Diseño digital, evolutivo y no-lineal

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Diseño digital, evolutivo y no-lineal:
Relaciones entre diseño, arte, ciencia y tecnologia
Por Iliana Hernández1
¿Cómo se producen las relaciones entre el diseño el arte, la ciencia y la
tecnología? He venido indagando esta pregunta hace más de 10 años en
Colombia, tema sobre lo cual he encontrado a través de la investigación y la
docencia el camino más fructífero. En el departamento de Estética de la
Facultad de Arquitectura y Diseño de la Pontificia Universidad Javeriana y en el
grupo de investigación Estética de las nuevas tecnologías, escalafonado en
categoría A por Colciencias, hemos obtenido interesantes resultados para
mencionar.
En este texto quisiera plantear las ideas centrales de dicha relación. Una tiene
que ver con la apertura disciplinar de las fronteras del diseño, éste se bifurca y
y responde a los requerimientos inter y transdisciplinares de las ciencias y
profesiones actuales, que desean permanecer actualizadas y en actividad
frente al mercado, el consumo, el entretenimiento, evidentemente, pero
especialmente y es lo que nos interesa, frente al conocimiento, y a la sociedad
del conocimiento. Está demostrado que los países que basan y han basado su
economía en el conocimiento, han podido responder socialmente a la
resposabilidad de salvar, mantener y proyectar a toda su población,
desplazando la pobreza y la carencia alimentaria, de educación y salud.
Colombia está en mora de cumplir con esa responsabilidad, y tiene sembradas
sus esperanzas justificadamente en la investigación que ya produce grupos
importantes con resultados no menos significativos. En el diseño, cabe resaltar
entonces cómo el trabajo entre diseño, arte, ciencia y tecnología, conlleva una
relación entre actores y profesiones distintas desde el punto de vista de la
especialidad, pero congruentes y consecuentes entre ellas desde el punto de
vista del conocimiento. En esta relación, el duo ciencia-tecnología, en su modo
de ciencias de la complejidad, y ciencias de la vida, hace vínculo con el arte
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Profesora titular y Directora del Departamento de Estética de la facultad de Arquitectura y Diseño de la
Universidad Javeriana. Investigadora, teórica y crítica.
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electrónico y numérico, y a su vez con el diseño, para proyectar la investigación
y la profesión. Es el caso de diseño evolutivo, diseño complejo, diseño digital,
diseño genético, diseño de ropa inteligente, entre otras expresiones que
designan campos concretos de la relación.
La génesis de estos conceptos se situa en más de tres horizontes de
investigación. Uno de ellos es el de las nuevas tecnologías de información y
comunicación,
TICs, hacia el cual hablamos de diseño digital, telemático,
conectado a través de las redes y que se hace explorable a través del
ciberespacio inmersivo. El segundo de ellos tiene que ver con dos grandes
grupos diferenciados entre sí: el de las teorías evolucionistas o de la evolución,
cecano a las teorías genéticas, mediante el cual se consideraría el diseño en
un permanente proceso de evolución, es decir que no permanece igual, sino
que cambia constantemente en relación con su dinámica propia. i.e. un objeto
de diseño evolutivo. Está basado en las teorías filosóficas y científicas que
apoyan este concepto de evolución como la física cuántica o la ingeniería
genética. De estas se deriva la idea de otros orígenes que producen algo
nuevo, por experimentación con teorías genéticas. El tercer grupo tiene que
ver con las teorías post-evolucionistas, donde la evolución lejos de ser un
concepto lineal o de creacion ex nihilo, trata de una evolución que se construye
literalmente a través de la investigación: ciencia y tecnología, en particular la
biotecnología y la vida artificial. Este es el diseño complejo o no-lineal, el cual
diferencia el pasado del futuro (flecha del tiempo) exhibe cambios noperiódicos, ni predecibles, exactamente no tiene un comportamiento
teleológico. i.e. diseño de ropa/objetos inteligentes, basados en la idea de vida
y de comunicación entre seres vivos de distintas especies, objetos híbridos, de
carbono, silicio, en la síntesis entre biología, mecánica y electrónica.
En Colombia, entonces el reto para el diseño está puesto en dicha relación.
Referencias bibliográficas:
Hernández, I. (2005), “Estética, ciencia y tecnología: creaciones electrónicas y
numéricas” Bogotá: Pontificia Universidad Javeriana.
Hernández, I. (2007), “La innovación como relación entre lo humano y los mundos
inmersivos” en El factor humano en la cibercultura, Buenos Aires: Alfagrama.
3
Hernández, I. (2008), “Immersive Worlds, Artificial Life, and Systems in Unstable
Equilibrium” en Proceedings of ISEA 2008. The 14th International Symposium on
Electronic Art, Singapur.
Hernández, I. (2007), OP_ERA: habitabilidad del espacio/tiempo en movimiento” en
OP_ERA: el cuerpo como interfase, Buenos Aires: Espacio Fundación Telefónica.
Sommerer, C. y Mignonneau, L. (1998). “Art as a Living System”, en C. Sommerer & L.
Mignonneau (Eds.), Art @ Science. Wien, New York: Springer Verlag.
Mignonneau L. y C. Sommerer: http://www.mic.atr.co.jp/~christa
Iván Puig
Méjico
http://www.ivanpuig.com
Parábolas de la postmodernidad
Por: Viviana Galvis
Esta es la historia de un hombre que viaja en su auto y que, bajo
circunstancias desconocidas, se encuentra suspendido en una capa de leche
blanca y espesa. Hundido en medio de la inmensidad láctea se adivina la
superficie de un sedán que naufraga, como un viejo barco que se resiste a
sumergirse en el fondo del mar; junto al automóvil flota el cuerpo del hombre
que ha salido expulsado desde el interior de aquel cascarón metálico.
Mediante un juego óptico, adivinamos que aquel hombre y aquel vehículo son
figuras de juguete que se ahogan en un vaso de leche que reposa sobre una
mesa pequeña y nos transporta a un cuadro de la vida familiar: un niño
tomando las onces.
Establecida como una serie deliberada de movimientos ópticos que a manera
de zoom out, "Hasta las narices" de Iván Puig, es una obra que rompe los
esquemas del lenguaje puramente visual -como el cómic- para transcribirlo a
un plano físico y a una escala real, que más allá de la experiencia estética de
la mera interacción con el público, invita a una reflexión concreta sobre el
caos y la automatización de la vida moderna vista, como un contenedor de
hombres oprimidos que se ahogan en un vaso de leche.
La obra de este artista nacido en Guadalajara consiste en instalaciones, que
van desde osadas puestas en escena, hasta series fotográficas manipuladas
digitalmente, sin embargo, es claro en el trabajo de Puig que tratamos con el
problema de la desproporción espacio-temporal. En !O.V.I" (Objeto Volador
Identificado), se emplean ciertos objetos cotidianos, comercialmente
reconocidos, para equiparar los fenómenos publicitarios con el despliegue
mercantil que ha surgido en torno al avistamiento de vida extraterrestre
registrada por videos aficionados.
Iván Puig es un artista consciente del contexto en el que se desarrollan sus
creaciones. A lo largo de su obra se identifican formas y artefactos que
permiten una lectura desde el discurso de la Industrialización y los
fenómenos derivados del mismo. Dándole a la maquinaria el atributo de
poder de empacar la tierra, y utilizando el famoso lema zapatista, Puig
presenta su obra !Tierra y libertad"; dos palabras que paradójicamente rotulan
las bolsas de tierra como productos de consumo, haciendo explicito a través
de la máquina, el principio capitalista que promueve la adquisición
personalizada de la tierra en manos de quien la usufructúa.
