le pont du Nord avec une chorale de collégiens2.
Non seulement il conçoit les romans successifs comme les couplets d’une
même chanson, mais surtout leurs histoires et leurs dénouements sont rapportés à la «chanson populaire», et il pense immédiatement à Sur l’pont du
Nord. Cette chanson raconte en effet l’histoire tragique de «deux enfants»
que leur goût de la fête a menés vers une transgression durement punie par
le destin. Or Vialatte raconte toujours des histoires d’enfants — nous dirions
d’adolescents (ce sont des collégiens) — qui veulent coûte que coûte préserver dans leur vie la part d’imagination qui les relie à leur enfance et sont
prêts à payer très cher pour aller au bout de leurs rêves sans se salir aux compromissions d’un monde adulte singulièrement veule et perverti; il les appelle «frivoles» (en donnant à l’adjectif un sens très particulier sur lequel
nous reviendrons) et il affirme que toute son œuvre pourrait s’intituler «Les
Complaintes des enfants frivoles»3. Paradigme, selon lui, de la chanson populaire, Sur l’pont du Nord est souvent mentionné dans ses romans, qui
peuvent se voir comme des réécritures de la chanson à divers niveaux. Nous
1
Alain S c h a f f n e r parle d’« un livre en onze romans » (Le Porte-plume souvenir.
Alexandre Vialatte romancier. Paris, Honoré Champion, 2001, p. 23). Le présent article
doit beaucoup à cet ouvrage et à son auteur que je remercie de m’avoir fait, naguère, découvrir Vialatte.
2
Lettre de mai 1928, Lettres à Joseph Desaymard. « Cahiers Alexandre Vialatte »
1978, n° 5, p. 52.
3
La Porte de Bath-Rabbim, recueil de chroniques. Paris, Julliard, 1986, p. 148 ; cité
par A. S c h a f f n e r : Le Porte-plume..., p. 22. En désignant ses récits comme des complaintes, Vialatte les met sous le double signe d’un type fréquent de chanson populaire
et d’une catégorie poétique remise au goût du jour et magnifiquement illustrée par Jules
Laforgue (qui a publié ses Complaintes en 1885).
184
Agnès Spiquel
le montrerons pour Les Fruits du Congo, qui a manqué de peu le prix Goncourt en 1951; et, au-delà des modalités de cette réécriture, nous étudierons
les enjeux de ce travail du roman par la chanson.
À plusieurs reprises, avant Les Fruits du Congo, Vialatte avait procédé
à la mise en abyme qui consiste à mentionner explicitement dans le roman
la chanson dont il est la réécriture4. Par exemple, dans Les Amants de MataHari, le narrateur commente ainsi la mort d’un enfant:
«Tel est le sort des enfants obstinés» comme dit cette chanson de notre
enfance. « Les cloches du Nord se mirent à sonner... »5.
Pour Les Fruits du Congo, il va plus loin, en mettant le roman tout entier sous le signe de notre chanson puisqu’elle lui sert d’épigraphe générale.
Dans le corps même du roman, on a la citation directe d’un couplet:
Au moment où le train traversa le faubourg des Petites Âmes, les cloches du Nord se mirent à sonner6.
où on aura remarqué le nom du faubourg que traverse le héros, Frédéric, en
partance pour son destin. À deux reprises, le texte romanesque cite la morale de la chanson: «Tel est le sort des enfants obstinés» (pp. 371 et 452).
D’une manière plus biaisée, le narrateur, qui était l’un de ces enfants, reprend des éléments de la chanson en la mêlant à une autre, «Nous n’irons
plus au bois»; il écrit:
Nous n’irons plus danser au bal du labyrinthe, Dora ne prendra plus
sa robe verte, sa bourse bleue et sa ceinture d’argent.
p. 452
Voir A. S c h a f f n e r : Le Porte-plume..., pp. 231—232 ; il rappelle le roman de MacOrlan, Le Bal du Pont du Nord (1950), tout en soulignant que ce dernier n’a pas pu influencer Vialatte, qui écrit Les Fruits du Congo entre 1947 et 1949. L’idée d’une inspiration commune ne fait aucune difficulté, tant la chanson était, à l’époque, connue de tous.
5
Les Amants de Mata-Hari, écrit sans doute entre 1936 et 1938, publié en 1998
dans les « Cahiers Alexandre Vialatte », n° 25, p. 71. Mentionnons également : « des bateaux d’or l’attendent sur la rive comme dans les chansons » (Salomé, écrit en 1932) ;
« Dans la rue, sous un bec de gaz, des écoliers chantaient une ronde qui parlait de robes
de bal et d’enfants obstinés, d’une barque d’or, d’une noyade et de grands malheurs »
(Le Fidèle Berger, 1942) ; « Et ces enfants qui chantent sur le balcon, cette chanson qui
parle de noyade, d’une robe blanche et d’un anneau d’argent ? Les ai-je jamais vus entrer par une porte ? » (La Maison du Joueur de flûte, 1943—1944) ; « Tel est le sort des
enfants obstinés » (La Dame du Job, écrit en 1945).
6
Les Fruits du Congo. Paris, Gallimard, 1951, rééd. Coll. « L’Imaginaire », 1978,
p. 381. Toutes les citations renvoient à cette édition.
4
Les Fruits du Congo...
185
Enfin, Sur l’pont du Nord est mentionné dans la chanson d’un vieil
aveugle qui chante au coin d’une rue avec la lucidité des aveugles:
L’expérience parlait par sa bouche, impérative et sans réplique. Elle
parlait des pièges de l’amour et du danger de la femme du monde et de la
mort fatale des Enfants obstinés. Et les enfants obstinés répondirent. Ils
répondirent qu’ils ne voulaient rien savoir, qu’ils voulaient rester à la fête.
pp. 313—314
Paradigme de tous les «enfants obstinés» puisqu’ils veulent «rester à la
fête », ces enfants-là relèvent de la fiction première : ils participent à une
kermesse dont les protagonistes, un peu plus âgés (ils ont seize ans), sont
absents; mais ils sont de plain-pied avec l’univers, fictionnel au second degré,
de la complainte de l’aveugle, élargissant ainsi le champ de présence de la
chanson Sur l’pont du Nord dans le roman.
L’intertextualité est manifeste au travers de la morale (nous y reviendrons) et de ces «enfants obstinés», au travers aussi de quelques traits caractéristiques: les cloches, la robe de bal et sa ceinture. Elle se diffuse également par le biais du «doré» : omniprésent dans la chanson, puisque le bateau du frère et la ceinture d’Adèle sont dorés, il se condense dans le nom
d’emprunt de l’héroïne du roman, Dora. La structure de base présente, quant
à elle, des analogies: dans la chanson, un frère et une sœur face à la loi
répressive des adultes résumés par la mère; dans le roman, trois jeunes gens
affrontés à la médiocrité, la solitude et la mort, mais qui continuent à croire
à leurs rêves et conservent la légèreté de l’enfance. Le masculin est ici
scindé en deux figures, Fred et le narrateur, des amis, des frères, même s’ils
sont tous deux amoureux de Dora. Mais ces amours adolescentes ne sont pas
exclusives d’un lien fraternel, comme celui de la chanson, sauf qu’ici, la relation ne va pas de grand-frère à petite sœur mais de grande sœur à petit
frère: Fred ne peut en aucune manière protéger Dora comme il le voudrait
(il pense même un moment l’avoir tuée accidentellement!); elle, de son côté,
se sent bien plus mûre que lui (pp. 244—245). Il n’empêche que la chanson
et le roman proposent des schémas actantiels analogues.
La réécriture de la chanson par le roman ne consiste pas, pourtant, dans
le déploiement de l’anecdote mais dans une mise en écho poétique. Les héros
des Fruits du Congo ne se noient pas pendant un bal: Dora est assassinée
par un maniaque, Fred meurt de tuberculose bien plus tard, et le narrateur,
désormais seul et vieilli, chante la complainte élégiaque du passé enchanté,
que son chant même ressuscite. Ils ne vont pas au bal mais, à l’insu de tous
et en marge de leur vie quotidienne, souvent âpre, ils se sont créé un monde
étrange et merveilleux, dans les îles mystérieuses du milieu du fleuve.
Adèle danse sur le pont où elle est arrivée dans la barque de son frère; Dora,
186
Agnès Spiquel
elle, est reine d’une société secrète d’enfants dans la maison des Îles où l’on
n’accède que par la barque de Pied-Volage ; Fred et son ami assistent,
médusés, au cérémonial qu’elle a institué: vêtue en princesse orientale, elle
est «la Reine du Labyrinthe, des Îles, du Fleuve et du Moulin à Vent» que
servent gravement les «Chinois», cette troupe d’enfants de la petite ville, liés
à elle par un serment de dévouement réciproque et de secret absolu (pp. 113—
121). À mille lieues du sérieux des adultes, l’actualisation de l’imaginaire, le
rôle et le déguisement, la fête, sont quelque chose de grave, qui engage tout
l’être, en ce qu’ils manifestent sa vérité profonde.
Les «enfants obstinés» de la chanson savent la nécessité absolue du bal,
de la robe blanche, du bateau et de la ceinture dorés; certes Marthe PerrinDarlin (c’est le nom de Dora dans la vie courante) ne pourrait supporter sa
vie sordide s’il n’y avait les fêtes de la Maison Rose, et la vie des enfants serait ennuyeuse s’ils n’étaient pas les Chinois de la Reine ; mais, bien plus
encore, la jeune fille sait — et Fred et le narrateur le comprennent vite —
que le cérémonial réalise le rêve qu’elle porte et qui la définit. Car les «enfants obstinés» vont au bout de leurs rêves; celui de Dora s’écroule avec la
mort de son fiancé; et le pervers qui la tue n’est que le bras du destin qui
parachève la mort en elle ainsi commencée. Mais Fred, lui, poursuit son rêve
héroïque et exotique, figuré par la Grande Négresse de l’affiche vantant «les
Fruits du Congo», détournée en affiche de propagande pour l’enrôlement
dans la coloniale. Il ne mourra pas dans une bataille mais reviendra mourir
d’une tuberculose. Comme dans la chanson, le destin s’acharne sur les «enfants obstinés» qui avancent seuls au milieu d’adultes englués dans le quotidien, aveugles ou lâches, ou, dans le meilleur des cas, trop pudiques pour
les rejoindre dans leur solitude. Et ce destin mauvais, celui qui fait s’écrouler dans la chanson le pont où dansent les enfants, prend dans le roman
les traits inquiétants de M. Panado, chimère qui concentre, pour tenter de
les conjurer, toutes les angoisses de l’enfance.
Dans cet écho poétique qu’il fait à la chanson, le roman opère, on l’aura constaté, un retournement radical: il prend le parti de ses héros, qui ont
raison de vouloir donner corps à leur imaginaire et aller au bout de leurs
rêves. Pour ne prendre qu’un exemple, Vialatte choisit de faire passer son
personnage-narrateur par toute la palette des réactions possibles face à ce
titre de reine que se donne Dora; d’abord l’analyse:
Elle lui dit, sans qu’on pût bien savoir si c’était l’ironie d’une jeune
fille taquine ou le secret d’un enfant solennel, qu’elle était, elle, la reine
des Îles, du Labyrinthe, des Maisons Roses, des Maisons Mortes et du
Moulin à Vent.
p. 56
Les Fruits du Congo...
187
puis la dérision sarcastique:
Ce fut en ricanant que j’appris assez vite, trop vite hélas, du lyrisme
indécent de Nick, que sa Dora était la reine des Îles, du Labyrinthe et du
Moulin à Vent, tous titres parfaitement normaux sous des latitudes
exaltées, mais aussi ridicules dans la vie quotidienne qu’une robe de bal
dans une cuisine.
p. 66
puis la reconnaissance pleine et entière d’une royauté intime, essentielle, de
Dora, la royauté d’un féminin dont la jeune fille révélait tout l’épanouissement dans son rire:
Ah, qu’elle fut bien la reine des Îles, du Labyrinthe et du Moulin à Vent !
Ce qui était royal, c’était son rire.
p. 96
Et le narrateur de chanter la royauté de Dora dans une séquence du roman qui ressortit au poème en prose. Vialatte a voulu que le narrateur soit
finalement de plain-pied avec Fred et Dora, et le roman se lit comme un retour nostalgique sur les chemins de sa jeunesse. On est loin de la vox populi de la chanson, véhicule d’une moralité bien-pensante (les enfants désobéissants sont bien punis). Les «enfants obstinés» de Vialatte sont des «enfants
frivoles », en ce qu’ils refusent l’impératif de sérieux, les canons du positif
et du rationnel; ils ne se résignent pas à tuer en eux l’enfant, même quand
ils assument déjà des responsabilités d’adultes — comme c’est le cas pour
Marthe-Dora, dont les mains sentent l’eau de Javel (p. 96) car elle assure
seule tout l’entretien d’une famille déliquescente. Ils ne sont pas aveugles,
ils connaissent la gravité et la douleur; mais ils veulent préserver l’espace de
«jeu», donc de liberté, que leur garantit la force de leur imaginaire. Ils sont
les poètes d’un monde desséché de prosaïsme.
C’est ce que porte Dora; elle rassemble, on l’a dit, tout le «doré » de la
chanson Sur l’pont du Nord; mais au-delà, elle concentre cette dorure qu’est
la poésie selon Vialatte, lui qui donne comme chant de ralliement aux adolescents des Amants de Mata-Hari, la Chanson des doreurs de proue de Victor Hugo. Alain Schaffner a très bien montré que Dora est «le produit du
rêve des collégiens, de l’attente mi-amoureuse, mi-artistique de Frédéric»7,
rêve alimenté par des textes littéraires. Dora est une chimère, au sens poétique du terme, que les adolescents projettent sur Marthe, cette jeune fille bien
réelle, autre «enfant frivole» qui se veut reine. Cette imagination qui prend
forme concrète est la meilleure figuration qui soit de la poésie. Quand elle
7
A. S c h a f f n e r : Le Porte-plume..., pp. 233—234.
188
Agnès Spiquel
est Dora, et non plus Marthe, la jeune fille est tout entière poésie. Les deux
amis le reconnaissent explicitement à propos de la bourse de soie bleue dont
elle a fait sa blague à tabac et qui devient sa figuration métonymique: «c’est
de la poésie » (pp. 65 et 71) ; le narrateur va même plus loin: «c’était de
la poésie. C’était même de la musique. Ce n’était même que de la musique»
(pp. 121—122) : Dora est tout harmonie.
Les Fruits du Congo est ainsi une longue méditation romanesque sur la
poésie; cela ne se pouvait que si le roman se laissait lui-même travailler par
la poésie. C’est, nous semble-t-il, la fonction qui est assignée à la chanson
et que met en évidence le dispositif par lequel Vialatte inscrit le roman entre
Sur l’pont du Nord, donné en épigraphe générale, et la chanson donnée
en Appendice et intitulée: Véritable complainte de la mort de Dora, telle que
la chantait l’aveugle au carrefour de la rue des Petites-Vêpres et de l’impasse
des Trois-Voleurs. Titre ironique, puisque cette «complainte» n’est qu’une
suite de couplets grossiers et criards qui miment la presse à sensation et qu’à
l’évidence, la «véritable complainte de la mort de Dora», c’est le beau chant
de nostalgie que constitue le roman lui-même — que l’on vient de lire —,
l’élégie tissée par le narrateur pour ses amis disparus. Ainsi mis à la fin, ce
contre-modèle fait refluer le lecteur vers la suggestion initiale de la «chanson populaire» comme texte-source du roman qui, malgré toutes les distorsions de la réécriture, s’en trouve irrigué de poésie. Vialatte fait confiance
au lyrisme populaire des origines; lui qui a, dans sa jeunesse, écrit plusieurs
complaintes sur le modèle de celles de Jules Laforgue, il reconnaît dans la
chanson une forme éminente de poésie. Ce faisant, il rejoint les intuitions
des romantiques allemands et, pour en rester à la littérature française, les
certitudes d’un Nerval qui, dans Les Filles du Feu, liait indissolublement la
poésie de «Sylvie» aux «Chansons et légendes du Valois».
Il faut aller plus loin encore: écrire un roman irrigué par la poésie de la
vieille chanson populaire, c’est affirmer quelque chose d’important sur le
roman et le romanesque. Vialatte, en effet, vient après la première grande
floraison, entre 1920 et 1930, de ce que Michel Raimond a appelé le «roman
poétique »8 et, comme ses prédécesseurs, il sait le parti que l’on peut tirer
d’une narration à la première personne. À une époque qui va voir apparaître
les jeux savants du Nouveau Roman, il est davantage dans le sillage d’un
Alain-Fournier, ou d’un Ramuz. La référence à la chanson est une manière
pour lui de rester du côté de la simplicité, on dirait presque : de la naïveté,
s’il n’y avait la construction musicale de son roman, qui fonctionne à la maVoir dans M. R a i m o n d: La Crise du roman. Des lendemains du Naturalisme aux
années vingt. Paris, José Corti, 1966, le chapitre III, 4, « L’âge du roman poétique
(1920—1930) », pp. 224—242. Voir aussi J.-Y. T a d i é: Le Récit poétique. Paris, PUF, 1978.
8
Les Fruits du Congo...
189
nière savante de la fugue. Quant au romanesque, Vialatte a choisi d’en
insérer, dans le texte même des Fruits du Congo, «sa» définition:
Le romanesque est une optique de spectateur.
Le merveilleux commence à notre voisin, l’exotisme est à notre porte.
Tout le romanesque tient dans un mur mitoyen: c’est une défense de franchir, c’est un défi et une barrière, c’est un mica qui laisse voir, mais s’interpose.
p. 443
Or, au-delà de son réalisme et de son moralisme, la chanson — comme
le conte et la légende — sait accueillir l’étrangeté du réel, et le merveilleux,
même s’il est à dénouement tragique; dans cet univers-là, la robe de bal n’est
pas incongrue dans la cuisine. À la suite de la chanson, le roman se fait invitation à monter dans le «bateau doré» pour aller danser.
Czes³aw Grzesiak
Université Marie Curie-Sk³odowska, Lublin
Pratiques de réécriture
dans l’œuvre romanesque de Robert Pinget
Parmi les principaux représentants du Nouveau Roman, Robert Pinget
est sans doute celui qui s’intéresse le plus au fonctionnement de l’écriture dans un texte littéraire et aux procédés de son élaboration. Pratiquement,
dans chacun de ses textes, il y a un ou plusieurs personnages qui écrivent.
L’é c r i t u r e est donc au centre de la vie de ces nombreux personnagesécrivains (et de Pinget lui-même) et leur principale activité. Elle est aussi
la seule passion qui les anime et qui les maintient en vie. On peut même
dire qu’elle devient leur seule réalité vitale : « En dehors de tout ce qui
est écrit c’est la mort», dit le narrateur-écrivain à la fin du Fiston. C’est en
écrivant et en inventant leur univers fictif (dans lequel ils séjournent de
préférence) qu’ils trouvent le sens de leur vie. La plupart d’entre eux, surtout les plus âgés, font de l’écriture une occupation quotidienne: ils tiennent
un journal ou une chronique, ils rédigent leurs mémoires ou écrivent des
lettres, ils notent, consignent, écrivent au moins quelques lignes par jour et,
souvent, ajoutent des commentaires critiques, en les intégrant au texte écrit.
Le lendemain, ils relisent ce qu’ils ont écrit la veille, ils introduisent de nombreuses corrections ou d’autres versions possibles. Il leur arrive aussi de
retravailler et de réécrire certains passages, motifs ou même parties de
leur(s) texte(s). Et c’est justement ce dernier aspect de la création littéraire
de Pinget et de ses personnages-écrivains que nous proposons d’étudier de
plus près.
Éric Bordas définit la réécriture comme «l’action par laquelle un auteur
écrit une nouvelle version d’un de ses textes, et, par métonymie, cette ver-
Pratiques de réécriture...
191
sion elle-même »1. Mais la réécriture désigne aussi «toute reprise d’une
œuvre antérieure, quelle qu’elle soit, par un texte qui l’imite, le transforme,
s’y réfère, explicitement ou implicitement»2. Dans ce cas, lorsque Pinget se
réfère à ses auteurs et textes préférés — antérieurs à sa création, la réécriture fait partie de l’i n t e r t e x t u a l i t é. Il faut préciser qu’il existe deux
types de réécriture: réécriture globale et réécriture partielle. Il y a r é é c r i t u r e g l o b a l e quand un texte reprend le sujet d’un autre (s’il en copie de
larges fragments sans le préciser, il y a plagiat), quand il donne de celui-ci
une nouvelle version (un résumé ou une paraphrase), quand il est adaptation d’un mode d’expression à un autre (p.ex., un roman adapté à la scène
ou à l’écran) ou quand il y a reprise d’un ton, dans la parodie ou le pastiche.
Il y a r é é c r i t u r e p a r t i e l l e quand un aspect seulement du texte est
concerné ; c’est le cas notamment: des variantes, des citations et des reprises de structures partielles (p.ex., un personnage, une scène, un thème,
un passage)3.
Pour aborder les pratiques de réécriture chez Pinget et chez ses écrivains fictifs, nous proposons d’étudier ce phénomène suivant les trois grands
types de réécriture: l a r é é c r i t u r e i n t r a t e x t u e l l e — comme autocitation ou autorépétition à l’intérieur d’un même texte; l a r é é c r i t u r e
m a c r o t e x t u e l l e — comme autocitation ou autorépétition dans un macrotexte, entendu au sens d’ensemble d’une œuvre et, enfin, l a r é é c r i t u r e
i n t e r t e x t u e l l e — comme discours citant autrui.
En ce qui concerne l a r é é c r i t u r e i n t r a t e x t u e l l e, c’est l a
r é p é t i t i o n qui s’impose et qui devient le procédé le plus caractéristique
de la création littéraire de Pinget et de ses personnages-écrivains. Elle est
omniprésente dans leurs œuvres. Elle se manifeste déjà à un niveau très
restreint, élémentaire, à travers des mots, des formules ou des phrases — qui
reviennent plusieurs fois dans un texte ; puis, elle apparaît au niveau plus
vaste, celui des motifs, des événements ou des épisodes; enfin, elle est visible dans la structure binaire de certains textes.
Au niveau élémentaire, les répétitions sont très nombreuses dans Passacaille. Certaines d’entre elles, comme «Manque un raccord», «Coupez»,
«Ou bien», sont si nombreuses qu’elles deviennent même obsessionnelles.
D’autres reviennent seulement de temps à autre. En voici quelques-unes:
— «Travail de notation en marge» (P, pp. 18, 42, 97, 118)4.
— «Que faire de ces bribes» (P, pp. 39, 45, 83).
1
E. B o r d a s : Récriture, réécriture. In: Le dictionnaire du littéraire. Dir. P. A r o n,
D. S a i n t - J a c q u e s, A. V i a l a. Paris, PUF, 2002, p. 501.
2
Ibidem.
3
Selon M.P. S c h m i t t, A. V i a l a : Savoir-lire. Paris, Didier, 1982, p. 38.
4
P = R. P i n g e t : Passacaille. Paris, Minuit, 1969.
192
Czes³aw Grzesiak
— «Centième redite» (P, pp. 38, 47).
— «Tout à reprendre» (P, pp. 119, 193, 199).
Toutes ces formules renvoient directement à l’activité créatrice du
«maître», à sa façon de composer le texte ou de progresser, en général, dans
l’écriture. Elles expriment aussi les difficultés et les encouragements dans la
continuation de la rédaction.
Au niveau thématique, c’est le motif de la mort qui est réécrit et qui revient le plus souvent. L’un des derniers textes (appelés «carnets de monsieur
Songe»), Charrue, dans sa partie finale, nous livre trois variantes possibles
sur la fin de monsieur Songe:
Terrassé par une embolie. On le trouve étendu au milieu de sa chambre,
yeux révulsés, bouche tordue, il bave encore quelques minutes et rend le
dernier soupir.
Ou bien.
Écrasé par un camion sur le trajet maison—bistro. Le crâne fracassé,
le thorax idem. Les jambes ont un ultime mouvement convulsif. Attroupement. On ne le reconnaît pas tout de suite. Un gamin dit, mais c’est monsieur Songe, regardez ses caoutchoucs.
Ou bien.
Noyé dans la rivière où il pêchait le vairon. Sa bonne qui perd la
boule le cherche de la cave au grenier. La police qui ne la perd pas le
cherche, aidée des pompiers, en aval du lieu où il se tenait. On le retrouve
huit jours plus tard coincé dans le barrage.
Ch, pp. 77—785
Ces trois versions, évidemment contradictoires, mais reliées par la conjonction «ou bien», deviennent tout à fait plausibles.
En lisant L’Apocryphe, nous sommes également en présence de différentes
versions de la mort du «maître»:
C’est ce matin-là qu’il [le domestique] l’aurait trouvé mort dans son
lit, un beau jour de printemps, du soleil à travers les persiennes, grand
désordre dans la chambre, toutes les paperasses répandues par terre.
A, p. 396
C’est ainsi qu’on l’aurait trouvé mort sur ses paperasses dont plus
une ligne n’était lisible mais nous n’en sommes pas encore là.
A, p. 52
Selon une des hypothèses relatives à l’assassinat du maître, un homme
aurait pu s’introduire dans sa chambre par le toit.
A, p. 139
5
6
Ch = R. P i n g e t : Charrue. Paris, Minuit, 1985.
A = R. P i n g e t : L’Apocryphe. Paris, Minuit, 1980.
Pratiques de réécriture...
193
Le lendemain le maître est trouvé égorgé dans son lit. La fameuse statuette placée à son chevet a disparu.
A, p. 140
Dans une autre version on l’a retrouvé brûlé vif contre le poële de la
cuisine, la bouteille de gniole vidée sur la table.
A, pp. 140—150
Toutes ces versions (y compris la dernière qui, pourtant, n’exclut pas
l’inattention ou la faute du maître) suggèrent que le vieux a été assassiné par
un cambrioleur. C’est un fait évident et un élément stable. Ce qui est modifié, c’est l’aspect des lieux et les circonstances. Le maître, en imaginant ces
morts successives, «consignées dans ses paperasses à des époques différentes», voulait tout simplement «Varier termes et syntaxe. Réinventer la
phrase, repenser, regrouper, réentendre» (A, pp. 39 et 52).
La mort devient également le thème majeur de Passacaille sur lequel le
livre ne cesse de multiplier les variations. Le schéma est presque le même:
chaque fois, quelqu’un découvre un cadavre; ce qui change, c’est la victime,
le découvreur, le lieu et les circonstances. Le texte fragmentaire de Passacaille, en perpétuelle variation, ne nous permet pas de reconstituer une histoire événementielle fiable, car l’ordre des faits change ou se modifie sans
cesse. Bien que l’écrivain varie, à profusion, le thème de la mort, cette dernière n’est jamais définitive. Qu’elle arrive au maître, au facteur ou au volailler, ceux-ci «ressuscitent» quelques pages plus loin. En tout cas, ces nombreux cadavres, qui apparaissent dans le texte, peuvent être interprétés
comme signes de désespoir, de dépression ou d’angoisse de mort. Quant à Pinget, il s’est exprimé sur le motif de la mort, omniprésent dans Passacaille,
dans une lettre adressée à sa traductrice anglaise, en lui fournissant cette
remarque: «L’objet de Passacaille est d’exorciser la mort par une opération
magique effectuée sur les mots. Comme si le plaisir de jouer avec le vocabulaire pouvait éloigner la fatale issue»7.
La récurrence la plus riche et la plus complexe, à notre avis, apparaît dans
Quelqu’un. Elle concerne les «reprises du récit du narrateur», les variations
sur certains éléments stables, présents dans chaque reprise, et les versions
(les hypothèses) à propos des circonstances de la disparition d’une note.
Le narrateur reprend entièrement sept fois son récit, en commençant
toujours par la formule: «Je me suis levé à huit heures [...]». Chaque reprise
contient quelques éléments stables : l’incipit, l’objet de la quête, les lieux
de la recherche, quelques personnages avec leur comportement et leurs
gestes, les repas et les plats servis. Ces éléments sont soumis à de nombreuses variations dans les reprises successives.
7
Lettre à Barbara Wright, citée par J.-C. L i é b e r : Réalisme et fiction dans l’œuvre
de Robert Pinget. [Thèse de doctorat d’État (Paris IV)]. Paris, 1985, p. 577.
13 Quelques...
194
Czes³aw Grzesiak
Au niveau de la composition d’une œuvre tout entière, la réécriture —
sous forme de répétition — est bien présente dans l a s t r u c t u r e b i n a i r e. Celle-ci se manifeste dans la division de certains textes pingétiens
en deux unités, en deux parties. Ce phénomène concerne notamment Entre
Fantoine et Agapa, Mahu ou le matériau, et Le Fiston. Comme En attendant
Godot de Beckett, ces textes contiennent deux parties, dont la seconde est
soit un reflet, soit une nouvelle version, soit une réinterprétation de la première.
À titre d’exemple, nous évoquons Le Fiston. Bien que formellement ce
texte ne soit pas divisé en deux parties, cette structure binaire est parfaitement sensible et visible dans la lettre écrite par M. Levert et adressée à son
fils qui l’avait quitté. Le père lui écrit tous les jours pour le convaincre de
revenir dans son village natal. Il y évoque tous les événements, anecdotes,
lieux et faits quotidiens, liés au village et à sa vie personnelle. Après être
parvenu à une hypothèse, plus ou moins plausible, concernant la cause probable du départ de son fils, il constate : «J’ai dû me tromper au début [...]»