Como si se tratara de parábolas o decálogos sobre la vida contemporánea, la
obra de este mejicano es un ejercicio que además de la forma articula un
discurso, cuestionando al ser humano que enfrenta las consecuencias de
vivir en el presente.
De esta inquietud nace !Mandala para la vida moderna", que retoma la figura
de la mandala india, para reformularla a partir de materiales reciclados
(botellas de vidrio dispuestas alrededor de dos bastones luminosos que giran
en dirección opuesta a las manecillas del reloj). Contrario a las mandalas que
generaban un equilibrio espiritual en el mundo.
La propuesta de Puig irrumpe como un engranaje de espectros de los
residuos industriales. Pese a la versatilidad de sus vehículos artísticos, la
reflexión que subyace en la obra del artista, parece cuestionar el lugar de los
deshechos en un mundo post-industrial.
Iván Puig
Méjico
http://www.ivanpuig.com
Postmodern times parable
By: Viviana Galvis
A man travels in his car and suddenly he is in between of a thick and white
milk river. Sunken in the milky cloak, you can see de roof of a sedan, like an
old ship that fights to remain in the surface; next to he car prompted the
driver"s body, the one who was thrown outside the pilot"s cabin. Through an
optical game, we realize that this man and his car, are actually little toys
drowning in a glass of milk. This make us think a family scene: a boy taking
his afternoon meal.
In a deliberated series of optical movements, working like a zoom out, “Hasta
las narices” (“To the Neck”) de Iván Puig, it is a work that cuts the visual
language conceptions – like comics- to make it happen in the physic space
and in a larger scale, that beyond the aesthetic experience of the public"s
interaction, this work make us think about chaos and modern"s life
robotization as an oppressed men container and they are drowning in a glass
of milk.
The artwork of this artist from Guadalajara is made of installations, from
challenging sets to photography"s series, digitally manipulated. However it is
clear that the concern here is the space – temporal disparity. So for O.V.I
(Identified Flying Object), he uses daily objects, which are highly commercial
to put the advertisement phenomena to the level of commerce arisen from
home videos that show aliens.
Iván Puig is conscious of his context and so it is about the place that holds his
creations. Through out all of his artwork, you can indentify forms and devices,
a reading from industrialization discourse and it"s residual phenomenon. He
gives machine the power to pack earth and using famous sentence from
Zapata, Puig creates “Tierra y Libertad” (“Freedom and Earth”), words
ironically printed on earth bags, as a product, expressing through the
machine, the capitalist rudiment promoting private earth property by whom is
gaining with it.
Like if all were about stories and God"s laws about contemporary life, the
artwork of this artist articulates a discourse and at the same time, it does it
with form, questioning human being who has to face the consequences of
living at present time.
From this interest raised !Mandala para la vida moderna" (Modern life
Mandala), that takes the Indian Mandala shape to consider it different using
recycled materials (glass bottles that are set around two Light sticks which
spin opposite to clocks hands). Opposed to the Mandalas, that creates a
spiritual balance in the World.
Puig"s approach burst like industrial waste materials gear. Despite the
versatile of his artistic ways, consideration under the artwork seems to inquiry
about the place of wastes in a post-industrial World.
Rafael Lozano Hemmer
Méjico
http://www.lozano-hemmer.com/
LIGHTS IN THE SKY
Por: Sandra Rengifo
Curadora Fotográfica Bogotá
Con la premisa de que la banda sonora para el trabajo de Rafael Lozano
Hemmer es “Lights in the sky” de Nine Inch Nails, como resultado de una
asociación simple entre sus arquitecturas y mis referentes cotidianos, no
puedo dejar de pensar en la reciprocidad de miles de cosas distintas y
disímiles con otras tantas, para poder intentar acercarse, aunque sea de una
manera incipiente, a la mente de alguien que configura semejante universo
autónomo para involucrar al otro.
Entre tanto, lo único que puede hacerse, es construir un humilde imperio
desde lo que nos acompaña cotidianamente, tal como hicieron las miles de
personas que en Méjico se acercaron a un megáfono y vieron transformarse las
frecuencias sonoras de su voz en fugas de luz de infinita potencia, dibujando
el cielo de su ciudad; o los otros tantos, que sin plan de viernes en la noche y
navegando en Internet desde antes de la llegada del siglo XXI, se aventuraron
a generar diseños programados en diferido: micro acontecimientos que parten
desde la soledad acompañada de los safaris mentales de cada uno de nosotros
y las no tan rudimentarias plataformas tecnológicas del presente.
En un principio las presunciones sobre la estética relacional, la filosofía y la
teoría del arte, se presentaban como sustento ideal para hablar de una
manera muy cómoda ! aunque rebuscada ! sobre Hemmer; sin embargo,
existía la posibilidad de convertir el trabajo de Hemmer en un cúmulo
referencial e imbrincado del corte de Péndulo de Foucault.
El estado de renuncia a los vicios académicos es una tortura a la que había
que someterse, pues finalmente, la discusión con Hemmer, más que con el
arte, tiene que ver con el problema de la miscelánea. En el siglo XIX Mary
Shelley no hubiera sospechado que su novela Frankenstein o el Moderno
Prometeo, se convertiría en un pasaje recurrente aplicado a todas las
prácticas audiovisuales, científicas y filosóficas contemporáneas.
En este escenario, Hemmer se presenta más como un científico loco que como
un artista. Su título lo acredita como químico y no en vano es lógico pensar
que más que un estudio tipo loft, estamos hablando de un artista que se
desenvuelve en un entorno científico, rodeado de especialistas al mejor estilo
del neoclasicismo, tanto así que seguramente entre ellos comparten sus
epistolares: diarios de apoyo sobre sus experimentaciones más recientes.
¿Víctor Frankenstein o no? Todo empieza a cobrar sentido y los legados del
siglo XIX toman forma en una masa informe de lo que se entiende por
información y multimedios desde lo científico hasta lo artístico. Es así como
Hemmer se asume a sí mismo casi como un diseñador de producción ! en
sentido cinematográfico!, un ser que dispone de todas las partes diversas, las
reorganiza y las pone en escena; un monstruo compuesto de pedazos
ensamblados que se confunden llegando incluso a remitir al teatro y las
performancias colectivas.
Como en el cine y al igual que la criatura del científico loco, ingenieros,
programadores, visuales, montajistas, luminotécnicos y el público que le da
vida a sus montajes ! como extras que terminan siendo los protagonistas de
todo este aparataje !, componen los órganos de esta criatura que proviene
de la soledad que nos acompaña cuando estamos frente a una pantalla lcd,
navegando por todo el mundo en milésimas de segundo. Posteriormente la
encarnación de una entidad que desborda los límites de la escala y que se
proyecta en diferido y a distancia, como ser emergente de otros miles de
clonados científicos locos que en un momento relevan a Hemmer y asumen la
intervención quirúrgica para dar vida a ese ser que se emplaza en lugares
públicos y transforma la mirada de millones de personas.
Extraña relación de la luz y el paisaje cuántico es la obra de Hemmer, como si
con un rayo se activara todo el centro de experimentos en simultánea y en
diversos espacios – tiempos. Un Tesla Frankenstein del siglo XXI, que lleva la
potencia de la existencia ! velocidad, tiempo, sonido, imagen !, a una forma
aumentada que vuelve a lo íntimo cuando uno y sólo uno le da vida. El rayo de
Víctor, la ignición eléctrica de Tesla en su obra es finalmente el público.
Raquel Schwartz
Bolivia
Redimensiones geográficas del sujeto
Por: Elizabeth Rodríguez Góngora
Un panorama global sobre el arte latinoamericano contemporáneo revelaría entre
otras cosas, que el leitmotiv tiene lugar como un acontecimiento simultaneo durante la
obra, de hecho, la propuesta artística de Raquel Schwartz ilustra, valiéndose de cierto
sensualismo, el proceso mediante el cual cualquier ‘causa eficiente’ deviene en
materia; sus puestas en escena refieren simultáneamente objetos y percepciones
humanas, que perfilan la geografía de un sujeto diferente.
Si bien esta idea rompe con el paradigma de la causalidad clásica, es patente en obras
como “sin título”, en donde la versatilidad del espacio físico, la comunicación
humana y la tecnología creada, son puestas en evidencia a través de una sola
sustancia: Un tejido elaborado con cintas de cassettes que puede ser visto desde
diversos lugares y que se presta para la anarquía de la interpretación, tal como
“Ilusión”; un espacio doméstico revestido de peluche rosa ambientado con sonidos
incidentales de pájaros, en el que transitar a través de la obra o reposar en su interior,
genera el sentido.
“Me gusta la idea de crear espacios a manera de ‘escenografía’ que inviten a
‘performar’ de manera natural”.
El tipo de inserción del espectador en el trabajo de esta artista boliviana pretende
negar la existencia de cualquier leitmotiv en su origen. En “Humanis corporis
fabrica”, la causalidad se traslada al plano de la materia en la medida en que el
público polemiza la transformación del cuerpo femenino; haciendo de la obra una
experiencia lúdica que involucra el cuerpo y el pensamiento no sólo de las mujeres
que aparecen en la obra, sino del público.
El principio de la carrera de Schwartz estuvo marcado por el uso exclusivo de
cerámica como insumo matérico, en contraste con su trabajo reciente en el que trabaja
a partir de video, fotografía y objetos que ubica a lo largo de instalaciones
interactivas. Este proceso de reingeniería conceptual responde a su proceso creativo y
a la intensión de generar un tipo de interacción con el público más allá de la
contemplación simple.
“Hoy la tecnología ha alcanzado a todos los rincones del mundo y la
comunicación se abrió totalmente a quienes la quieren utilizar”.
Esta nueva geografía del sujeto es posible porque él interactúa y entiende la
tecnología como una ventana hacia las infinitas posibilidades de expresión y
redefinición, bien en la idea de controlar su evolución, como puede evocar “Humanis
corporis fabrica”, o bien en la utilización de la tecnología como medio para definir la
naturaleza y el valor humano.
Desde el universo de sentido que propone Schwartz, el sujeto se corresponde casi de
manera foucaultiana; libre de estructuras regionales o morales, y concibe al arte
familiarmente como una posibilidad intermedia entre su sensibilidad individual y el
carácter humano.
Subject’s Geography new dimension
By: Elizabeth Rodríguez Góngora
A global Outlook about contemporary Latin-American art could reveal, that the
leitmotiv has its place as a simultaneous event during the art work, in fact Raquel
Schwartz artistic approach, shows how is the process in which any ‘efficient cause’
happens into matter; her settings relate at the same time, objects and human views that
give shape to a different subject geography
Even though, the former idea breaks the cause-effect paradigm, in works as “Sin
Título” (“No Title”) it’s evident that the space versatility, human communication and
technology, are manifest through one component: a fabric made with cassette tape,
visible from many places and that leads to free way to interpret or as “Ilusión”, a
domestic space dressed in pink felt filling with birds sounds, in which the sense
comes from moving around or resting inside.
“I like to create spaces simulating a scenography which invite to perform in a
natural way”
The way how the spectator enters into this Bolivian artist work, tries to deny the
existence of leitmotiv in its origin. In “Humanis corporis fabrica”, (“Humanis corporis
factory”), the matter receives the causality in the moment in which the public argues
the feminine body’s transformation; so the art work becomes a playful experience that
involves the body and the thought not only of the women who appear in the work, but
of the public.
In her beginnings, Schwartz used to work matter through ceramics, opposing to her
recent work in which she works using video, photography and objects that are part of
her interactive installations. This conceptual turning arises from her creative process,
as well as from her intention to develop a more lively interaction, beyond just look
and don’t touch.
“Nowadays, technology has reached every place of the world and communication
is open to anyone who wants to use it”
This new geography it is possible thanks to the way subject relates and understand
technology as a window to endless possibilities of expression and re definition, as in
the idea of controlling his evolution recalled in “Humanis corporis fabrica” or using
technology as a mean to define nature and human value
From Schwartz suggested view, the subject corresponds itself in an almost Foucault
way; he’s unattached to moral or regional structures and he thinks about art as an
intermediary possibility between his personal sensibility and human nature.
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En el jardín del Arduino
Por: Esteban Álvarez
Definir la revolución que ha tenido lugar tras el surgimiento de las
comunidades virtuales de tipo cooperativo en Internet, es un ejercicio que
trasciende a las comparaciones aplicables al comunismo primitivo y se
acerca más al génesis bíblico.
Para Carmen González y Leslie García (Dream Addictive), creadoras de
interfaces físicas y digitales que desafían la noción de naturaleza y artificio, la
revolución del software y el hardware libre es una apuesta por la botánica
electrónica en la que se funden, en un jardín interactivo formas biológicas con
la precisión fría del Puredata sobre una placa de Arduino.
En !G.A.P No. 2! y !Open Source Orchestra!, se hacen evidentes dos niveles
distintos de experimentación deliberada por las artistas; estos trabajos mutan
en niveles de interacción complementaria con el sonido. Mientras !G.A.P No.
2" se vale del fenómeno de la percepción analógica por medio de sensores,
!Open Source Orchestra" manipula el sonido a través de la electricidad.
“La intención de Open Source Orchestra es acercar al público de manera
dinámica a la experiencia de manipular la electricidad como fenómeno físico
para la generación de audio”.
Si algo demuestra el florecimiento técnico y conceptual a lo largo de la
carrera de DALAB es su marcada tendencia a aproximarse a la materia del
arte, en este caso el sonido, desde diferentes perspectivas, tantas como las
posibilidades técnicas permita.
“G.A.P No.2 es parte de una serie de prototipos electrónicos de forma
orgánica, diseñados para simular procesos generativos sonoros".
Las perforaciones a lo largo de las protoboards utilizadas por Dream
Addictive hacen las veces de plataforma fértil de las que se desprenden flores
compuestas con amplificadores y sensores que configuran una nuevo tipo de
flora artificial e interactiva.
Sin embargo, un problema subyace a composiciones de programación tan
intrincadas cuando se las aplica al campo artístico, ¿En qué momento la
aleatoriedad de variables abiertas propia de algunos !patch" de PureData
reemplaza la creatividad del artista? Y más importante aún, cuándo la
interface se convierte en autora del sonido, legando a DALAB al rol de
creadora de una naturaleza nueva, pero fuera de control.
At Arduino garden
By: Esteban Álvarez
To define the revolution that has taken place after cooperative virtual
communities have appeared on the internet; this goes beyond applicable
comparisons with primitive communism, in fact it"s closer to biblical genesis.
According to Carmen González and Leslie García (Dream Addictive), creators
of digital and physical interfaces capable to challenge the notion of nature and
artifice, software and hardware revolution is a form of electronic botany, which
puts together at an interactive garden, biological forms and the cold precision
of Puredata and an arduino board.
There are two different deliberate levels of experimentation on !G.A.P No. 2!
and !Open Source Orchestra"; this works mutates according to different levels
of complementary interaction with sound. !G.A.P No. 2" makes use of analog
perception phenomenon via sensors, while !Open Source Orchestra!
manipulates the sound through electricity.
“The intention of the Open Source Orchestra is to bring nearer to the public in
a dynamic way the experience of electricity manipulation as a physical
phenomenon to audio generation”
If there is something that demonstrates the conceptual and technical growth
throughout DALAB's history, it is the way that they approach art (in this case
the sound) from different perspectives - as many as there are technical
possibilities.