(F, p. 69)8, et il reprend sa lettre:
Je recommence. J’ai dû me tromper au départ. J’ai interrogé Sophie
Narre hier ou avant-hier et d’autres personnes d’autres jours et en plus
j’ai réfléchi, fiston, je me dis qu’il vaut mieux tout recommencer que compromettre ton retour par une erreur, on ne sait jamais, peut-être une demiheure d’erreur. Ou cette sale bouteille. Ou peut-être si je n’avais pas bien
vu ou pas bien su, les Moule par exemple s’ils n’étaient que deux et si la
tante Pacot ou Alice ou quelqu’un d’autre n’était peut-être pas tout à fait
ça. Je recommence.
F, pp. 69—70
Ainsi, dans sa nouvelle version, qui constitue la deuxième partie du Fiston, M. Levert modifie-t-il certains détails et contredit-il tout ce qu’il avait
affirmé auparavant. Il lui arrive même de confondre son fils avec d’autres
personnages ou de l’imaginer tel qu’il aimerait le voir. Finalement, après tant
d’efforts, la lettre ne sera pas postée et ne parviendra jamais au destinataire.
Pourtant, M. Levert continue sa tâche d’«écrivain».
Au niveau du macrotexte, c’est-à-dire dans l’oeuvre romanesque tout
entière de Pinget, la r é é c r i t u r e m a c r o t e x t u e l l e concerne le retour
de certains personnages, le retour du thème de la mort (cette fois-ci, dans
le contexte d’un fait divers) et le passage d’un genre à un autre.
En premier lieu, l’unité de l’œuvre de Pinget est assurée par le retour
des personnages qui, revenant d’un livre à l’autre, subissent parfois d’inquiétantes ou drolatiques variations (métamorphoses), comme Mahu, le
8
F = R. P i n g e t : Le Fiston. Montreux (Suisse), L’Age d’Homme, 1981.
Pratiques de réécriture...
195
prototype incontestable de tous les personnages pingétiens. À propos de son
destin, le narrateur constate:
Mahu aura la vie longue. Il fera le tour du monde [...] et sous plusieurs
formes à la fois.
Mm, p. 2049
Dans les derniers textes de Pinget, le personnage central est M. Songe.
Il était déjà présent dans Graal Flibuste où le narrateur-écrivain nous a raconté sa liaison et son divorce avec Mlle Hortense (GF, pp. 37—44)10. Puis,
il est tombé un peu dans l’oubli pour réapparaître dans les sept derniers
livres de Pinget, publiés après 1981. M. Songe y devient un peu le porteparole de son créateur. À part M. Songe, ce sont Mlle Lorpailleur et Latirail
qui reviennent le plus souvent et qui jouent les trois rôles : de personnages
principaux, secondaires et épisodiques.
Parmi les personnages secondaires, c’est Mortin11 qui apparaît dans
plusieurs ouvrages de Pinget. Son âge, son caractère et ses occupations
changent d’un livre à l’autre. D’abord, il s’adonne à l’alcool (Autour de Mortin et Cette Voix). Puis, dans Le Libera, Alexandre Mortin «tient une pension de famille depuis son veuvage » (L, p. 141)12. D’ailleurs, cette pension
rappelle un peu celle qui a été fondée par Gaston et le narrateur de
Quelqu’un. Mortin reste enfin le plus fidèle ami de Monsieur Songe, probablement jusqu’à la mort de ce dernier.
Nous observons également le retour et la répétition de thèmes soumis à
plusieurs variations, multipliant les points de vue, un peu «à la Pirandello».
Or, les écrivains pingétiens sont assez attentifs à ce qui se passe dans leur
pays et s’intéressent, entre autres, à des événements tragiques, notamment
aux assassinats d’enfants. En effet, ces meurtres sont très nombreux, surtout dans Le Libera; pourtant, il y en a un qui revient plusieurs fois dans la
création des «écrivailleurs» et dans les livres de Pinget. Il s’agit notamment
du petit Ducreux, qui «a été retrouvé étranglé dans le bois du Furet sous un
tas de feuilles» (L, p. 8). Son assassin n’a jamais été pris13. Cette triste hisMm = R. P i n g e t : Mahu ou le matériau. Paris, Minuit, 1962.
GF = R. P i n g e t : Graal Flibuste. Paris, Minuit, 1966.
11
Pinget avoue : « C’est un personnage auquel je me suis attaché pour qu’une continuité existe entre mes différents écrits. Continuité de surface ». Voir : Robert Pinget
à la lettre (entretiens avec Madeleine Renouard). Paris, Belfond, 1993, p. 125.
12
L = R. P i n g e t : Le Libera. Paris, Minuit, 1968.
13
Le Libera s’inscrit dans le schéma d’un roman policier, mais, contrairement au
roman policier traditionnel, où l’assassin est d’habitude saisi, jugé et puni, dans l’univers pingétien, il n’est jamais arrêté et reste en liberté. Cette situation rappelle exactement la mort d’un petit valet dans Monsieur Ouine de Georges Bernanos.
9
10
13*
196
Czes³aw Grzesiak
toire réapparaît, à plusieurs reprises, dans L’Ennemi. Pour la dernière fois,
elle rebondit sous la plume de monsieur Songe:
Ici le maître reprendrait l’histoire de l’enfant perdu dans le bois et
qu’on retrouve noyé dans un étang, celle du romanichel campé non loin
et soupçonné de meurtre, toute une série de racontars et de faits divers,
de confidences et de mensonges enchaînés les uns aux autres pendant des
années par l’auteur qu’il prétendait être, en proie au délire de l’écriture.
T, p. 4714
Comme nous le voyons, plusieurs personnages sont préoccupés par cette
thématique morbide. Chacun y voit un peu autrement les choses15 et, parfois, y ajoute de nouveaux détails, souvent contradictoires. Le lecteur a donc
la possibilité de lire quelques v a r i a n t e s o u v a r i a t i o n s s u r l a
m o r t de l’enfant du fermier.
Grâce à ces reprises et variations intertextuelles internes16, grâce à cette
extraordinaire et féconde a u t o r é p é t i t i o n, l’œuvre de Pinget non seulement s’alimente d’elle-même, mais elle dialogue aussi avec elle-même. Ainsi, Pinget et ses personnages-écrivains, durant leur âge adulte, écrivent, ou
mieux encore, réécrivent une seule œuvre qui se diversifie et prend différentes formes (versions) romanesques ou génériques, car la plupart des pièces
de théâtre de Pinget sont nées à partir de ses textes narratifs. Il suffit de
citer Architruc17, réalisé d’après Baga18 ou Lettre morte19, écrite, elle-même,
à partir du Fiston. Puis, de Clope au dossier20, Pinget a tiré, pour la radio
T = R. P i n g e t : Théo ou le temps neuf. Paris, Minuit, 1991.
Une telle démarche est d’ailleurs conforme à la vision phénoménologique du
monde, sur laquelle a été fondé le Nouveau Roman.
16
Quant aux fonctions des répétitions et des variations, il y en a quatre : esthétique,
formelle, ludique et musicale. Les deux premières sont définies par Pinget lui-même,
dans ses entretiens avec Madeleine Renouard (voir : Robert Pinget à la lettre..., pp. 261—
262). La fonction ludique consiste en cela que Pinget et ses personnages-écrivains sont
fascinés par un jeu de possibles qui détermine d’ailleurs le ton de leurs œuvres. Ils créent
tout un réseau de transformations et de possibles à partir d’un même matériau de base:
le langage. Ainsi essaient-ils d’exploiter toutes les possibilités du langage, conformément
à cet aphorisme de Quelqu’un : « Ce qui est dit n’est jamais dit puisqu’on peut le dire
autrement » (Q, p. 16). Outre ces trois fonctions, il existe encore une fonction musicale
de la répétition. Le retour constant des mots, des formules, des phrases, de courts passages (sous forme de « refrain »), des motifs, des thèmes et des épisodes fait penser, en
effet, à une forme musicale, plus précisément à un morceau de musique sérielle ou à une
composition polyphonique.
17
R. P i n g e t : Architruc. Paris, Minuit, 1961.
18
R. P i n g e t : Baga. Paris, Minuit, 1958 et 1985.
19
R. P i n g e t : Lettre morte. Paris, Minuit, 1959.
20
R. P i n g e t : Clope au dossier. Paris, Minuit, 1961.
14
15
Pratiques de réécriture...
197
et sans presque rien y changer, le dialogue des deux vieillards (Pommard et
Toupin) qu’il a intitulé La Manivelle21 et que son ami Beckett lui a fait le
plaisir de traduire en anglais.
En ce qui concerne la réécriture intertextuelle, Pinget et ses «écrivains»
font le plus souvent des emprunts ou se réfèrent à ce qu’ils appellent «la
grande lecture», c’est-à-dire à La Bible, à la littérature française du Moyen
Âge et à Cervantès.
John Tintoin Porridge, le narrateur-écrivain du roman Le Renard et la
boussole, pour écrire son nouveau livre, se réfère à la fois à La Bible, au Roman de Renard et au motif du Juif errant. Il nous montre même la naissance
de son texte et le cheminement de sa création.
Pour se mettre à écrire, il a besoin d’un prétexte, et il le trouve:
Ce matin j’ai dans la tête une phrase de la Bible, quelque chose comme
Méfiez-vous des petits renards et il est question de vignes, oui, les renards
dans les vignes22.
RB, p. 21
Cette phrase, qui ouvre le véritable récit de Renard, indique déjà la première source, notamment La Bible et le motif du renard. Bientôt, sur cette
première source, l’auteur superposera la deuxième: le Roman de Renard. En
effet, le renard intrigue le narrateur à tel point que celui-ci donne même sa
définition: «Qu’est-ce qu’un renard? C’est roux, ça croque les oiseaux, c’est
pointu, ça tournique autour des maisons» (RB, p. 21). Après cette définition,
l’entreprise est déjà tout à fait claire:
Mon renard se précise. Je l’imagine rencontrant un Juif qui va à Jérusalem. Renard est las des poules fades de chez nous, son terrier le dégoûte,
il pense : Tant qu’à faire partons aussi, le Juif retourne en son pays, je ne
le gênerai pas. Et il demande au Juif de le suivre comme un chien. L’autre
est d’accord [...].
RB, p. 23
Bien que le titre ne soit pas mentionné, ce passage, ainsi que tout le reste
du récit, suggèrent que l’auteur emprunte son héros principal et quelques
R. P i n g e t: La Manivelle (The Old Tune — texte anglais de S. Beckett). Paris, Minuit, 1960.
22
L’auteur se souvient sans doute de ce passage du Cantique des Cantiques:
Attrapez-nous des renards,
des petits renards
qui ravagent les vignes,
et nos vignes sont en fleurs (Cant, 2, 15).
21
198
Czes³aw Grzesiak
épisodes secondaires23 au Roman de Renard. Ce passage met aussi en scène
les deux principaux acteurs du voyage en Israël : Renard et le Juif. Mais
l’exposition n’est pas encore terminée. Il faut ajouter quelques précisions.
L’idée d’inconfort et de destin irréalisable rappelle à John le Juif errant.
L’«écrivain» réunit donc, dans son récit, deux motifs: le motif de Renard et
celui du Juif errant. En réalité, tout le texte sera basé sur cette combinaison de motifs, sur leurs associations.
Au moment où l’«écrivain» donne au Juif errant le nom de David, nous
nous apercevons qu’il fait, de nouveau, de nombreux emprunts à La Bible
et surtout à ce roi d’Israël (vivant vers 1015—975 avant Jésus-Christ) qui
tua le géant Goliath, succéda à Saül, vainquit les Philistins, et fonda Jérusalem24.
Cette association entre le Juif errant et David devient tout à fait
compréhensible et motivée lorsque nous analysons l’histoire de David. Or,
David, lui aussi, avant d’être élu roi, erra dans le désert de Juda durant plusieurs années. L’errance est donc le point commun (connecteur) qui permet
d’associer et de superposer ces deux personnages. Le Juif errant symbolise
finalement le voyage et le déracinement. Il est l’un des représentants du
peuple juif, dispersé dans le monde entier, depuis la ruine de Jérusalem.
Le voyage de Renard et de David en Israël, en compagnie de J. Tintoin
Porridge, devient, en effet, un véritable pèlerinage. Il mène David au pays
de ses ancêtres. D’ailleurs, David connaît parfaitement son histoire, ses origines, et il en est fier. Quant à Renard, il se soucie très peu de son passé et,
à vrai dire, il ne le connaît pas. Pourtant, cette idée de pèlerinage le tracasse et il improvise aussi la raison de son déplacement: il refera le trajet des
croisés.
Dans le Roman de Renard, le «goupil» se mettait plusieurs fois en pèlerinage, mais il n’a jamais réalisé son entreprise jusqu’au bout25. À cet égard,
le roman de Pinget semble combler cette lacune : accompagné du Juif errant,
Renard a enfin l’occasion de visiter la patrie de David et d’apprendre la vraie
histoire de ce dernier. L’écrivain, bien qu’il recoure aux emprunts, ne fait pas
de plagiat. Son récit est plutôt une imitation ou mieux encore — une transposition — de quelques épisodes tirés du Roman de Renard, liés tout particulièrement au motif du pèlerinage. Pinget «emprunte» ce dernier motif, le
Parmi ces épisodes, le plus caractéristique est, à notre avis, celui du puits. Cette
fois-ci, c’est David qui tombe dans un puits d’Haïfa. On le retire et puis Renard a l’occasion de raconter cette aventure aux badauds (RB, p. 182). Pinget a complètement
changé le sens primitif de ce motif et, dans sa version, il l’a plutôt appauvri.
24
Voir : La Bible, AT, Sammuel : livre I, chap. 16—31.
25
Pour plus de détails, voir : Cz. G r z e s i a k : « Le Renard et la boussole » de Robert
Pinget et la tradition du « Roman de Renard ». « Kwartalnik Neofilologiczny » 1984,
XXXI, 4, pp. 469—480.
23
Pratiques de réécriture...
199
retravaille et donne une nouvelle version des aventures de Renard, mais selon la convention du Nouveau Roman et conformément à ses règles. Le Renard et la boussole devient ainsi une nouvelle «branche » de l’ancienne
épopée animale.
Pinget a été aussi très marqué par la lecture de Don Quichotte. C’est
pourquoi ce fameux roman, à côté de La Bible, a eu la plus grande influence
sur ses livres. Les personnages de Cervantès amusent Pinget dès le début
de sa création littéraire. Ils apparaissent déjà dans un des contes d’Entre
Fantoine et Agapa. La scène se déroule dans un bar où la cuisinière dit à un
de ses clients : « Et vous, vous avez l’air de Don Quichotte !». Le client lui
montre alors «sa bague en forme de moulin à vent». Puis, il désigne un autre
client gras, qui ressemble à Sancho. Enfin, le faux Don Quichotte «prend
son cornet de frites et s’en va», tandis que le pseudo-Pança «commande un
miroton», «une croquette», «une purée» et du «choux-fleur» (EFA, p. 20).
En faisant allusion à l’aspect physique et à la façon de se nourrir, cette petite scène constitue une première variation sur les deux protagonistes cervantins.
Une autre variation apparaît dans Le Renard et la boussole. Le narrateurécrivain, grand admirateur de Cervantès26, après avoir réécrit quelques
pages de Don Quichotte, concernant notamment la rencontre de Don Quichotte et de Sancho avec «le Maure Sidi Blabla» et leur halte dans «l’auberge
du Trou», projette, tout à coup, David et Renard dans le roman de Cervantès
pour le plus grand étonnement du lecteur. Or, David et Renard arrivent la
nuit à la même auberge où sont déjà descendus Don Quichotte et Sancho, les
réveillent et lient conversation avec eux. Voilà ce que David dit à Don Quichotte:
« Je suis le Juif errant, monsieur, et Renard me suit dans mon errance ». Renard inclina modestement la tête. Et David poursuivant : «Nous
faisons dans votre patrie une brève incursion, mais combien attendue de ma
part, il y a des siècles que j’y songe, l’occasion s’est offerte et nous sommes
avec vous entre une visite à la Palestine et un voyage plus lointain».
RB, pp. 99—100
Au mot de Palestine, «Don Quichotte sursauta [...], se précipita aux pieds
de l’Hébreu et lui baisait ses pantoufles», en prononçant ces mots: «Je repars avec vous prendre Jérusalem, je repars avec vous, je suis votre homme
lige. Acceptez mon épée, mon sang et ma bravoure» (RB, p. 100). Mais au
petit jour, sans réveiller personne, David et Renard se sont remis en route
John T. Porridge avoue : « Quand je pense au Don Quichotte je sais que les inflexions de voix n’y sont pas traduites, mais l’art y est si grand qu’aucune modulation
n’échappe, aucune. Vive Cervantès » (RB, p. 51).
26
200
Czes³aw Grzesiak
vers Haïfa. Et c’est ainsi que se termine la rencontre des protagonistes, venus de deux univers romanesques différents. Pinget parodie donc le roman
picaresque.
Le narrateur de Quelqu’un, pour initier Fonfon à la littérature et occuper un peu son temps, lit avec lui «le Don Quichotte illustré par Doré»:
On recommence chaque fois à zéro, chaque fois avec le même plaisir.
Fonfon s’excite chaque fois aux mêmes endroits. Quand Don Quichotte se
met le plat à barbe sur la tête il éclate de rire. Et quand Sancho a peur
dans la forêt alors là. [...] Et aussi quand Don Quichotte montre son derrière à Sancho, évidemment, on se marre.
Q, p. 116
D’une façon générale, le livre de Cervantès et, plus particulièrement, le
personnage de Don Quichotte, reviennent très souvent dans l’œuvre de Pinget. M. Songe est sans doute un grand admirateur de l’écrivain espagnol (Ch,
p. 58). Dans son dernier «carnet», Don Quichotte sort même «de son livre
pour l’entendre raconter» (TE, p. 54). Ainsi, le célèbre personnage cervantin
apparaît toujours sous un autre éclairage, dans une nouvelle situation ou variante.
L’écrivain ne crée jamais dans le vide. Il a son bagage culturel. Il lit les
œuvres de ses prédécesseurs. Certaines de ces œuvres lui restent longtemps
dans la mémoire et inspirent souvent son écriture. Pinget n’échappe pas
à cette règle. Il a été séduit par Stéphane Mallarmé, certains moralistes
français et Kafka.
Quant à Mallarmé, son influence est visible dans l’œuvre de Pinget par
le retour de quelques images obsédantes: le tombeau, le rien, le Livre et l’angoisse de la page blanche. Cette dernière hantise est propre à M. Songe:
Il en est devant sa page blanche où il en était écolier. Ses années
d’exercice n’ont été que la lutte pour allonger la sauce.
Ch, p. 18
Elle concerne aussi Pinget:
Le métier se perd au fur et à mesure que l’on travaille. Je suis devant
la page blanche comme un enfant. Je ne sais plus comment s’écrit tel mot.
Je ne sais plus commencer, je ne sais plus comment écrire27.
Pinget, lui-même très peu moraliste, s’est pourtant inspiré des moralistes français du XVIIe siècle. Par exemple, les «carnets» de M. Songe, par
27
Robert Pinget à la lettre..., p. 270.
Pratiques de réécriture...
201
la dimension parcellaire de l’écriture (c’est-à-dire par des bribes de discours,
de réflexions et d’aphorismes), ainsi que par l’ironie et le sarcasme, rappellent l’esprit des Maximes de La Rochefoucauld et celui des Caractères de
La Bruyère. L’influence de Molière est aussi considérable et se reflète dans
le comportement des domestiques, dans leur parler et dans leurs astuces.
C’est aussi une illustration du fameux rapport maître vs esclave qui, selon
Pinget, existera toujours entre les hommes28.
Pour ce qui concerne les écrivains du XXe siècle, Pinget a été fort impresssionné par la lecture des œuvres de Kafka29. On pourrait donc envisager le texte de L’Inquisitoire30 comme une sorte de parodie du Procès. Le
caractère abstrait de la relation entre l’enquêteur et l’ex-domestique, ainsi
que le sentiment d’obscurité qui se dégage de leur dialogue, rappellent certains motifs et passages de l’interrogatoire de K. Ces deux romans partagent
aussi l’expression d’un anonymat engendré par le quotidien.
L’intertextualité devient donc une composante très importante de la
technique compositionnelle des personnages-écrivains et de la création romanesque de Pinget. D’autre part, la pratique intertextuelle est libératoire
et, comme support de l’imagination, elle contribue au renouvellement et
à l’enrichissement de la création littéraire. Grâce à l’intertextualité, la littérature se renouvelle — par la reprise d’une même matière.
28
Selon Pinget, ce rapport maître vs esclave ou chef vs subordonné « est le destin
même de l’humanité. La domination existera toujours entre les hommes » (Robert Pinget à la lettre..., p. 65).
29
« J’éclatais de rire, en lisant Le château. J’ai pour lui la plus grande admiration »,
a-t-il avoué à Madeleine Renouard (Robert Pinget à la lettre..., p. 107).
30
R. P i n g e t : L’Inquisitoire. Paris, Minuit, 1962.
Jerzy Lis
Université Adam Mickiewicz, Poznañ
Annie Ernaux et Philippe Vilain: réécriture croisée
L’autobiographie est une forme d’expression littéraire qui se prête mal
à une procédure de réécriture pour une simple raison que tout acte autobiographique relève d’un projet unique où un apprentissage quelconque est pratiquement impossible. En quelque sorte un autobiographe est un amateur qui
réalise son projet en connaissant dès le départ le sens de son existence. Il
ne saurait plus donner d’indices à l’évolution de sa personnalité qu’il n’en
a donné dans son autobiographie considérée comme une relation authentique et sincère sur le parcours existentiel de l’auteur. Toute tentative de remodelage de sa biographie réduit en miettes le pénible travail de reconstruction du moi et signifie au fond la mort de l’autobiographe. Cependant une
réécriture de type autobiographique est possible dans la mesure où elle consiste à reprendre certaines expériences antérieures dans le but de remodeler la vérité d’autrefois1. La réécriture considérée alors comme une innovation autobiographique peut signifier la réexploitation «brute de la réalité» où
la perspective esthétique s’estompe au profit d’une perspective d’un autre
ordre. Dans le domaine autobiographique tout retour au texte premier doit
être jugé selon les principes de l’éthique. On peut constater que l’implication d’une personne dans le récit que l’autre fait de sa vie entraîne plus tôt
ou plus tard le rejet de tout critère moral. C’est dire aussi que la tentative
d’écrire un autre texte suppose un projet d’aller jusqu’au bout de la vérité
où l’écriture est entièrement subordonnée à la sincérité de l’aveu, impossible à atteindre dans le texte premier.
1
Ph. L e j e u n e : Peut-on innover en autobiographie ? In : L’autobiographie. Réd.
M. N e y r a ut, J.B. Po n t a l i s, Ph. L e j e u n e. Paris, Les belles Lettres, 1988, pp. 67—100.
Annie Ernaux et Philippe Vilain...
203
La réécriture croisée dont il est question dans ces propos implique la participation de l’autre, sujet et objet du (des) récit(s), et elle n’est possible que
lorsque l’écriture de l’un engage la vie de l’autre ou bien quand le vécu communément partagé se prête à des interprétations opposées sinon contradictoires. Philippe Vilain, l’un de deux auteurs concernés par la réécriture, a
utilisé pour ce type de développement un terme de «l’extension hypertextuelle»2 d’un texte antérieur écrit par... Annie Ernaux, sa compagne entre 1992
et 1997. Comme on le verra plus tard, l’auteur de La place n’a pas manqué
de présenter sa version de ladite «extension» en procédant à une relecture
d’un texte publié par Vilain l’année de leur séparation. L’histoire banale de
la relation amoureuse de deux individus a donné le jour à des textes dont la
valeur ne se limite pas seulement aux «petits meurtres entre amis»3 pour une
simple raison qu’elle dépasse les cadres d’une aventure sentimentale (elle
aurait pu constituer le canevas d’un récit autobiographique traditionnel) pour
devenir une expérience littéraire inouïe jouant sur une double exigence —
éthique et esthétique.
À l’origine de la réécriture croisée en question se trouve un court texte
de deux pages publié par Annie Ernaux en anglais Paper Traces of Philippe
en 1996 et livré quelque mois plus tard en version française sous le titre de
Fragments autour de Philippe V4. Conformément au titre original, le texte
se présente comme une suite de notes tirées du journal d’Annie Ernaux
en rapport avec la rencontre avec un jeune étudiant dans un bar parisien,
les circonstances du premier accouplement et la description des expériences
«érotico-artistiques» dont le but était de donner à la jouissance quelque
supplément que l’écrivain envisageait visiblement comme une trace de
cette relation et surtout comme une recherche d’un lien entre l’acte sexuel et
l’écriture, «quelque chose de pareil à une œuvre d’art». La relation fragmentaire du lien amoureux trahit l’intention d’«ouvrir une histoire», de faire
de l’aventure vécue d’un homme et d’une femme un récit, un texte littéraire, bref « une œuvre d’art ». Le texte de deux pages est suffisamment
dense pour donner au lecteur un aperçu sur l’ambiguïté de la liaison d’une
femme-écrivain célèbre et d’un jeune étudiant inconnu. Ernaux en donne le
récit bouleversant dans la mesure où il transgresse les codes de l’acceptable
et du politiquement correct. Il s’agit bien d’une liaison qui unit un homme
d’une vingtaine d’année et une femme qui aurait pu être sa mère, une avenPh. V i l a i n : Défense de Narcisse. Paris, Grasset, 2005, p. 60.
C’est le titre d’un chapitre du livre mentionné ci-dessus dans lequel Ph. Vilain
revient à l’histoire de sa relation avec Annie Ernaux dans la perspective des textes qu’ils
ont écrits respectivement.
4
A. E r n a u x : Paper Traces of Philippe. « Frank » 1996, No 15, pp. 32—33 (texte traduit par Tanya Leslie) ; la version originale: Fragments autour de Philippe V. « L’infini »
1996, No 56, décembre, pp. 25—26.
2
3
204
Jerzy Lis
ture scandaleuse et socialement honteuse, à la fois dégradante pour une intellectuelle notoire et valorisante pour une femme âgée.
On ne connaît pas les motifs qui ont poussé l’écrivain à publier ce texte,
comme on ne sait pas si Annie Ernaux a donné suite à ce projet. Cependant
la publication de ces pages en deux versions, anglaise et française, permet
de supposer que la vraie intention de l’auteur était de convaincre son amant
de figurer dans un texte quelque peu provocateur par son contenu (représentation d’un acte sexuel) et de rendre public les relations amoureuses interdites d’une femme âgée avec un étudiant (réalisation d’un tableau fait de
sperme et de sang, et son interprétation psychanalytique: «une femme à la
bouche épaisse dévorant le visage»). Même si l’identité de son amant n’a pas
été entièrement révélée — il reste toujours un cas Philippe V — son anonymat est à peine respecté sinon facilement déchiffrable5. La publication de ce
texte paraît donc comme une nécessité de puiser dans les émotions du quotidien qu’il suffit simplement de retranscrire pour obtenir un récit original,
réalisé grâce à la totale «liberté d’écrire sans honte ». La source de toute
création se trouve au moment où se joignent l’écriture et l’amour. La relation d’une intellectuelle et bourgeoise au statut de transfuge avec un jeune
étudiant issu du milieu ouvrier s’est avérée d’un coup comme une exemplification de la honte sociale renversée. On ne saurait passer sous silence
la publication du grand texte de’Annie Ernaux La honte qui est un livre
le mieux instruit sur la sociologie de Pierre Bourdieu en général et sur la
question de la honte sociale en particulier. La rédaction de ce livre, dédié
à... Philippe V a été terminée en octobre 19966, donc exactement à l’époque
où paraissaient les deux versions de Fragments... Faut-il y chercher un heureux concours de circonstances par lequel ce texte capital sur la honte voit
le jour et commence à résonner quand la relation amoureuse a pratiquement
pris fin? A-t-il jamais été envisagé comme une expression métaphorique d’un
cas précis où la différence de statut social et d’âge ne pouvait qu’accentuer
le sens de la honte sociale? On ne le saura peut-être jamais, mais le fait est
La publication de la version française s’est faite avec le consentement de son compagnon (cf. à ce propos Ph. V i l a i n : Défense de Narcisse..., p. 49). C’est dire qu’à cette
étape de la création Annie Ernaux n’a plus hésité à faciliter au lecteur l’identification
de l’amant contrairement à ce qu’elle avait fait au moment de la publication de Passion simple où elle ne se sentait pas autorisée à dévoiler la personne de son amant — diplomate soviétique : « Il n’a pas choisi de figurer dans mon livre mais seulement dans
mon existence » (p. 33 de l’édition déjà citée). Dans le texte substrat Se perdre, publié
chez Gallimard en 2001, l’identification de l’amant russe ne pose plus de problèmes,
même si son nom de famille est limité à une seule initiale ; cf. mon article La relecture
selon Annie Ernaux ou comment rendre compte d’une vie dans La relecture tardive de
l’œuvre par les écrivains eux-mêmes. Réd. M. H i l s u m. T. 2. Paris, Kimé, 2007, pp. 183—
195.
6
A. E r n a u x : La honte. Paris, Gallimard, 1997.
5
Annie Ernaux et Philippe Vilain...
205
que La Honte étudiée en même temps que Fragments... se présente comme
un manuel modèle pour quiconque s’attaque à la problématique de la honte
sociale.
En octobre 1997, donc un an après la parution de Fragments..., Philippe Vilain a publié avec le consentement d’Annie Ernaux sa propre version
de leur liaison. Le texte intitulé L’étreinte était composé à la fois comme une
reconstruction de la réalité et une reconstruction autofictionnelle7. L’auteur
du livre s’est mis à présenter de son point de vue l’histoire qui lui est arrivée
et dont il connaissait déjà une version surprenante racontée par Ernaux
dans Fragments... La réécriture a pris la forme d’une «extension hypertextuelle» de deux textes: Fragments... et Passion simple8. Alors que le premier
texte s’est imposé de façon évidente comme sujet de réplique ou de réinterprétation d’une histoire commune, le second sert surtout de moule stylistique et de référence thématique qui feraient d’un texte prémédité un lieu
de dialogue sollicité. Vilain a emprunté après coup à Philippe Gasparini une
bonne formule qui définissait son entreprise — ambibiographie, c’est-a-dire
«un récit qu’un individu fait de sa vie en mêlant à sa propre voix narrative
la voix narrative d’un second individu auquel il s’est identifié»9.