“G.A.P. No.2 is part of an organic form electronic prototype series, designed to
simulate generative sonic processes”.
Perforations across protoboards used by Dream Addictive works like a fertile
platform, where flowers composed using amplifiers and sensors form a new
type of artificial and interactive flora.
However, there is an underlying issue of software compositions as complex as
this when they are applied to the artistic field; when does the controlled
randomness of Puredata replace artist creativity? And even more important;
when does an interface become the creator of sound? In this case, DALAB
takes on the role of a passive creator, without any control over the outcome.
Uruguay
Brian Mackern
http://no-content.net
Ante la fatalidad de la convergencia
Por: Esteban Álvarez
Si algo distinguió a los últimos años del siglo XX, fue la continua emergencia de tecnologías
autorreferenciales con la capacidad de comunicarse entre ellas y generar cierto equilibrio ‘natural’.
Esta suerte de ecosistemas técnicos ha llegado a tal grado de complejidad, que hoy, eso que
podríamos llamar “neo-fauna” está a punto de converger con tejido húmedo.
Enfrentarse a la obra de Mackern sin duda es abrir un códice postmoderno, en otras palabras, es
tratar de comprender el universo a través del arte mucho más allá del mero régimen representativo,
pero también lejos de una lectura tecnócrata y sin corazón, ‘El Temporal de Santa Rosa’ más que un
ready made, es una invitación a converger con el espíritu de planeta que habitamos.
Aunque originalmente el Temporal de Santa Rosa fue una selección de 20 pistas, en las que se
compilaban los registros, de la interferencia eléctrica ocasionada por el temporal de Santa Rosa en
diversas radiofrecuencias, evolucionó hasta convertirse en una instalación donde el video es
generado por la interacción directa del espectador.
No obstante, la convergencia en la obra de Mackern va más allá de la inmediatez técnica de generar
sonidos a partir de variables meteorológicas, o mezclar video de manera aleatoria considerando el
movimiento del espectador. Temporal de Santa Rosa induce al trance poniendo en simultáneo dos
realidades aparentemente inconexas.
“En términos de la antropología clásica, así se define el "trance chamánico", en el cual el chamán
o brujo está simultáneamente en el mundo y navegando por los límites de otros mundos, espacios
psíquicos ayudados normalmente por "tecnología vegetal"(…) En términos post-biológicos, esto
refleja nuestra capacidad para desplazarnos sin esfuerzo a través de infinitos mundos del
ciberespacio, mientras al mismo tiempo nos acomodamos a las estructuras del mundo material”1.
Mackern conjura en su obra un portal que nos permite experimentar de manera ‘real’ las
elucubraciones físicas de la composición de una tormenta, al tiempo que movemos nuestro cuerpo
en un espacio oscuro, en que dos planos se superponen a través de la posibilidad de ‘trance’ que
brinda la instalación.
Incluso en términos de puesta en escena, hay una ritualidad al interior del trabajo de Mackern, pues
a partir de un delicado equilibrio artificial entre la ‘neo-fauna’; cámaras, proyector, y una
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Roy Ascott en El web Chamántico. Arte y conciencia emergente.
programación muy depurada, cada espectador es colocado en medio de la ambigüedad propia de la
obra.
La fatalidad se hace presente cuando cada elemento de ambos planos deviene en un todo, la
instalación, la tormenta, la señal y el espectador que no puede participar sin producir, aún mínimos,
niveles de interferencia. El usuario mismo se convierte en fuente de interferencia. El usuario, la
instalación, y una tormenta que tuvo lugar hace siete años, son ahora una misma cosa.
Before the convergence’s fate
By: Esteban Álvarez
If something makes a difference XX century last years, it was the continuous emergency of autoreferential technologies able to communicate between themselves and generate certain ‘natural’
equilibrium. This sort of technical ecosystems has become such sophisticated, that something we
could call ‘neo-fauna’ is next to converge with wet tissue.
Presence Mackern’s work is, without any doubt, like open a postmodern codex, in other words, is
like try to understand the universe through art beyond the simple representative regime, but also,
beyond the heartless and cold technocratic perspective, ‘El temporal de Santa Rosa’ more than a
readymade, is an invitation to converge with planet’s spirit.
Although originally Temporal de Santa Rosa was a 20 track selection, compiling registers of
electric interference caused by Santa Rosa storm across several radio frequencies, it evolves to a
interactive installation which spectator generates video.
However, convergence at Mackern’s work is much more than technical immediacy of generating
sounds coming from weather variables, or mixing video randomly considering the spectators
movement. Temporal de Santa Rosa induces to trance summoning simultaneously two realities not
connected in appearance.
“In classical anthropological terms this is to describe the shamanic "trance" in which the shaman is
both in the world and at the same time navigating the outermost limits of other worlds, psychic
spaces aided often by plant "technology", are granted access.(…)In post-biological terms, this is
mirrored by our ability to move effortlessly through the infinities of cyberspace while at the same
time accommodating ourselves within the structures of the material world”2 .
Mackern conjures at his work a portal which makes possible experiment in a ‘real’ way the physic
lucubration of storms composition, meanwhile we moves our body across a dark space, where two
different planes become one, through ‘trance’ possibilities given by installation.
Even on performing terms, there is rituality inside his work, so then coming from a delicate
equilibrium among the ‘neo-fauna’ ; cameras, projector, and a really depurated software, each
spectator is placed surrounded by work’s proper ambiguity.
Fate makes presence when each element at both planes becomes the same thing, the installation, the
storm, the signal, and the spectator unable to participate without produce, at least minimally,
interference levels. User by itself becomes an interference source. The spectator, the installation,
and a storm had place seven years ago, are now, the same phenomenon.
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Roy Ascott: The Shamantic Web: art and mind in emergence.
VENEZUELA
MAGDALENA FERNÁNDEZ ARRIAGA
http://www.magdalenafernandez.com
Prácticas chamánicas en contextos urbanos
Por: Diego Pacheco
Uno de los aspectos más importantes de la significación simbólica en las instalaciones
interactivas son las múltiples posibilidades de involucrar al espectador en el juego propuesto por
el “brujo”, usando esta figura como metáfora de ese “medio” que permite entrar en el mundo a
partir de la incertidumbre, es decir, en un espacio en el cual ya no consideramos la vida como una
lista de certezas sino de dudas que convierten a la realidad en algo más que una construcción
inamovible.
Así nuestros “brujos” o “chamanes” del constante éxodo urbano, son los artistas que logran
descentrarnos de nuestra utopía de la seguridad, los artistas que crean la ilusión de la realidad
alterna -¿o devela la ilusión de nuestra realidad?-, los artistas que hacen el juego de la burla del
discurso científico valiéndose de su mismo lenguaje y abstracciones.
En este selecto grupo de “chamanes urbanos” podemos ubicar irrespetuosamente a la venezolana
Magdalena Fernández, quien explorando en las múltiples posibilidades de las instalaciones en
espacios dispuestos para la libre interacción del público, provoca en el espectador esa anhelada
limpieza espiritual.
Cuando el logocentrismo moderno instrumentalizó la psicología, para generar valores
taxonómicos a partir de las patologías mentales, cualquier alteración en la escala de lo medible se
simplificó bajo el rotulo de la esquizofrenia. No obstante, artistas como Magdalena Fernández,
desde el imaginario postmoderno, le apuestan a la alucinación provocadora y seductora de los
artilugios lumínicos, poniendo a la ciencia al servicio de la magia.
La obra de esta artista venezolana no sólo explora las posibilidades lúdico-artísticas de la luz
valiéndose de la fibra óptica, también se adentra en la agresión de la arquitectura cuando en
medio del espacio natural se erigen alusiones a la invasión progresista. En algunos casos la
premisa de Fernández se puede interpretar de forma similar en las instalaciones alimentadas por
esculturas, provocando en un ambiente el surgimiento de una serie de alegorías de los espacios
abrumadores de la naturaleza, ahora producto de la ingeniería artificial.
Estamos inmersos en el fuego, en el interior de un enjambre o en ambientes inconcebibles
racionalmente que pueden evocar en muchos casos mundos cibernéticos o el vacío en medio del
ruido tecnológico, hay que agradecer a los nuevos chamanes como Magdalena Fernandez, la
posibilidad del extrañamiento en un mundo cada vez más diáfano.
Shamanic Practices in Urban Contexts
By: Diego Pacheco
One of most important aspects of symbolic signification in interactive installations are the
multiple possibilities to involve the observer in the game proposed by the “witch”, using this
figure as a metaphor of a “medium” that allows to get into the world, through uncertainty. It
means, through a space in which life is not considered as a list of certainties, but doubts that turn
reality into something more than an immobile construction.
Thus, our “witches” or “shamans” of constant urban exodus are the artists who can take us apart
from our utopia of security. Artists who create the illusion of an alternate realty -or, do they
unveil the illusion of our reality? - And play the game of mocking the scientific discourse, using
its own language and abstractions.
In this select group of “urban shamans” we find, without respect, Magdalena Fernández, a
Venezuelan woman who has explored the multiple possibilities of installations in spaces created
for free public interaction, provoking in the spectator, the desired spiritual cleansing.
When modern logo-centrism instrumentalized psychology, to generate taxonomic values, based
on mental pathologies, any alteration in the scale of the measurable was simplified under the
label of schizophrenia. Nevertheless, artists such as Magdalena Fernández, from the postmodern
imaginary, make their bets on the provocative and seductive hallucination of lighting devices,
putting science at the service of magic.
The work of this Venezuelan artist not only explores the ludic and artistic possibilities of light,
using fiber optics, but also goes thoroughly within the aggression of architecture when, in the
middle of a natural space, allusions to positive invasion are erected. In some cases, the premise of
Fernández can be interpreted in a similar way to that of the installations fed by sculpture,
provoking the surge of a series of allegories to overwhelming natural spaces, now product of
artificial engineering.
We are immersed in the fire, in the interior of a swarm or in rationally inconceivable
environments that evoke, in several cases, cybernetic worlds or the vacuum in the middle of the
technological noise. It is important to thank the new shamans as Magdalena Fernández, for the
possibility of estrangement in a, every day more, diaphanous world.
Geraldine Juárez
Méjico
http://www.simple-mechanisms.com/
Las excitantes posibilidades del fin del mundo
Por: Caroline Roatta Acevedo
El centro, agotado de sus modelos, se ve incapaz de lidiar con el desastre, la crisis y el
caos. La periferia, como aprendiz rebelde, ha lidiado con la incertidumbre, la abraza y no
la niega. Geraldine Juárez, celebra esta paradoja donde los países del centro, cegados
por el consumismo desenfrenado y malcriados por el espejismo benefactor de sus altos
índices de calidad de vida, “no saben cómo sobrevivir porque lo tienen todo” y la atención
vuelve a la periferia creativa y guerrera.
“La escasez transforma (periferia). El derroche destruye (centro). Esta tensión me parece
hermosa y veo muchísimas posibilidades en ella”, explica la artista mejicana que guarda
una estrecha relación con su país natal y ha realizado diversas intervenciones en Estados
Unidos y Canadá.
Su propuesta es un juego romántico de seducción que resignifica la calamidad y la
desilusión con el diseño de artefactos sencillos para el irónicamente esperado “fin del
mundo”. Desde lo que ella llama la “narrativa del desecho”, su arte se vuelve táctica,
herramienta de interrupción. “Le apuesto al arte como antídoto contra la inercia”, antídoto
que se fundamenta en aprovechar el exceso de la infraestructura de la ciudad, el
“intercambio no monetario” y los “anti-estilos de vida”, que sacuden el pensamiento en
espacios inesperados.
“Las galerías y los museos son un modelo caduco para la acción, la intervención y la
modificación. No estimulan. En cambio los hackers (artistas de la lógica inversa),
vigilantes, pranksters (artistas que se valen de la broma) y grafiteros sí lo hacen.
Interfieren el exterior para estimular”.
La obra es ahora intervención y toma un nuevo significado que rebasa la admiración como
objeto de eterna contemplación y se concentra en el acontecimiento repetible gracias a
instrucciones anexas. La figura del artista también se diluye en la colaboración, para no
lidiar con contradicciones de autoría y derechos, y dar prioridad a una nueva entidad
contraria a la identidad.
“En el caso de Forays, como colectivo estamos interesados en combatir el ego autónomo.
El compartir información y mi interés por la actividad en sí, no tienen nada que ver con el
arte. No me interesa conservar mi propuesta, sino compartirla y liberarla en el dominio
público”.
Así, horizontes que parecen gráficas, cintas que anuncian la aparición de un nuevo guetto
en la avenida, espejos de código de luz portátiles, prendas hechas de material reciclado,
invitan desde su ironía a reflexionar sobre la necesidad de considerar con urgencia
nuevas opciones de supervivencia y visibiliza con sutileza, las nuevas lógicas que
reivindican a la periferia como espacio de efervescencia, que desde el caos, se ha
mantenido sin haber llegado nunca a ser totalmente moderna y mucho menos
postmoderna.
The exciting chances of world’s end
By: Carolina Roatta Acevedo
caroroatta@hotmail.com
The centre, tired of its models, cannot deal with disaster, crisis and chaos. The periphery,
as the rebellious apprentice, always dealt with uncertainty, it holds it tight and never denies
it. Geraldine Juárez celebrates this paradox where the countries of the centre, blinded by
uncontrolled consumerism and spoiled by the benefactor mirage of its high life quality
rates, « don’t know how to survive because they have everything » and the attention
comes back to the creative and warlike periphery.
“Shortage transforms (periphery). Waste destroys (centre). This tension is beautiful and I
see so many possibilities in it”, explains the Mexican artist that holds a strait relation with
its natal country and has made many interventions in the U.S and Canada.
Her work is a romantic game of seduction that gives a new meaning to calamity and
disillusion through the design of simple artifacts for the ironically expected “end of the
world”. From what she calls “a narrative of waste”, her art becomes a tactic, an interruption
tool. « I bet on art as an apathy antidote », an antidote that takes advantage of city’s
excess of infrastructure, « the non-profit exchange » and the « anti life styles », that
shakes off thought in unexpected places.
« Art galleries and museums are an outdated model for action, intervention and change.
They don’t stimulate; Instead hackers, pranksters and graffiti guys that interfere outside
spaces to stimulate».
The work is now intervention and it takes a new meaning that goes beyond its admiration
as an object of eternal contemplation and focus on the event that happens once and again
thanks to its instructions attached. The artist dilutes itself in collaboration to stop dealing
with copyright contradictions and gives priority to a new entity instead of identity.
« In the case of Forays, as a collective, we confront autonomous ego. Sharing information
doesn’t have anything to do with art. I’m not interested keeping my work for myself only.
Instead, I want to share it and released it to the public sphere ».
That’s how horizons that look like graphics, a « Gentrify » that marks the border to an « up
and `coming nasty ghetto », a light coder, « Freewear » made of free materials provided by
the city, invite us from its irony to a reflection about the need to consider urgently new
survival options and shows with subtlety, the new logics that vindicates the periphery as a
space that survives to chaos without being neither modern or postmodern.