Pour si surprenante que soit l’identification de l’auteur avec l’objet de sa
passion, elle est le principe élémentaire de cette écriture à caractère autofictionnel. Outre le récit systématique de la rencontre de deux amants et de
leur vie à deux, le lecteur lit parallèlement un roman sur la jalousie et une
espèce d’ethnorécit sur l’existence passée et présente du personnage-narrateur. L’étreinte est d’abord la réponse de Philippe Vilain au texte d’Annie
Ernaux et dans ce sens l’auteur fournit des preuves supplémentaires à l’histoire racontée de manière succinte dans Fragments... Il s’agit au fond d’un
développement qui permet à Vilain d’atténuer la crudité et la violence du
texte ernalien pour élucider une passion qui aurait pu être très simple, mais
ne l’était guère en réalité. Les bribes du discours psychanalytique que renferment Fragments... se sont avérées trop obscures pour que le texte fût clair
et intelligible au lecteur moyen. Vilain tire profit surtout des procédés et
registres utilisés par Annie Ernaux dans ses textes antérieurs tels que La
place, Une femme ou Passion simple. Cependant c’est ce dernier texte qui
est à l’origine de la liaison avec Ernaux et finalement de l’histoire de la réécriture. Passion simple, le texte qui raconte une vie d’une femme en train d’attendre son amant, faisait partie des lectures préférées de son père qui y trouPh. V i l a i n : L’étreinte. Paris, Gallimard, 1997 ; cf. aussi son livre Défense de Narcisse..., p. 58.
8
A. E r n a u x : Passion simple. Paris, Gallimard, 1991.
9
Ph. V i l a i n : Défense de Narcisse..., p. 61 ; cf. aussi Ph. G a s p a r i n i : Est-il je ? Roman autobiographique et autofiction. Paris, Seuil, 2004, chap. 4 « Énonciation », pp.
141—183.
7
206
Jerzy Lis
vait la transcription de sa situation d’homme jaloux et abandonné par sa
femme. Le fils a également lu le livre dans lequel il trouvait une explication
du sort de son père qui attendait déséspérement le retour de son épouse. La
femme qui décrivait dans Passion simple les tortures de l’attente n’était pas une
femme abstraite et anonyme pour les deux hommes, mais une femme réelle,
connue des lecteurs et célèbre dont la beauté et la grâce ont été vantées dans
un article de presse conservé par le père de Vilain. Si la belle femme avivait
l’imagination du père, elle n’a cessé pour autant d’attiser les désirs du fils qui
est devenu jaloux du personnage décrit dans le livre d’Annie Ernaux. L’échange
des lettres initié par le jeune homme a abouti à une relation amoureuse dont
il est question aussi bien dans Fragments... que dans L’étreinte.
La réécriture telle que la pratique Philippe Vilain respecte le principe de
l’ambibiographie selon Gasparini où le je du narrateur s’identifie avec la voix
de son objet de désir. Engagé dans une relation personnelle avec cet objet, il
imite le style de son partenaire en construisant en même temps son portrait. Il
est à la fois question d’une identification projective et d’une dépersonnalisation qui permettent à l’auteur de tenter par le biais de l’écriture une dépossession de l’identité de l’autre et une repossession de soi. Une telle démarche embrasse trois strates de l’œuvre soumises directement à l’acte de substitution
textuelle et stylistique: confrontation de son propre vécu avec celui de l’autre
par une imitation thématique, utilisation des mêmes procédés d’écriture et rapprochement autofictionnel des sentiments évoqués dans un texte d’Ernaux.
Du point de vue du lecteur habitué à la thématique de l’œuvre ernalienne,
le texte de Vilain exploite le même type d’approche autobiographique par une
évocation du passé qui suit en grandes lignes le parcours existentiel de son
partenaire10. Le narrateur du texte de Vilain a vécu les mêmes expériences
que les narratrices chez Annie Ernaux. L’auteur accumule des scènessouvenirs qui définissent non seulement les cadres sociaux de sa famille, mais
aussi le mode de vie de ses parents, leurs usages quotidiens, habitudes et manies. On retrouve la même haine du comportement rustre des parents, des
lacunes dans leurs connaissances générales et toutes sortes de déceptions
liées avec leur appartenance sociale. En se reportant sans cesse aux textes
d’Annie Ernaux dont Les armoires vides11, le narrateur recherche dans sa
10
L’œuvre d’Annie Ernaux, surtout La place et Une femme, a suscité un grand
intérêt auprès des lecteurs, et surtout des lectrices, qui se sont retrouvés dans le passé
humiliant d’une femme issue du peuple. Dans une certaine mesure, c’est la thématique de ses textes plutôt que l’originalité de son écriture qui est à l’origine du grand
succès d’Annie Ernaux.
11
Les armoires vides est le premier roman d’Annie Ernaux publié en 1974 chez
Gallimard. Le texte raconte l’histoire d’une jeune étudiante qui cherche à se faire avorter.
L’avortement est le prétexte pour présenter la difficulté d’être de l’héroïne, ses angoisses et le sentiment humiliant de la déréliction.
Annie Ernaux et Philippe Vilain...
207
mémoire des situations qui ont déterminé sa personnalité et ses attitudes.
Dans les séquences de récupération mémorielle du narrateur, le lecteur
retrouve un garçon timide et solitaire qui s’ennuyait à la maison, un jeune
homme sans ambition ni désirs, désintéressé du monde qui l’entourait.
La présentation de son propre passé, basée uniquement sur l’imitation
servile des expériences de l’autre ne serait pas suffisante pour convaincre le
lecteur de la nature des relations maître—disciple pour une simple raison que
les parcours existentiels des individus se ressemblent sans qu’on y trouve un
signe de fatalité quelconque. Philippe Vilain, au lieu de se distinguer par le
style personnel de son discours, fait tout pour s’approprier du style et de la
manière d’Annie Ernaux. Il ne cherche pas à la pasticher, loin de là, mais à
devenir son égal dans le processus de l’identification sollicitée. La deuxième
strate de L’étreinte concerne l’utilisation des procédés d’écriture qu’on associe
sans grande difficulté à l’auteur de La place. L’imitation du style d’Ernaux
renforce un effet d’identification avec l’écrivain, car à la ressemblance de
deux existences dont l’une se dessine sur l’autre s’ajoute le même mode
de parler et d’écrire de deux partenaires qui témoigne du désir de Vilain
d’appartenir au même arbre généalogique, de s’inscire dans une espèce de
filiation maternelle valorisante du point de vue d’un jeune homme dont la
mère légitime est pratiquement absente de son horizon. S’approprier le langage de l’autre, c’est en quelque sorte retrouver la place aux côtés de l’autre,
s’emparer de son territoire, être cet autre tout simplement.
Dans L’étreinte Philippe Vilain utilise le français standard, le langage
sobre et le style dépouillé d’Annie Ernaux qu’elle a appelé elle-même «l’écriture plate» pour désigner le caractère rudimentaire de ses propos. Et comme
la simplicité n’est pas forcément facilité, l’imitation de son style est loin
d’être une opportunité pour qui se lance dans la pratique systématique de
l’écriture plate. Vilain en est parfaitement conscient, car il ne lui arrive jamais de frôler le ridicule d’un pasticheur malhabile. Il réussit à rédiger un
texte dépourvu d’émotion qui relate les faits et événements choisis en fonction de leur utilité dans l’imitation du style de son maître. Le laconisme des
données situationnelles ainsi que l’austérité des descriptions lui permettent
d’obtenir le même degré d’irréalité qui caractérise tel ou autre récit ernalien.
Bien des scènes de la vie quotidienne, passée ou présente, sont reproduites
dans le texte sous forme des photographies ou des images sans aucun commentaire.
C’est ainsi chez Philippe Vilain les premières images qu’il a d’Annie Ernaux sont associées aux événements importants d’il y a quelques années,
lesquels sont ensuite répertoriés sous la forme d’un drame en plusieurs
actes. Il aime également citer les phrases et les mots utilisés par Ernaux lors
de leurs rencontres (pp. 33, 77), mais on trouve également dans L’étreinte
208
Jerzy Lis
(pp. 46—47, 51) les fragments des inventaires dressés par Ernaux dans Passion simple où elle établit une liste des tâches à effectuer avant l’arrivée de
son amant russe. Vilain emprunte à Annie Ernaux certaines habitudes dues
à ses expériences personnelles et professionnelles. À l’instar de son amie, il
s’adonne à la pratique de l’écriture plate quand il rédige une lettre à son père
lors du voyage à Venise. À une autre occasion, il se livre à une activité
préférée d’Annie Ernaux qui consiste à observer les hommes qu’il côtoie dans
le train ou dans la rue. Partager avec elle le goût de scruter l’entourage, de
confronter son existence avec celles des autres lui permet de se mesurer par
rapport à l’autre, de retrouver en lui les signes de son propre moi.
Puisque le texte de L’étreinte s’inspire incessamment des techniques utilisées par Ernaux, Vilain analyse leurs relations dans la perspective de
l’étrangeté et de la proximité de deux êtres. Il ne s’agit pas seulement de
retrouver et de rassembler toutes les preuves et les traces de l’existence de
l’amante dans sa propre vie, mais d’entasser tous les arguments qui justifient
ce sentiment d’étrangeté et de proximité12. Dans tous les textes à caractère
socioautobiographique et surtout dans ceux où elle analyse soit sa propre vie,
soit le passé de sa mère, Annie Ernaux essaie de rapprocher deux images,
l’une présente et l’autre passée, de la personne étudiée pour pouvoir comprendre les changements qui se sont effectués dans le temps. En examinant
la personnalité de son amante Philippe Vilain utilise le même procédé pour
relier les images passées qu’il connaissait de son œuvre et des conversations
avec elle, et les images présentes qui relevaient de la réalité vécue en commun. À l’image de l’adolescente d’autrefois se superposait celle de la femme
actuelle, comme à la figure de l’étudiante s’ajoutait celle de l’écrivain. Le rapprochement de deux femmes, proche et lointaine, s’avère donc une méthode efficace non seulement pour comprendre Annie Ernaux, mais aussi
pour saisir sa propre situation.
La troisième strate du projet de réécriture par Vilain concerne le rapprochement autofictionnel d’un texte d’Annie Ernaux Passion simple. La première lecture de ce texte par Vilain s’associe aux circonstances particulières.
Ses parents venaient de se séparer et en l’absence de la mère le père lit un
livre sur la liaison amoureuse d’une femme-écrivain avec un dimplomate soviétique en poste à Paris. La femme raconte ses journées passées à attendre
son amant. Le père de Vilain lisait dans ce livre sa propre histoire, car il attendait désespérément le retour de sa femme dont il était toujours très jaPhilippe Vilain collectait les traces de l’existence d’Annie dans sa vie, car il est
devenu en quelque sorte « gardien de son musée et dépositaire de notre histoire »
(p. 94). Indépendamment du texte qu’il était en train de rédiger, il a fait usage de
toutes ces informations dans sa thèse de doctorat sur le sexe et la mort dans l’œuvre
d’Annie Ernaux, préparée sous la direction de Marc Dambre et soutenue en 2001 à l’Université de Paris-III.
12
Annie Ernaux et Philippe Vilain...
209
loux, comme la narratrice du livre était jalouse de son nouvel amant. Philippe
Vilain a également lu ce livre et il partageait en quelque sorte la douleur de son
père que l’histoire de la belle narratrice illustrait. Le père aimait sa femme
d’un amour inconditionnel et avait toujours l’impression de la posséder.
Le livre ne pouvait donc qu’aviver le sentiment de la jalousie chez le père et
échauffer l’imagination du fils qui a commencé à écrire des lettres à la belle
inconnue. C’est ainsi que la relation amoureuse a été liée. L’étreinte décrit
l’aventure vécue par deux amants à l’ombre d’une histoire racontée dans
Passion simple. Si pour Annie Ernaux cette liaison était sans avenir à cause
de la différence d’âge, la réticence de Vilain résidait dans la jalousie qu’il
dissimulait avec difficulté. Ce sentiment se raffermissait au fur et à mesure
qu’il retrouvait dans les attitudes de son amante l’image exacte de la narratrice de Passion simple. Comme c’est souvent le cas dans ce type d’histoire,
la « cristallisation» d’amour au sens stendhalien et proustien du terme,
tourne vite en un calvaire de «décristallisation». Philippe Vilain n’a pas
échappé à la règle. Incapable de rationaliser l’existence d’un Russe dans la
vie de son amante, il est devenu vite soupçonneux. Ne pouvant pas se libérer
de ce cauchemar, il était même convaincu que le père lui a transmis le virus
de la jalousie (cf. p. 61).
En se reportant à l’histoire du Russe racontée dans le livre d’Ernaux,
il construit son autofiction en s’imaginant tantôt comme prisonnier, tantôt
comme tortionnaire. Plus il s’investissait pour comprendre la relation d’Ernaux
avec l’amant russe, plus il prenait conscience que la vérité de cette histoirelà était tributaire de sa souffrance. La jalousie qui le torturait devenait en
elle-même roman sur l’impossible amour entre lui et cette femme. La rupture symbolisée dans le texte par une scène lors de laquelle Vilain ramasse
des morceaux de la photo du Russe, déchirée en toute hâte par Ernaux, lui
fait comprendre qu’avec ce geste de l’amante, son ancien ami a perdu une
dimension magique. Ce n’est donc pas de lui qu’il était jaloux, mais de son
image figée par l’auteur de Passion simple. La scène de la photo déchirée est
précédée dans le texte par le rapprochement symbolique de deux bibelotsimages disposés par Annie Ernaux sur une étagère de sa chambre: une photo
d’eux prise à Venise et une reproduction du tableau de Picasso L’étreinte de
1903. Sur le tableau pastel de Picasso, on voit un homme et une femme enceinte nus en train de s’étreindre devant leur lit. Ces deux figures désolées
et pliées sous le poids des épreuves engendrent une espèce de désenchantement. Malgré un geste tendre et grave de deux amants, la grossesse de la
femme apparaît comme une difficulté supplémentaire de leur situation. Philippe Vilain perçoit cette association de deux images comme un signe de la
différence d’âge et de culture entre lui et Ernaux, et surtout un signe de l’impossible, cet impossible qu’Annie Ernaux a mis en relief dans Fragments
14 Quelques...
210
Jerzy Lis
autour de Philippe V en imaginant une figure de «femme à la bouche épaisse
dévorant le visage». Il ne saurait y avoir de meilleure représentation du deuil
amoureux que les deux amants sont en train, chacun à leur tour, d’anticiper,
comme il ne saurait y avoir d’exemples plus évocateurs de la jalousie qui se
lisent à travers Fragments... et L’étreinte.
En 2002 Annie Ernaux a publié à son tour un livre L’Occupation13 qui
peut être considéré comme une réécriture de L’étreinte d’autant plus que le
thème de la jalousie développé par l’auteur rejoint la thématique du livre de
Vilain. Nous sommes donc à l’étape suivante de ce dialogue intertextuel initié par Fragments... qui mettent l’accent sur la liaison étroite entre l’acte
d’écrire et l’acte de faire l’amour. À la suite de la lecture chronologique des
trois textes qui précèdent L’occupation (Passion simple, Fragments... et
L’étreinte), il est intéressant de constater que les sentiments de la jalousie
et de l’attente présents dans tous les textes sont décrits par les deux auteurs
comme les thèmes par excellence littéraires qu’on ne peut juger du point de
vue moral. Annie Ernaux en était consciente en rédigeant Passion simple,
car dans l’incipit du livre la narratrice invite le lecteur à supprimer pour un
temps tout jugement moral:
Il m’a semblé que l’écriture devrait tendre à cela, cette impression que
provoque la scène de l’acte sexuel, cette angoisse et cette stupeur, une suspension du jugement moral14.
La passion pour un diplomate russe est vécue non comme une expérience
personnelle intime, digne d’être retenue dans un récit autobiographique,
mais comme un jeu ou un devoir littéraire où il faut réussir chaque scène ou
chaque détail15. Dans les fragments métadiscursifs, Ernaux ne manque pas
de signaler sa vraie intention d’accumuler « les signes d’une passion », en
se désintéressant totalement de la forme littéraire que devait prendre le
récit. Sur les pages de Fragments... qui relatent la rencontre avec l’étudiant,
plusieurs scènes d’amour et les soi-disant créations artistiques, on lit le
même désir de subordonner la passion amoureuse à l’écriture. De nouveau,
le lecteur assiste à une mise en scène savamment orchestrée d’une liaison
impossible. La narratrice semble dominer sur cette passion hors du commun
En 2001 Annie Ernaux a publié dans le supplément du « Monde » une nouvelle
intitulée L’occupation. C’est à partir de ce texte qu’a été élaborée la version définitive, publiée un an plus tard chez Gallimard.
14
A. E r n a u x : Passion simple..., p. 12.
15
« Souvent, j’avais l’impression de vivre cette passion comme j’aurais écrit un
livre : la même nécessité de réussir chaque scène, le même souci de tous les détails », cf.
ibidem, p. 23.
13
Annie Ernaux et Philippe Vilain...
211
qui dès le départ n’apparaît que comme un jeu à visées littéraire et artistique16.
Il est difficile de prouver si Philippe Vilain a lu ces deux textes comme
des créations autonomes, indépendantes de la nature de l’engagement personnel de leur auteur. La stylisation de L’étreinte sur les particularités de
l’écriture ernalienne permet pourtant de constater que l’auteur a pensé charger son projet autofictionnel des mêmes objectifs. Seule la passion vécue réellement, cette passion dont il était victime d’une manière ou d’une autre, l’empêche de le confirmer avec une conviction absolue. Dans son livre Défense
de Narcisse, on trouve un passage qui en dit long sur son hésitation:
En donnant une suite à Passion simple, en empruntant le style à celle
dont je partageais la vie, il est très probable que je souhaitais à la fois
m’inscrire dans une généalogie littéraire et inventer, par le jeu hypertextuel, une manière d’écriture jalouse et incestueuse, d’Œdipe d’écriture [...]17.
Le fait est que L’étreinte est d’abord un texte qui, tout en imitant le style
de son amie, s’en prend à la biographie réelle d’Annie Ernaux et de son ancien partenaire, avant de devenir une autofiction sur la passion jalouse et sur
la liaison incestueuse mère—fils.
Dans L’occupation, Annie Ernaux reprend à son compte le thème de la
jalousie, comprise par elle comme une sujétion, à la fois contrainte et oppression. Les deux textes s’enchaînent avec une logique impressionnante, car
après Vilain, c’est Ernaux qui prend à nouveau la parole pour interpréter ce
sentiment douloureux dont elle est vicitime, elle aussi. Il ne fait pas de
doutes qu’à l’origine de L’occupation, aussi bien dans sa version de 2001 que
dans celle, plus longue, de 2002, il y a des sentiments de déception et de rancune contre son ex-partenaire qui, dans L’étreinte, a donné d’elle une image
plutôt défavorable. Même si à la fin de son texte Vilain hésite avant
d’avouer qu’elle était la cause directe de la séparation, c’est sur Annie qu’il
rejette la responsabilité de leur rupture, mais c’est bien lui qui en a pris la
décision. La scène de leur dernière rencontre qui mêle la curiosité de l’écrivain pour le perroquet de Flaubert et l’indifférence totale du narrateur laisse
une vive impression que dès les débuts leur liaison était vouée à l’échec.
Dans la séquence suivante, Vilain ne cache pas qu’en écrivant le livre, il était
en train de travailler à leur perte définitive, car l’un d’eux devait tuer et l’autre
mourir. Dans ce contexte, en mettant au jour leur histoire, il s’est donné la
tâche d’aller jusqu’au bout dans ce meurtre symbolique de son amante.
16
« Je revenais continuellement sur mon geste, ma main dans ses cheveux, sans lequel rien ne se serait produit. Le souvenir de ce geste, par-dessus tout, me remplissait
de jouissance», cf. A. E r n a u x : Fragments autour de Philippe V..., p. 26.
17
Ph. V i l a i n : Défense de Narcisse..., p. 60. C’est nous qui soulignons.
14*
212
Jerzy Lis
La réécriture du texte de Vilain faite par Ernaux dans L’occupation est
une tentative de remettre les choses à leur place. L’écrivain donne son
point de vue à la fois sur la relation avec l’étudiant et sur la jalousie qui le
torturait tout au long de leur aventure commune. Le lecteur apprend tout
d’abord que c’est Annie qui a quitté Philippe et non pas inversément
comme l’avoue le jeune homme dans son récit. En le disant, elle s’obstine à
confirmer l’incessante maîtrise de la situation dans laquelle elle s’est trouvée. Aussi la voit-on se distancier de l’engagement affectif de Philippe pour
sauvegarder sa liberté gagnée après les années de mariage et pour préserver
ainsi son indépendance de femme et d’écrivain. Les propos qu’elle tient ne
laissent pas de doutes qu’outre les rapports sexuels, ses attentes vis-a-vis
de l’amant étaient limitées à une curiosité professionnelle. Elle semble convaincre le lecteur que l’apparition de l’étudiant dans sa vie n’était qu’une
aventure de plus qui lui fournissait un sujet littéraire intéressant.
Contrairement au récit de Vilain où deux trames principales du texte:
reconstruction du lien amoureux et vision autofictionnelle de la jalousie,
sont relativement équilibrées, dans L’occupation Annie Ernaux passe outre
à une remémoration du passé commun pour entamer un récit sur sa propre
jalousie ou plus exactement sur un état d’occupation par la jalousie. Il va de
soi que la suggestion de la contrainte et de l’entrave à la liberté comprise
dans le titre, reprend la même idée de la pression exercée sur l’individu
qu’évoque L’étreinte de Vilain. Le texte d’Ernaux est une étude clinique sur
la jalousie et la souffrance qui en découle. Saisie par ce sentiment douloureux,
la narratrice poursuit une enquête afin d’identifier une nouvelle compagne
de son amant. Le désir de savoir qui est cette dame occupe son temps du
matin au soir et fait d’elle une prisonnière de sa propre obsession.
L’occupation ouvre par une réflexion suivante:
J’ai toujours voulu écrire comme si je devais être absente à la parution du texte. Écrire comme si je devais mourir, qu’il n’y ait plus de juges.
Bien que ce soit une illusion peut-être, de croire que la vérité ne puisse
advenir qu’en fonction de la mort.
p. 11
Cet aveu renoue bien évidemment avec la réflexion finale chez Vilain,
et qui plus est, avec un souhait formulé au début de Passion simple où la
narratrice tend vers l’écriture libérée de tout jugement moral. On voit dans
ces trois exemples l’intention explicite d’aller jusqu’au bout dans la recherche
de sa propre vérité qu’on ne retrouve que lorsqu’on transgresse les limites
du dicible et de l’imaginable. C’est dire que, quelle que soit l’écriture, elle
exige du courage pour dire des choses qui bravent les habitudes et les goûts
Annie Ernaux et Philippe Vilain...
213
traditionnels. Se permettre quelques audaces lors de l’écriture, c’est en
même temps avoir la confiance en soi, être convaincu que la vérité ne peut
être atteinte qu’à ce prix. Aussi n’est-il pas étonnant que Ernaux essaie de
réécrire à sa façon L’étreinte pour rectifier l’idée que Vilain avait d’elle.
La réécriture d’un texte autobiographique par l’autre relève d’un rapport
de forces de deux personnes concernées. Dans les textes indécidables comme
ceux qui ont été étudiés ci-dessus, donc les récits suspendus entre le référentiel et l’imaginaire, le dévoilement de la vérité par une personne est considéré
comme une délation qui, pour les raisons évidentes, oblige l’autre partie à
se défendre contre les propos diffamatoires ou tout simplement mensongers.
Toute déformation de la réalité, tout sentiment d’altération du vécu ou tout
simplement une autre vision du passé commun amènent l’autre à prendre
la parole pour sauvegarder sa personnalité ou sauver sa réputation. La
réécriture croisée Ernaux—Vilain, relève des incompatibilités et des différences de toutes sortes qui les empêchent de vivre la réalité de la même manière. L’écriture telle qu’ils la pratiquent est un moyen d’humilier le partenaire par une irrévocable conviction que pour posséder l’autre il suffit de le
créer à l’aide de sa propre souffrance.
Wac³aw Rapak
Université Jagellonne, Cracovie
W ou le souvenir d’enfance de Georges Perec —
une ré-écriture ressassante
Une « découverte » qu’on ressasse
devient la découverte du ressassement.
M. Blanchot, L’écriture du désastre1
Si, théoriquement, l’on peut supposer que le modèle accompli du volume
centré sur le thème de la réécriture est une réécriture (en tant que citation,
reprise et répétition), je ne vais faire, au départ, que ré-écrire2 quelques passages du W ou le souvenir d’enfance de Georges Perec, l’auteur ré-écrivant3
modèle.
Quinze ans après la rédaction de ces deux textes — dit Perec au sujet
des deux souvenirs, ceux de son père et de sa mère, fondateurs du chapitre
VIII et co-fondateurs de l’ensemble des souvenirs d’enfance — il me semble
toujours que je ne pourrais que les répéter. [...] il me semble que je ne parviendrai qu’à un ressassement sans issue [...]4.
M. B l a n c h o t : L’écriture du désastre. Paris, Gallimard, 1980, p. 103.
Ne faire que ré-écrire serait là, au moment du colloque sur la réécriture, une vraie
provocation, mais une provocation fort instructive, pour mettre en évidence ce que c’est
que l’idéal « re-scriptural ». Et que dire du discours critique littéraire ? N’est-il pas, en
tant que lecture, comme toute lecture, en partie rescriptural.
3
J’y fais allusion au sens d’« écrivant » proposé par Roland B a r t h e s et à sa formule : « pour l’écrivain, écrire est un verbe intransitif », dans « Écrivains, écrivants ». In:
Id e m : Essais critiques. Paris, Seuil, coll. « Points », 1964, p. 149.
4
G. P e r e c : W ou le souvenir d’enfance. Paris, Denoël, coll. L’Imaginaire, 1975,
chap. VIII, p. 58.
1
2
W ou le souvenir d’enfance...
215
Plus loin:
Je ne sais pas si je n’ai rien à dire, je sais que je ne dis rien ; je ne sais
pas si ce que j’aurais à dire n’est pas dit parce qu’il est l’indicible (l’indicible n’est pas tapi dans l’écriture, il est ce qui l’a bien avant déclenché) ;
je sais que ce que je dis est blanc, est neutre, est signe une fois pour toutes
d’un anéantissement une fois pour toutes.
C’est cela que je dis, c’est cela que j’écris et c’est cela seulement qui
se trouve dans les mots que je trace, et dans les lignes que ces mots
dessinent, et dans les blancs que laisse apparaître l’intervalle entre ces
lignes [...]5.
Plus loin:
[...] je ne retrouverai jamais, dans mon ressassement même, que l’ultime
reflet d’une parole absente à l’écriture, le scandale de leur silence et de
mon silence : je n’écris pas pour dire que je ne dirai rien, je n’écris pas
pour dire que je n’ai rien à dire. J’écris: j’écris parce que nous avons vécu
ensemble, parce que j’ai été un parmi eux, ombre au milieu des ombres,
corps près de leur corps ; j’écris parce qu’ils ont laissé en moi leur marque
indélébile et que la trace en est l’écriture : leur souvenir est mort à l’écriture ; l’écriture est le souvenir de leur mort et l’affirmation de ma vie6.
Les passages que je viens de citer confirment ce que mon titre annonce
qu’au centre des remarques qui suivent se trouvent, d’un côté, l’écriture et
le ressassement pris ici pour une variante de la réécriture, et de l’autre, la
mort et la vie. Il semble aussi évident que ce tragique enchevêtrement du
scriptural et de l’existentiel, que la réécriture ultime porte au rang de la
littérature autobiographique sublime et au rang du sublime moderne de la
littérature autobiographique, a pour lieu de manifestation les pages de W ou
le souvenir d’enfance.
Un nombre important d’ouvrages critiques consacrés à la création perecquienne permet d’ores et déjà une généralisation aux traits d’une évidence
que la réécriture — un de ses procédés de base, compris ici toujours dans
son sens large de citation, reprise, répétition — fonde l’œuvre de Perec et
qu’elle est inscrite dans sa poétique depuis ses origines. Les premières tentatives littéraires perecquiennes, dites de jeunesse, fournissent des preuves
textuelles d’un projet initial où la réécriture avait déjà un rôle important
à remplir. Ewa Pawlikowska, qui s’est penchée sur les manuscrits et les tapuscrits, pourvus de notes manuscrites, de ses trois premières ébauches
5
6
Ibidem, pp. 58—59.
Ibidem, p. 59.
216
Wac³aw Rapak
d’écriture, notamment Les Barques, Le Condottiere ou le dernier des gestes7
et La Procession. Phantasme8, soutient, quelques pièces à conviction fournies
au lecteur de son article, que les trois textes de jeunesse perecquiens témoignent du goût particulièrement prononcé, même à l’état naissant de son
talent, pour ce qu’elle nomme «le travail d’élaboration citationnelle» où, timidement, se manifestent deux procédés rescripturaux de marque, c’est-àdire la citation et la citation de structure. Il est à noter que ce qui s’en dégage
en même temps, selon Pawlikowska toujours, c’est une «empreinte flaubertienne»9. Rappelons tout de suite que Les Choses, le premier roman publié
de Perec, mettra le modèle flaubertien en œuvre avec un brio magistral10.