Omar Barquet
Méjico
http://www.omarbarquet.com/
POÉTICAS DE LO INHABITADO
Las bestias tienen madrigueras, el ganado,
establos; los carros se guardan en cobertizos y
para los coches hay cocheras. Sólo lo hombres
pueden habitar. Habitar es un arte. Únicamente
los seres humanos aprenden a habitar.
ILLICH, Iván, (1978) «El mensaje de Gandhi»
Por: Eva Cristina Mesas
Habitar lo inhabitado podría ser, desde una mirada holística, el tema central de la obra
de Omar Barquet. El espacio buscado o encontrado se establece como el inicio a partir
del cual el artista despliega todo su imaginario constructor, proyectos habitables a modo
de objetos, instalaciones e intervenciones que pretenden trasformar en casa un sitio
determinado.
Barquet reflexiona sobre el lugar, sobre lo habitable de cada espacio, se apropia de
lugares públicos y privados para reestructurar
y cuestionar sus usos. El dibujo, la
fotografía, la pintura y las técnicas gráficas le sirven como herramientas de
planteamiento para desarrollar sus proyectos, también utiliza el lenguaje del diseño, las
artes plásticas y elementos cotidianos encontrados en la calle para modificarlos a modo
de collage o ready-mades, y reflexionar a partir de ellos sobre diversas situaciones
espaciales.
En su trabajo artístico observamos sobretodo dos vertientes diferenciadas, una primera
dedicada a su obra gráfica y una segunda dedicada a sus instalaciones en el territorio.
Sin embargo, ambas se construyen bajo un proceso similar, puesto que a partir de los
materiales existentes se comienza a articular un mundo de relaciones, donde espacios
posibles e imposibles se estructuran, para dar paso a un nuevo lugar reconvertido de
experiencias estéticas.
Omar diría que su trabajo parte principalmente de situaciones donde el individuo es
vulnerable ante el entorno, es por eso que su obra está cargada de
estructuras de
resguardo, distribuciones de cubierta, techos a dos aguas y casas donde el exterior y el
interior se confunden en los habitáculos cerrados de muros abiertos. En su obra
denominada techo azul (2005) el artista construye un techo que proyecta una luz que
permite dibujar un espacio virtual que delimita la planta de esa casa imaginaria.
En Rampa- Habitación (2007) por ejemplo, se construye una habitación al interior de
una rampa de skateboarding. En este caso, además de cuestionar el uso de los elementos
constructivos,
establece reflexiones de cómo es posible obtener un diálogo poético
entre lugar de reposo (habitación) y un lugar de movimiento y aceleración (rampa de
skateboarding) que son, en definitiva, uno mismo.
El Filósofo Alemán Martín Heidegger en su obra Construir, Habitar, Pensar, sostiene:
«Por muy dura y amarga, por muy amarga y amenazante que sea la carencia de
vivienda… La auténtica penuria del habitar reside en el hecho de que los mortales
primero deben buscar la esencia de habitar. Es decir, tienen que aprender primero a
habitar» Quizás,
esta afirmación es algo que conozca bien Omar Barquet, el cual
ensaya una y otra vez la esencia de habitar sobre varios escenarios, espacios que
perdieron lo habitable en la ferocidad de las llamas (casa quemada, 2005) o en el desuso
(línea azul, 2005), para recuperar desde la poesía un resquicio de esa esencia, que dura
sólo un instante, para después escapar silenciosamente hacia nuevos espacios antes de
que estos se tornen del todo habitables.
Y es que, la esencia de habitar consistiría en tomar y marcar un territorio con nuestras
propias herramientas emocionales, pasearlo, recorrerlo, dormir en él, manipularlo,
construirlo sentimentalmente dejando en él un segmento de nuestro paso, para que una
vez fuera de él, podamos comprenderlo y habitarlo.
Deserted poetics
The beasts have hideouts, the herd, stables;
cars are kept under sheds and for the carriage there are garages.
Just people can dwell. To dwell is and art.
Just the humans learn to dwell.
ILLICH, Iván, (1978) <<The Gandhi
message>>
By: Eva Cristina Mesas
To dwell deserted places could be a holistic sight, is Omar Barquet work main
topic. The space searched and found is based and spread out as the beginning
for artist!s imaginary, inhabitant projects as objects. Installations and
interventions, which pretend to transform in "home! a specific place.
Barquet thinks carefully about the place, about the inhabitant of each space,
takes public and private places to reorganize and questions its uses. Drawing,
photography, painting and graphics techniques has been used as a support to
developed his projects as well as he uses a design language, plastic arts and
routine elements with the purpose of find in the streets to modify and spreads
many thoughts based on spaces transformed into collages or ready-mades.
In his artistic work, is important to point out two main aspects, the first one
dedicated to his graphic work and the second one to his layout in the space.
However both made under a similar process.
Due to the existing materials
starts to join a whole world, where possible and impossible spaces get together
to create a new aesthetic place.
Omar would say that his work rose mainly from situations where a dude is
vulnerable in a context. For that reason his work is full of protecting structures,
shelters protection from water and from outside or open places environment.
His work called Techo Azul (2005) the artist with a light draw on a roof a virtual
space similar to an imaginary house.
En Rampa- Habitación (2007), for example, a room inside a skateboarding
ramp is build. In this case besides to question the use of constructive elements,
he wants to highlight ways to raise a possible poetic dialogue between a rest
place (bedroom) and a noisy place like a skateboarding ramp.
The German philosopher Martin Heidegger in his work: <<to build, to dwell, to
think, quotes: dudes first have to learn to dwell, does not mind how hard and
painful is to be in homeless conditions, the important point is that we have to
look and get the essentially that inhabitance offers us>>. This affirmation maybe
is well known by Omar Barquet, who tries once, and once again, about dwelling
essence, several scenarios, which its lose inhabitant capacity on flames ferocity
(casa quemada, 2005) or out of use (línea azul, 2005) in order to recover from
poetry an small piece of that essence, even just for an instant, and escape later
so silently to new spaces before they become inhabitant at all.
The inhabitant essentially consist in taking and conquer spaces through our
own emotional tools like to walk around, sleep inside, build and rebuild it, to
leave a sentimental mark. Just in that way we will be able to understand and
live in that place.
Colectivo 3tone
Méjico
El tiempo de las variables autoras
Por: Esteban Álvarez
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Colectivo 3tone (Betabelle)
Méjico
Author variables time
By: Esteban Álvarez
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Manuel Rocha
Méjico
http://www.artesonoro.net/
Ciudadano del sonido
Por: Mario Zamudio
El hombre camina sobre el asfalto encerrado en su ipod mientras al alrededor suyo se
genera una construcción de sonidos, determinando el espacio y la vida misma. La
alienación y la imposibilidad de una experiencia interactiva del individuo con su entorno
son para Manuel Rocha la idea alrededor de la cual se construye su obra.
La obra de este artista mejicano genera toda una reflexión sobre la forma en que el
hombre interactúa con los paisajes acústicos cotidianos, y lleva su pregunta al terreno
de la ciencia y la física cuántica con la intención de mostrar “el objeto y sus
posibilidades de producir sonido”.
La constante en la obra de Rocha es la exploración en el universo del sonido
electrónico, mediante la experimentación de los fenómenos físicos considerando la
“estructuración del sonido, desde el punto de vista de la frecuencia y de las
duraciones”. Esto se hace evidente en su obra I-play, en la que baterías intervenidas
con bocinas sirven para el estudio de la interacción entre las vibración de la membrana
de los tambores y la estructura metálicas de los platillos, así como de representación
de la guerra y las masacres, a partir del sonido generado por los insectos de la selva
tropical.