Peut-être serait-il utile à ce propos de réécrire encore ceci:
Quant à Flaubert — dit Perec non sans humour dans une conférence
prononcée à l’Université de Warwick — il m’a servi de trois manières. Premièrement, j’ai repris des images, enfin des images..., des scènes, que Flaubert utilise dans L’Éducation sentimentale. [...] Le deuxième, je l’ai fait en
piquant une trentaine de phrases sans mettre de guillemets. [...] Et la troisième chose, c’est que j’ai construit mes phrases exactement comme Flaubert construit les siennes, c’est-à-dire avec un rythme ternaire11.
Ce dont ces textes de jeunesse témoignent encore, et ce que l’avenir confirmera, c’est la prédilection devenue professionnelle de Perec pour les listes,
pour les inventaires, pour les plans qui ne prendra de l’envergure que
quelques années plus tard. Associé par Pawlikowska à la forme d’îlots12, le style
À ne pas confondre avec Le Condottiere, le premier roman de Perec, inédit parce
que perdu ou disparu.
8
«Dans certains de ses fragments, il aniticipe aussi sur ce qui fera le style de Perec : des poèmes présentés graphiquement sous forme d’îlots et qui annoncent certains
poèmes de La Clôture et d’Alphabets », voir E. P a w l i k o w s k a : Premières tentatives
d’écriture : l’inachevé, le fragmentaire. In : Parcours Perec. Actes du Colloque de Londres,
mars 1988. Textes réunis par M. R i b i è r e. Lyon, Presses Universitaires de Lyon, 1990,
p. 16.
9
Ibidem, p. 14.
10
Il faut mentionner encore Roland Barthes que Perec croyait même le «modèle» plus
important que Flaubert. Voir M. R i b i è r e : Georges Perec, Roland Barthes : l’élève et le
maître. In : De Perec etc., derechef. Mélanges offerts à Bernard Magné. Réd. E. B e a u m a t i n, M. R i b i è r e. Joseph K, coll. Essais, 2005. Notons encore que M.P. Markowski
résume l’influence des séminaires de Barthes sur Perec en trois principes : 1. l’écriture
est une technique (techné retoriké) ; 2. l’écrivain est un homme sans qualités, où l’écho
du concept de la mort de l’auteur est manifeste ; 3. le texte littéraire est une invention.
M.P. M a r k o w s k i : Perekreacje, postface à sa traduction d’Un cabinet d’amateur ; dans
G. P e r e c: Gabinet kolekcjonera. Warszawa, Wydawnictwo KR, 2003, p. 122.
11
G. P e r e c : Pouvoir et limites du romancier français contemporain. In : Parcours
Perec..., p. 36.
12
Les savoirs insulaires et la forme définitive de W ou le souvenir d’enfance restent
en une relation intime et naturelle.
7
W ou le souvenir d’enfance...
217
perecquien manifeste ainsi dès le départ son trait dans la suite de sa carrière
dominant, c’est-à-dire le fragmentaire qui crypterait et décrypterait des «savoirs insulaires» ayant l’indicible, déclencheur d’écriture, à leur origine.
De l’avis de Perec lui-même, que la critique perecquienne partage entièrement, W ou le souvenir d’enfance occupe une position particulière dans
sa création. La conséquence en est que cette autobiographie paradoxale a un
statut littéraire qui la fait sortir du groupe d’œuvres régies par la poétique
de la contrainte. Comme il est évident que, contrairement à la généralisation énoncée il y a peu — disant que la réécriture est fondatrice de la
création littéraire de Perec — W ou le souvenir d’enfance ne peut pas être
interprété en termes de réécriture, si cette dernière avait simplement à signifier une imitation, une transformation ou une intertextualité aux sens communément admis. Non seulement que cette autobiographie paradoxale échappe
aux dominantes rescripturales des textes non-autobiographiques, tels que le
chef-d’œuvre de la réécriture perecquienne13 qu’est indiscutablement La vie
mode d’emploi, mais ne s’aligne pas non plus sur la logique de création des
autres écrits de nature autobiographique et autobiographisante.
Philippe Lejeune, auteur de La Mémoire et l’Oblique, une étude génétique incontournable sur la création autobiographique de Perec, écrit que
«l’autobiographie est un texte, engendré par le travail sur d’autres textes»14
et énumère entre autres L’Âge (Les Lieux de la trentaine), projet autobiographique non-abouti, une réécriture d’André Gorz; Lieux où j’ai dormi, projet laissé en suspens, en relation intertextuelle avec les premières séquences
de Du côté de chez Swann de Proust; Je me souviens, projet réalisé, une
imitation architextuelle non-parodique (ou citation de structure) de I Remember de Joe Brainard. Lejeune mentionne à la fin un autre modèle intertextuel patiemment suivi par Perec, une écrivaine japonaise du XIe siècle, Sei
Shônagon, auteur de Notes de chevet, inspiratrice, elle aussi, de sa poétique
de l’inventaire, qui, comme écrit Perec lui-même dans Penser/Classer, «ne
classe pas; elle énumère et recommence. Un thème provoque une liste, de
simples énoncés ou d’anecdotes. Plus loin, un thème presque identique produira une autre liste, et ainsi de suite»15. Tels sont, pour et chez Perec, les
À mettre en parallèle avec les plus grandes réussites de Jorge-Luis Borges. Au sujet
de ce dernier voir une étude de Michel L a f o n: Borges ou la réécriture. Paris, Seuil, coll. Poétique, 1990. Se référant aux ouvrages de Compagnon (La Seconde Main ou le Travail de la
citation) et de Genette (Palimpsestes. La littérature au second degré), l’auteur dit : « Outre
leur apport scientifique, ces deux études ont donc pour moi l’intérêt d’associer comme
inévitablement la réécriture à cette œuvre [de Borges], de confirmer qu’il n’est pas de
théorisation de la réécriture sans Borges ni de Borges sans réécriture ». Ibidem, p. 13.
14
Ph. L e j e u n e : La Mémoire et l’Oblique. Georges Perec autobiographie. Éditions
POL, 1991, p. 41.
15
G. P e r e c : Penser/Classer. In : I d e m: Penser/Classer. Paris, Hachette, coll. Textes
du XXe siècle, 1985, p. 165.
13
218
Wac³aw Rapak
fondements d’un réalisme dépourvu d’apriorisme épistémologique16. Qu’on
dise liste, inventaire ou recensement, le principe en est celui du ressassement. Tentative d’épuisement d’un lieu parisien en fournit un exemple
emblématique. Si Manet van Montfrans, dans son Georges Perec. La contrainte du réel (le titre en lui-même éloquent), propose une distinction
entre le «réalisme critique » et le « réalisme citationnel »17, cette tentative,
à mettre parmi d’autres tentatives perecquiennes du même type, semble se
situer entre les deux réalismes et proposer ainsi un cas intéressant de ce qui,
comme un recensement méthodique, a les traits d’une réécriture ressassante
de la réalité.
Ce qui précède pourrait compléter ma propre tentative de brosser un
portrait de Perec en artiste postmoderne entreprise en 1997 au moment du
Colloque sur Le romanesque français de deux fins de siècle XIXe et XXe, organisé par la Romane de Katowice. L’hypothèse d’alors, de ma communication sur Georges Perec et quelques aspects du récit postmoderne, reposait principalement sur la structuration de la parataxe propre à nombre de textes
perecquiens. Pourtant, cette œuvre peut être dite postmoderne pour cette
raison aussi qu’elle recourt à ce que je nommerais la réécriture paratactique
devenue un procédé fréquent, voire favori, de la quasi totalité de ses textes.
Cette réécriture relève de la mimèsis nouvelle, moderne et/ou postmoderne
où le jeu inter(intra)textuel et le jeu de référence(s) entretiennent des relations nouvelles18. Il n’est plus question d’un réalisme traditionnel avec ses
a priori vrais pour les catégories narratives de base. Ainsi, le récit postmoderne manifeste sa préférence pour le présent qui, étant non-chronologique,
prend la forme de plusieurs moments discontinus, souvent de nature ressassante. Là, comme le formule Ronald Sukenick, « la réalité est donc une
expérience vécue du sujet écrivant»19. Son but de nature réaliste est l’exhaustivité de la nouvelle re-présentation où liste, inventaire ou recensement
servent d’outils d’investigation. C’est pour cette raison que la critique perec16
17
1999.
M.P. M a r k o w s k i : Perekreacje..., pp. 103—113.
M. van M o n t f r a n s : Georges Perec. La contrainte du réel. Éditions Rodopi B.V.,
«Il est des auteurs qui invitent à penser le jeu intertextuel en termes de référence,
tant chez eux l’articulation entre livres et monde est étroite » — écrit Tiphaine Samoyault au début de son article consacré à Jacques Poulin. En conclusion elle émet une
généralisation à propos de son œuvre où Perec trouverait, là aussi, une place : « Cette
œuvre permet ainsi d’approcher un mode particulier de la récriture, où la référencialité
— travail de la référence — devient le mode biaisé de la référentialité». T. S a m o y a u l t :
Référence et post-modernité : Jacques Poulin. « Littérature » 1999, no 113, mars, pp. 115
et 123.
19
Cité d’après R. N y c z : Tekstowy œwiat. Warszawa, Instytut Badañ Literackich,
p. 138.
18
W ou le souvenir d’enfance...
219
quienne recourt aux métaphores du patchwork et du palimpseste au moment
de proposer des interprétations de cette œuvre, l’autobiographie paradoxale y comprise.
Les fata de W ou le souvenir d’enfance, on le sait, sont d’une grande
durée et d’une grande complexité. Les deux facteurs que je viens d’évoquer
ont de l’importance pour mon propos sur la réécriture ressassante qui y est,
comme je l’ai déjà dit, présente mais autre que dans les réécritures canoniques perecquiennes, tels que, je l’ai dit, La vie mode d’emploi ou, pour l’écriture autobiographique, Je me souviens. Sachant que cette autobiographie
paradoxale est hétérogène et qu’elle se compose de «deux textes simplement
alternés», comme l’écrit Perec lui-même en quatrième de couverture avec un
air de rien, il faut dire que les deux textes, de la fiction W et des souvenirs
d’enfance, ne forment un tout qu’en 1975 et qu’à la rédaction définitive le
premier d’entre eux, celui de la fiction W, n’a subi que quelques correctionstransstylisations minimes — pourtant intratextuellement et sémiotiquement
importantes20 — par rapport à la publication première de W qui a lieu, on le
sait, dans «La Quinzaine Littéraire» entre septembre 1969 et août 197021.
Un long inventaire des réécritures à l’œuvre dans W ou le souvenir d’enfance
commence à peine d’être fait.
À l’origine de l’histoire de l’île W, prise pour quelques instants pour un
tout indépendant, distinct des souvenirs d’enfance, comme c’était vrai pour
Perec dans la seconde moitié de l’année 1969, avant que l’idée de l’associer
à l’autobiographie d’enfance ne naisse, se trouve d’abord un goût particulier
pour la littérature dans son sens généralisé où elle est, comme le formule
Perec lui-même dans le chapitre XXXI22 de W ou le souvenir d’enfance,
«source d’une mémoire inépuisable, d’un ressassement, d’une certitude»23.
Manet van Montfrans écrit succinctement au sujet de la «jouissance» de la
(re)lecture qu’évoque Perec dans le même passage:
Le plaisir du texte est ici plaisir du retour, du ressassement, [...] Le
chiasme de l’amour et de la relecture — « je relis les livres que j’aime et
20
Voir O. J a v a l o y e s - E s p i é : « Contre “l’évidence apparente” », dans : Cahiers
Georges Perec. No 2 : W ou le souvenir d’enfance: une fiction. Réd. M. B é n a b o u. «Cahiers
textuel » 34/44. Paris, UER Sciences des textes et documents, 1998.
21
Tout lecteur désireux de disposer des détails et nuances de cette réécriture doit
consulter des ouvrages critiques sur Perec tels que: D. B e l l o s : Georges Perec. Une vie
dans les mots. Biographie, version française de Georges Perec. A Life in Words, trad. de
F. C a r t a n o et D. B e l l o s. Paris, Seuil, 1994 ; Ph. L e j e u n e : La Mémoire et l’Oblique... ; Cl. B u r g e l i n : Georges Perec. Paris, Seuil, coll. Les Contemporains, 2002.
22
Le chapitre autothématique où Perec parle de ses lectures d’enfance, partie
intégrante de ses souvenirs d’enfance.
23
G. P e r e c : W ou le souvenir d’enfance..., chap. XXXI, p. 193.
220
Wac³aw Rapak
j’aime les livres que je relis » [formulation est à Perec] — fait du relire
un relier, qui permet de dépasser toute fragmentarité. Le plaisir est celui
du retour parce que le retour constitue des repères, qui font, pour le sujet lisant, parenté24.
Insister sur cet aspect de la (re)lecture, ce que je fais, a pour objectif de
mettre en évidence que l’enjeu en est existentiel et que pour Perec, dès son
enfance, la littérature lue et relue avec passion impliquait déjà «d’autres absents, et introuvables»25. La (ré)écriture suivra la même alliance.
Parmi les premières lectures dont Perec se souvienne26 il y a des romansfeuilletons27. Devenue réminiscence, au sens psychologique du terme, cette
forme-structure s’est imposée à la rédaction de W. Mais ce n’est pas cette
variante de la réécriture que je mettrai en avant. Ce que Perec explicite, ce
que la critique étudie et analyse, c’est le jeu intertextuel qu’entretient W avec
les romans d’aventure de Jules Verne28. Le modèle vernien a certainement
compté au moment de la création de W29. Cela n’est pourtant pas vrai pour
la totalité de cette fiction, mais seulement, on le sait, pour la première partie de W, c’est-à-dire pour les feuilletons publiés dans «La Quinzaine littéraire» jusqu’à la mi-janvier 1970, et, dans la réalité postérieure de la rédaction définitive de W ou le souvenir d’enfance, cela revient aux fictions W
à lire dans la première partie d’avant la page blanche portant les points de
suspension, ce qui marque un manque qui (c)ouvre l’indicible, et que Lejeune
nomme «liposème autobiographique»30.
M. van M o n t f r a n s : Georges Perec..., pp. 421—422.
G. P e r e c: W ou le souvenir d’enfance..., chap. XXXI, p. 193.
26
Ibidem, p. 191.
27
« Les premières lectures [de Perec] sont celles de romans-feuilletons prêtés par
le cousin Henri. Elles sont à l’origine d’un goût pour le détail, pour la relecture et pour
le ressassement », dit T. S a m o y a u l t, dans « W ou le souvenir d’enfance » de Perec, étude
de l’œuvre. Paris, Hachette, 2006, p. 49.
28
« [...] je lis peu, mais je relis sans cesse, Flaubert et Jules Verne, Roussel et Kafka, Leiris et Queneau », G. P e r e c : W ou le souvenir d’enfance..., chap. XXXI, p. 193.
29
« La lecture de la description de cette Île mystérieuse dans le roman de Verne
révèle le travail minutieux de la réécriture [...] », M. van M o n t f r a n s : Georges Perec...,
p. 213. À ce sujet voir aussi V. B o u c h o t : Intertextualité vernienne dans « W ou le souvenir d’enfance ». In : Études Littéraires : Georges Perec : écrire/transformer. Vol. 23, no 1—
2. Université de Laval, Québec, 1990 ; G. M o u i l l a u d - F r a i s s e: W ou le souvenir d’enfance: une réécriture multiple. In : Cahiers Georges Perec...
30
« Le type même de l’autobiographie liposémique est W ou le souvenir d’enfance.
Le caractère liposémique du livre est signifié par la présence, en son coeur, d’une page
blanche qui porte seulement les signes suivants : [...]. L’analogie du liposème et du lipogramme est suggérée par la dédicace du livre, ainsi formulée : [pour] à E », Ph. L e j e u n e : Une autobiographie sous contrainte. « Le Magazine littéraire » 1993, n° 316,
décembre.
24
25
W ou le souvenir d’enfance...
221
La réécriture joue aussi pour les feuilletons publiés jusqu’au mois d’août
1970 et les fictions W telles qu’elles sont dans la deuxième partie de W ou
le souvenir d’enfance, celle d’après la page blanche, où l’on n’est plus dans
l’univers d’aventure du type vernien. Gaspard Winkler31, protagoniste de
cette aventure, disparaît. Le narrateur se métamorphose en un observateur,
une sorte de voix off, une «voix spectrale qui peut bien être celle du fantasme»32. Au récit succède une description de la cité sportive «où le sport est
roi». Si réécriture il y a, elle revêt une forme décidément plus libre bien que
la critique fournisse un triple modèle intertextuel, celui du village olympique,
«de ce qu’à Olympie même on appelait le Leonidaion»33, de la Sparte antique et de l’univers concentrationnaire34.
Ce dernier modèle ouvre sur la réécriture d’autres écritures à l’intérieur
de l’œuvre. Le dernier chapitre de W ou le souvenir d’enfance, qui, dans la
version définitive, fait partie des souvenirs et non pas de la fiction W, bien
que, en août 1970, il ait figuré à la fin du feuilleton W, comporte la citation
d’un long fragment de L’Univers concentrationnaire de David Rousset35 que
Perec modifie légèrement en vue d’imposer à celui-ci une portée plus générale.
Cette intertextualité externe qui se cherche des visées autothématiques
et métatextuelles fait du co-texte (citation de Rousset) un point stratégique
du livre. L’horreur qui se manifeste progressivement pour trouver la note ultime dans le chapitre XXXVI, le dernier de la fiction W, avec l’image finale
«des tas de dents d’or, d’alliances, de lunettes, des miliers et des miliers de
vêtements en tas, des fichiers poussiéreux, des stock de savon de mauvaise
qualité»36, trouve ensuite un contrepoint dramatique dans une vision n’étant
guère fantasmatique, tout au contraire, ayant des traits d’un témoignage
objectif. Dire que le texte de Rousset a bien servi à Perec d’une matrice ensuite réécrite, telle une transcontextualisation, serait sans doute faux, mais
la longue citation aux traits et avantages du «mot d’autrui» bakthinien —
par ailleurs, en accord avec la polyphonie de voix que forme le tout — semble
vouloir confirmer de l’extérieur la vérité des camps de concentration nazis et,
par la voie intratextuelle, de créer un parallélisme entre — comme je disais
— la fin de la fiction W et la fin du livre.
Ce nom se prête aussi à de multiples lectures rescripturales intratextuelles —
dès Le Condottiere (1960) jusqu’à La vie mode d’emploi (1978).
32
A. R o c h e : « W ou le souvenir d’enfance » de Georges Perec. Paris, Gallimard, coll.
Foliothèque, 1997, p. 28.
33
G. P e r e c : W ou le souvenir d’enfance..., chap. XII, p. 100.
34
M. van M o n t f r a n s : Georges Perec..., note 146, p. 219.
35
Son inspiration était aussi, bien qu’indirectement L’Espèce humaine de Robert
Antèlme.
36
G. P e r e c: W ou le souvenir d’enfance..., chap. XXXVI, p. 218.
31
222
Wac³aw Rapak
Si la présence du texte de Rousset relève de l’explicite, il y a encore un
auteur de la littérature concentrationnaire dont le nom est presque toujours
évoqué sans qu’il y soit question d’une réécriture aux traces matérielles facilement dégageables. Il s’agit de Robert Antèlme, auteur de L’Espèce humaine, publié deux ans après la guerre, qui est un livre-témoignage sur l’univers concentrationnaire37. Les résultats du travail génétique de Philippe Lejeune montrent qu’au moment où Perec en était encore au projet d’un ensemble autobiographique tripartite (fiction, intertexte métalittéraire, souvenirs d’enfance), la première série devait porter la dédicace à Antèlme38. Pour
ne dire que la critique recourt au fait que Perec était l’auteur d’un article sur
L’Espèce humaine39. Le réseau intertextuel externe aide à cerner le problème
que pose la description de la vie sur l’île W.
La réécriture d’autres écritures me fait retourner à la gestation de W ou
le souvenir d’enfance. C’est d’autant plus plausible que Perec en fait un usage
autothématique et ceci aussi bien pour le contexte immédiat — 1969—
1975; de la rédaction du roman feuilleton à la publication de l’ensemble —
que pour le contexte large qui compte plus de 25 ans. C’est ce dernier qu’il
remémore au chapitre II, juste au début de la partie autobiografique:
À treize ans, j’inventai, racontai et dessinai une histoire. Plus tard je
l’oubliai. Il y a sept ans, un soir, à Venise, je me souvins tout à coup que
cette histoire s’appelait « W » et qu’elle était, d’une certaine façon, sinon
l’histoire, du moins une histoire de mon enfance.
En dehors du titre brusquement restitué, je n’avais pratiquement aucun souvenir de W. Tout ce que j’en savais tient en moins de deux lignes :
la vie d’une société exclusivement préoccupée de sport, sur un îlot de la
Terre de Feu. [...]
Je retrouvai plus tard quelques-uns des dessins que j’avais faits vers
treize ans. Grâce à eux, je réinventai W et je l’écrivis, le publiant au fur et
à mesure, en feuilleton, dans «La Quinzaine Littéraire », entre septembre
1969 et août 197040.
« L’homme des camps est au plus près de l’impuissance. Tout le pouvoir humain
est en dehors de lui, comme est en dehors de lui l’existence en première personne, la
souveraineté individuelle, la parole qui dit “Je” » — écrit M. B l a n c h o t sous l’effet de
L’Espèce humaine, voir L’expérience-limite, dans L’Entretien infini. Paris, Gallimard,
1969, p. 194. Plus loin Blanchot dit encore qu’« on peut donc dire que lorsque, par l’oppression et le malheur, mon rapport avec moi-même se perd et s’altère, [...] le besoin
devient le besoin radical, sans satisfaction, sans valeur, qui est le rapport nu à l’existence
nue, [...] ». Ibidem, p. 196.
38
Ph. L e j e u n e : La Mémoire et l’Oblique..., pp. 115—117.
39
Voir G. P e r e c : Robert Antèlme ou la vérité de la littérature, publié d’abord dans
la revue « Partisans », no 8, 1963, repris dans L.G. Une aventure des années soixante. Paris, Seuil, coll. La librairie du XXe siècle, 1992.
40
G. P e r e c : W ou le souvenir d’enfance..., chap. II, p. 14.
37
W ou le souvenir d’enfance...
223
En un exposé des plus sommaires, il faut redire qu’en 1948—1949 Perec a inventé l’histoire de l’île W dont témoignent quelques dessins (dont
quatre se sont conservés). David Bellos note à ce propos:
Et ce sont ces dessins — l’histoire originale de la société insulaire de
W ou le souvenir d’enfance, oubliée ensuite et dont le souvenir ne résurgit qu’un soir de 1967, à Venise — qui valurent à Georges Perec d’être adressé à Françoise Dolto, psychothérapeute déjà réputé pour les problèmes
de l’adolescence41.
La psychothérapie d’avec la docteur Dolto a été la première d’une série
des trois. La seconde, avec Michel de M’Uzan, qui pouvait correspondre
à des premières tentatives d’écriture des souvenirs d’enfance, ceux du père
et de la mère, des souvenirs le condamnant à «un ressassement sans issue»42,
a commencé en 1956. La troisième, décisive pour la rédaction définitive de
W ou le souvenir d’enfance, était celle, faite avec Jean-Bertrand Pontalis, qui
a permis de «le faire naître, pour de bon, à lui-même »43. «Ce jour-là, constate Perec dans Les lieux d’une ruse, l’analyste entendit ce que j’avais à lui
dire, ce que, pendant quatre ans, il avait écouté sans l’entendre, pour cette
simple raison que je ne lui disais pas, que je ne me le disais pas»44. Cette succession des analyses dont toutes restent en une relation «oblique» avec cette
autobiographie que Philippe Lejeune nomme «psychanalytique »45, «une
espèce d’auto-psychothérapie»46, fait dire à van Montfrans que W ou le souvenir d’enfance est un palimpseste des analyses qui se superposent couche
par couche47. Vouloir l’expliciter, reviendrait à poser que sur la première psychothérapie, où le récit et les dessins des sportifs48 W ont joué, se superpose
la description de l’univers de l’île W (la Deuxième partie de W). Sur la seconde
psychothérapie, l’ai je dit, les souvenirs du père et de la mère, co-fondateurs
des souvenirs d’enfance. La troisième, qu’il faut dire fondamentale à l’ensemble des souvenirs ressassés qui, une fois pour toutes, prennent forme,
a dû en même temps aider à ce que la rédaction définitive puisse aboutir.
D. B e l l o s : Georges Perec..., p. 118.
G. P e r e c : W ou le souvenir d’enfance..., chap. VIII, p. 58.
43
Selon la formule de Pontalis, « Bornes ou confins ? », dans Entre le rêve et la douleur (Paris, Gallimard, coll. Connaissance de l’Inconscient, 1977) cité d’après A. R o c h e:
« W ou le souvenir d’enfance »..., p. 212.
44
G. P e r e c: Les lieux d’une ruse. In: I d e m: Penser/Classer..., p. 72.
45
« [...] un montage de symptômes, laissant le lecteur affronter seul le problème de
l’interprétation », Ph. L e j e u n e: La Mémoire et l’Oblique..., p. 65.
46
Ibidem, p. 66.
47
Voir M. van M o n t f r a n s: Georges Perec..., p. 150.
48
Il est à noter que les dessins ont joué le même rôle pour la réécriture de la fiction W que les photos pour les souvenirs d’enfance.
41
42
224
Wac³aw Rapak
Non sans lien avec ce qui précède demeure la dernière réécriture parmi les principales que je tente d’esquisser. Elle vient en dernier, mais —
à bien envisager la chose — elle se trouve à l’origine de toutes les écritures
et réécritures mentionnées. Au commencement était le fantasme. Ce qui est
difficile à prouver textuellement, in situ, mais capital à la compréhension de
l’énorme et douloureux travail accompli plus tard par Perec, c’est que ce fantasme était de nature autobiographique. La profonde transposition de l’horreur que l’enfant Perec ne pouvait pas comprendre, de la perte, de l’absence,
en un mot, de ce que la critique appelle le travail du deuil, du deuil éternellement ressassé, a fait naître le fantasme aux contours peu autobiographiques49. Tout porte à croire que ce fantasme se limitait à la cité sportive W,
préfiguration de l’univers concentrationnaire qui s’avérera finalement — par
ce que l’œuvre thématise — le modèle de W.
Pour ce qui est du récit d’aventure de la première partie de la fiction W,
elle est moins d’origine fantasmatique, plutôt littéraire, due, on le sait, aux
premières lectures d’enfance. À cette réécriture mise déjà en évidence se joint
celle qui joue intratextuellement pour instaurer quelques parallélismes
révélateurs entre le destin de Gaspard Winkler, protagoniste de cette partie,
et le sujet «embarrassé »50 des souvenirs d’enfance. Notons seulement des
analogies entre l’enfance du faux Winkler et de Perec, entre le statut du faux
Winkler qui est le seul survivant d’une catastrophe non représentée et Perec le seul survivant d’une catastrophe irréprésentable, entre la figure de
Caecilia Winkler (la mère du vrai Winkler) et Cyrla (Cecylia) Perec, née Szulewicz (la mère de Perec), et ainsi de suite. La lecture des chapitres I et II
paraît suffire.
Aux parallélismes thématiques prêtent leur concours les «sutures». La
suture, terme proposé par Bernard Magné, accepté par la critique perecquienne, «relève de l’implicite, du latent, du virtuel» et, comme le précise
Magné, «même si elle repose sur la récurrence ou la ressemblance de lexies
explicitement présentes dans l’énoncé et actualisées, la relation entre ces
lexies relève du translinéaire et donc du virtuel jusqu’à une lecture la pointe,
l’exhibe et l’actualise »51. Ces sutures, que Magné dégage et énumère52,
Sans pouvoir développer cette idée, je me fie à ce qu’a écrit Blanchot au sujet du
deuil : « Dans le travail du deuil, ce n’est pas la douleur qui travaille : elle veille », et le
fragment suivant, « Douleur, taillant, morcelant, mettant à vif ce qui ne saurait plus être
vécu, même dans un souvenir », voir M. B l a n c h o t : L’écriture du désastre..., p. 220.
50
Aux sens qui font étymologiquement penser aux apories.
51
B. M a g n é : Les sutures dans « W ou le souvenir d’enfance ». In : Cahiers Georges
Perec. No 2..., p. 29.
52
Selon la typologie proposée par B. Magné il y existent récurrences d’items avec
(sans) variation de forme, récurrences de syntagme, récurrences modales, récurrences
49
W ou le souvenir d’enfance...
225
forment tout un réseau (méta)textuel d’autocitations, reprises, répétitions
dont l’effet le plus profond est de relier (religare) ce qui est fragmentaire
et fragmenté. Le tragique enchevêtrement du scriptural et de l’existentiel
est à mettre parmi les œuvres modernes qui paraissent bien prouver que —
comme le formule Theodor W. Adorno — «l’art se spiritualise, non pas par
les idées qu’il transmet, mais par l’élémentaire »53. Chez Perec il relève du
ressassement.
avec homosyntaxisme, récurrences combinées à des ressemblances, ressemblances étymologiques, ressemblances synonymiques, parallélismes sémantiques, combinaisons de
récurrences et de ressemblances. B. M a g n é : Les sutures..., p. 36.
53
Th.W. A d o r n o: Théorie esthétique. Traduite de l’allemand par M. J i m e n e z. Paris, Klincksieck, 1974, nouveau tirage de 1982 (Collection d’Esthétique), p. 261.
15 Quelques...
Katarzyna Gadomska
Université de Silésie, Katowice
Les Frankenstein de Jean-Claude Carrière:
entre le roman de Mary Shelley
et le cinéma de James Whale
Dès sa publication, le fameux roman de Mary Shelley engendre de nombreuses réécritures ainsi que de nombreuses adaptations cinématographiques. Citons en à titre d’exemple quelques-unes: parmi les romans et les
nouvelles inspirés du mythe de Frankenstein: Le cas étrange du Dr Jekyll et
de Mr Hyde de R.L. Stevenson, L’Île du Dr Moreau de H.G. Wells, Herbert
West réanimateur de H.Ph. Lovecraft, Frankenstein délivré de B. Aldiss et
beaucoup d’autres. La filmographie en est également très riche: n’évoquons
que le diptyque de J. Whale1, la tétralogie de E.C. Kenton2, le cycle de
T. Fisher3, Gothic de K. Russel, Edward Scissorhands de T. Burton, enfin
Mary Shelly’s Frankenstein de K. Branagh. C’est surtout le cinéma qui contribue largement à simplifier et à cristalliser le véritable mythe de Frankenstein. En conséquence, la culture populaire, y inclus la littérature et le
cinéma, annexe le mythe en négligeant les subtilités du texte difficile de
Shelley et n’en retenant que quelques clichés.
En 1957, un écrivain français, se dissimulant tout d’abord derrière le
pseudonyme de Benoît Becker, et qui s’appelle Jean-Claude Carrière, entreFrankenstein (1931) ; The Bride of Frankenstein (1935).
The Ghost of Frankenstein (1942) ; The House of Frankenstein (1944) ; The House
of Dracula (1945) ; Abbott and Costello meet Frankenstein (1948).
3
The Curse of Frankenstein (1957) ; The Revenge of Frankenstein (1958) ; Frankenstein created Woman (1967) ; Frankenstein must be destroyed (1969) ; Frankenstein and
the Monster from Hell (1973).
1
2
Les Frankenstein...
227
prend de donner suite au livre de Mary Shelley en publiant toute une série
de romans d’horreur qui, à notre avis, rendent en même temps hommage aux
films de James Whale. Le cycle des Frankenstein de J.-C. Carrière demeure
donc au carrefour de la culture «haute» (Mary Shelley) et de la culture des
masses (le cinéma de James Whale et les motifs empruntés à la littérature
populaire). Le but de la présente étude est alors de montrer comment J.-C.
Carrière réécrit le mythe en question en profitant des sources aussi bien
«mainstream» que populaires et ensuite quelles en sont les conséquences
pour son cycle romanesque.
La trilogie de Carrière, qui englobe La Tour de Frankenstein, Les Pas de
Frankenstein, La Nuit de Frankenstein, se veut, d’après son auteur, la continuation de l’œuvre de Mary Shelley. Les titres cités plus haut, qui évoquent
le nom du protagoniste fameux, nous renvoient directement au texte de
Shelley. Pourtant, il n’est pas clair si Frankenstein désigne dans ce cas le
savant (comme dans l’hypotexte4) ou bien le monstre lui-même car des nombreuses réécritures et adaptations, surtout populaires, sont à l’origine du glissement de ce nom du créateur Victor Frankenstein vers sa créature et de leur
confusion fréquente.
Le cadre spatio-temporel du cycle se réfère également au texte de Shelley.
L’action du premier roman, La Tour de Frankenstein, commence soixante-dix ans après Frankenstein de Shelley. Les deux continuations suivantes
sont postérieures, la deuxième par rapport à la première et la troisième par
rapport à la deuxième. Du point de vue chronologique, l’hypotexte ainsi que
ses continuations font donc un tout homogène. L’espace décrit par Carrière
fait aussi penser au roman de Shelley: de même l’action du cycle se passe en
Irlande, en Ecosse et dans les Alpes en Suisse.
Dans tous les trois hypertextes5 on retrouve plusieurs allusions au texte
d’origine, on a même l’impression que Carrière essaye d’éclaircir tous les
mystères et de combler toutes les lacunes du roman de Shelley.
Dans La Tour... c’est le récit de Blessed qui fait directement allusion au
texte de Shelley et jette une lumière nouvelle sur l’histoire du docteur Frankenstein et de sa créature. Selon le héros, après la mort du Dr Frankenstein
dans les glaces du Pôle, le monstre a voulu revenir mourir à Kanderley
(le village irlandais où se passe l’action de La Tour...), à l’endroit même où
il avait tué, dans l’hypotexte, le meilleur ami de son maître, le jeune Henry
Clerval. Blessed a vu l’arrivée du bateau du monstre et son entrée dans la
mystérieuse tour qui cache le laboratoire du Dr Frankenstein. Après un certain temps, le vieillard pénètre à l’intérieur de la tour et retrouve dans le
4
5
15*
Cf. G. G e n e t t e : Seuils. Paris, Seuil, 1987.
Ibidem.
228
Katarzyna Gadomska
sarcophage la créature endormie d’un sommeil cataleptique. Dès ce momentlà, Blessed se fait lui-même le gardien du secret de la tour.
Cependant, il faut observer que tous ces accessoires comme : une tour
mystérieuse et abandonnée, le monstre qui dort dans le sarcophage tel un
vampire, l’architecture gothique du laboratoire de Victor, nous renvoient également au cycle de films d’horreur des années trente de James Whale. Tout
comme le premier film de Whale (Frankenstein de 1931), le premier roman
de Carrière a recours à un resserrement géographique, circonscrivant l’espace
de l’intrigue à cette petite ville irlandaise — Kanderley — mentionnée aussi par Mary Shelley et à quelques décors extérieurs stylisés (la tour, le laboratoire) sur lesquels se concentre l’action. C’est surtout la tour gothique aux
contours en clair-obscur si chers au cinéma des années trente, décrite fidèlement par Carrière6, doit beaucoup au film de Whale: elle se caractérise aussi par la verticalité, l’isolement, la structure labyrinthique qui augmente chez
les héros de Whale et de Carrière le sentiment de la peur. Tout comme dans
le film, elle est dotée des instruments scientifiques futuristes et sophistiqués
du Dr Frankenstein.
De même, dans la partie suivante de la trilogie, Les Pas..., les allusions
intertextuelles abondent. Le héros négatif, une sorte de savant fou, le Dr
Pilljoy se présente comme continuateur de l’œuvre du Dr Victor Frankenstein. Il veut retrouver et ensuite ranimer les débris de la fiancée du monstre
pour que ce couple puisse donner la vie à une race nouvelle, supérieure à
l’homme et maléfique, ce qui demeure par ailleurs un thème fréquent du
genre populaire par excellence, à savoir la science-fiction. Pourtant, il faut
rappeler que le Dr Frankenstein est animé de bonnes intentions, il veut
mettre terme à la solitude de sa créature et lui donner une compagne. Après
avoir créé la femelle du monstre, le savant change d’avis et la détruit pour
éviter justement la possibilité de créer cette race inhumaine.
Ce thème de la fiancée du monstre annoncé déjà par Mary Shelley inspire également James Whale dans The Bride of Frankenstein (1935). JeanClaude Carrière ne cache pas sa grande admiration à ce film ainsi qu’à Elsa
6
Cf. J.-C. C a r r i è r e : Les Frankenstein. Paris, Fleuve Noir, 1995, p. 18 : « Les gens
prétendent qu’elle [la tour] est bourrée de fantômes jusqu’aux mâchicoulis [ ] » ; « De
pierre en pierre avec un bruit de battement sec qui troublait soudain le silence un peu
lard où les ruines s’endorment parfois, une corneille s’envolait de temps à autre » (ibidem,
p. 22). « Après une descente de quelques mètres, les ténèbres se firent plus épaisses.
Au bas de l’escalier, un vacarme, un bruissement de centaines d’ailes les accueillit [...]
Les chauves-souris les enveloppèrent [...] En désordre, enfouis sous la poussière et les
toiles d’araignée, on devinait d’étranges objets vermoulus et plus loin des formes indéfinissables, mannequins de cires, parfois sans tête » (ibidem, p. 23). « Au centre de la tour,
le sarcophage avait un couvercle de verre dissimulé sous une épaisse couche de poussière » (ibidem, p. 26).
Les Frankenstein...
229
Lanchester qui interprète le rôle en question et à Boris Karloff qui joue le
monstre lui-même et dont le visage se trouve sur la couverture du cycle de
Carrière. Dans Les Pas... l’acte de la création de la femelle du monstre a lieu
une nuit orageuse ce qui ressemble beaucoup à la scène adéquate dans le film
de Whale.
La Nuit..., le roman suivant du cycle, exploite encore une fois le motif
usé de la fiancée du monstre, mais de façon différente. Le héros du texte,
le pasteur Schlegel, souffre d’un décalage entre ses rêves et la réalité. Étant
infirme et stérile, il veut être un surhomme, non seulement du point de vue
physique mais aussi moral — le surhomme ne peut s’abaisser ni aux commandements de la religion ni de la loi. Passionné par l’histoire du Dr Frankenstein et de sa créature, le pasteur entreprend de retrouver le monstre en
Suisse et de lui donner une femme humaine qui pourrait mettre au monde
la progéniture hybride : un demi-monstre, demi-homme, un être parfait
qui vengerait toutes les humiliations endurées par Schlegel de la part des
hommes.
Notons au passage que la figure de l’homme d’église qui, sous un masque
d’honorabilité cache sa véritable nature perverse et corrompue, est récurrente
dans la littérature «mainstream», celle des masses (surtout dans le roman
d’épouvante) ainsi que dans le cinéma7.
Il nous paraît également nécessaire de remarquer que tous ces trois romans s’appuient sur le même schéma structural, emprunté plus au moins
à l’hypotexte et aux films de Whale, c’est-à-dire la confrontation du couple:
savant fou — monstre. Essayons de le montrer de plus près car chaque réalisation apporte quelques modifications.
Dans La Tour... le rôle du savant fou est incarné par le professeur d’anatomie, Archibald Barrows, qui se propose comme but de réveiller de l’état
cataleptique la créature du Dr Frankenstein. Déjà la physionomie étrange du
professeur Barrows constitue un signe avertisseur de sa nature méchante:
dans ses yeux, qui sont dans l’inconscient collectif le miroir de l’âme, on peut
lire une expression insolite, une certaine malaise. En transportant le monstre
endormi dans le laboratoire du professeur, même les héros positifs comme
Helen ou Mallorey ont l’impression de commettre un sacrilège. Une fois le
monstre attaché à la table, le professeur s’adonne aux expérimentations
diversifiées et sadiques, par exemple par des chocs électriques il veut exciter des centres nerveux du monstre, il plonge le corps endormi dans un bain
de vapeur brûlante, enfin il lui tranche la première phalange du petit doigt
7
Par exemple Le moine de M.G. Lewis, Justine ou les malheurs de la vertu du marquis de Sade, Notre Dame de Paris de V. Hugo, L’encorcelée de J.-A. Barbey d’Aurevilly,
Les élixirs du diable d’E.T.A. Hoffmann, La confession du pécheur justifié de J. Hogg, Le
voile noir du pasteur et La lettre écarlate de N. Hawthorne, Le thé vert de J.S. Le Fanu.
230
Katarzyna Gadomska
et l’examine au microscope. Le personnage du professeur Barrows ainsi que
les expérimentations qu’il fait pour ranimer le monstre font penser à Victor Frankenstein et à l’acte créateur décrit dans le texte d’origine. Barrows
constitue comme Victor un personnage-archètype, un exemple canonique du
savant obsédé par la toute-puissance de la science. Victor, très orgueilleux,
a l’ambition de ravir à Dieu son pouvoir créateur. C’est pourquoi, il fait
l’opération démiurgique en transgressant toutes les normes sociales, morales, religieuses. De même, Barrows se croyant supérieur aux autres, fait
mauvais usage de son savoir en répétant en quelque sorte l’expérience de
Victor et en redonnant le monstre à la vie. Et à la fin, justement comme le
Dr Frankenstein, Barrows devient la victime du monstre. Les parallèles
entre les deux textes sont indubitables.
Les Pas... apporte quelques modifications à ce schéma mais, tout de
même, se rattache de façon évidente au texte d’origine. Rappelons que Victor Frankenstein, qui se sent responsable du sort malheureux de sa créature rejetée par la société pour sa laideur extrême8, veut lui créer une compagne semblable. Pour la première fois, le monstre et son créateur agissent
ensemble dans le but commun. Pourtant, de crainte de l’apparition de la
progéniture monstrueuse, le savant détruit la femelle presque achevée, se
vouant à la vengeance cruelle du monstre. Le Dr Pilljoy se sent le continuateur des travaux de Victor. Pilljoy, obsédé par l’idée d’une race nouvelle,
supérieure et maléfique, travaille avec le monstre pour reconstruire la femelle. Dans sa folie il va encore plus loin que Victor Frankenstein qui, pour
ses expérimentations utilise les organes des morts. Pilljoy, qui a besoin du
sang d’une jeune fille, n’hésite pas une seconde et commet un meurtre.
Pourtant, le plus cruel de toute cette lignée de savants fous et en même
temps celui qui s’éloigne le plus du texte d’origine est le pasteur Schlegel de
La Nuit... car c’est lui qui veut condamner sa jeune femme Ingrid au sort
pire que la mort: il la propose au monstre en tant que compagne et mère future de sa progéniture. Comme tous ses prédécesseurs, il trouve la mort de
la main du monstre.
Récapitulant, le caractère du savant fou dans les continuations révèle
plusieurs parallèles avec la figure de l’hypotexte, à savoir: l’orgueil, la foi enthousiaste en toute-puissance de la science, la croyance en sa propre supériorité, la volonté de la transgression de toutes les normes, la jalousie prométhéenne, tous ces traits caractérisent aussi bien Victor Frankenstein que ceux qui
se présentent comme les continuateurs de sa mission. Pourtant, l’influence
de la culture populaire, surtout du roman moderne d’horreur et du cinéma,
se fait voir plus dans la deuxième et la troisième parties où le savant fou est
8
« Oh, my hideous progenitor ! » crie Victor en voyant pour la première fois le
monstre.
Les Frankenstein...
231
un personnage de plus en plus démoniaque, maléfique et animé de mauvaises intentions, s’éloignant de cette façon du texte d’origine.
C’est enfin le personnage du monstre qui mérite d’être analysé sous
l’angle des ressemblances et des différences par rapport à l’hypotexte. Rappelons que le monstre du roman de Mary Shelley est un être anonyme,
pourvu du langage, de facultés intellectuelles. Il est sensible aux beautés de
la nature et capable des émotions les plus subtiles. À l’origine donc la créature manifeste quelque propension à la bonté. Il nous fait penser à «un bon
sauvage» de Rousseau, un être naturellement bon qui devient méchant au
contact de la société corrompue. Les gens le rejettent car sa laideur physique est extrême et son gigantisme hors norme. Ne pouvant s’intégrer à la
société, le monstre devient méchant et commet des actes de plus en plus horribles, y inclus les meurtres. Sa méchanceté est donc le fruit de l’exclusion
sociale9.
Dans le cycle de Carrière, le monstre n’est plus un être sans visage —
il en possède celui de Boris Karloff10, il n’est plus anonyme — il porte le patronyme mystérieux de Gouroull. D’après l’explication de l’auteur lui-même,
ce nom renvoie aux Indes et à l’idée de la résurrection — ce qui est lié à l’impossibilité de détruire le monstre. Sans aucun doute, dans le cycle en question, le monstre est un véritable protagoniste tandis que dans le roman de
Shelley c’est Victor Frankenstein qui est le héros. Cependant, le monstre de
Carrière se rapproche à la créature de l’hypotexte par deux traits qui le caractérisent, à savoir l’omniscience et l’omnipotence. Gouroull, tout comme la
créature du Dr Frankenstain, dispose d’un savoir sans bornes sur les actes
et même sur les pensées et sentiments des autres héros. Il est également
doué d’une force physique surhumaine et d’un pouvoir destructeur imparable. Comme le monstre de l’hypotexte, Gouroull peut éprouver des sentiments, par exemple dans La Tour... il tombe amoureux d’une jeune fille —
Helen. Pourtant, il paraît plus cruel, plus méchant que le monstre du texte
d’origine. Le monstre de Shelley est un héros romantique, solitaire, exclu de
la société, extraordinaire à cause de son aspect physique et de ses capacités,
déchiré intérieurement entre la bonté naturelle et l’influence de la société
corrompue. Gouroull n’est pas un personnage si complexe: au fil des innombrables suites populaires le mythe se stabilise et la créature est irréductiblement méchante, n’hésitant jamais entre le bien et le mal.
Le dénouement de trois textes de Carrière est aussi lié aux exigences de
la culture populaire, mais reste également fidèle à l’hypotexte. Le roman de
Shelley finit par la mort de Victor et par l’ambiguïté qui porte sur le sort du
Le premier film de Whale y est très fidèle.
C’est l’aspect du paratexte éditorial qui nous en avertit : le visage de Karloff se
trouve sur la couverture de chaque partie du cycle.
9
10
232
Katarzyna Gadomska
monstre: il disparaît mystérieusement dans les glaces du Pôle Nord. C’est le
dénouement qui ne dénoue rien et qui invite aux continuations du roman.
De même, chacun de trois romans analysés finit de la même manière ambiguë: le savant fou meurt de la main du monstre, celui-ci disparaît sans trace,
peut-être rôde-t-il quelque part pour revenir miraculeusement dans la partie suivante11 — ce qui est un trait caractéristique de la production cyclique
appartenant au domaine de la culture populaire.
Il nous paraît aussi nécessaire de mentionner d’autres apports de la culture des masses qui changent de façon décisive le caractère de trois hypertextes. Tout d’abord, la structure de ces trois romans est bien différente du
texte de Shelley dont la composition interne est compliquée, surtout du point
de vue de la narration. La romancière anglaise procède, entre autres, par
des récits emboîtés et par des lettres12. Carrière choisit la structure qu’on
peut facilement retrouver aussi bien dans les romans populaires du XXe siècle
que dans le cinéma d’action: chaque chapitre finit par une scène-choc, une
sorte de coup de théâtre, un événement surprenant qui pousse le lecteur à
lire la suite.
Aussi certains motifs populaires introduits par Carrière dans les continuations paraissent complètement invraisemblables, infidèles au texte d’origine. Citons à titre d’exemple: l’intervention du sorcier indien13 et le personnage de Vrollo dont l’aspect physique fait penser à Bela Lugosi en tant
qu’Igor le bossu dans La Tour...14 ; le culte voodoo dans Les Pas...15 ; l’attaque
des zombies et leur bataille finale contre le monstre dans la même partie16.
Jean-Claude Carrière, un grand admirateur du roman de Mary Shelley
et du cinéma des années trente17, essaye d’unir ces deux passions dans son
cycle des Frankenstein. Par nombreuses allusions au texte d’origine, par la
reprise du personnage du monstre et du savant fou, par le même cadre
spatio-temporel, l’écrivain tente de donner la suite à l’histoire racontée par
Mary Shelley. Pourtant, en ajoutant aux continuations certaines clichés
populaires évoquées plus haut, il modifie, dans une certaine mesure, les caractéristiques du monstre et du savant fou, et en conséquence, s’éloigne
Cette immortalité ou la capacité de la réincarnation est liée au nom de Gouroull
qui n’est pas choisi par hasard.
12
Le récit de Victor, du monstre, des De Lacey ; les lettres de Walton.
13
Le lecteur des romans d’horreur pense immédiatement au cycle fameux de Manitou de G. Masterton.
14
Dans The Son of Frankenstein (1939) apparaît le personnage d’Igor le Bossu, interprété par Bela Lugosi, cette figure devient un nouvel élément stable du mythe.
15
Le motif très en vogue dans le cinéma d’horreur des années trente.
16
Le thème emprunté littéralement au cycle de films parodiques de l’Universal.
17
Cf. J.-C. C a r r i è r e préface pour Frankenstein ouvrage collectif dirigé par G. M e n e g a l d o (Paris, Éd. Autrement, 1998).
11
Les Frankenstein...
233
de l’ambiance du texte d’origine. Le mélange constant des éléments de l’hypotexte et ceux provenant du cinéma d’horreur de James Whale, ainsi que
l’apport fréquent de la culture des masses en général, font du cycle carriérien
une composition simpliste qui ne satisferait pas en tant que jeu intertextuel l’«horizon d’attente» d’un lecteur avisé, cultivé, mais qui ne décevrait
pas non plus un public des masses habitué à tels schémas. Par sa trilogie,
Jean-Claude Carrière fait métamorphoser le mythe littéraire en un véritable
mythe populaire.
Ryszard Siwek
Université Pédagogique de Cracovie
La Légende d’Ulenspiegel
ou la réécriture de l’histoire
Il était une fois un tout petit royaume au centre de l’Europe. Il n’est
entré dans l’histoire qu’en 1830. Ses grands voisins ont déclaré à l’unanimité de l’appeler la Belgique. Une création ou une invention miraculeuse car
auparavant il n’y avait aucune entité politique à porter cette appellation,
à moins de remonter très loin dans le temps, remonter au delà de l’époque
du roi Arthur afin de retrouver quelques-unes de ses traces. Dans De Bello
Gallico Jules César a noté que de tous ses adversaires en Gaule «fortissimi sunt Belgae » — quel bel acte de naissance, ajoutons, de naissance douteuse, mais en même temps quel bel acte de noblesse, ajoutons encore, de
noblesse légendaire. Combien de siècles et d’époques se sont écoulés avant
que la Belgique ne devienne un royaume et les Belges les sujets de leur roi.
Avant ils étaient les sujets des ducs de Bourgogne, des empereurs de la Maison d’Autriche et des rois d’Espagne. L’Histoire ne leur appartenait pas,
ils n’avaient droit qu’à leur passé. La bataille de Waterloo, à quelques
kilomètres de Bruxelles à peine, n’était pas la leur. À partir de 1830, les
Belges tentent de récupérer leur histoire qui jusqu’alors n’existait que dans
le discours d’autrui.
Avec l’invention de l’État belge, tout était à construire y compris le patrimoine national. La littérature belge de langue française émerge avec l’apparition de l’État, elle s’affirme comme romantique et, comme telle, elle réalise le postulat national. Une fois l’effort national entrepris, l’idéologie gère
les tentatives historiographiques et historiosophiques, mais somme toute, les
résultats ne sont pas satisfaisants. Il en est de même avec les nombreuses
tentatives de récupérer l’histoire, toutes dans la lignée de Walter Scott.
La Légende d’Ulenspiegel...
235
Malgré leur richesse, aucune n’était concurrentielle face aux traductions
françaises des romans historiques d’un certain Hendrick Conscience, auteur
flamand. Or, comme c’était le cas avant l’apparition du Royaume de Belgique, après 1830, l’histoire qui est offerte aux francophones est celle d’un
Flamand néerlandophone. Les francophones l’apprennent traduite d’une
autre langue et, en plus, ancrée dans la mémoire collective qui n’est pas la
leur.
Il faut quelque temps pour qu’un auteur de talent, sensible au passé de
ses compatriotes et conscient de l’histoire de cette terre, entreprenne le projet
et le réalise avec succès. Cet auteur s’appelle Charles De Coster, son œuvre
voit le jour en 1867 et porte le titre dont la formulation correspond bien
aux temps qu’elle évoque: La Légende et les Aventures héroïques, joyeuses et
glorieuses d’Ulenspiegel et de Lamme Goedzak au pays de Flandres et ailleurs. Non sans difficulté, le texte est reconnu comme acte fondateur des
lettres belges de langue française. De Coster reste méconnu de son vivant,
il a fallu attendre la venue de la génération de la Jeune Belgique pour que
son œuvre soit reconnue comme originale et révélatrice.
Originale, parce qu’elle est pluridimensionnelle. C’est un roman archétypal au sens qu’il fonde l’histoire des Belges, et dialogique, au sens qu’il entreprend un dialogue entre la légende et l’histoire. En plus, il est intertextuel
au sens qu’il parodie le roman historique traditionnel en puisant dans
différentes sources, jusqu’ici peu explorées. Ainsi instaure-t-il la dimension
ironique et mythique de l’histoire belge. Une autre de ses particularités est
la dominante fantastique qui est la conséquence de la rupture avec le schéma
du roman historique traditionnel et des raisons dites sociopolitiques qui résident au fond d’une telle démarche artistique. Ces raisons déterminent aussi un pacte spécifique de lecture. Celui-ci est lié directement à l’aspect narratif du récit où il n’est guère question de mettre en cause les événements
historiques, mais tout simplement d’accepter que leur interprétation dépende
de la narration qui en est faite. Dans le cas d’Ulenspiegel, cette interprétation répond aux besoins du jeune État belge en train de se construire et
de reconstruire son histoire. La première démarche consistait à mettre en
doute le discours officiel, considéré jusqu’ici comme unique voire inviolable
et c’est en vue de faire avancer, chez les Belges, leur quête identitaire, toujours inachevée. L’histoire de Thyl constitue donc un pas important qui
marque la direction de leur quête, non son aboutissement1.
Hormis le projet artistique incontestable, l’enjeu de De Coster est
d’ordre initiatique. L’auteur aboutit à créer une nouvelle histoire, celle des
vaincus, des non-présents quoique toujours sur place, mais muets car privés
1
Car celle-ci aura sa suite et ses étapes marquées par « âme belge » 1880, « belgitude » 1976, « belgité » 1994.
236
Ryszard Siwek
de leur droit de dire leur vérité. Cette vérité est aussi patente et pertinente
que la «vérité historique», mais contrairement à l’historiographie dite «officielle» qui la véhicule, confirme et assure, la nouvelle histoire semble être conçue par un amateur, quelqu’un qui, quoique passionné et engagé, n’appartient pas à la race des historiens-historiens. Le non-conformisme avec lequel
il traite la matière et la franchise des conclusions le prouvent. De Coster réinterprète l’histoire, il l’enrichit de données jusqu’ici négligées comme non attestées ou même inadmissibles. C’est ainsi qu’il avance vers une nouvelle
manière de la comprendre et de l’écrire.
Le lecteur retrouve les premiers indices de ce projet révélateur déjà au
niveau du paratexte et plus exactement dans le titre. Tout d’abord, on est
frappé par sa stylisation archaïque, en plus, De Coster n’y évoque pas l’histoire d’un certain Thyl à laquelle on pourrait s’attendre, mais il fait volontiers recours à La Légende... Il abolit ainsi la convention traditionnelle du roman historique, car ce que la légende autorise, l’histoire exclut. Cette stratégie annoncée dans le titre permet d’introduire le mythe et la mémoire
collective dans le jeu. Il en résulte le relativisme historiographique, impensable à son époque, ainsi que la mise en valeur des personnages fictifs
qui, en tant qu’opposants des grandes figures de l’histoire, deviennent des
êtres en chair et en os et acquièrent les rôles de réels protagonistes de leurs
adversaires historiques. Toujours grâce à sa stratégie, De Coster obtient d’un
côté, la distorsion des données historiques, de l’autre, l’historicité des héros
au sens grec, c’est-à-dire des êtres qui se situent entre dieux et hommes.
Sur le plan da la réception, la lecture de La Légende... crée de réels
problèmes. Comment l’interpréter, comment comprendre cette vision à la fois
pathétique et picaresque de l’histoire ? En apparence, les deux épithètes
s’excluent, mais la lecture prouve qu’elles se complètent, qu’elles forment
une unité organique. Sans partager les opinions de György Lukàcs sur
l’œuvre de De Coster comme trop marquées par l’idéologie, retenons tout de
même une de ses observations. Elle porte sur la composition de l’œuvre qui
est naturaliste, selon le philosophe hongrois, sur le plan de la description et
symboliste sur le plan de l’explication. Lukàcs la juge peu dialectique, il parle
même d’une «combinaison inorganique»2.
Cette soi-disant inconséquence interne gagne en cohérence si on l’analyse sous l’angle de la polyphonie bakhtinienne3. Le réalisme grotesque ne
s’affirme-t-il pas dans le cadre naturel et indispensable des unités, quoique
antinomiques, mais constitutives d’une entité interne, celle du dialogue ?
2
G. L u k à c s : Le roman historique. Paris, Payot, 1965 (chap. : « Le naturalisme de
l’opposition populaire »).
3
M. B a k h t i n e : L’œuvre de François Rabelais et la culture populaire au moyen âge
et sous la renaissance. Paris, Gallimard, 1970.
La Légende d’Ulenspiegel...
237
C’est ainsi que le passé grotesque et l’histoire pathétique s’avèrent indispensables, que les deux, au lieu de s’ignorer, se parlent et se complètent.
Jean-Marie Klinkenberg propose une autre explication de la cohérence
interne de La Légende... Il est possible, selon lui, de surmonter l’opposition le
«réalisme» — l’«anti-réalisme» en les interprétant au sein même du texte,
le premier comme démarche qui sert à rendre plausible tout ce qui apparaît
comme trop imaginaire, tandis que le second devient un moyen d’avancer
l’action et la rend dramatique4.
En bref, les observations que nous venons d’évoquer à propos de La
Légende..., mettent l’accent sur son «défaut» (Lukàcs) ou l’expliquent comme
sa qualité (Bakhtine, Klinkenberg), elles fournissent déjà quelques suggestions qu’il nous convient de retenir. Mais avant, il nous paraît intéressant
d’aborder encore la question formelle, celle du genre dans lequel on pourrait caser La Légende... Là encore on se heurte à la perplexité des spécialistes. Le texte échappe au classement traditionnel, il est étrange car il «a toujours suscité [ ] une inquiétude taxinomique. “Épopée en prose” pour les
uns, mariage de l’idylle avec l’épopée, “poème réaliste” ou “L’Iliade et
l’Odyssée d’une race” pour d’autres, mélange différemment dosé d’épique
et de roman historique selon la plupart, les jugements des critiques [ ] témoignent d’une hésitation. Leurs classements oscillent entre le roman et la
prose épique, entre le réalisme, le naturalisme et l’historicisme»5.