Rocha comenzó su formación académica en Méjico, allí inició una carrera cosmopolita
que lo ha llevado alrededor del mundo en busca de sonidos “Para mi viajar se ha
convertido poco a poco en una parte fundamental de mi vida por el aprendizaje de
diversas tradiciones religiosas, culturales, etc... En fin, tal vez en el fondo sea un poco
anti-nacionalista, y me gusta la idea de ser un ciudadano del mundo”.
Su búsqueda lo ha llevado por Europa, África y Medio Oriente, en cada viaje capturó
sonidos esenciales del paisaje y las costumbres locales. Precisamente durante un viaje
en la India con su familia fue que nació un trabajo revelador para su obra: “grabé en
estéreo con dos micrófonos cardiodes sobre una pequeña base portátil. Caminaba en
distintas direcciones siguiendo los sonidos que me interesaban, digamos que creaba
paisajes sonoros en tiempo real”.
Pero fue en Francia, donde logró depurar una idea que venía esbozando tiempo atrás;
una relación funcional entre ciencia y música, a través del análisis de las técnicas
granulares y la influencia de la teoría cuántica en las estéticas musicales, como parte
de un proceso para generar una “teoría estética acerca de la manera de crear música
contemporánea abstracta, y sobre cómo escuchar esta música compleja”.
El espacio, el objeto, la atmósfera, el “contexto sonoro” y todo lo que suene o tenga la
capacidad de hacerlo, es materia prima para gestar un concepto, o para generar una
propuesta que, como sostiene el mismo Rocha, “se pose dentro de una apariencia
cotidiana para presentarse como una pregunta”.
Sound citizen
By: Mario Zamudio
Man walk over asphalt enclosed on his i-pod, meanwhile around him a sound
construction is generated, establishing conditions over space and life. Manuel Rocha
organizes his whole work around two ideas: Alienation, and individual impossibility of
an interactive experience with the environment.
This Mexican artist’s work generates a complete reflection about the way man interacts
with acoustic daily landscapes, and takes his doubts to science and quantum physics
field in order to show “the object and its possibilities to produce sound”.
Rocha’s work main characteristic is his constant exploration into the electronic sound
universe, through physic phenomenon considering “sound structure, from frequency
and duration perspective”. This is particularly evident at his work ‘I-Play’; drums
intervened with horns helps to study interaction between musical membranes and
metallic cymbals structure, so then, war and massacre representation, coming from
tropical insects sound.
Rocha started his academic studies at Mexico, there started a cosmopolite career which
has taken him around the world looking for sounds “Travel to me has become in a
fundamental part of my life, because it teach me a lot about cultural, and religious
traditions, etc., maybe I’m not nationalist at all, I prefer to think I’m a world citizen”.
He has traveled across Europe, Africa and the Near East, capturing during all this time
essential sounds of the landscape and local customs. Precisely visiting India had place
a revelation for this whole artistic career “I record in stereo using two cardioids
microphones over a small portable base, I walked in different directions following
sounds I was interested in, let´s say I was creating sonorous landscapes in real time”.
It was in France, where he finally achieved to make real an idea he was working on
long time ago; a functional relationship between science and music through granulate
techniques analysis, and quantum influence over musical aesthetic, as a part of a
whole process to generate an “aesthetical theory about the way to make contemporary
abstract music, and how to listen this complex music”.
Pero fue en Francia, donde logró depurar una idea que venía esbozando tiempo atrás;
una relación funcional entre ciencia y música, a través del análisis de las técnicas
granulares y la influencia de la teoría cuántica en las estéticas musicales, como parte
de un proceso para generar una “teoría estética acerca de la manera de crear música
contemporánea abstracta, y sobre cómo escuchar esta música compleja”.
All spaces, objects, atmospheres and “sonorous contexts”, like everything that sounds,
or may do it, is raw material for create concepts, or generate proposes, “able to keep
an ordinary appearance, but come to us as a question” as Rocha would say.
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Agenda
Fotográfica Bogotá 2009
www.fotomuseo.org
Descentralizando revelados.
Por: Johan Medina Sánchez
La eterna discusión sobre el acceso a bienes y servicios e incluso al arte, permite
que se sigan librando batallas por aquellos que le apuestan a la universalidad, y a
su interés por sensibilizar y socializarlo.
En esta ofensiva, el Museo Nacional de la Fotografía -FOTOMUSEO-, presenta la
tercera versión de la Bienal Internacional de Fotografía, FOTOGRÁFICA
BOGOTÁ 2009 que se celebrará entre el 3 de mayo al 15 de junio y donde se
reunirán algunos de los fotógrafos contemporáneos más representativos: Olaf
Breuning (Suiza) y Eugenio Recuenco (España) además de teóricos nacionales e
internacionales como Robert Flynn Johnson (USA) y Bernard Stiegler de Francia,
país invitado de honor.
Mientras que los 8 mega pixeles en tecnología celular se ofrecen como una
carnada publicitaria para el tercer mundo, FOTOGRÁFICA BOGOTÁ 2009
desempolvará las cámaras análogas de los “Fotoagüitas” homenajeados en esta
versión, pues ellos retrataron la idiosincrasia colombiana desde comienzos del
siglo XX con una técnica donde el proceso de registro y revelado era “in situ”.
Además, se presentarán 40 exposiciones simultáneas en 12 galerías y el Museo
de Arte Moderno de Bogotá (Mambo), así como en las calles, en los módulos del
FOTOMUSEO, paraderos, Transmilenio, las culatas de los edificios, kioscos de la
Defensoría del Espacio Público y vallas. Un encuentro teórico, talleres de los
artistas internacionales en universidades de Bogotá y un ciclo de cine
denominado: La fotografía descansa en el cine, que proyectará los
cortometrajes realizados por los artistas invitados nacionales y del mundo.
Este año la exposición que también visitará las ciudades de Cali, Medellín y
Barranquilla se denomina “Laberintos del rostro, paisajes de la conciencia” y
propone como tema central al retrato por ser este un icono histórico de este arte.
La propuesta revolucionaria del concepto de museo abierto y democrático del
FOTOMUSEO, conforma la sinergia entre la polución de la metrópoli, el transeúnte
y el arte liberado que le devuelve al ciudadano de a pie el derecho a reclamar lo
que le pertenece; esto hace de FOTOGRÁFICA BOGOTÁ 2009 de los encuentros
fotográficos más importantes a nivel continental.
Developing decentralization
By: Johan Medina Sánchez
Eternal discussion about access to goods, services and even art, allows to some
brave people to give battles to defend the divine right to universality and to spread
sensible movements on society.
According to this cultural offensive, National Museum of Photography –
FOTOMUSEO- presents the third version of Photography International Biennale,
FOTOGRÁFICA BOGOTÁ 2009. It will have place between 3th may and 15th
June; some of most important contemporary photographers such as Olaf Breuning
(Switzerland) and Eugenio Recuenco (Spain) and international theoreticals such as
Robert Flynn Johnson (USA) and Bernard Stiegler (France) will assist to this
important event.
Meanwhile the emergent countries are under advertising siege of 8 megapixels at
cellular technology, FOTOGRÁFICA BOGOTÁ 2009 will take out of closet the old
“Fotoagüitas” analogical cameras, honored at this biennale version because they
depicted the Colombian idiosyncrasy during the whole XX century using a capture
a developing technique ‘in situ’.
Moreover, 40 simultaneous expositions will have place at 12 galleries including
Museo de Arte Moderno de Bogotá (Mambo) and the streets, FOTOMUSEO
modules, Transmilenio stop stations and high building walls. It will have place also,
a theoretical event, and several workshops with the invited artists at Bogota
Universities and short film festival named: Photography lays on cinema, several
short films of invited artists will be shown at.
This year the exposition will visit Cali, Medellin, and Barranquilla with portrait as
main topic; Face labyrinths, conscience landscapes exposition will show the
particular focus of this event.