Face à l’hésitation des critiques envers une œuvre aussi atypique par rapport à la production littéraire de son époque ainsi qu’à tout ce que les époques
antérieures ont apporté, il nous semble admissible de chercher son équivalent ailleurs, un siècle plus tard et dans une toute autre réalité historicoculturelle et géographique. Ainsi, en réfléchissant sur l’originalité de l’œuvre
de De Coster, on ne peut pas négliger le phénomène du nouveau roman
historique, réalité esthétique propre aux littératures latino-américaines contemporaines. Malgré le décalage d’un siècle, on constate une ressemblance
des stratégies romanesques. Cette stratégie, dans le cas des nouveaux romans
historiques en Amérique Latine, a trouvé déjà un support critique et théorique qui la reconnaît, décrit et systématise6.
Il ne s’agit donc pas d’avancer la thèse selon laquelle La Légende... constituerait une anticipation géniale des œuvres des auteurs latino-américains,
4
J.-M. K l i n k e n b e r g : Style et archaïsme dans la Légende d’Ulenspiegel. T. 2. Bruxelles, Palais des Académies, 1973, p. 309.
5
P. A r o n : « La Légende d’Ulenspiegel » et son temps: problèmes d’une théorie des
genres. In: «La Légende de Thyl Ulenspiegel » de Charles De Coster. Réd. R. C a m p a g n o l i. Bologna, Editrice CLUEB, 1991.
6
F. A í n s a : Reescribir el passado. Historia y ficción en América Latina. Merida, CELARG & Ediciones El otre, el mismo, 2003.
238
Ryszard Siwek
mais de constater seulement que De Coster, de même que les écrivains sudaméricains, vivent et perçoivent la réalité de manière semblable, que sa nature spécifique exige une saisie qui transgresse la tradition cartésienne et
trouve son expression artistique connue: le réalisme magique chez les Latinos et le réalisme fantastique chez les Belges7.
À cela s’ajoute l’apport théorique incontestable dans le domaine de l’histoire. Les travaux de Hayden Vhite, de Franklin Ankersmit et de Paul
Ricœur ont jeté une nouvelle lumière sur la perception de l’histoire, mais
surtout sur la manière de la raconter ou plutôt de la réinventer. Désormais,
il n’y a pas d’histoire sans le passé, comme il n’y a pas de passé sans le présent. Nous voilà au point crucial de notre propos. Revenons donc au récit de
De Coster.
La Légende... évoque le passé-privé-d’histoire des Belges au XVIe siècle
et leur lutte héroïque contre les tenants de l’Histoire. Le lecteur suit en parallèle les péripéties d’Ulenspiegel et de Philippe II, de leur naissance à leur
mort. La vie du roi est connue, mais pour rendre le parcours de Thyl, bien
enraciné dans la réalité quotidienne d’antan, De Coster a fait des recherches
dans les archives du Royaume. Ses études ont abouti à deux recueils de contes
Légendes flamandes (1858) et Contes brabançons (1861). Ainsi documenté,
il est prêt à se lancer dans la réalisation de son projet majeur. Le discours
littéraire lui permet de franchir l’obstacle d’ordre méthodologique traditionnel et mental à la fois et d’insérer la tradition orale dans l’histoire.
Afin de réaliser son projet, De Coster a dû éviter de se contenter de l’attrait des aventures racontées à la manière Walterscottienne, car celles-ci,
quoique pittoresques, ne quittent jamais le cadre de l’histoire officielle. Il lui
a donc fallu aller et chercher plus loin. Tout d’abord, il a dû abandonner
l’optique univoque et totalisante de la vision du monde des dépositaires du
pouvoir. Son stratagème était donc de la faire éclater afin de la rendre plurivoque. Pour que ce soit possible, il se déclare du côté des humbles et il les
évoque à droit égal aux grands acteurs de l’histoire. Ils cessent d’être considérés comme un fond ethno-folklorique et redeviennent agents actifs de
l’histoire. Toujours dignes de mémoire, mais privés d’histoire, c’est la littérature qui leur rend justice en les convoquant à l’histoire.
Les petits faits quotidiens ne sont jamais égaux aux grands événements.
Par conséquent, le passé des petites gens n’est pas de nature événementielle,
tandis que l’histoire ne peut pas se passer d’événements. Mais puisque De
Coster se déclare porte-parole de petites gens en les égalisant aux rois et ducs,
il est obligé de changer radicalement la distribution des rôles. Grâce à ces
Le Réalisme magique. Roman. Peinture et cinéma. Réd. J. W e i s g e r b e r. Lausanne, L’Âge d’Homme, 1987; « Textyles » no 21, numéro intitulé Du fantastique réel au
réalisme magique. Bruxelles 2002.
7
La Légende d’Ulenspiegel...
239
nouveaux acteurs qui apparaissent sur la scène de l’histoire avec leurs vécus
auxquels on n’a accordé jusqu’ici aucune importance, la nature de l’affrontement change. La foule n’est plus muette et de nouvelles sources d’inspiration s’ouvrent. En se penchant sur le passé des Belges, De Coster découvre que la vérité de petites gens maintient une vitalité qui traverse des
générations pour surgir à un moment donné sous forme artistique munie
d’une force révélatrice.
Une manière possible de faire affronter au roi quelqu’un qui lui est
inférieur, était de désacraliser le premier et de mythifier le second. Une fois
l’opération de la transformation des personnages mise en marche, le moment
de l’affrontement devient inévitable. La nature de ce dernier change également. Dans l’histoire et dans le roman historique traditionnel, le conflit se
déroule dans le même cadre déterminé par une seule vision du monde. Rebelle et patriote, De Coster invente une situation qui fait éclater ce cadre traditionnel, univoque et homogène. Les deux adversaires qui sont aux prises
mortelles n’assurent plus cette homogénéité, ni non plus cette univocité de
la vision. Par conséquent, le lecteur a affaire avec une vision du monde éclaté
où surgissent les miettes des réalités jusqu’alors non attestées et non admises, aussi bien orales qu’écrites, telles légendes, chansons, chroniques locales, relations de procès de sorcières, même placards8. On dirait que chez
De Coster les absents n’ont plus tort.
Cette richesse apparemment hétéroclite détermine non seulement la vision éclatée du monde, mais se reflète aussi dans la structure formelle de
l’œuvre. L’histoire de Thyl est divisée en cinq livres de taille inégale, chacun à son tour comporte des chapitres numérotés, presque deux cent petites unités narratives au total. Cette diversité se voit aussi sur le plan de la
narration, car l’histoire ne constitue pas une suite événementielle continue,
mais se déroule par épisodes à focalisation variable.
Les sources d’inspiration tellement incompatibles expliquent, d’une part,
la féerie baroque et carnavalesque à la fois d’évocations mythiques et légendaires, de l’autre, le souci de la description à caractère naturaliste. On s’étonne
pourtant de constater que, même si l’œuvre maintient toutes les marques de
ses origines diverses et divergentes, sa signification idéologique et sa portée
artistique acquièrent une force et une valeur universelle qui la mettent au
rang des chef-d’œuvres de la littérature mondiale d’un côté, de l’autre, elle
est reconnue comme la «Bible flamande» et «le livre partial»9. À noter que
cette dernière appellation, plutôt rare dans le monde francophone, on la
retrouve à propos de l’œuvre de Michel de Ghelderode.
J. H a n s e : Charles De Coster. Bruxelles, Palais des Académies, 1990, chap. :
« Les sources et la fusion de la légende et de l’histoire ».
9
Ibidem, p. 5.
8
240
Ryszard Siwek
Le texte si composite exige et impose une lecture plurielle. Celle-ci seule
permet d’enchaîner les fragments incompatibles et éparpillés çà et là,
à plusieurs niveaux, en une suite logique d’événements, en les libérant de
leur ancrage dans le passé et en les expliquant sur le plan de l’histoire.
N’oublions pas le défi de De Coster à réinventer l’histoire de la Belgique
malgré tout10.
Paradoxalement, la cohérence de l’œuvre se voit déjà sur le plan historique. Rappelons, afin de parvenir à une vision du monde éclaté, comme condition sine qua non de son projet de la libération à caractère initiatique, De
Coster a mis délibérément en miettes l’histoire officielle en la mêlant avec
l’histoire privée. Une telle démarche exigeait la structure épisodique, car elle
seule laissait réapparaître les petites gens dans l’histoire. Ces deux éléments
ouvertement antinomiques, privé/intime vs. officiel forment ainsi une entité dite métisse, à la fois hétérogène et indissociable. Ce métissage paraît
tout aussi naturel que novateur. En plus, il semble constituer un des traits
spécifiques des lettres belges. Marc Quaghebeur le caractérise et explique
ainsi:
«Les Belges ne sont fils ni de Descartes ni de Robespierre. [ ] Leur arrière-plan mental est labile. Faite de strates hâtivement réunifiées, dont certaines fort archaïques, il superpose nombre d’ingrédients disparates sans les
structurer vraiment. Le choc constructeur des contraires, celui qui amène à
trancher, est étranger. Il préfère composer. De ce fait, il tolère volontiers la
coexistence de données peu compatibles entre elles qui s’altèrent tout en
survivant»11.
Une fois acquise, cette nouvelle dimension de l’histoire ouverte sert de
cadre aux aventures des protagonistes liées non seulement à leur vie privée,
mais aussi à leur engagement dans la guerre civile et religieuse. C’est là qu’ils
affrontent l’histoire. Il en résulte une vision grotesque et réaliste à la fois que
l’on retrouve chez Rabelais, mais aussi chez Breughel dont les toiles servent
d’illustration à plusieurs éditions de La Légende...
La quête historico-identitaire de De Coster ne s’arrête pas là, l’auteur
cherche à fonder l’histoire des Belges au niveau symbolique. Ici, tout recours
au fantastique et à l’imaginaire est admis. On ne s’étonne donc pas d’apprendre que Thyl incarne (l’esprit de Flandre), de même que ses proches:
Claes, son père martyre (le courage), Soetkin, sa mère (la vaillance), Nele,
10
La Belgique malgré tout (Réd. J. S o j c h e r. Bruxelles, Complexe, 1980), est une
œuvre de référence qui rend compte de la quête identitaire en Belgique actuelle. Elle
a sa suite : La Belgique toujours grande et belle. Réd. A. P i c k e l s, J. S o j c h e r. Bruxelles, Complexe, 1998.
11
La Belgique francophone. Lettres & Arts. Réd. R. L a s c u - P o p. Cluj-Napoca, 1991,
p. 19.
La Légende d’Ulenspiegel...
241
sa compagne (le cœur) et Lamme Goedzak, son double à rebours (l’estomac).
Des aspirations plutôt modérées et des vertus modestes des petites gens
privés de tout s’y trouvent mises en valeur. Mais cette symbolisation ne
s’opère que progressivement, car les rôles des personnages ne s’avèrent symboliques qu’au cours d’une aventure qui relate des péripéties picaresques qui
glissent vers une errance initiatique dont l’objectif final consiste à la prise
de conscience identitaire.
La démarche de De Coster s’oriente ici vers les domaines non admis par
l’histoire officielle, car même si l’on accepte le métissage de l’histoire et du
passé, leur symbolisation est renforcée par le recours au fantastique et à la
magie. Katheline n’est pas seulement la mère de Nele «cœur de Flandre».
Comme «bonne sorcière» flamande, elle lui transmet sa mission. La détermination et l’invention de De Coster vont plus loin. La mystérieuse Quête
des Sept qui survolent les péripéties de Thyl et dont on peut attendre une
explication révélatrice à portée pathétique ne s’avère qu’un dévoilement sans
prétentions des «vertus» banalisées et moyennes auxquelles aspire l’homme
dépourvu de tout. Car comment les expliquer sinon comme un appel d’urgence d’être et de vivre une existence assurée par les Sept : Fierté, Économie, Appétit, Émulation, Rêverie et Amour.
Il est significatif que les péripéties de Thyl subissent une évolution qui
est une transformation des aventures ponctuelles en une expérience d’ordre
existentielle, source de sagesse et d’espoir. Car l’évacuation progressive du
réel qui caractérise l’histoire de De Coster s’achève par une scène onirique
où Thyl et Nele terminent leur quête identitaire. Un achèvement qui est
plutôt une ouverture vers une réalité ahistorique que Roland Barthes définie comme mythique:
«Ce que le monde fournit au mythe c’est un réel historique, défini, si loin
qu’il faille remonter, par la façon dont les hommes l’ont produit et utilisé [ ]. Le mythe est constitué par la déperdition de la qualité des choses:
les choses perdent en lui le souvenir de leur fabrication. Le monde entre dans
le langage comme un rapport dialectique d’activités, d’actes, humains: il sort
du mythe comme un tableau harmonieux d’essences»12.
On est au cœur du message de De Coster: tout ce que l’on prétend considérer comme point de repère ne s’avère qu’accidentel. L’universel se situe
au-delà de l’espace et du temps déterminés par l’édifice de l’histoire officielle. De Coster a bien compris cette vérité. En inventant la figure de Thyl
et son irruption dans l’histoire, il a su parvenir à la promouvoir.
En guise de conclusion, nous nous proposons d’évoquer l’opinion de
J.-M. Klinkenberg. Sa perspicacité se passe de tout autre commentaire:
12
R. B a r t h e s : Mythologies. Paris, Seuil, 1957, p. 230.
16 Quelques...
242
Ryszard Siwek
«La légende d’hier mais sans cesse à relire aujourd’hui. Le passé dans
lequel plonge le lecteur, ce n’est pas le passé de l’histoire morte, ni le passé
soporifique de la légende dorée, mais le passé-présent, celui qui alimente
l’action des peuples d’aujourd’hui comme il a alimenté les actions d’hier»13.
J.-M. K l i n k e n b e r g : Lecture. In : Ch. De C o s t e r : La légende d’Ulenspiegel.
Bruxelles, Labor, 1983, p. 269.
13
Zuzana Malinovská-Šalamonová
Université de Prešov
Un voyage au bout de la nuit africain
Le point de départ de ma réflexion est l’hypothèse que le roman Allah
n’est pas obligé (Seuil, 2000) de l’auteur ivoirien Ahmadou Kourouma1
(1927—2004) est une réécriture africaine et « fin de siècle » du célèbre
Voyage au bout de la nuit de L.F. Céline. Cette hypothèse est audacieuse, si l’on
tient compte de l’importance capitale du roman célinien. En effet, l’œuvre
fondamentale et inimitable du XXe siècle, très influente sur la littérature
moderne, est souvent considérée comme une «révolution» dans l’écriture. Je
risque cependant le rapprochement de ces deux œuvres, publiées respectivement en 1932 et 2000 et toutes deux récompensées, à 68 ans d’intervalle,
par le prix Renaudot.
Mes hypothèses reposent sur plusieurs observations. En premier lieu, on
constate une certaine ressemblance formelle, plus exactement un côté picaresque des deux textes. On assiste également à la transformation par Kourouma de la thématique de Céline, une thématique visible au premier plan —
celle de la condition de l’homme dans un monde apocalyptique — thématique qui en cache une autre, moins évidente mais sous-jacente, celle de la
parole, de la langue. C’est ce dernier point, et non des moindres, l’usage
particulier de la langue par l’écrivain d’origine ivoirienne, qui révèle une
sorte de «transstylisation» de Céline par Kourouma.
Issu de l’aristocratie africaine, descendant d’une caste de chasseurs-guerriers malinkés, exilé politique pendant vingt ans, ancien soldat de l’armée française, journaliste, interprète, mathématicien, Ahmadou Kourouma qui, après avoir vécu et travaillé
en France et au Togo, retourne dans son pays, est aujourd’hui reconnu comme l’un des
écrivains les plus importants du continent africain.
1
16*
244
Zuzana Malinovská-Šalamonová
Dans un premier temps, je vais essayer de présenter brièvement la
forme du roman Allah n’est pas obligé2. Son protagoniste-narrateur peut être
considéré comme une variante de picaro de la fin du XXe siècle. Birahima,
un garçon entre dix et douze ans3, sans famille, sans domicile, sans argent
et sans avenir, quitte son village natal en Côte d’Ivoire pour retrouver sa seule
parente installée au Liberia. Une intrigue centrale semble se dessiner, car
l’errance du personnage — contrairement au roman picaresque «classique»
— a un but concret, autrement dit la quête du sujet correspond à un objet
de valeur précis. Le jeune garçon traverse plusieurs pays d’Afrique et devient, pour survivre, enfant-soldat. Toujours sur les routes, allant de camp
en camp, de pays en pays, à la fois victime et bourreau, tendre et cruel, souvent poursuivi et obligé de fuir, cet «enfant de la rue» désabusé et cynique
côtoie l’horreur des guerres tribales, frôle même la mort. Il vit toute une série
d’épreuves4 avec son compagnon de route Yacouba alias Tiécoura, «le bandit boiteux». Ce personnage a également les traits de picaro: l’errance de ce
mauvais sujet qui est un vagabond, un escroc fabulateur («un multiplicateur
de billet», un «féticheur musulman», «un marabout divin», «un grigriman»,
« un fabricant d’amulettes »5) ne cherche qu’à survivre. En effet, pour sa
propre survie, Yacouba transgresse tous les interdits, n’hésite pas à mentir,
à changer de nom, de nationalité, de religion, de discours, toujours en fonction des besoins du moment. Kourouma recourt donc au schéma picaresque
de l’errance qu’il modifie légèrement: ce n’est pas un «antihéros» mais deux
picaros modernes qui s’opposent à ceux qui détiennent à un moment donné
le pouvoir. En choisissant le couple enfant—adulte, l’auteur semble vouloir
souligner le motif de l’apprentissage, de l’éducation, de l’initiation, mais sous
une forme parodique. Car les rôles sont bien inversés: si l’adulte est le maître
et l’enfant le disciple, la question se pose de savoir quel genre d’éducation
et de protection Yacouba peut bien donner à Birahima. Ne serait-ce pas
plutôt l’enfant-soldat, craint de tous et prêt à tout, car sous l’emprise du haschich et ne se séparant jamais de sa kalachnikov, qui protège l’adulte en lui
assurant sa subsistance?
Allah n’est pas obligé rappelle également le chef d’œuvre de Céline par
une certaine discontinuité de la construction. Une suite linéaire d’épisodes,
sans grand lien les uns avec les autres et se succédant au fur et à mesure
2
Le cinquième roman de l’auteur (après Les Soleils des indépendances, 1976,
Monné, outrages et défis, 1990, Yacouba, chasseur africain, 1998, En attendant le vote des
bêtes sauvages, 1998) est également récompensé par le Prix Goncourt des lycéens 2000.
3
« Suis dix ou douze ans » annonce le narrateur, p. 11. Voir : A. K o u r o u m a : Allah
n’est pas obligé. Paris, Seuil, 2000.
4
Notamment les combats, les camps-prisons, l’initiation à l’amour par une femme
plus âgée, chef de camp et les exemples sont nombreux.
5
A. K o u r o u m a : Allah n’est pas obligé..., pp. 39 et al.
Un voyage au bout de la nuit africain
245
des déplacements des personnages, constitue le récit de Kourouma. Si le
perpétuel déplacement des personnages (ceux de Céline traversent plusieurs
continents, ceux de Kourouma plusieurs pays d’Afrique afin de fuir la guerre)
dicte la représentation de l’espace6, celle du temps est assez plate. Tout se
déroule dans un présent continuel dont l’irréversible chronologie n’est perturbée que par l’insertion de quelques micro-récits: leur fonction est d’éclairer le passé de certains personnages que rencontre le protagoniste. Parfois
construites comme des drames avec exposition, crise et dénouement, les
aventures ne découlent pas les unes des autres mais sont enchainées de
façon hasardeuse. Un épisode se termine pour qu’un autre commence aussitôt, déclenché de manière contingente, par un concours de circonstances
imprévisibles. Cette construction, qui privilégie une suite chaotique d’événements sans lien nécessaire, est aussi présente chez Céline; elle correspond
également à la vision du monde de Kourouma, comme si l’auteur ivoirien
donnait à voir que l’homme est soumis aux aléas de la destinée dans un
monde de plus en plus chaotique, désordonné. Le principe accidentel régit
l’existence humaine7 : le hasard d’une naissance, un mauvais sort jeté par un
féticheur méchant, la malédiction d’un «mangeur d’âme»8, les caprices d’un
dictateur puissant, ou simplement un coup de tête d’Allah « qui n’est pas
obligé de faire juste toutes ses choses ici-bas»9, comme le fait dire ironiquement Kourouma à Birahima. Comment donc déjouer le sort et échapper au
destin? L’angoisse accompagne Kourouma, être fragile et cruel, à la fois coupable et innocent. Contrairement à l’angoisse souvent métaphysique de
Céline, cette «angoisse d’être là»10, d’occuper un volume dans l’espace, l’angoisse chez Kourouma est une angoisse plus concrète, plus palpable : celle
d’être tué ou, au mieux, mutilé11. La grande préoccupation des personnages
de Kourouma est de maintenir le corps en vie. En effet, l’homme est avant
tout un corps12 : biologique, physiologique, un corps qui a faim, qui a peur,
Les aventures sont placées dans les lieux différents : ainsi le chapitre deux se déroule dans le camp du colonel Papa le bon, le chapitre trois dans une ville aurifère gouvernée par la féroce Onika Baclay, femme générale, etc.
7
Sa vision de l’existence s’inspire des systèmes de pensée opposés (foi chrétienne,
musulmane, croyances africaines, etc.).
8
« Quand on a mangé ton âme, tu ne peux plus vivre, tu meurs par maladie, par
accident. Par n’importe quelle malemort » (p. 29).
9
Le titre du roman, sorte de leitmotiv, est souvent repris dans le texte sous forme
de refrain, p.ex. p. 29.
10
Voir p.ex. B. L a l a n d e : « Voyage au bout de la nuit » de Louis-Ferdinand Céline.
Paris, Hatier, 1991, p. 34.
11
Le narrateur évoque les habitudes locales : on coupe les bras des habitants pour
les empêcher de voter.
12
Si Kourouma évoque aussi l’âme qu’il suffit de « manger » pour tuer l’individu,
l’homme est montré, comme chez Céline, avant tout comme un corps qui souffre, qui a
faim, qui a peur, etc.
6
246
Zuzana Malinovská-Šalamonová
un corps menacé, torturé, blessé, souffrant de maladies13, mourant. Ou encore il est vu comme un animal qu’on abat, qu’on transforme en chair à canon14 ou en remède magique15. Dans le monde de Céline comme dans celui
de Kourouma, l’homme-bête ou l’homme-corps veut avant tout survivre. Riche
ou pauvre, Blanc ou Noir, chrétien, musulman ou «grigriman féticheur »,
homme, femme, enfant ou enfant-soldat — «personnage le plus célèbre de
cette fin de siècle»16 —, la condition de tout homme n’est que de différer la
mort. Si Céline distingue «deux humanités, celle des riches et celles des
pauvres»17, Kourouma montre le caractère aléatoire d’une telle distinction. Car
dans son univers, tout est relatif (y compris les sentiments), tout est incertain, temporaire, précaire, souvent réversible: le même personnage peut passer d’une catégorie à l’autre, suite à un renversement inattendu de situation18, au hasard d’une rencontre. Que l’on s’appelle Bardamu (en souvenir des poilus de la guerre 1914—1918 qui appelaient «barda» le fourniment du fantassin ou le fardeau) ou Robinson, qu’on s’appelle Yacouba ou
Birahima — dont la dernière syllabe rappelle le «mu» dans Bardamu, désignant non seulement «brinqueballé», mais peut-être aussi l’ego19 — les personnages n’ont d’autre choix que d’assumer leur condition d’homme dans
l’univers apocalyptique de l’entre-deux-guerres ou de la fin du siècle dernier.
Porte-paroles des auteurs, lucides et inquiets dont le désespoir, toutefois,
prend souvent l’aspect de la dérision, Bardamu et Birahima ne croient en
rien. Dans un monde qui assiste aux massacres de populations entières, orchestrés au nom d’idéaux, dans «ce bordel de monde», dans «cette saloperie de société humaine»20, ils ne comprennent plus rien et ne croient plus
en rien, car «la vérité de ce monde est la mort»21. Cependant et en dépit de
cette vision noire et apparemment défaitiste, les deux personnages gardent
une certaine confiance, prudente et restreinte, en la parole.
La thématique de la parole est inscrite, dès les incipits, dans les deux
romans. Le Voyage au bout de la nuit commence après quelques propos
13
mort.
Par exemple la mère de Birahima souffre d’un « ulcère de la jambe », cause de sa
14
Voir également à ce propos l’incipit de Céline où la distribution de viande aux
soldats suit la scène de la tuerie, les scènes de Kourouma où les blessés sont abandonnés
aux animaux sauvages, p.ex. p. 99, etc.
15
Kourouma aime se moquer des superstitions africaines. Ainsi fait-il dire à son
narrateur que « la meilleure protection contre les balles [ ] c’est [ ] la chair de
l’homme » (p. 188).
16
A. K o u r o u m a : Allah n’est pas obligé..., p. 93.
17
L.-F. C é l i n e : Voyage au bout de la nuit. Paris, Gallimard, 1952, p. 85.
18
Par exemple Onika Baclay ou Yacouba.
19
Voir P. M e r l e : Céline, les paradoxes du talent. Toulouse, Milan, 2002, p. 13.
20
A. K o u r o u m a : Allah n’est pas obligé..., p. 129.
21
L.-F. C é l i n e : Voyage au bout de la nuit..., p. 256.
Un voyage au bout de la nuit africain
247
échangés entre copains dans un café place Clichy22. La décision de prendre
la parole déclenche le drame de l’unique voix qui parle tout au long du roman. Le drame de cette voix — qui est la voix de l’auteur mais qui peut également être la voix du lecteur — vient du caractère contradictoire de la parole. Moyen de communication sociale, recourant par la force des choses aux
signes conventionnels, il n’y a que la parole qui puisse dire les choses. Toutefois, elle est souvent muselée — car condamnée à dire des « vérités »
plates, conventionnelles, conformes à la doxa officielle — et démunie, incapable de dire «les vérités du corps», vérités individuelles, émotives. Ainsi, la
parole est génératrice de malentendu. Puissante, surtout dans son pouvoir
de manipulation23, et en même temps foncièrement impuissante, incapable
d’exprimer le profondément humain, enfoui, la parole est source du malheur
de l’homme et en même temps sa seule lueur d’espoir «dans le Ciel où Rien
ne luit»24. Il n’y a que la parole — même si elle est mensongère et inexacte
— qui puisse différer la mort, qui constitue le rempart contre le silence25.
L’évanouissement de la voix narrative26, «sifflé» par un remorquer sur la
Seine, met fin au long drame de la voix: voix violente, cruelle, crue, ironique, cynique, irrespectueuse, mais en même temps drôle.
Chez Kourouma en revanche, le drame de la voix ne s’arrête jamais à en
croire les derniers mots du roman reprenant ceux du début: «Et d’abord
et un M’appelle Birahima. Suis p’tit nègre. Pas parce que suis black et
gosse. Non ! Mais suis p’tit nègre parce que je parle mal le français ». La
thématique de la langue mal maîtrisée est essentielle pour l’auteur : dès
l’entrée en matière, le lecteur est capté par la voix de l’enfant27 qui déclare
d’emblée, et en dépit de son incompétence manifeste, ses intentions de proposer un «blablabla», de «conter [des] salades»28. La stratégie narrative permet à l’auteur de thématiser son propre rapport ambigu voire problématique
22
Bardamu « n’avait jamais rien dit. Rien. C’est Arthur Ganate qui m’a fait parler ».
Voir ibidem.
23
On le voit et chez Céline et chez Kourouma, p.ex. la scène où Bardamu échappe
au lynchage en criant, en contradiction avec ses convictions, « Vive la France », ou dans
les épisodes où Yacouba ment pour sauver sa vie.
24
Le dernier vers de la chanson, mise en exergue du roman.
25
Il semblerait que la croyance de Kourouma dans le pouvoir de la parole soit très
forte. À la fin de son roman à la construction circulaire, la voix narrative ne se tait pas
mais reprend son récit depuis le début. Celle de Céline se tait, comme souvent dans la
narration lacunaire de l’auteur qui compte également sur le pouvoir éloquent du silence.
26
Le roman s’achève par l’injonction « qu’on en parle plus ».
27
D’après Lise Gauvin, une des tendances majeures du récit contemporain francophone est de donner la parole aux « petits », aux laissés-pour-compte de la hiérarchie sociale. Voir L. G a u v i n : L’Archipel romanesque. « Magazine littéraire » n° 451, mars 2006,
pp. 50—52.
28
A. K o u r o u m a : Allah n’est pas obligé..., p. 9.
248
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à la langue, dû à ses origines. Le français est la seconde langue29 de Kourouma, la langue de l’école et de l’ancien colonisateur. «Cet appareil à penser»
du Blanc, cette langue-contrainte, pâle, froide et inadaptée à l’expression de
la pensée africaine ; mais cette langue est aussi celle de son épouse et celle
de son écriture, la langue élue. Pour contourner les difficultés découlant de
cette relation conflictuelle, l’écrivain confie la narration à celui qu’il appelle
— pour souligner surtout son insécurité linguistique — «p’tit nègre ». Ce
choix lui autorise toutes les libertés au cours de la narration, il peut s’affranchir des normes linguistiques et malmener, subvertir, casser la langue trop
classique, trop rigide et pour la retravailler complètement. En effet, Birahima, son double fictionnel et fonctionnel, encouragé par le docteur Mamadou30
et armé de quatre dictionnaires31, se met à conter pour transformer la langue-contrainte en langue-liberté. Les dictionnaires — qu’il consulte sans
cesse pour s’assurer du sens des mots, pour rendre sa parole crédible — témoignent de la «surconscience linguistique»32 qu’affecte tout écrivain francophone, condamné, à cause de sa situation de diglossie, à penser la langue.
Ainsi par exemple, en juxtaposant les définitions tirées des différents dictionnaires, Birahima, souvent impuissant face à certains concepts inexistant dans
l’autre culture33, évoque les limites et les imprécisions de la langue, les flottements des sens des mots, leurs dépendances contextuelles. Mais en dépit de
la difficulté à raconter34, Birahima, de culture africaine orale où «une chose
dite est plus importante qu’une chose écrite »35, ne fléchit pas : il continue
La langue maternelle de Kourouma est le malinké.
Ce personnage recueille Birahima « au bout de son voyage» à la mort de sa mère.
31
Pour rendre crédible sa parole, le narrateur consulte le Larousse, le Petit Robert,
l’Inventaire des particularités lexicales du français de l’Afrique noire et le Harrap’s qui,
pourtant, ne dissipent pas son incertitude linguistique.
32
L. G a u v i n : L’écrivain francophone à la croisée des langues. Entretiens. Paris,
Karthla, 1997, pp. 8—12.
33
Le narrateur doit souvent recourir à l’explication. Ainsi p.ex. « dja signifie l’âme
vengeresse », p. 197, ou encore « gnama est un gros mot nègre noir africain qu’il faut
expliquer aux Français blancs. Il signifie, d’après l’Inventaire des particularités [ ]
l’ombre qui reste après le décès d’un individu » (p. 12) ou « les gnamas sont des âmes,
les ombres vengeresses des morts » (p. 99), «appatam, c’est une construction légère à toit
de papot ou de feuilles de palmier tressées posées sur des pilotis qui sert d’abri contre
le soleil » (p. 41), etc.
34
Birahima s’arrête souvent dans sa narration, car il bute sur les mots dépassant
le cadre d’un lexique de base utilisé dans une conversation rudimentaire dont il vérifie
le sens et qu’il appelle, contrairement à l’usage courant, des « gros mots ». L’explication
des « gros mots » ralentit le récit et accentue l’importance de la thématique de la langue.
Ainsi par exemple le narrateur précise que « féérique, gros mot de Larousse, signifie
qui tient du merveilleux, comme scabreux signifie indécent, osé d’après Le Petit Robert » (p. 65), « sex-appeal signifie donne envie de faire l’amour » (p. 63), etc. in : A. K o u r o u m a : Allah n’est pas obligé..., 2000.
35
L. G a u v i n: L’écrivain francophone..., p. 159.
29
30
Un voyage au bout de la nuit africain
249
à parler, prêt à reprendre son histoire dès le début36. Il parle avec «les mots
de France» en y coulant la pensée et l’imaginaire de son pays natal37. Il parle
aussi afin de quitter la peau du «p’tit nègre» et devenir un Noir38 avec un
droit à la parole. L’idée de la parole et de la langue maîtrisées, de la languepromotion, de la langue-ascension sociale39, opposée au «petit nègre», synonyme d’échec, de basse condition, est très importante dans le roman de Kourouma, roman qui pourrait se lire, à première vue, comme un simple document sur les réalités africaines40. Mais cette histoire des enfants-soldats est
avant tout un roman sur la parole et la langue. Comme Céline, un de ses
auteurs préférés41, Kourouma crée une nouvelle langue, pleine d’inventions
verbales, une langue à sa mesure, truculente, unique et tonique, expressive,
très imagée, au rythme parfois monotone, parfois «trépidant» et «endiablé
des tam-tams »42, une langue inspirée de l’imaginaire et de la phrase malinkés43.
En lisant les deux romans, je constate donc une certaine rencontre, intentionnelle ou non, de matière et de manière permettant de considérer Allah n’est pas obligé de Kourouma comme une réécriture de Céline, plus exactement comme un remaniement africain de son Voyage au bout de la nuit.
Les ressemblances thématiques et formelles caractérisent les romans des
deux auteurs. Tous deux s’inspirent du vécu44 et racontent des histoires
36
Comme donne à voir la construction cyclique et les derniers mots du roman reprenant ceux de l’incipit : « Et d’abord et un M’appelle Birahima. Suis p’tit nègre. Pas
parce que suis black et gosse. Non !» In: A. K o u r o u m a : Allah n’est pas obligé...
37
Le narrateur est obligé d’expliquer certaines expressions figurées, par exemple
« mettre une abeille vivante dans l’oeil ouvert veut dire être très méchant » (p. 57), « ce
qui mord sans avoir de dent » est une surprise désagréable (p. 174), « faire pied la route
signifie marcher », « makou » veut dire silence etc. In : A. K o u r o u m a : Allah n’est pas
obligé...
38
«Un grand quelqu’un », comme dit la voix narrative.
39
Deux personnages incarnent cette idée de la langue-promotion: le docteur Mamadou
qui accueille Birahima et l’incite à raconter et l’interprète Varrasouba qui maîtrise «plusieurs langues : le français, l’anglais, le pidgin, le krahn, le gyo etc.» (ibidem, p. 230).
40
Cette lecture serait celle du lecteur sémantique soucieux uniquement de l’histoire
racontée, d’autant plus que la narration, surtout dans la seconde partie du roman, glisse
parfois vers le reportage.
41
Voir L. G a u v i n : L’écrivain francophone..., p. 161, Kourouma cite encore Rabelais et Beckett.
42
Les expressions de la voix narrative. Voir A. K o u r o u m a: Allah n’est pas obligé...,
p. 67.
43
La langue de Kourouma à laquelle un critique sénégalais a consacré un livre, mériterait une analyse plus approfondie.
44
On trouve certains parallèles anecdotiques dans la vie de Céline et dans celle de
Kourouma: les deux auteurs, pour des raisons différentes, « persona non grata » dans leur
pays, connaissent l’exil, ils écrivent tout en exerçant un métier (Kourouma est mathématicien-actuaire), etc.
250
Zuzana Malinovská-Šalamonová
riches en aventures dramatiques tout en confiant la narration à des victimes
de la société. En faisant parler ceux qui sont d’habitude privés de parole, ils
violent les règles, ébranlent les normes de la société. Mais les deux textes
transgressent également les codes littéraires, car ils oscillent entre le roman
et le reportage voire le document historique, la fiction et l’autobiographie
déguisée, le drame et la parodie. Les deux textes — qui étudient la condition
humaine dans un monde apocalyptique — inquiètent et amusent, plaisent
ou déplaisent mais ne peuvent laisser indifférent.
Mais le roman de Kourouma rappelle celui de Céline surtout par le traitement irrespectueux de la langue45. L’écrivain d’origine ivoirienne ne veut pas
exalter la grandeur et le génie du français littéraire. Il ne veut pas cultiver
la «pureté » ou la «beauté» du français «classique ». Bien au contraire: en
produisant un effet d’oralité très prononcé, il abolit, comme Céline, les barrières séparant la langue écrite et la langue parlée. Comme son aîné — qui,
puisant dans tous les registres, voulait par sa «petite musique», c’est-à-dire
la langue qui imitait le discours oral populaire, «rendre l’émotion au langage
écrit» — lui aussi veut «traduire » la réalité de manière émotive. Pour ce
faire, il n’hésite pas à s’écarter du bon usage, à heurter et à malmener
le français. Il n’hésite pas non plus à inventer une langue bien à lui, une
langue pleine d’incorrections et d’expressions figurées, parfois grossières,
parfois poétiques, lyriques; il n’hésite pas à créer une langue aux tournures
propres de l’enfant-conteur africain, une langue colorée, spontanée, en un
mot, un français aux sons et aux tons d’Afrique.
Ce faisant, Kourouma, ne transpose-t-il pas l’entreprise de Céline qui lui
aussi voulait donner une valeur esthétique à la langue considérée comme non
littéraire?46
En réactualisant et «africanisant» Céline, Kourouma met en avant un
autre français et valorise ainsi la franco(poly)phonie.
45
La langue utilisée par les deux auteurs est complètement différente : celle de
Céline a fait l’objet de nombreuses recherches, voir H. G o d a r d: Poétique de Céline. Paris,
Gallimard, 1985. Un critique sénégalais a consacré un livre à la langue d’A. Kourouma.
46
Celle de la classe sociale de ses parents.
Magdalena Zdrada-Cok
Université de Silésie, Katowice
Ahmed-Zahra — personnage benjellounien
dans les sentiers qui bifurquent
En imitant la forme du conte populaire transmis oralement, L’Enfant de
sable — roman de Tahar Ben Jelloun de 1985, présente l’histoire d’AhmedZahra, huitième fille d’un couple arabe traditionnel qui pour des raisons de
prestige et d’héritage l’élève comme un garçon.
Dans l’un des derniers chapitres, Tahar Ben Jelloun laisse la parole à un
personnage qui emprunte tous ses traits à la biographie de Jorge Luis
Borges. L’analogon du grand praticien de la réécriture entre en scène au moment où, apparemment, l’histoire d’Ahmed-Zahra traverse une crise. En
effet, privée de son narrateur, conteur populaire brusquement disparu, l’histoire se perd dans une série d’hypothèses, divisée entre des voix mensongères
de plusieurs allocuteurs, tous usurpateurs et fabulateurs.
Nous observons même une sorte de proliférations des discours parallèles
qui sont autant de versions divergentes de la vie du protagoniste. Par sa
structure, L’Enfant de sable semble très proche de la conception borgesienne du livre-jardin aux sentiers qui bifurquent. D’ailleurs le fameux conte
de Borges écrit en 1941 constitue l’un des principaux hypotextes du chapitre métatextuel en question, intitulé Le Troubadour aveugle.
Précisons tout d’abord que les analogies entre le conteur venu de Buenos Aires et Jorge Luis Borges sont plus qu’évidentes: ce bibliothécaire non
voyant dit avoir passé sa vie «à falsifier et altérer les histoires des autres. [...]
Ami vigilant, confident mais aussi traître des livres, [...] falsificateur, biographe de l’erreur et du mensonge»1 — comme il se surnomme lui-même, il
1
T a h a r B e n J e l l o u n: L’Enfant de sable. Paris, Seuil, 1985, pp. 171, 172, 173.
252
Magdalena Zdrada-Cok
exprime l’idée borgesienne d’un univers pantextuel, d’un monde calqué sur
une bibliothèque: infinie, déréalisée et insaisissable: — «j’étais peut-être un
livre parmi les milliers serrés les uns contre les autres dans cette bibliothèque
où je venais naguère travailler»2. Le troubadour aveugle fait allusion au symbole borgesien du livre-labyrinthe3. Et finalement il reprend la fameuse
métaphore de Borges en avouant avoir jeté ses personnages dans des sentiers qui bifurquent4.
Du point de vue diégétique, ce qui relie le personnage d’Ahmed-Zahra
au troubadour aveugle, c’est une rencontre évoquée par ce dernier ayant lieu
des années auparavant dans une bibliothèque de Buenos Aires. S’ouvre ainsi
une histoire empreinte de nostalgie, histoire d’une fascination exercée sur
le bibliothécaire par une femme arabe très érudite ; cette femme à voix
d’homme était peut-être Zahra...
Remplie de réminiscences littéraires, d’allusions et même de citations
exactes5, l’aveu du troubadour aveugle se greffe sur les plus connus parmi les
contes de Borges tels que — évidemment — Le jardin aux sentiers qui bifurquent déjà évoqué, mais aussi La bibliothèque de Babel, Le Zahir, Le
livre de sable, Aleph, Les ruines circulaires et autres.
La confrontation de Borges «versé dans un conte par un autre conte»6,
c’est-à-dire, en tant que personnage benjellounien, ramené à une dimension
textuelle avec une femme dont il comprend lui-même le statut à mi-chemin
entre le réel, le fictionnel et le métalittéraire constitue dans L’Enfant de sable
l’épisode le plus significatif.
En déclarant sa parenté artistique avec Borges, dans un chapitre autotélique, Ben Jelloun met en relief la dimension intertextuelle de l’histoire
d’Ahmed-Zahra. Notre brève analyse de cette histoire présentée d’abord
dans L’Enfant de sable et réécrite deux ans plus tard dans La nuit sacrée
se concentrera donc sur les rapports que le texte benjellounien entretient
avec les récits brefs de Jorge Luis Borges. Enfin, tout comme de nombreux
contes et nouvelles de Borges, le diptyque de Ben Jelloun est le fruit d’une
séduction... Il résulte d’un pouvoir enchanteur des Mille et Une Nuit. Ainsi, l’interprétation des contes arabes proposée par Borges dans ses œuvres
de fiction et textes de conférence nous fournira des éclaircissements non
négligeables sur le travail de la réécriture proposé par Tahar Ben Jelloun.
Ibidem, pp. 178—179.
«Et puis un livre tel que je le conçois est un labyrinthe fait à dessein pour confondre les hommes avec l’intention de les perdre et de les ramener aux dimensions
étroites de leurs ambitions ». Ibidem, p. 178.
4
Ibidem.
5
Le bibliothécaire répète à la lettre les fameux mots de l’espion Ju Tsun : « Celui qui
se lance dans une entreprise atroce doit s’imaginer qu’il l’a déjà réalisée ». Ibidem, p. 181.
6
Ibidem, p. 172.
2
3
Ahmed-Zahra...
253
Les allusions à Mille et Une Nuit tissent la plus importante trame intertextuelle dans l’histoire du troubadour aveugle évoquée dans le dix-septième
chapitre. D’abord le conteur de Buenos Aires découvre dans cette femme
arabe à l’identité troublante, dont la voix n’est ni tout à fait féminine ni tout
à fait masculine ni tout à fait enfantine mais suggère toujours une sorte de
blessure (autant physique que psychique), une sorte d’incarnation de Tawaddud, une héroïne des Mille et Une Nuit, servante dotée du savoir universel7.
La femme marocaine, elle aussi, est porteuse d’une ou même de multiples
énigmes, comme si son intelligence et sa sensibilité débouchaient sur l’infini. L’analogon de Borges découvre un conte derrière ce corps fuyant, ambigu et intrigant: conte oriental toujours changeant, refait à chaque nouveau
contage ou à chaque nouvelle tentative de traduction. Dans les discussions
avec le conteur, cet « être complètement embourbé dans une histoire inachevée »8 joue sur son statut à mi-chemin entre la personne et le personnage littéraire, en constatant notamment: «je ne suis pas un de vos personnages, j’aurais pu l’être»9. D’ailleurs, la femme arabe subit, elle aussi, une
sorte de pouvoir magique des Mille et Une Nuit dont elle avoue avoir lu
toutes les traductions disponibles10.
Par son contenu métatextuel, l’intervention du troubadour aveugle non
seulement dévoile le réseau intertextuel de L’Enfant de sable mais aussi — ce
que nous espérons démontrer — met en abyme les motifs principaux de l’histoire d’Ahmed-Zahra. En même temps, elle suggère une sorte d’ossature
architextuelle du roman. Précisons sur ce point que l’histoire de L’Enfant de
sable s’articule dans le sujet-cadre11 constitué par la trame des rencontres
systématiques avec le conteur principal sur une place de Marrakech. Ben Jelloun se réfère évidemment à la tradition des littératures issues de la tradition
orale propre notamment aux Mille et Une Nuit, où les histoires contées de manière cyclique, devant un public invariable sont souvent laissées en suspens.
Quant aux aspects essentiels du conte — discours oral, ils sont imités
dans L’Enfant de sable à l’aide des moyens morphologiques (manifestes dans
le cadre diégétique de la place Jemaâ el Fna où le conteur tisse son histoire)
et stylistiques: le discours du conteur (riche en procédés phatiques tels les
apostrophes et anaphores) se caractérise par un ton pathétique, solennel,
archaïsant12. Dans sa tonalité qui suggère à la fois la gravité de la situation
Ibidem, p. 174.
Ibidem, p. 178.
9
Ibidem, p. 179.
10
Ibidem, p. 182.
11
Cf. Ch. C a r l i e r : La clef des contes. Paris, Ellipses, 1998, pp. 56—59.
12
Sur les procédés de l’oralisation de la langue, cf. Vocabulaire des études francophones. Sous la dir. de M. B e n i a m i n o, L. G a u v i n. Presse Universitaire de Limoges,
pp. 138—141.
7
8
254
Magdalena Zdrada-Cok
et son côté mystérieux, les interventions du narrateur oscillent entre un conte
merveilleux comme issu directement des Mille et Une Nuit et même un
discours religieux.
En effet, le conteur se présente comme un être d’exception — détenteur
d’une énigme dont il dissimule toutes les clés, possesseur d’une vérité.
Cette vérité, il la transmet non seulement à travers les mots: le livre s’est
également inscrit dans son corps et s’écrit désormais à travers le gestuel, la
mimique et le timbre de sa voix. Le conteur est comme hanté par le livre, il
en devient l’esclave, sa vie en dépend étroitement: «Je suis ce livre. Je suis
devenu le livre du secret; j’ai payé de ma vie pour le lire»13.
De plus, entre lui et ses allocutaires réunis chaque soirée en cercle s’instaure un rapport difficile: l’assistance au spectacle de plus en plus insolite
devient une épreuve difficile, douloureuse et même dangereuse:
Nous ne sommes plus des spectateurs, nous nous sommes aussi embarqués dans cette histoire qui risque de nous enterrer tous dans le même
cimetière14.
Or — comme nous le savons — cette épreuve difficile entraîne une soudaine disparition du conteur, déclaré mort par la voix publique, ce qui nous
fait admettre un fort pouvoir maléfique du conte d’Ahmed-Zahra: en effet,
il hante celui qui entre en sa possession et porte toujours malheur ; il faut
donc se débarrasser à tout prix du poids de l’histoire, en la transmettant aux
autres, en la racontant. L’homme au turban bleu, la dernière incarnation du
conteur principal réapparu dans le dénouement du récit explique:
La malédiction était jetée sur moi. [...] J’étais possédé et j’allais,
guidé par l’instinct15.
Il évoque par la suite les paroles d’une femme d’Alexandrie qui lui avait
jadis expliqué, auguré même, une sournoise logique du conte d’Ahmed-Zahra:
À présent cette histoire est en vous. Elle va occuper vos jours et vos
nuits. [...] Vous ne pourrez plus lui échapper. [...] Soyez digne du secret
et de ses blessures16.
Transmis oralement, jamais épuisé, jamais assouvi dans son désir de faire
souffrir, le conte d’Ahmed-Zahra est une forme de Zahir, objet maléfique
dans la tradition islamique héritée des sufis.
13
14
15
16
Tahar
Ibidem,
Ibidem,
Ibidem,
B e n J e l l o u n : L’Enfant de sable..., p. 12.
p. 24.
p. 204.
p. 208.
Ahmed-Zahra...
255
Sur ce point, il nous faut nous référer encore une fois au chapitre métatextuel du troubadour aveugle parce que c’est là où se trouve la clé de cette
lecture. Car le troubadour aveugle se souvient d’avoir pensé au Zahir au moment où, dans la bibliothèque de Buenos Aires, la femme marocaine lui offrait
le battène, une monnaie rare de 1851. Ce battène, qui possède sur le côté
face et sur l’avers les effigies d’un couple de jumeaux presque identiques:
frère et sœur, symbolise évidemment la double identité de l’androgyne
Ahmed-Zahra. Si la pièce de battène — comme l’explique le bibliothécaire —
signifie l’intérieur puisqu’elle renvoie à l’intimité de l’héroïne, il n’est pas
difficile de comprendre que le Zahir borgesien, monnaie courante de 20 centimes battue à Buenos Aires, synonyme de l’apparent et du visible ne peut
que renvoyer au conte — l’extériorisation du destin d’Ahmed-Zahra.
Le troubadour aveugle a donc annoncé le statut maléfique du conte à travers la citation de tout un fragment du fameux récit bref de Borges intitulé
Le Zahir. En effet, le conteur venu d’Argentine reprend presque littéralement le texte de Borges dans le paragraphe qui commence par : «En 1929,
nous avons eu à Buenos Aires une monnaie courante de vingt centime qui
s’appelait le Zahir» et qui aboutit à l’énumération des objets maléfiques, incarnations du Zahir, cités dans l’hypotexte, tels un puits à Tetouan ou une
veine dans le marbre dans la mosquée de Cordoue17.
Observons encore que le motif du conte-Zahir, conte qui risque de tuer,
assure un lien entre L’Enfant de sable et Mille et Une Nuit; seulement Ben
Jelloun inverse le thème du pouvoir salvateur des contes de Shéhérazade, il
en propose une version exactement opposée: c’est que l’histoire d’AhmedZahra, à l’instar de Zahir, dotée d’une dimension presque métaphysique,
possède aussi une grande force de séduction, à cette différence près qu’elle
risque de mettre à mort celui qui la raconte.
L’interprétation du motif du Zahir révèle une dimension autotélique du
conte benjellounien; or, la lecture qui se concentre sur la gravité de l’histoire
d’Ahmed-Zahra se double d’une interprétation qui en dévoile, de manière
déroutante, un sens métatextuel non dépourvu d’un arrière-fond ironique.
Car tout comme les allocutaires réunis à la place Jemaâ-el-Fna, le lecteur est
amené à soupçonner que le conteur aspirant au statut de la victime n’est
peut-être qu’un usurpateur. On a un pressentiment de plus en plus fort que
son style pathétique, qui joue sur la gravité de la situation, ne résulte peutêtre que d’une surabondance de la parole au service d’un jeu. D’ailleurs, au
fur et à mesure d’avancer dans sa narration, le conteur perd non seulement
sa crédibilité aux yeux du public, mais encore son prestige. Au début, paré
de vertus d’un sage qui détient une vérité inaccessible aux hommes ordinaires, il finit comme une figure piteuse et fait même partie de la racaille de
17
Ibidem, p. 176.
256
Magdalena Zdrada-Cok
la ville. Il est chassé de la place Jemaâ el Fna par les services chargés de nettoyer la ville et partage ainsi le sort minable de tout un nombreux groupe de
tricheurs — mendiants, acrobates, charmeurs de serpents, charlatans, avaleurs de clous, danseurs ivres – et autres marginaux qui vendent aux autres
l’illusion et le mensonge18.
La chute du narrateur intradiégétique, qui tombe du piédestal de la vérité
et s’embourbe dans le relativisme et l’illusion, va de pair avec une progressive évanescence de l’histoire qui s’embrouille dans des hypothèses; à cela
s’ajoute encore le motif de l’effacement du texte du livre — au sens matériel
et symbolique du terme. Car au départ, les allocutaires voient le livre dont
le conteur lit même des chapitres entiers; ces unités textuelles forment sur
le plan narratologique le journal d’Ahmed-Zahra emboîté dans le discours du
conteur. Or, d’après un allocutaire, le livre d’Ahmed n’est qu’une pure invention du conteur qui se serait servi d’un exemplaire du Coran pour leurrer son
public. Le statut du livre reste flou jusqu’au dénouement de L’Enfant de
sable — le conteur réapparu le présente comme une sorte de palimpseste
vidé de lettres par la pleine lune:
Le livre a été vidé. Il a été dévasté. [...] la lumière a effacé les mots l’un
après l’autre19.
Le motif du livre qui se refait et se défait jalonne le discours du conteur;
celui-ci se permet finalement de ruiner l’histoire d’Ahmed-Zahra: le récit se
déconstruit progressivement comme «le manuscrit qui tombe en morceaux
à chaque fois qu’il est ouvert»20.
Le conteur est ainsi amené à témoigner de son impuissance devant le
thème qui non seulement le menace (comme le zahir) mais encore le dépasse
et le laisse vaincu, impuissant et épuisé:
J’ai souvent rêvé d’une main qui passerait sur les pages d’un ouvrage
déjà écrit et qui ferait le propre à l’intérieur, effaçant l’inutile et le pompeux,
le creux et le superflu21.
Peut-on donc lire L’Enfant de sable comme une œuvre sur l’échec, sur
l’impuissance du texte littéraire à assumer son thème? La récurrence de la
métaphore du livre — édifice inaccessible pourrait le suggérer. Car au départ,
le dessein du conteur suit les lois de la logique. Bien organisée, son histoire
18
19
20
21
Ibidem,
Ibidem,
Ibidem,
Ibidem,
pp. 135—136.
p. 201.
p. 108.
p. 107.
Ahmed-Zahra...
257
ressemble à une construction solide ou une médina de pierre entourée de
remparts à sept portes que le conteur, doté de sept clés, espère bien ouvrir
pour y introduire le lecteur22.
Or, chronologique, ordonné, le récit ne s’arrête pas, malgré la promesse
du conteur — à la septième porte. Un obstacle se dresse — c’est la huitième
porte — la porte oubliée — qui n’est plus régulière, mais composée de multiples brèches dans la muraille extrêmement difficiles à traverser. On le devine tout de suite: l’apparition de la huitième porte suit la disparition du conteur et entraîne la bifurcation de la narration — jusqu’alors linéaire et désormais morcelée en récits chaotiques et peu crédibles de plusieurs conteurs.
Si la modalité du discours change, c’est que l’histoire d’Ahmed commence
à dévier. Nous devons préciser qu’au départ, la vie du héros s’organise
d’après les règles imposées par le père autoritaire. D’abord fier d’être un
garçon, puis, lorsqu’il prend conscience de la supercherie, il continue par
calcul à mener le jeu d’après les règles du père, en voyant dans sa virilité
feinte un avantage social, une chance et un privilège. À ce stade, Ahmed appartient au domaine du père, il vit d’après — ce que la psychanalyse freudienne appelle — le principe de réalité opposé au principe de plaisir et
reste docilement au service du père — incarnation des valeurs surmoïques.
La vie d’Ahmed est symbolisée par la ville ou l’édifice — construction solide,
fermée à sept portes qui renvoient à sept sœurs qui encerclent le héros dans
le cadre familial. Cette existence apparemment bien organisée s’écroule à la
mort du père: Ahmed va affronter son identité (bien au-delà de la frontière
féminin—masculin) et se mettra à l’écoute de son désir. Il va devenir cet être
de sable — figure inconsistante, qui — provisoirement, peut prendre toutes
les formes mais qui échappe finalement à tout modelage exposé dans sa fragilité à chaque moindre souffle du vent.
Avec le statut du protagoniste devenu enfant de sable, c’est le statut du
livre qui change: l’histoire d’Ahmed-Zahra devient à son tour le livre de sable:
livre infini, ouvert à toute sorte de suites et à toute sorte de relecture.
La naissance du désir d’Ahmed passe donc au niveau textuel par la libération de l’écriture, qui dans sa forme proche de la tradition orale, prolifère et
se ramifie pour s’approcher de l’infini. Le recours à l’oralité permet donc
à Ben Jelloun de réaliser le livre ouvert et changeant, conformément à la
phrase finale prononcée par le conteur:
Moi, je dépose là devant vous le livre, l’encrier et les porte-plume. Je
m’en vais lire le Coran sur la tombe des morts !23
« Sachez aussi que le livre a sept portes percées dans une muraille [...] Je vous donnerai au fur et à mesure les clés pour ouvrir ces portes ». Ibidem, p. 12.
23
Ibidem, p. 209.
22
17 Quelques...
258
Magdalena Zdrada-Cok
Si l’on veut donc voir un échec de l’écriture illustrée dans L’Enfant de
sable, il concerne plutôt un roman traditionnel linéaire, avec un personnage
— porteur de significations psychologiques — par exemple freudiennes —
qui se veulent sûres et cohérentes. Un personnage qui aurait pu être Ahmed
si l’auteur avait été fidèle à la convention du psycho-récit introduite dans
l’épilogue de L’Enfant de sable et tout de suite brisée, juste au moment où
le conteur principal entre en scène pour basculer le discours romanesque
traditionnel vers le discours oral.
Par contre, présenté par plusieurs conteurs, Ahmed-Zahra n’est pas un
personnage réaliste, mais un personnage déréalisé, un vrai personnage du
conte, un devenir, une forme qui cherche à s’incarner24.
Être de sable, Ahmed-Zahra est un sujet expérimental que plusieurs conteurs modèlent en lui octroyant de significations multiples, à savoir : perverse (Salem), humaniste (Amar), féministe (Fatouma), métallitaire (troubadour aveugle). Finalement, le conte de Zahra est une histoire circulaire et infinie, l’existence de son deuxième volet La nuit sacrée le prouve le mieux.
Car le contage cette fois-ci assumé par l’héroïne principale elle-même se déroule
sur la même place de Marrakech et Zahra décide d’ouvrir la même porte,
« la porte de sable » qui débouche sur l’infini. S’ouvre ainsi une nouvelle
version, non moins hypothétique et incertaine, de la même histoire. Elle se
perd cette fois-ci dans toutes les nuances du merveilleux (féerique, insolite,
troublant) qui — comme dans le conte arabe traditionnel — transplante
dans un cadre tout à fait réaliste.
Nous tenons à le souligner: le sens de la huitième porte — porte de sable
qui laisse incertains le statut littéraire et l’identité du protagoniste et permet toujours à la narration de se réécrire — comme tous les symboles récurrents dans le roman — est suggéré dans le discours du troubadour aveugle.
Et comme c’est presque la règle dans le texte benjellounien, la valeur symbolique de la porte de sable, porte toujours entr’ouverte et pourtant jamais
tout à fait franchie, se greffe sur un récit bref de Borges. En effet, la huitième
porte renvoie à la quête d’Al Moattassim, évoqué par le troubadour aveugle.
Car comme le suggère Borges dans son récit bref de 1935, Al Moattasim —
symbole de la vérité et de la perfection s’incarne dans le chiffre huit (c’est le
huitième calife abasyde qui gagna huit bataille, régna huit ans, engendra huit
garçons et huit fille, et ainsi de suite) et — comme on le sait — ce chiffre
à son tour — notamment le huit couché en algèbre — est le signe de l’infini.