Revolutionary propose such as open and democratic museum like FOTOMUSEO
is looking for, conforms a synergy between city pollution, peasants, and liberated
art that gives back to ordinary citizen the right to claim what belongs it, this turns to
FOTOGRÁFICA BOGOTÁ 2009 in one of most important events at America.
Agenda
8 Festival Internacional de la Imagen
http://www.festivaldelaimagen.com
Otra perspectiva de la imagen
Por: Oscar Forero
El Festival Internacional de la Imagen, es un espacio que abierto a la discusión sobre
los nuevos medios, y las propuestas intermedias en materia de Arte, Diseño, Ciencia y
Tecnología, así como temas relacionados con los nuevas tecnologías, software libre y
modos de democratización del acceso a la información
Desde el 21 hasta el 25 de abril en Manizales, tendrá lugar el VIII Festival
Internacional de la Imagen, organizado por la Universidad de Caldas. En el evento se
destaca la presencia de Roger Malina (Editor de la Revista Leonardo MIT), Antoni Abad
(artista multimedia), Sergi Jordá (creador del Reactable), Vanina Hoffman
(Cofundadora de Taxonomedia), entre otros representantes del campo del arte, el
diseño, la ciencia y la tecnología.
Durante una semana los visitantes podrán acceder a los diferentes escenarios ofrecidos
por el festival, para esta octava edición, se le rendirá un homenaje a los 40 años de la
Revista Leonardo del MIT, pues fue la primera publicación especializada en el estudio
del papel que cumple el arte y el diseño en la sociedad.
El evento que se celebra desde 1997 cuenta ya con un gran reconocimiento
internacional, perfilandose como el único en su tipo en Latinoamérica. A lo largo de sus
12 años se han discutido temas como: la creación digital, nuevas tendencias del
diseño, la evolución de los audiovisuales.
De manera paralela tendrá lugar el VI Foro Académico de Diseño, en el que se abre
espacio de exposción de proyectos, tanto para profesionales del diseño, estudiantes de
último año de pregrado, de Maestría y Doctorado en áreas afines.
Another Perspective of the Image
By: Oscar Forero
International Image Festival is an open space to discussion about new media, and
intermediate proposes at Arts, Design, Science, and Technology field, so then, related
themes to new communication technologies, free software and democratic modes to
information access.
Between 21th and 25th April at Manizales, will hace place VIII International Image
Festival, organized by Universidad de Caldas. This event edition will count with Roger
Malina (Leonardo Magazine Editor, MIT), Antoni Abad (Multimedia artist), Sergi Jordá
(Reactable’s author), Vanina Hoffman (Taxonomedia’s cofounder), and many other
representative figures of arts, design, science and technology.
During the week, the festival will offer different scenarios and a tribute to the Leonardo
MIT Magazine 40th anniversary, knowing that it is the first publication regarding the
part of arts and design in our society.
This event has taken place since 1997 and it counts with international recognition as
the unique of its kind in Latin America. During these 12 years, subjects as digital
creation, new design tendencies and audiovisual evolution have been treated.
At the same time it will take place the VI Academic Forum of Design, as a space to
show projects made by design professionals and students
Colombia
Hamilton Mestizo
Autopsia a Hamilton Mestizo
Por: Henry Muñoz
Sobre una camilla, cubierta con una tela blanca; hay unos guantes de
látex y un gorro, que generan la sordidez antiséptica de la atmosfera
médica Entra en escena un hombre vestido con una bata blanca,
tiene lugar un movimiento de cámara leve, entreviendo la presencia
de una enfermera.
Se inicia un ritual que lleva a los protagonistas a vestir bata azul,
gorros y guantes de látex. Ahora la cámara baja, todos esperamos
ver el rojo explicito de las entrañas, nos encontramos sin embargo
con la obra de Hamilton Mestizo: Un secador de pelo “muerto”, como
diría el artista; el hombre de bata azul, que se dispone a ejecutar una
autopsia.
Revisar este proceso detenidamente; ‘la autopsia de una máquina’,
nos enfrenta necesariamente a pensar en la relación existente entre
humanos y máquinas, y en la manera en que a través de los años ha
evolucionado.
Mientras ella anota datos en una hoja, él se abre paso con su segueta
a través de la anatomía del aparato, lo divide dos partes y expone a
la mirada su laberinto mecánico por el cual fluyó la electricidad que lo
hacía funcionar, su sangre.
“Es un proceso inverso al de las biopsias clásicas, no es una
sonda la que hurga en un cuerpo, es la fuerza de los dedos y
una herramienta análoga abriéndose camino por la anatomía
artificial del aparato”
La máquina desprovista de sangre no musita, ni se resiste, se rinde
inmóvil, como un cuerpo que se va descomponiendo en manos de
Mestizo. Mientras, él extrae los órganos de un cuerpo muerto, las
analiza y las mide, deconstruyendo algo, que en algún momento
sirvió para algo.
Es inevitable pensar en la obra de Mestizo desde la perspectiva de la
lúdica infantil destructiva, cuando un juguete interesante es sometido
a una ‘autopsia en vida’, sin ninguna intención científica o artística,
sólo para, con curiosidad de gato, saber dónde se encuentra el
corazón y de qué color es la sangre.
Sobre la camilla, ahora están, cuidadosamente acomodadas, las
partes de lo que en algún momento fue un secador, como tripas y
órganos mecánicos que ya no funcionan. Se aproxima el siguiente
paciente, bien una cámara fotográfica, un Betamax, o una licuadora,
pero que le sirven a Mestizo para indagar en algo que está allí, en la
acción misma; en la relación de dos cuerpos, uno orgánico, el otro
no, que podría decirse funcionan dentro de una lógica binaria del 1 y
el 0, funcionando y dejando de vivir, de acuerdo a pulsos de sangre y
electricidad.
Autopsy to Hamilton Mestizo
By: Henry Muñoz
Over a stretcher covered with a White cloth; there are latex gloves
and a cap, generating the sordid and antiseptic medical atmosphere.
A man wearing gown gets in the scene, camera moves softly letting
us see a nurse.
It’s starting a ritual which pushes its protagonists wearing blue
gowns, caps and latex gloves. Now the camera looks down, we all are
waiting for red explicit of entrails, we found out Hamilton Mestizo
work: A “dead” hair-dryer, according to the artist words; the man
wearing blue gown ready to execute this autopsy.
Make a thoroughly review over; ‘a machine autopsy’, take us in front
the question about the existing relationship between humans and
machines, and its evolution way through time.
She takes notes; meanwhile he is opening a breach using his
handsaw through the artifact’s anatomy, he divide it in two parts
exposing to eyes the inner mechanic labyrinth, it was full of electricity
as blood, which make it works.
“It’s a reverse process to classic biopsy, is not a probe stirring
up a body, is the fingers strength and analogical tool opening
a path across the artifact’s artificial anatomy”
The machine devoid of blood makes no sound, it cannot resist, it is
just there, making no move, as a decomposing body at Mestizo’s
hands. Meanwhile, he extracts the organs of this dead body,
analyzing them, and taking measures, just separating into its
elements something that used to work.
We must think on Mestizo’s work from destructive games child-like,
when an interesting toy is submitted to an ‘autopsy on life’ without
any artistic or scientific intention, just for, like a cat, know where the
hearth is placed, and what the blood’s color is.
Now over the stretcher are placed, very carefully, all the parts
sometime ago were a hair-dryer, as dead intestines and mechanical
organs. The next patient is coming, an old Betamax, an icebox, it’s
the same. Mestizo just use them to explore something it’s just right
there, on action ‘per se’; the relationship between two bodies of
different nature, working according to a binary logic of 1 and 0, living
and dying for blood and electrical pulses.