Enfin, avec le concept de l’infini, nous touchons à ce qu’il y a d’essentiel dans le roman benjellounien. Car le thème d’un livre qui aboutit à la
huitième porte pour s’ouvrir ainsi à l’infini se manifeste même dans le titre
L’Enfant de sable qui se réfère au Livre de sable, fameuse nouvelle fantas24
Cf. Ch. C a r l i e r : La clef des contes..., pp. 64—65.
Ahmed-Zahra...
259
tique de Borges consacrée à l’histoire d’un livre insolite qui à chaque lecture change de nombre de pages, celles-ci étant en plus en permutation incessante de telle sorte que, impossible à tarir, le livre continue toujours à se
réécrire.
De toute évidence, Ben Jelloun partage avec Borges le même rêve: celui
d’une œuvre qui change à chaque fois qu’on l’ouvre, jamais terminée, jamais
fixe dans son ordre et ses dimensions. Ce qui plus est, tout comme Borges,
Ben Jelloun comprend que le livre le plus proche de l’idéal — c’est le recueil des Mille et Une Nuit. Précisons que chez Borges, le narrateur range le
palimpseste parmi les volumes des Mille et Une Nuit, puisqu’ils voient entre
les deux ouvrages une sorte d’analogie et de parenté. Car, comme Borges
l’explique lors d’une conférence dont le texte fut publié en 1979, l’idée de
l’infini est consubstantielle aux Mille et Une nuit25, car, d’abord fruits d’innombrables confabulatores nocturni, ensuite objet de réinterprétation de
traducteurs et adaptateurs, le recueil continuent à croître et à se recréer. Ce
livre, qui déjà dans sa dimension diégétique réalise un vaste projet intertextuel (puisque Shéhérazade — femme érudite — avait tout appris et rien inventé26), ce livre impossible à lire jusqu’à la fin, ce livre qui subit d’infinies
métamorphoses, oscille finalement entre la non-existence (insaisissable dans
sa multiplicité) et l’existence ab aeterno (continuelle réécriture).
Ahmed-Zahra, huitième enfant, enfant de sable, est une figure en fuite;
il réalise le projet d’un personnage ouvert, jeté dans des sentiers narratologiques qui bifurquent, exposé à d’infinies variantes et confabulations. Par
son refus de s’incarner dans une forme close et précise, elle revendique la
liberté totale de l’être et personnifie le désir. Figure de douleur, Ahmed-Zahra est porteuse d’une énigme, d’une vérité censée être assumée suite à une
déréalisation que seule l’esthétique du conte populaire, du mythe ou de la
légende rend possible, car, comme l’a dit une héroïne de L’Enfant de sable,
une femme d’Alexandrie:
J’ai pensé qu’en rendant publique cette histoire on en ferait une légende
et, comme chacun sait, les mythes et les légendes sont plus supportables
que la stricte réalité27.
25
J.L. B o r g e s : Conférences. Traduit de l’espagnol par Fr. R o s s e t. Paris, Gallimard, 1985, p. 58.
26
« La singularité de Shéhérazade ne tient pas à son imagination, mais à sa culture. “Elle avait beaucoup de lectures et une mémoire si prodigieuse que rien ne lui était
échappé de tout ce qu’elle avait lu” — écrit Galland pour nous la présenter ». In :
Ch. C h r i s t i a n : Le surnaturel. Poétique et écriture. Paris, Armand Collin, 2006, p. 185.
Rappelons encore qu’à la dernière page des Mille..., c’est la mémoire et non l’imagination de Shéhérazade qui est louée.
27
T a h a r B e n J e l l o u n : L’Enfant de sable..., pp. 208—209.
17*
260
Magdalena Zdrada-Cok
Pour conclure, il nous faut donc constater que la création du personnage pluridimensionnel d’Ahmed-Zahra passe d’un côté par une déconstruction des conventions du roman et de l’autre par un complexe jeu intertextuel
— pour aboutir au renouveau de la littérature orientale orale. Dans L’Enfant
de sable, la rupture avec la linéarité du discours, la perversion de la logique
textuelle, les bifurcations narratologiques se réalisent — paradoxalement —
par le recours à l’une des plus anciennes traditions littéraires.
Jean Bessière
Université Paris III — Sorbonne Nouvelle
Notes pour recaractériser la réécriture
— quelques considérations théoriques
On propose ici, sous forme de notes rapides, une petite réflexion sur les
manières de resituer et de réécrire la notion de réécriture. Cette notion, qui
appartient typiquement à la critique des années 1960 et 1970, doit se lire
doublement. Première lecture: la notion de réécriture doit être vue une fois
comme une reprise de ce que savait la vieille philologie, de ce que pratiquaient depuis toujours les écrivains, et qui a été dit, au long de l’histoire
littéraire, de manières diverses — on va ainsi de l’imitatio à l’identification
des influences. Deuxième lecture: il faut considérer que la reprise de cet ancien savoir dans les termes des années 1960 et 1970 traduit, sans doute, des
changements de perspective poïétique, mais aussi — et plus essentiellement
— un certain état de l’idéologie de la littérature. Cet état est lui-même symptomatique. Il doit être interprété suivant les paradoxes qu’il implique; cette
lecture doit permettre la réécriture de la notion de réécriture, de telle façon
qu’on puisse rendre compte de ses paradoxes et de sa fonction suivant ces
mêmes paradoxes1.
Nous allons citer plusieurs travaux critiques qui appartiennent au domaine tout
à fait public de la recherche. Nous ne donnerons donc pas de références bibliographiques.
Nous indiquons cependant que les pages qui suivent reprennent des arguments développés dans Jean B e s s i è r e: Principes de la théorie littéraire. Paris, PUF, 2005.
1
262
Jean Bessière
De la réécriture et de son paradoxe
La réécriture peut être dite quelque chose de commun, dont témoigne
toute littérature. Elle se définit simplement comme le fait de reprendre, plus
ou moins largement et selon des modes qui sont très divers, des témoins
scripturaires disponibles, antérieurs — qu’il s’agisse de ceux de l’écrivain qui
réécrit, de ceux d’autres écrivains, ou d’écrits qui n’appartiennent pas à
proprement parler à la littérature. Cette définition, aussi simple et aussi évidente qu’elle se veuille, aussi applicable à toute littérature depuis bien longtemps qu’elle se donne, appartient à la critique contemporaine, de manière
tout à fait spécifique. Elle est une des notions qui se constituent à la fin des
années 1960, indissociable à la fois de la notion d’écriture — celle que Roland Barthes introduit avec son Degré zéro de l’écriture — et de la notion
d’intertextualité — celle que Julia Kristeva introduit selon un rappel de Mikhail Bakhtine, dans un article que publie la revue «Critique». On ne va s’attacher ici ni à un examen de l’alliance de ces deux notions, ni à un répertoire de ce que pourrait être les divers types de réécriture. On ne vas pas
poursuivre avec Gérard Genette et les propositions qu’il offre dans Palimpseste. Qu’il suffise de dire que ces travaux, très largement développés — de
manières très variées — offrent une sorte d’image du discours sur la littérature, qui caractérise la vulgate critique contemporaine. On préfère s’attacher
aux paradoxes constitutifs de la notion de réécriture et considérer en quoi
ils permettent de préciser le statut reconnu à la littérature par la critique contemporaine.
La notion de réécriture, particulièrement dans ses rapports avec les notions d’écriture et d’intertextualité, est une notion paradoxale. Elle suppose le constat de l’autre écriture — cette écriture disponible —, le fait que
celle-ci puisse être reprise, et qu’elle ne puisse cependant être réappropriée
par le réécrivant. Bien que ce point ait rarement été souligné, la notion de
réécriture doit être mise en parallèle avec les thèses de Nelson Goodman relatives à la nature du texte littéraire: celui-ci peut être copié sous bien des
formes — cela même est le jeu des diverses éditions —; les copies ne constituent jamais des faux à la différence de la peinture. La réécriture, telle
qu’elle est comprise par la critique contemporaine, telle qu’elle est identifiable dans toute littérature, a donc pour condition ce constat relatif au texte
littéraire. Ce constat permet de préciser le paradoxe de toute réécriture: reprise explicite d’une écriture antérieure, elle n’en constitue pas cependant
une copie. C’est ce paradoxe qu’illustre le conte de Borges sur Pierre Mesnard qui réécrit le Don Quichotte de Cervantès: le texte du premier est absolument identique au texte du second; chacun de ces textes forme cepen-
Notes pour recaractériser la réécriture...
263
dant une œuvre spécifique, distincte. Il faut donc redire que la réécriture
répète l’autre écriture et qu’elle ne peut pas cependant se l’approprier. La
répétition reste le moyen de créer un discours singulier et distinct. C’est pourquoi s’impose l’indication des exercices minimaux de la réécriture — la
seule répétition (il faut comprendre que la seule répétition constitue le nouveau texte), la seule citation (il faut comprendre que la seule citation constitue le nouveau texte). On peut tenir que le texte du Quichotte que donne
Pierre Mesnard dans le conte de Borges relève à la fois de l’une et l’autre
indication, bien que ces indications ne soient pas explicites dans le conte.
Qu’elles ne soient pas explicites porte une signification manifeste : la
répétition, quelle qu’elle soit, est identifiable et ne peut cependant être retenue pour elle-même puisqu’elle est le moyen d’une œuvre distincte. Il faut
donc redire le paradoxe de la notion de réécriture. Ce détour par les thèses
de Nelson Goodman et leur croisement avec les propositions les plus usuelles sur la réécriture permettent de marquer que celle-ci est indissociable de
l’ambivalence du concept d’écriture, tel qu’il se comprend dans la vulgate de
la critique contemporaine. On le sait: l’écriture est de l’intransitif — cela
même qu’impose Le Degré zéro de l’écriture de Roland Barthes —, d’une part,
et, d’autre part, une manière de performance — cela que suggèrent les articles relatifs à la représentation et à l’écriture dans La Dissémination de
Jacques Derrida. Cela pourrait être tenu pour une définition qui se suffit.
Il convient cependant de noter: dans les termes mêmes de cette vulgate critique, cette intransitivité et cette performance ne sont pas dissociables de la
répétition de la performance, autrement dit, d’une sorte de réécriture. Celleci désigne donc d’abord le fait de la continuité de la performance que constitue l’écriture. Cela peut se lire dans la fable de Pierre Mesnard et de Cervantès que donne Borges. Cela indique ultimement que la notion de réécriture qui se veut d’abord une notion technique de poétique, ainsi qu’en témoigne Palimpsestes de Gérard Genette, est tout autant une notion qui fait
du temps de l’écriture, du temps de la performance un temps de la reprise, de
la répétition. Il y a dans ce jeu temporel de répétition la condition même de
l’écriture, qui est donc inévitablement réécriture. On comprend que, dans
ces conditions, la notion de réécriture soit devenue d’un usage large —
peuvent être réécrits des codes, des modèles, des thèmes, des traces littéraires.
Certes, on sait codes, modèles, thèmes, traces ont une fonction formatrice de
l’œuvre qui les utilise. Les placer sous le signe de la réécriture fait cependant
plus que de rappeler cette fonction: cela indique la propriété temporelle de
cette fonction — elle n’est pas dissociable d’une performance qui fait de la
réécriture une pleine actualité et une pleine actualisation de ce qui est répété,
du discours passé — du passé. Le même type d’argument vaut pour caractériser la traduction: celle-ci est certainement une pratique de transfert lin-
264
Jean Bessière
guistique d’un texte original; cette pratique peut aussi se voir comme une
réécriture dans la mesure où elle est l’actualisation, qui ne fait pas copie d’un
original, dans une autre langue.
De ces remarques, il se conclut que le paradoxe constitutif de la notion
de réécriture peut se reformuler dans les termes suivants: la notion même
d’écriture entend placer la littérature sous le signe d’un déconditionnement
général — il faudrait dire les sources existentialistes indirectes de la notion
d’écriture —; ce déconditionnement n’est cependant que relatif à cela que
l’écriture tient pour définitoire d’elle-même — le langage. L’écriture est imitation du langage. Cela doit se dire spécifiquement: elle est réécriture du langage. Il suffit de dire le titre d’Octovio Paz, Le Singe grammairien, pour souligner que cette réécriture est complète, celle des mots, celle de la syntaxe,
et qu’elle ne défait pas cependant la singularité de l’œuvre, ni ne récuse la
singularité de sa poïesis. En d’autres termes, la notion de réécriture désigne
le possible même de l’écriture — ce possible est, par définition, plus large que
toute réalisation de l’écriture. C’est pourquoi l’objet parfait de la réécriture
est d’abord le langage. C’est pourquoi il conviendrait d’inverser l’usage que
Gérard Genette fait des termes d’hypotexte et d’hypertexte : si ce qui est
réécrit est le possible même de l’écriture, il est un hypertexte, dont l’écriture
qui réécrit n’est donc qu’un hypotexte. C’est enfin pourquoi la réécriture
est un jeu invisible sur le temps : le possible est finalement identifiable
à toutes les écritures réalisées dont la reprise n’est pas désignée nécessairement et continûment — précisément, elles ne sont que du possible. Certes,
la critique littéraire s’attache à des identifications précises des réécritures —
il suffit de rappeler Palimpsestes de Gérard Genette. Il faut cependant marquer que ces identifications ne sont que le début de la mise à jour du possible, plus vaste que ces identifications. Les écrivains contemporains le
savent: Georges Perec, à la fin de La Vie, Mode d’emploi, indique les écrivains qu’il a réécrits, sans, bien évidemment, préciser quelles œuvres et quels
passages. D’une certaine manière, dans ces caractérisations et ces commentaires sur la réécriture, il n’y a rien qui la distingue essentiellement de
la vieille imitatio ou des constats qui appartiennent à la tradition philologique. Il y a cependant plus si l’on se tient au paradoxe constitutif de la notion de réécriture. Cette notion désigne ultimement le paradoxe du contemporain en littérature, tel qu’il se définit dans les années 1960: l’écriture doit
se donner pour entièrement présente; elle est inévitablement une implication temporelle. Il y a une manière de récuser ce qui faisait le présent et l’implication des avant-gardes des années 1920 et 1930, et que l’on a nommé
la tradition du nouveau.
Notes pour recaractériser la réécriture...
265
La réécriture et le possible de l’œuvre:
un nouveau paradoxe
Une fois qu’on a dit le paradoxe de la notion de réécriture et indiqué,
comme nous venons de le faire, à quel type d’idéologie de la littérature elle
correspond dans les années 1960 et 1970, il convient d’en proposer une
réinterprétation qui permette de situer plus largement le débat en termes
de poétique et de lecture. La réécriture est donc un fait de l’écriture, qui se
donne ou ne se donne pas comme identifiable. Elle est aussi un fait de la lecture, qui reconnaît la réécriture, soit parce qu’elle est identifiée, soit parce
que le lecteur fait jouer sa mémoire littéraire. Chaque fois, il y a une position spécifique de l’écrivain et du lecteur. L’un et l’autre peuvent savoir, exposer, reconnaître simultanément deux faces de l’écriture: la face actuelle —
celle qui se confond avec le texte même —, la face antérieure — celle que
porte implicitement ou explicitement le texte. Cela fait deux écritures, deux
lectures simultanées. En d’autres termes, l’écrivain et le lecteur ont une attitude réflexive — montrer ou percevoir deux choses à la fois, qui n’offrent
pas, d’elles-mêmes, une vision unitaire. Cela fait explicitement de la réécriture une partie du jeu de la poïesis et de l’autopoïesis. La poïesis est donc
l’élaboration de l’œuvre qui consiste inévitablement dans la reprise de discours, de codes — littéraires ou non littéraires. L’autopoïesis est le soulignement de cela même — telle est donc la fonction de la réécriture. Celle-ci
donne ce soulignement pour plus ou moins manifeste. Le lecteur suppose
toujours — à un certain degré — ce soulignement. C’est cela qui justifie
ultimement la recherche systématique des sources littéraires d’une œuvre,
qui n’est, de fait, qu’une recherche des preuves de la réécriture. La vieille
philologie savait cela par cœur. On peut dire que le jeu de réflexivité, qui est
à la charge de l’écrivain et du lecteur, est l’achèvement même du jeu de la
poïesis et de l’autopoïesis.
Si l’on tient cette recaractérisation de la réécriture pour pertinente, il
convient de dire: la poïesis de l’œuvre implique, pour l’écrivain et pour lecteur, des jeux d’inférence et l’identification de tous les discours littéraires
à une manière d’encyclopédie. L’écrivain fait aller de son œuvre singulière
à l’encyclopédie; le lecteur accomplit ce mouvement en un retour à l’œuvre.
Ce qu’on a lu comme des exercices typiques de réécriture — la parodie et
le pastiche — n’offre, de fait, que des exemples extrêmes de réécriture: ils
contraignent à la reconnaissance, autrement dit, à ce jeu de l’inférence et
de l’encyclopédie, d’une part; d’autre part, ils supposent que l’on revienne
à l’œuvre strictement. Précisément, la parodie et le pastiche interdisent de
confondre l’œuvre avec ce qu’elle réécrit, et obligent manifestement à un jeu
266
Jean Bessière
de réflexivité. Ces remarques se reformulent: l’explicite réécriture fait de
l’œuvre une pleine autonomie, le questionnement de ce qu’elle réécrit, en
même temps qu’elle prête à cette œuvre une fonction transitive — l’œuvre
fait selon elle-même le passage vers son autre. C’est tout cela que la réflexivité, impliquée pour l’écrivain et pour le lecteur, permet de mettre en jeu
et de constater. Ces remarques portent une leçon qui peut être généralisée
aux exercices de réécriture qui ne sont ni des pastiches, ni des parodies. On
a noté précédemment que, par la réécriture, tous les discours passés, particulièrement littéraires, constituent le possible de l’œuvre actuelle — de
l’œuvre qui réécrit —, et qu’à ce possible sont liés les faits de l’inférence et
de l’encyclopédie. Comme le montrent les exemples extrêmes de la parodie
et du pastiche, ce possible de l’œuvre est comme réduit, réifié par la réécriture. La parodie et le pastiche limitent et figent les témoignages scripturaires réécrits selon quelques éléments; à l’inverse, la parodie et le pastiche,
celles des œuvres qui réécrivent, apparaissent comme un des possibles de ce
qui est réécrit. En se présentant implicitement ou explicitement comme
réécriture, l’œuvre se définit comme ce qui passe, outrepasse tout ce qui a été
écrit, bien qu’elle le reprenne, en même temps qu’elle y réfère implicitement
ou explicitement. Ce mouvement est celui de toutes les écritures selon la tradition et selon l’imitatio. Cela se dit aussi bien de Sophocle qui recompose
les éléments disparates du mythe d’Œdipe en une tragédie que de Racine qui
dit sa dette aux tragiques grecs et les altérations qu’il a fait subir aux
arguments de leur pièce. La notion contemporaine de réécriture a pour
intérêt d’impliquer tout cela — bien que cette implication ait été rarement
soulignée — et d’ajouter que la réécriture est en elle-même une manière d’infini qui fait l’infini de l’écriture. Ce type de notation appartient à la vulgate
relative à la réécriture, telle qu’elle est issue des thèses de Maurice Blanchot et de Jacques Derrida. Elle doit cependant être lue comme l’indication
que l’écriture qui se livre à la réécriture construit son propre possible, en
faisant des témoignages scripturaires elle réécrit sa propre limite. On retrouve ainsi le paradoxe de la réécriture. Celle-ci est une copie qui n’est pas
un faux et qui ne peut cependant se défaire de son état de copie. Elle est
de plus ce qui désigne les écritures disponibles comme un possible de l’œuvre
en même temps qu’elle fait de ces écritures disponibles sa propre limite.
Cela se formule simplement: c’est par ce jeu de limite, de limitation explicite que l’œuvre est possible — par là, elle peut être écrite; par là, elle peut
être lue.
Notes pour recaractériser la réécriture...
267
La réécriture et l’œuvre-objet transitionnel
Ainsi définir la fonction de la réécriture, c’est contredire certaines des
implications de la caractérisation de la réécriture dans la vulgate critique contemporaine. Selon cette vulgate, la réécriture est un moyen de l’autonomie
de l’œuvre et ce qui enseigne que la littérature va à la littérature, que celleci constitue un grand tout — chaque œuvre, dans l’exercice de la réécriture,
est partie de ce grand tout. On reconnaît, dans cette vulgate, la reformulation de l’absolu littéraire romantique dans des termes contemporains, et
on vient à un autre paradoxe: la visée objective et «scientifique» de la réécriture reste au service de l’usuel idéalisme littéraire. La contradiction que l’on
entend porter se formule aisément. Puisque l’œuvre qui entreprend de
réécrire est à la fois ce qui reconnaît, utilise les écritures disponibles et en
fait sa limite, elle participe et ne participe de ce grand tout de la littérature
— à supposer que ce grand tout ait une existence concrète. En disant cela,
on dit, de fait, que l’œuvre qui réécrit n’est pas dépendante de quelque
grand tout de la littérature et qu’elle ne nie pas cependant la littérature
antécédente. On ajoute que, par la réécriture, l’œuvre s’autonomise de la
littérature faite et qu’elle pose explicitement la question de l’altérité de cette
littérature faite — altérité au regard de l’œuvre actuelle, au regard de tout
présent. La réécriture dispose ainsi explicitement la question de la continuité
littéraire et de la transtemporalité de la littérature, alors que son exercice
même est, selon une première apparence, une affirmation de cette continuité
et de cette transtemporalité. Le même type de remarque vaut pour le sujetécrivain et pour le sujet-lecteur. Ces sujets reconnaissent d’autres sujets —
l’écrivain et le lecteur passés ; la réécriture suggère même qu’ils puissent
s’identifier à ces autres sujets. Plutôt que d’identification, il vaut mieux parler de la limite que l’écrivain et le lecteur présents identifient dans ces sujet passés. On ne peut écrire, on ne peut lire que parce qu’on se donne tout
autre sujet, écrivain, lecteur, comme cette altérité qui est une limite; par cette
limite, le sujet, écrivain, lecteur, peut décider du départ de son écriture, de
sa lecture, de leurs possibles, de ses possibles de sujet, sans cependant se
défaire du constat d’une collectivité d’écrivains et de lecteurs, que porte la
réalisation de la littérature dans le temps. Telle est, en conséquence, la fonction de la réécriture depuis les années 1960: faire de l’œuvre littéraire un
objet transitionnel, pour reprendre le terme technique de la psychanalyste
Mélanie Klein. Il faut comprendre : cet objet est un objet autonome; il est
cependant ce qui permet le passage vers son autre — l’autre de l’autre écriture, de l’autre écrivain —, sans que ce passage soit explicitement désigné
dans l’œuvre, ni qu’il fasse la loi de l’œuvre. Car tel est l’ultime paradoxe de
268
Jean Bessière
la réécriture: elle peut être explicite; cet explicite ne veut cependant pas dire
que l’œuvre qui réécrit s’identifie à ce qu’elle réécrit — il faut rappeler les
exemples extrêmes de la parodie et du pastiche. Elle cite explicitement pour
engager le jeu réflexif qui conduit au constat du jeu de la limite et, en
conséquence, à l’évidence du possible de l’œuvre selon le constat de l’autre
dans le temps. On revient ainsi au paradoxe constitutif de la réécriture —
elle produit une copie d’un texte qui ne peut cependant pas être approprié.
C’est parce qu’il y a ce paradoxe que peut être engagé le jeu sur la limite que
fait l’autre, sur la réduction de cet autre. C’est par-là même que la réécriture fait nouveauté — d’une nouveauté dont il faut dire qu’elle est une pratique ancienne même si elle n’a pas toujours été explicitement désignée.
Il apparaît que la notion de réécriture, telle qu’elle s’établit dans les
années 1960, est à la fois une reprise technique des thèses de l’idéalisme
littéraire et une manière de répondre à une pensée historique de la littérature qui veut cependant maintenir les droits de l’absolu littéraire et affirmer
des innovations que puissent porter les œuvres. Si l’on accepte de recaractériser la notion de réécriture suivant les paradoxes que nous avons désignés,
il vaut mieux dire: l’œuvre est du nouveau parce que, par la réécriture, elle
implique sa propre altérité avec laquelle elle ne peut se confondre — fût-ce
partiellement —; elle est entièrement historique, parce qu’elle sait, par la
réécriture, la discontinuité des écritures dans le temps; elle est la possibilité
de penser la poursuite de la littérature parce qu’elle fait de l’œuvre qui
réécrit un objet transitionnel dans le temps et dans les littératures.
Napisane na nowo
Streszczenie
Od czasu, kiedy w roku 1969 Julia Kristeva w swojej pracy Semeiotikè u¿y³a
po raz pierwszy neologizmu „intertekstualnoœæ”, termin ten wszed³ na sta³e do
teorii literatury. Mimo ¿e wyda³ siê on nowy, to zjawisko intertekstualnoœci,
polegaj¹ce na absorbcji i przekszta³caniu jednego tekstu przez inny, znane by³o
w literaturze od wieków. Ka¿da epoka, ka¿da szko³a literacka czy poszczególni
pisarze zawsze nawi¹zywali do osi¹gniêæ swoich poprzedników, nawet wtedy, gdy
negowali ich dokonania. W literaturze francuskiej i frankofoñskiej zjawisko to
wystêpuje od œredniowiecza po czasy wspó³czesne.
Niektóre pr¹dy i szko³y literackie by³y œwiadomym nawi¹zaniem do wzorców
przesz³oœci, wystarczy wspomnieæ literaturê renesansu czy klasycyzmu. Twórcy
literatury wspó³czesnej równie¿ nawi¹zuj¹ do kulturowego dziedzictwa, jakim s¹
mity czy baœnie, i pisz¹ ich nowe wersje. W literaturach frankofoñskich krajów
afrykañskich odnajdujemy zarówno naœladownictwo, jak i ró¿nicowanie w stosunku do orygina³ów francuskich.
W utworach bardzo wielu pisarzy odnaleŸæ mo¿na œlady inspiracji w³asnymi wczeœniejszymi utworami, potwierdzone analiz¹ rêkopisów. Dzieje siê tak równie¿ w wypadku utworów, które odnios³y czytelniczy sukces. Ich kolejne reaktualizacje czêsto s¹ mniej udane ni¿ pierwowzór, ale zdarza siê te¿, ¿e tworz¹
now¹ jakoœæ literack¹.
„Napisanie na nowo” (réécriture) nie oznacza wszak¿e „przepisania”. G. Genette, który temu zagadnieniu poœwiêci³ wiele miejsca w swoich pracach dotycz¹cych teorii literatury, wymienia klasyczne sposoby przekszta³cania tekstów,
takie jak parodia, plagiat, pastisz. Ale nawet krytyk nie jest w stanie przewidzieæ
ró¿norodnoœci form, jakie mo¿e przybraæ „napisanie na nowo” w³asnego lub cudzego tekstu. O takich zaskakuj¹cych przekszta³ceniach form gatunkowych,
zmianach rejestrów i inwersjach form literackich traktuje praca zbiorowa
Quelques aspects de la réécriture.
Written Anew
Summary
Since the first appearance of the neologism “intertextuality” in Julia Kristeva’s Semeiotikè in 1969, the term has become a permanent element of the theory
of literature. The very notion may have seemed to be new but the phenomenon
of intertextuality, which consists in the absorption and reworking of one piece
of text in another one, has been present in literature for ages. Each epoch, each
school of literature or even individual writers can be seen to build on the achievements of their predecessors even if the intention is only to prove them wrong.
The practice has been cultivated in French literature as well as in literature
written in French since the Middle Ages onwards.
There have been literary trends and schools obviously replete with allusions
to earlier patterns, the literature of the Renaissance and that of Classicism exemplifying these inclinations. Modern literature also draws from the cultural heritage such as myths and fairy tales and re-writes them. In the literature of the
French-speaking African countries one can find both mere copies of and deviations from French originals.
As analyses of manuscripts show, many writers draw inspirations from their
earlier literary works. This also applies to those literary works that have become bestsellers. Their subsequent renditions often fail to match the original,
although some of them are not devoid of considerable literary merit or a touch
of freshness.
“Written Anew” (réécriture) is not, however, intended to denote “re-written”. G. Genette, who has devoted much space to this issue in his study of the
theory of literature, enumerates the means of re-working a piece of text such
as parody, plagiarism, pastiche. Yet even a literary pundit is not capable of envisioning the diversity of shapes that writing anew your own or someone else’s
text can take. It is such surprising modifications of literary genres and forms
as well as shifts of register that the study Quelques aspects de la réécriture,
which compiles contributions from various authors, focuses on.
Redakcja
Projekt ok³adki
Opracowanie graficzne
Redakcja techniczna
Korekta
Barbara Malska
Irena Bierwiaczonek-Polak
Ma³gorzata Pleœniar
Barbara Arenhövel
Wies³awa Piskor
Copyright © 2008 by
Wydawnictwo Uniwersytetu Œl¹skiego
Wszelkie prawa zastrze¿one
ISSN 0208-6336
ISBN 978-83-226-1744-1
Wydawca
Wydawnictwo Uniwersytetu Œl¹skiego
ul. Bankowa 12B, 40-007 Katowice
www.wydawnictwo.us.edu.pl
e-mail: wydawus@us.edu.pl
Wydanie I. Nak³ad: 70 + 50 egz. Ark. druk. 17,0. Ark.
wyd. 21,0. Przekazano do ³amania w styczniu 2008 r.
Podpisano do druku w czerwcu 2008 r. Papier offset.
kl. III, 90 g
Cena 32 z³
£amanie: Pracownia Sk³adu Komputerowego
Wydawnictwa Uniwersytetu Œl¹skiego
Druk i oprawa: EXPOL, P. Rybiñski, J. D¹bek, Spó³ka Jawna
ul. Brzeska 4, 87-800 W³oc³awek
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